Introduction

Salut! Êtes-vous un débutant complet qui est submergé par tous les modes de fusion proposés par csp et ne sait pas comment les utiliser réellement dans vos illustrations ? Il n'est valable que pour être. Après des années à faire de l'art numérique, j'ai compris comment les utiliser de manière productive, alors, pour faciliter votre travail, voici le guide ultime sur la façon d'utiliser les modes de fusion pour donner vie à vos illustrations !!

 

Alors….. Que sont les modes de fusion ?

 

Les modes de fusion décident de la manière dont votre calque interagira avec les calques situés en dessous. Ils peuvent être utilisés pour de nombreuses choses, comme ajouter de l'éclairage, changer l'ambiance ou ajouter des filtres stylistiques. À première vue, ils peuvent sembler extrêmement intimidants.

Dans ce tutoriel, je vais passer en revue chaque mode de fusion et expliquer comment vous pouvez les utiliser dans vos illustrations pour les touches finales. Nous commencerons par comprendre le fonctionnement des différents modes. Si vous trouvez la théorie intimidante (comme moi), n'hésitez pas à sauter l'introduction aux modes et à la place, commencez par l'éclairage, puis revenez aux modes. D'après mon expérience, il vaut mieux commencer par des utilisations directes plus petites que de comprendre les mécanismes derrière chaque mode de fusion.

 

Tout d'abord, je vais passer en revue tous les différents modes de fusion et les façons dont vous pouvez les utiliser pour ajouter la touche finale à votre œuvre. Ensuite, nous passerons à leur utilisation pour montrer différents moments de la journée, ce qui peut également améliorer des illustrations simples.

Modes

Csp offre un total de 26 modes de fusion. Je les ai divisés en cinq sections pour faciliter la compréhension. Au début, vous pouvez ajouter des touches finales en utilisant simplement Multiplier ou Gravure linéaire pour les ombres, Ajouter ou Color Dodge pour les hautes lumières et Overlay pour les effets. Cela dit, c'est toujours une bonne idée de jouer avec et de comprendre tous les modes de fusion afin de déterminer ce qui vous convient le mieux et le type d'illustrations que vous souhaitez créer.

Pour tous les modes de fusion, j'ai ajouté une illustration commune et une image comme exemple montrant comment les couleurs se mélangeront.

Pour les ombres

Les modes de fusion sous l'ombre assombrissent les couleurs de l'illustration par rapport aux couleurs d'origine. J'ai ajouté un exemple d'illustration avec tout cela avec des couleurs claires à l'aérographe pour des tons plus chauds sur la peau et une couleur plus foncée pour les cheveux.

 

𝘿𝘼𝙍𝙆𝙀𝙉

 

Le mode Assombrir compare les couleurs du calque de fusion et des calques de base et conserve les couleurs les plus sombres. Personnellement, je pense que c'est utile pour colorer des objets translucides. Assombrir ignore complètement le blanc, puisque toutes les couleurs sont plus foncées que le blanc.

 

Dans le premier exemple, vous verrez que deux couleurs complètement saturées se mélangent pour donner du noir. De plus, dans le deuxième exemple, vous remarquerez qu'il n'y a pas de changement visible, c'est parce que les valeurs de l'ombrage sont très proches des valeurs d'origine, donc il n'y a pas de changement.

Voici quelques exemples de la façon dont vous pouvez utiliser Darken pour « pimenter » votre travail. L'utilisation de Darken pour les verres teintés permet de donner l'illusion d'une surface translucide sans diminuer le contraste. Vous verrez dans l'exemple ci-dessous que Darken aide à faire ressortir la texture sous les lunettes et la couleur des yeux du personnage.

Darken est également incroyable pour les ombres teintées. Peut-être avez-vous une illustration plate à laquelle vous souhaitez ajouter rapidement des ombres légèrement plus stylisées. Vous pouvez facilement y parvenir en utilisant une couleur saturée sur un calque avec le mode de fusion défini sur Assombrir.

 

Enfin, un autre exemple rapide concerne le moment où vous souhaitez modifier la teinte. Vous pouvez ajouter la couleur à faible opacité, bien sûr, mais le réglage de ce calque pour qu'il s'assombrisse entraîne un changement de teinte plus stylisé avec un meilleur contraste, ce qui fait ressortir davantage les couleurs. Cela peut vraiment rendre une illustration initialement terne vraiment unique et accrocheuse.

 

Il existe plusieurs autres façons d'utiliser le mode de fusion Assombrir ; ce ne sont là que quelques exemples simples.

 

𝙈𝙐𝙇𝙏𝙄𝙋𝙇𝙔

Le mode Multiplier multiplie la couleur, rendant ainsi la couleur de base plus sombre. Vous pouvez l'utiliser avec différentes teintes pour ajouter des ombres ou pour ombrer une illustration, d'autant plus qu'il supprime le blanc et les autres couleurs plus claires. Il peut être utilisé de plusieurs façons, dont je parlerai au fur et à mesure.

 

Multiplier est le mode de fusion préféré de la plupart des artistes. C'est génial pour ajouter des ombres, ajouter du fard à joues et parfois même pour ajouter des superpositions. Les deux images ci-dessous montrent comment cela fonctionne en pratique. Vous verrez que contrairement à Darken, puisque Multiply multiplie les valeurs, vous pouvez utiliser des couleurs de luminosité similaire tout en ayant un effet visible.

Il y a tellement d'utilisations courantes de Multiplier que seulement trois exemples ne pourraient pas lui rendre justice. Voici quelques favoris personnels :

 

Vous pouvez utiliser Multiplier pour de simples dégradés de peau, pour des ombres ou même pour créer un scénario d'éclairage différent. Je les détaillerai plus en détail sous la rubrique " Eclairage ".

Une autre grande utilisation de Multiplier est de mettre votre personnage en dehors de l'arrière-plan. Cela peut être fait en séparant d'abord le caractère et l'arrière-plan en calques séparés. Maintenant, copiez le calque de personnage et placez-le sous celui d'origine. Sous "Filtre", vous trouverez "Flou gaussien". Réglez la force du flou à votre convenance. Enfin, définissez le calque sur "Multiplier" et réduisez l'opacité selon vos propres préférences. C'est si facile. Ceci est particulièrement courant dans les bandes dessinées, où vous voulez attirer l'attention du spectateur sur le personnage.

Enfin, vous pouvez également utiliser la multiplication pour ajouter de la texture. Dans les illustrations rendues, cela peut rendre votre travail plus réaliste. Pour ajouter de la texture, allez simplement dans "Filtre"> "Rendu"> "Perlin Noise". Ajustez les paramètres à votre convenance. Fixez maintenant le calque de bruit à l'illustration de votre personnage. Cela garantira que le bruit n'est visible que dans la zone qui contient des pixels non transparents dans le calque de base. Maintenant, définissez le calque pour qu'il se multiplie et ajustez l'opacité à votre guise.

 

 

Vous remarquerez qu'il est souvent préférable d'utiliser la multiplication à une opacité plus faible car elle est très intense.

 

𝙇𝙄𝙉𝙀𝘼𝙍 𝘽𝙐𝙍𝙉

Semblable à Multiplier, il rend les couleurs plus sombres mais avec plus de saturation par rapport à la multiplication. La gravure linéaire est affectée par l'opacité du calque de fusion.

 

Étant donné que Linear Burn donne plus de saturation, vous remarquerez que les couleurs mélangées entre les cercles RVB ne sont pas complètement noires. De plus, les bandes colorées sont plus intenses qu'elles ne l'étaient dans Multiply ou Darken.

Le blush et les cheveux sont également beaucoup plus intenses. Il est généralement préférable de maintenir une faible opacité lors de l'utilisation de "Gravure linéaire".

La gravure linéaire peut être utilisée pour ajouter des ombres teintées exagérées. Il peut être utilisé de la même manière que Multipy, mais vous devez maintenir l'opacité beaucoup plus faible dans les dégradés.

Un effet très simple que vous pouvez faire avec la gravure linéaire consiste à utiliser la couleur de votre choix pour une ombre et à la régler sur une opacité d'environ 50 %. Ici, j'ai utilisé le cyan pour montrer une ombre projetée par un arbre. J'ai pris cette décision parce que le ciel serait bleu et les feuilles des arbres seraient vertes ; le cyan serait la meilleure option pour l'ombre dans ce cas, à mon avis. Ensuite, j'ai juste utilisé un pinceau doux de faible opacité pour effacer des morceaux aléatoires, donnant l'impression que le personnage est à l'ombre des arbres. Vous pouvez utiliser Linear Burn de la même manière pour un personnage dans un aquarium.

 

𝘾𝙊𝙇𝙊𝙍 𝘽𝙐𝙍𝙉

Color Burn assombrit les couleurs tout en augmentant le contraste. Cela peut rendre les couleurs plus sombres et plus vives. La saturation obtenue par Color Burn est supérieure à celle obtenue par Linear Burn. Gardez également à l'esprit que Color Burn est affecté par l'opacité du calque de fusion.

 

Dans l'image ci-dessous, vous verrez que la brûlure de couleur laisse un blanc pur et un noir pur tels qu'ils sont ; toute couleur sur le calque de fusion si le calque de base est noir ou blanc ne sera pas visible. De plus, vous verrez que les lignes colorées ont rendu la couleur de base plus sombre et plus saturée.

 

Dans l'autre exemple, vous verrez que la saturation causée par Color Burn est supérieure à ce que vous avez vu dans Linear Burn.

Color Burn est un mode de fusion très puissant, vous vous retrouverez donc généralement à l'utiliser avec une opacité plus faible. Vous remarquerez que le blanc pur n'est pas affecté ici non plus, même à 100% d'opacité. Lorsqu'il est utilisé pour changer de teinte, vous verrez que le contraste entre les hautes lumières et les tons moyens n'est que légèrement augmenté (lorsqu'il est utilisé à une opacité plus faible). Cela rend Color Burn idéal pour un changement de teinte subtil qui n'est pas trop dur pour les yeux. Une autre utilisation de Color Burn est similaire à Multiply : vous pouvez l'utiliser pour modifier l'éclairage.

Bien que, contrairement à Multiply, il semble plus dynamique. Avec les deux réglés sur 66% d'opacité, vous verrez que Color Burn garde les reflets très vibrants, comme dans le feu.

 

𝘿𝘼𝙍𝙆𝙀𝙍 𝘾𝙊𝙇𝙊𝙍

 

Il compare les valeurs et conserve la couleur la plus foncée. Cela peut être utilisé pour remplacer tous les reflets par une couleur spécifique. Vous pouvez directement voir cela en action dans l'image ci-dessous. Pour le fard à joues et les ombres, il y a aussi une différence minime.

Personnellement, je n'utilise pas très souvent Darker Color, mais il peut être utilisé simplement pour ajouter des ombres à des illustrations plates. Dans l'image ci-dessous, j'ai utilisé trois couleurs distinctes d'obscurité variable et défini le calque sur "Couleur plus foncée". Vous verrez que les ombres sur les cheveux sont visibles dans le premier exemple. Dans le deuxième exemple, le bleu est plus foncé que les cheveux, donc seul le lineart presque noir est visible. Maintenant, dans la troisième image, comme le bleu est plus clair que les cheveux et les vêtements, il a fini par ne recouvrir que la peau.

Si vous souhaitez uniquement modifier la couleur d'un ensemble spécifique de hautes lumières ou même de tons moyens, vous pouvez utiliser une couleur plus foncée.

Pour les faits saillants

Les modes de fusion sous "Highlights" sont essentiellement à l'opposé des modes de fusion sous "For Shadows". Ces modes de fusion rendent les couleurs plus lumineuses ou ne conservent que les tons clairs.

 

𝙎𝘾𝙍𝙀𝙀𝙉

L'écran est fondamentalement l'opposé de Multiplier, il inversera donc les couleurs et les multipliera dans le calque de base. Cela peut être utilisé pour les faits saillants. Le noir sur le calque de fusion n'entraîne aucun changement dans les couleurs de base.

Vous verrez sur l'image ci-dessous que Screen donne naissance à une couleur très douce et lumineuse. Cela pourrait également créer un effet bokeh vraiment mignon et coloré. Dans l'autre exemple, vous verrez que les hautes lumières de l'écran sont légèrement plus lumineuses.

 

L'intensité de l'écran est beaucoup plus facile pour les yeux par rapport aux quelques modes suivants, vous pouvez donc l'utiliser pour des reflets subtils. Pour la lumière douce du soleil, vous pouvez également appliquer à l'aérographe des couleurs vives sur un calque de fusion défini sur le mode de fusion Écran. Une autre utilisation pourrait être pour des verres légèrement teintés ou d'autres surfaces teintées transparentes.

 

𝘼𝘿𝘿

 

Ajouter rend les couleurs plus lumineuses en "ajoutant" les couleurs. C'est idéal pour ajouter des reflets saturés. Je vais discuter des façons de l'utiliser à l'avenir.

 

Dans l'image, vous verrez comment Ajouter rend les couleurs beaucoup plus lumineuses. même les bandes de couleurs semblent donner l'illusion de briller. Add peut être utilisé de la même manière que vous utiliseriez Screen, mais il donne des couleurs plus intensément lumineuses.

Vous verrez comment la surbrillance orange-rouge dans l'exemple ci-dessous se mélange avec les couleurs du calque de base pour paraître plus jaune et plus lumineuse. cela fait d'Add un mode de fusion incroyable pour les reflets.

Voici une méthode que vous pouvez utiliser pour ajouter des reflets forts, comme un rétroéclairage, à vos illustrations. Vous pouvez suivre ce même processus mais échanger "Add" avec "Add (Glow)", "Color Dodge" ou même "Glow Dodge".

 

Le processus est très simple. La première étape est facultative, mais j'aime d'abord aérographier l'arrière-plan avec une version plus saturée de votre couleur de surbrillance (en mode de fusion "Écran") pour une illusion de lumière. Ensuite, ajoutez un calque au-dessus du personnage, définissez ce calque sur "Ajouter" et fixez-le au calque en dessous. Maintenant, placez vos reflets où vous le souhaitez avec une couleur moins saturée.

 

Vous pourriez techniquement vous arrêter ici, mais pour moi, la lumière me semble un peu trop dure, alors j'ai ajouté une troisième étape. Pour le lier, ajoutez un nouveau calque et réglez-le sur "Ajouter" et avec la même couleur moins saturée, passez légèrement sur les reflets nets avec un aérographe. Enfin, avec une couleur plus saturée, augmentez la taille du pinceau et passez à nouveau légèrement sur la zone environnante. Réglez ce calque sur une opacité inférieure.

 

𝘼𝘿𝘿 (𝙂𝙇𝙊𝙒)

Add (Glow) est similaire à Add, mais il conduit à des couleurs encore plus vives. Vous pouvez le voir en action dans les images ci-dessous.

Add(Glow) peut être utilisé pour ajouter des reflets et de la lumière du soleil. Dans le didacticiel que j'ai ajouté sous "Ajouter", le calque ajouté à la troisième étape peut être défini sur "Ajouter (lueur)".

 

Voici la comparaison avec uniquement le mode de fusion du calque aérographe modifié :

De plus, vous pouvez également flouter ou mélanger un peu les hautes lumières. Celui de gauche a les deux modes de fusion réglés sur Ajouter, tandis que celui de droite est réglé sur Ajouter (lueur) à une opacité plus faible et avec des reflets nets tachés.

 

𝘾𝙊𝙇𝙊𝙍 𝘿𝙊𝘿𝙂𝙀

Color Dodge éclaircit les couleurs de la base et réduit le contraste. C'est idéal pour mettre en évidence les points focaux et augmenter la saturation. Les tons moyens sont saturés et les hautes lumières deviennent très intenses. Color Dodge est également affecté par l'opacité du calque de fusion.

 

Vous remarquerez que Color Dodge conserve la saturation des hautes lumières plus que les modes de fusion précédents.

 

Mis à part les utilisations que j'ai mentionnées pour les modes précédents, comme pour les hautes lumières, Color Dodge est un outil incroyable pour faire d'un certain point de votre illustration un point focal.

Ci-dessous, vous pouvez voir comment j'ai utilisé Color Dodge avec un aérographe pour faire briller ou se démarquer des parties des personnages. C'est également un excellent outil pour ajouter une lueur à des objets tels que des sabres laser ou des bijoux.

 

𝙂𝙇𝙊𝙒 𝘿𝙊𝘿𝙂𝙀

 

Semblable à "Color Dodge", mais plus intense. Dans les hautes lumières, vous verrez que la saturation est encore plus forte dans Glow Dodge.

L'image ci-dessous compare Color Dodge (à gauche) et Glow Dodge (à droite), j'ai gardé l'opacité de Glow Dodge beaucoup plus faible pour m'assurer que la lueur n'est pas aveuglante. Vous pouvez clairement voir à quel point Glow Dodge est plus net et plus intense en comparaison (comme la couleur intense dans les nuages).

 

𝙇𝙄𝙂𝙃𝙏𝙀𝙍 𝘾𝙊𝙇𝙊𝙍

 

La couleur plus claire est très similaire au mode de fusion "Lighen", mais elle ne donne pas lieu à une troisième couleur et remplace directement toutes les couleurs plus sombres du calque de base.

Dans l'image ci-dessous, vous verrez comment les couleurs ne sont pas visibles sur le blanc car aucune couleur n'est plus claire que le blanc. De plus, dans l'autre exemple, vous verrez que la surbrillance est plus claire que les cheveux et les vêtements, il n'y a donc aucun changement.

Je ne me retrouve généralement pas à utiliser Lighter Color souvent, mais il peut être utilisé pour remplacer un certain ensemble de couleurs sombres. Il peut également être utile dans des illustrations complètement plates avec un fort contraste.

 

𝙇𝙄𝙂𝙃𝙏𝙀𝙉

Semblable à Darken, Lighten garde les couleurs plus claires que les couches supérieures et remplace les couleurs plus sombres. Il donne naissance à une troisième couleur.

 

Dans l'image ci-dessous, vous verrez comment la couleur d'arrière-plan fait vraiment la différence. Encore une fois, dans les cheveux aussi, puisque le reflet est plus clair, il n'y a pas de différence visible dans la couleur.

 

Lighten peut être utile pour les reflets teintés subtils. Il est également idéal pour afficher des écrans lumineux ou rendre d'autres surfaces transparentes plus intenses. Par exemple, vous pouvez également obtenir une lueur similaire pour les lunettes via "Écran", mais l'intensité de la luminosité et de la saturation est beaucoup plus faible.

Vous pouvez l'utiliser pour modifier subtilement la teinte de l'illustration, mais contrairement à "Darken", un changement de teinte via "Lighten" gardera la luminosité et le contraste visibles plus ou moins similaires.

Pour les couleurs

Les modes de fusion de la catégorie "Pour la couleur" sont également appelés "Modes de fusion de contraste". La logique sous-jacente est que les couleurs plus foncées que 50 % de gris auront un mode de fusion assombrissant appliqué (ceux discutés sous "Pour les ombres"), et les couleurs plus claires que 50 % de gris auront un mode de fusion éclaircissant appliqué (ceux discutés sous "Pour les faits saillants").

 

𝙊𝙑𝙀𝙍𝙇𝘼𝙔

Superposition agit comme Écran dans les zones plus claires et comme Multiplier dans les zones plus sombres, rendant les couleurs plus sombres encore plus sombres et les couleurs plus claires plus claires. La superposition prend en compte la luminosité des couleurs de base, contrairement aux autres modes de fusion sous les modes de fusion de contraste.

 

Ci-dessous, vous pouvez voir comment la superposition combine les couleurs ensemble. Habituellement, cela donne un très beau résultat saturé (j'ai un fort parti pris pour Overlay et Multiply). La superposition peut être utilisée pour beaucoup de choses. Ci-dessous, vous pouvez déjà voir comment un simple dégradé défini pour se superposer peut vraiment améliorer un dessin. Il est également idéal pour l'éclairage.

Une utilisation majeure de la superposition est de lier l'arrière-plan et le premier plan. J'aime le faire en utilisant soit un remplissage solide, soit un dégradé à une opacité plus élevée définie pour la superposition, puis en le découpant sur le calque de premier plan. Ensuite, j'utilise le même dégradé pour l'arrière-plan, mais avec une opacité relativement plus faible. Vous pouvez également ajouter du bruit comme nous l'avons fait sous "Multiplier". Le bruit réglé sur Superposition n'assombrit pas trop les couleurs comme le fait Multiplier, il est donc idéal pour les illustrations plus lumineuses.

Une autre grande utilisation de la superposition est d'obtenir une touche de couleur ! ou simplement ajouter des couleurs. Vous pouvez appliquer à l'aérographe une version plus brillante et plus saturée de la couleur de base sur le calque de mélange pour obtenir une belle touche de couleur. Pour la coloration, il suffit de parcourir les zones avec les couleurs de votre choix et d'admirer le résultat pendant quelques heures (je suis peut-être trop biaisé pour l'Overlay). La superposition peut également être utilisée pour ajouter des reflets et des ombres.

 

𝙑𝙄𝙑𝙄𝘿 𝙇𝙄𝙂𝙃𝙏

La lumière vive crée un effet similaire à Color Burn pour les couleurs plus sombres que 50 % de gris. En revanche, il crée un effet Color Dodge pour les couleurs plus claires que 50 % de gris. Il peut être utilisé pour des reflets extrêmement saturés. La lumière vive le fait en modifiant le contraste.

 

Ci-dessous, vous pouvez voir cela en action. L'utilisation de Vivid Light donne des couleurs très vives. Dans le dégradé, puisqu'il n'y a pas de couleurs de surbrillance, le résultat est similaire à Color Dodge.

 

Vivid Light peut être utilisé pour saturer votre illustration avec un contraste accru. Voici ma méthode personnelle pour aborder une illustration désaturée avec Vivid Light. Tout d'abord, je commence par augmenter la saturation. Souvent, il est agréable d'utiliser des couleurs un peu plus extrêmes pour obtenir un résultat coloré. Je repasse généralement les couleurs à l'aérographe. (p.s. Le pourcentage de chaque étape correspond à l'opacité du calque de fusion.)

J'ai ensuite ajouté de la lumière indirecte sur les cheveux et les vêtements. Bien qu'il ne s'agisse pas techniquement de "Bounce Light", je m'y réfère comme tel car c'est ce qui aide à lier la luminosité du visage.

Enfin, j'ai ajouté quelques bits de couleur plus clairs et plus sombres pour augmenter la saturation et le contraste.

Et .. Nous avons terminé!

 

𝙎𝙊𝙁𝙏 𝙇𝙄𝙂𝙃𝙏

La lumière douce agit comme Color Dodge pour les couleurs plus claires et comme Color Burn pour les couleurs plus foncées. Le contraste résultant est plus faible en comparaison. La lumière douce semble plus organique.

 

Vous pouvez voir dans les bandes que les couleurs du calque de fusion sont beaucoup plus claires que l'original. L'arrière-plan est plus sombre car sinon les couleurs ne seraient même pas visibles. Dans le deuxième exemple également, le dégradé est assez subtil.

Vous pouvez utiliser Soft Light sur lineart ou sur l'ensemble de votre illustration lorsque vous souhaitez un résultat subtil et peu contrasté. Cette subtilité de Soft Light la rend parfaite pour donner l'illusion d'un éclairage naturel. Vous pouvez également, sur le même calque, utiliser une couleur plus froide pour les parties qui ne sont pas en plein soleil.

 

𝙃𝘼𝙍𝘿 𝙇𝙄𝙂𝙃𝙏

 

Dans Lumière crue, l'effet est similaire à Écran pour les couleurs plus claires et Multiplier pour les couleurs plus sombres. Les couleurs du calque de fusion affectent beaucoup les couleurs résultantes, contrairement à la superposition. L'intensité de la lumière dure est élevée.

 

Bien que le nom puisse suggérer que Hard Light est le contraire de la lumière douce, ce n'est pas le cas. Étant donné que Hard Light fonctionne de la même manière que Multiplier pour les couleurs plus sombres, vous remarquerez que le contraste entre les hautes lumières et les tons moyens n'est pas si fort.

La lumière dure peut être utilisée de plusieurs façons. Son plus grand avantage est que son intensité est juste la bonne quantité, ce qui le rend parfait pour ajouter des reflets nets et des lueurs sur le même calque. Ci-dessous, vous pouvez voir avec quelle facilité vous pouvez créer l'illusion de ce qui ressemble à un écran lumineux grâce à Hard Light. Comme le contraste n'est pas trop augmenté, l'éclairage n'a pas l'air dur.

 

 

𝙇𝙄𝙉𝙀𝘼𝙍 𝙇𝙄𝙂𝙃𝙏

La lumière linéaire est la même que la lumière vive, mais elle modifie la "obscurité" des couleurs sombres et la "légèreté" des couleurs claires en modifiant leur luminosité en conséquence. La lumière linéaire conduit à des reflets plus intenses et saturés.

 

Vous pouvez voir dans l'image ci-dessous comment la lumière linéaire aide à augmenter la saturation mais n'affecte pas les couleurs à forte saturation, comme le jaune. Dans le dégradé, les couleurs semblent très intenses. Personnellement, je recommanderais d'utiliser Linear Light à une opacité plus faible.

Bien que les résultats de Linear Light et Vivid Light puissent sembler similaires, vous remarquerez que Linear Light a une luminosité et une saturation plus élevées.

Linear Light est un outil incroyable pour améliorer les couleurs d'une illustration finie. La ou les étapes sont simples, il vous suffit de choisir la couleur de votre illustration et d'utiliser la même couleur pour parcourir légèrement la zone du calque de fusion défini sur Lumière linéaire. Vous pouvez également changer cette couleur pour qu'elle soit plus chaude ou plus froide selon votre propre choix. Personnellement, j'aime que mes illustrations soient lumineuses et saturées, j'ai donc changé certaines couleurs de manière plus drastique. Vous pouvez jouer pour voir ce qui vous convient le mieux.

 

𝙋𝙄𝙉 𝙇𝙄𝙂𝙃𝙏

 

Pin Light est un peu compliqué. Si la couleur de fusion est plus foncée que 50 % de gris, les couleurs plus claires que la couleur de fusion sont remplacées. De même, si la couleur de fusion est plus claire que 50 % de gris, la couleur de fusion est remplacée. Pin Light supprime tous les tons moyens.

 

Lorsqu'il est utilisé à 100 % d'opacité, Pin Light peut donner une impression de contraste plus faible. Dans le dégradé, lorsqu'il est réglé sur une opacité totale, l'illustration commence à paraître un peu confuse car les couleurs n'avaient pas de contraste important au départ et la lumière des épingles a supprimé les tons moyens.

Habituellement, la première utilisation qui vient à l'esprit de Pin Light est de l'utiliser pour montrer la nuit lorsqu'il n'y a pas de sources de lumière vives. Vous pouvez également utiliser Pin Light de la même manière que vous utiliseriez une lumière douce lors de l'ajout d'un éclairage organique lumineux mais toujours légèrement subtil.

 

La lumière des broches, lorsqu'elle est utilisée avec une illustration plus contrastée, peut être utilisée pour ajouter doucement des teintes et des lumières sans trop modifier le contraste visible ou la luminosité. Personnellement, je préfère n'utiliser Pin Light qu'avec des pinceaux doux ou des dégradés.

 

𝙃𝘼𝙍𝘿 𝙈𝙄𝙓

Hard Mix ajoute les valeurs RVB de la couleur de fusion et les valeurs RVB de la couleur de base. En conséquence, les couleurs sont soit RVB, CMJ ou noir et blanc.

 

Trop compliqué? Probablement. Cependant, lorsqu'il est utilisé à une opacité plus faible, le mélange dur est idéal pour rallumer une image ; il est fréquemment utilisé pour faire de même en photographie. Cela peut également être traduit en illustrations.

 

Vous verrez dans le dégradé à quel point Hard Mix est intense; il a converti toutes les couleurs en magenta, rouge, blanc et noir ici avec un peu de jaune. Si nous réduisons l'opacité du calque de fusion, cela pourrait faire ressortir un très beau contraste.

Ci-dessous, vous pouvez voir comment Hard Mix peut être utilisé pour ajouter un éclairage très saturé au personnage. Hard Mix peut également être utilisé pour réduire les couleurs et augmenter le contraste. Ici, je l'ai fait en copiant la même illustration et en réglant le mode de fusion sur Hard Mix à faible opacité.

Pour inversion/annulation

Les modes de fusion dans "Pour inversion/annulation", comme son nom l'indique, ont un effet d'inversion sur les couleurs. Ces modes de fusion ne sont pas très couramment utilisés dans les illustrations.

 

𝙎𝙐𝘽𝙏𝙍𝘼𝘾𝙏

 

Il soustrait la couleur de fusion de la couleur de base. Cela conduit à une image plus sombre, contrairement à "Difference". En mode soustraction, les couleurs similaires s'annulent, ce qui donne du noir.

 

Ceci est plus facile à comprendre lorsque vous faites référence à la roue RVB ci-dessous. Le rouge avec le bleu donne le vert, le vert avec le rouge donne le bleu, et ainsi de suite. Dans le deuxième exemple, plus de saturation dans le rouge rend l'illustration moins saturée puisque les couleurs qu'elle contient sont des rouges ; enlever les rouges le laisse un peu terne.

Ci-dessous, vous pouvez clairement voir comment Soustraire "soustrait" la couleur du calque de fusion du calque de base. C'est à vous de décider comment vous utilisez la soustraction. La soustraction peut également être utilisée pour supprimer une tonalité spécifique.

 

𝘿𝙄𝙁𝙁𝙀𝙍𝙀𝙉𝘾𝙀

La différence soustrait la couleur de fusion de la couleur de base, puis combine les deux. Le mélange avec du blanc inversera les couleurs et le mélange avec du noir n'entraînera aucun changement.

 

Lorsque la couleur de base est saturée, Différence et Exclusion peuvent sembler similaires. Une fois la saturation descend, Différence commencera à inverser les couleurs. Il semblera amplifier la saturation lorsque la couleur de base a une saturation plus élevée.

La différence peut être utilisée pour expérimenter l'éclairage stylistique. Vous pouvez l'utiliser pour ajouter simplement des couleurs. Bien que ce ne soit pas un mode de fusion que la plupart des artistes utilisent.

 

𝙀𝙓𝘾𝙇𝙐𝙎𝙄𝙊𝙉

 

L'exclusion fonctionne de la même manière que la différence, mais entraîne un contraste plus faible en comparaison. Des couleurs similaires s'annulent dans l'exclusion, ce qui donne du gris.

 

Comme le suggère la définition, vous pouvez voir à quel point le contraste est diminué par exclusion (à moins que les couleurs du calque de fusion ne soient très saturées).

Encore une fois, peu d'artistes utilisent l'exclusion dans les illustrations, mais vous pouvez jouer avec pour obtenir des résultats très stylisés. Vous pouvez également jouer la sécurité en maintenant l'opacité plus faible.

 

 

𝘿𝙄𝙑𝙄𝘿𝙀

C'est le contraire de soustraire, donc les couleurs sombres sur le calque de fusion deviendront plus lumineuses et les couleurs plus claires deviendront plus sombres. Vous pouvez utiliser la division pour supprimer les teintes que vous ne voulez pas dans votre illustration. L'utilisation de blanc sur le calque de fusion n'entraîne aucun changement dans les couleurs.

 

En fonction de la saturation ou de la luminosité de la couleur de fusion, Diviser peut vraiment égayer une illustration.

Personnellement, je pense que cela donne des couleurs très vives et peut être utilisé pour les lueurs. Cependant, à des opacités plus élevées, cela peut être trop aveuglant. Lorsqu'il est utilisé à une opacité plus faible, il peut facilement augmenter le contraste et la luminosité.

Pour l'édition tonale

Enfin, nous avons les modes de fusion "Tonal Editing". Ceux-ci modifient essentiellement la teinte, la saturation et la luminosité des couleurs. Parce que tous ces modes de fusion sont plus simples à comprendre, je n'ai pas inclus d'exemples supplémentaires pour eux. En règle générale, il peut être plus flexible d'ajuster les couleurs via des courbes de tonalité ou d'autres options proposées par Clip Studio Paint dans son sous-menu "Modifier".

 

𝙃𝙐𝙀

Hue est plutôt simple; il va changer la teinte tout en gardant la luminosité et la saturation constantes. Vous pouvez simplement utiliser Hue pour modifier ou ajouter des teintes sans affecter la luminosité.

 

𝙎𝘼𝙏𝙐𝙍𝘼𝙏𝙄𝙊𝙉

La saturation détermine le degré de saturation des couleurs. Plus la couleur de fusion est saturée, plus les couleurs du calque de base apparaîtront saturées. De même, si la couleur de fusion n'est pas saturée, les couleurs de base perdront toute saturation.

 

En saturation, à travers le RVB, vous pouvez voir comment le noir rend les couleurs désaturées, tandis que les couleurs saturées maintiennent la saturation (puisque le RVB est déjà à pleine saturation). Dans l'exemple d'illustration, vous pouvez voir que le rouge a beaucoup augmenté la saturation, alors qu'une couleur avec environ 50% de saturation n'a presque aucun effet.

 

 

𝘾𝙊𝙇𝙊𝙍

Semblable à la teinte, la couleur changera la teinte en fonction de la couleur de fusion, mais elle modifiera également la saturation des couleurs de base parallèlement, en maintenant la luminosité constante.

 

Comme le suggère la définition, la couleur modifie la teinte et augmente la saturation. Dans l'illustration, vous remarquerez que les résultats sont beaucoup plus éclatants que ce que vous obtiendriez avec Saturation ou Teinte.

 

𝘽𝙍𝙄𝙂𝙃𝙏𝙉𝙀𝙎𝙎

Enfin, Luminosité augmente la luminosité. Si la couleur de fusion est noire, il n'y aura aucun changement. Si la couleur est plus claire que le noir, la luminosité de la couleur de base sera modifiée en conséquence.

 

Le fond étant blanc, les couleurs sont complètement désaturées. Dans l'illustration, vous pouvez mieux voir comment les couleurs de saturation et de luminosité différentes affectent l'illustration.

Éclairage

Il existe de nombreuses façons d'améliorer l'apparence de votre travail. Parce que ceux-ci dépendent de votre illustration et de votre style artistique, je pense qu'un exemple est une meilleure façon de vous aider à comprendre comment utiliser différents modes de fusion ensemble. Je ne parlerai que des scénarios d'éclairage de base qui, espérons-le, vous inciteront à trouver différentes façons d'utiliser ces modes de fusion.

 

𝘿𝘼𝙔𝙏𝙄𝙈𝙀

Avant de poursuivre, je tiens à mentionner que certains de ces modes de fusion peuvent être interchangés avec d'autres modes de fusion. Cela dépend vraiment de ce avec quoi vous êtes spécifiquement à l'aise et de ce que vous voulez faire. Place au tuto ! C'est l'illustration avec laquelle nous allons travailler.

Arrière plan:

Lors de la création d'une scène d'éclairage, la première étape consiste à s'assurer que l'arrière-plan est éclairé de la même manière. Je l'ai fait en définissant le calque sur Color Dodge (~ 50% d'opacité), puis en aérographeant la lumière. De plus, en continuant avec l'arrière-plan, comme ci-dessous dans le timelapse, vous pouvez faire une sélection pour ajouter un dégradé pour les rayons de lumière et le régler pour qu'il brille à faible opacité. Pour le rendre plus réaliste, estompez les arêtes vives à des endroits aléatoires. Après cela, j'ai ajouté du bokeh à l'aide d'un pinceau doux de faible opacité, puis j'ai utilisé un pinceau à éclaboussures pour les taches de jaune sur le même calque.

Premier plan:

 

Pour le premier plan, encore une fois, sur un calque réglé sur une lumière vive, j'ai appliqué de la lumière sur les personnages. Ensuite, sur un calque Add (Glow), j'ai ajouté la lumière nette sur les bords, puis je l'ai mélangée avec un pinceau à taches. Ensuite, je suis passé sur cette zone avec une brosse douce ou un aérographe. Enfin, j'ai ajouté des éclaboussures sur les personnages d'un calque Color Dodge.

 

Enfin, avec un calque de superposition, j'ai ajouté à la fois la lumière et un peu de bleu pour l'ombre afin de rendre l'illustration plus liée.

 

𝗡𝗜𝗚𝗛𝗧𝗧𝗜𝗠𝗘

 

(p.s. Obtenir un éclairage nocturne parfait à partir d'une illustration très éclairée peut être un peu difficile, donc je recommande généralement d'aborder une illustration nocturne en gardant cela à l'esprit et de choisir les couleurs en conséquence.)

 

Arrière plan:

La première étape pour que les couleurs de votre illustration ressemblent à la nuit consiste à ajouter un calque Color Burn et à le régler sur une opacité d'environ 70 %. Sur ce calque, allez dans dégradé et dans les préréglages, sélectionnez "ciel nocturne". Ajoutez maintenant un dégradé. Personnellement, je n'étais pas vraiment satisfait de l'apparence que cela avait à certains endroits, alors en utilisant du bleu, j'ai retouché certaines zones.

 

Premier plan:

Pour le premier plan aussi, j'ai commencé avec le dégradé "ciel nocturne", mais je l'ai réglé pour qu'il se multiplie car je ne voulais pas que la peau ressorte. Ensuite, sur un calque de couleur dodge, j'ai ajouté de la lumière très légèrement teintée de bleu sur les bords et dans les yeux. Sur un autre calque Color Dodge, j'ai aérographié des tons chauds pour que les personnages ressortent encore un peu. Ensuite, sur un calque de multiplication défini sur ~ 90%, ajoutez vos ombres portées et vos ombres.

Enfin, pour lier le tout, j'ai utilisé un calque de superposition et ajouté un dégradé avec un bleu clair et foncé. Une étape facultative consiste à ajouter un nouveau calque et à le configurer pour qu'il se multiplie. Utilisez maintenant un bleu ou un ton froid de votre choix pour rendre les tons chauds plus froids. Réglez ce calque sur une opacité très faible. Enfin, j'ai ajouté une vignette en aérographeant les coins et en réglant ce calque pour qu'il se multiplie.

 

𝙀𝙑𝙀𝙉𝙄𝙉𝙂

Pour un éclairage du soir ou du coucher du soleil, le but est de faire ressortir les tons chauds de manière subtile.

 

Arrière plan:

Nous allons commencer par utiliser Linear Burn pour ajouter de la lumière d'un côté, puis de l'autre côté, j'ai pris une couleur brunâtre pour augmenter la chaleur et diminuer la luminosité. Cela le rendra un peu terne car la brûlure linéaire est très intense. J'ai donc utilisé une lumière douce pour éclairer la zone d'où la lumière est censée entrer. Les deux couches de fusion sont définies sur une opacité d'environ 50 %. Les personnages n'interagissent pas du tout avec l'arrière-plan, donc cela n'aurait aucun sens d'avoir une ombre portée là-bas; néanmoins, j'ai peint à l'aérographe les bords des personnages avec une couleur sombre et j'ai réglé le calque pour qu'il se multiplie. Je l'ai fait pour faire ressortir les personnages et aussi pour m'assurer que l'illustration n'était pas trop lumineuse.

Premier plan:

Pour les personnages, j'ai commencé avec un calque Color Burn à 50% d'opacité. Sur ce calque, j'ai ajouté de la lumière aux zones où la lumière du soleil frapperait et, de la même manière que nous avons abordé l'arrière-plan, j'ai également ajouté un peu de brun dans les zones qui ne recevraient pas autant de lumière. Maintenant, pour réduire la matité et donner un peu d'"éclat" aux personnages, j'ai utilisé Color Dodge pour éclairer les zones autour de la peau. Sur le même calque, j'ai également ajouté de la lumière, en m'assurant que les bords sont doux et que la lumière ne semble pas trop brillante. Enfin, sur un calque multiplié, j'ai ajouté des ombres portées sous des éléments tels que les cheveux, les piercings et la chaîne. J'ai également aérographié autour des cheveux du personnage aux cheveux noirs car il ne serait pas en lumière directe.

Pour tout lier, comme avant, vous pouvez ajouter un calque et le régler pour qu'il se superpose à une faible opacité. Sur ce calque, ajoutez un dégradé avec les couleurs de votre choix. J'ai utilisé du jaune pour la lumière et un peu de bleu foncé pour les ombres (pour réduire la chaleur des couleurs).

Prime

Puisque nous parlons de lumière, je veux donner quelques conseils très basiques sur l'ajout de lumière. De nombreux objets, sinon la plupart, sont constitués de sphères, de cylindres ou de cubes, car ils font partie des formes primaires.

 

Dans les sphères, la lumière s'enroulera autour de l'objet ; souvent, il est agréable d'ajouter un peu de lumière indirecte pour ajouter au réalisme. Vous pouvez ajouter une surbrillance nette là où la lumière frappe, mais essayez de ne pas trop en faire.

 

Dans les cylindres, la lumière ne sera jamais diagonale ; il suivra toujours la forme de la sphère. En gardant cela à l'esprit, il y a généralement une traînée de surbrillance ou de lumière parallèle à une section d'ombre. Des reflets peuvent être ajoutés le long des bords du haut de la surface ainsi que sur les bords.

 

Enfin, les cubes sont très directs. Le visage touché par la lumière est le plus lumineux et le visage éloigné de la lumière est dans l'ombre.

 

• Mon conseil final et préféré pour les ombres et les ombres portées est de flouter légèrement les bords car les choses dans l'ombre ont tendance à se fondre davantage dans leur environnement.

Bonus de bonus

Voici d'autres choses amusantes que vous pouvez faire uniquement avec les modes de fusion :)

 

𝘿𝙍𝙀𝘼𝙈𝙔 𝙁𝙄𝙇𝙏𝙀𝙍

Pour obtenir cet effet lumineux, la première étape consiste à dupliquer à la fois l'arrière-plan et le premier plan. Maintenant, allez dans « Filtre »> « Flou gaussien ». Réglez la force du flou selon vos préférences. Maintenant, réglez les calques sur une opacité d'environ 50 et réglez le mode de fusion sur "Éclaircir". Ensuite, pour faire ressortir davantage le premier plan, copiez le calque Lighten et placez-le sous le calque de base. Réglez l'opacité sur ~ 100% et changez le mode de fusion sur "Glow Dodge". Après cela, j'ai juste ajouté une couche de lumière douce sur le dessus et je l'ai réglée sur rose. J'ai aussi fait les parties avec les personnages d'un rose plus foncé. Enfin, au lieu de conserver le calque de bruit sur "Superposition" ou "Multiplier", je l'ai défini sur "Lumière dure" et j'ai réduit l'opacité.

 

𝘿𝙐𝘼𝙇 𝙇𝙄𝙂𝙃𝙏𝙄𝙉𝙂

Pour la double lumière, votre meilleur ami sera le mode de fusion "Superposition". Vous pouvez également utiliser "Vivid Light" ou "Linear Light", si cela convient mieux à votre illustration spécifique. J'ai ajouté trois fois un calque dégradé rouge-bleu ici. Le premier est réglé sur " Lumière dure" et placé au-dessus de l'arrière-plan avec une opacité élevée. Ensuite, je l'ai ajouté au-dessus des caractères à une opacité d'environ 30 %. Enfin, en utilisant les mêmes couleurs, mais avec plus d'opacité (de préférence, faites un remplissage uni dans une couleur puis ajoutez le dégradé de l'autre couleur. Cela laisse moins de transparence). Réglez le calque sur "Superposer", à ~ 20% d'opacité.

Semblable à ce que j'ai mentionné sous la rubrique "Ajouter", ajoutez la lumière crue dans les deux couleurs. Aussi, comme avant, aérographe autour de ceux-ci sur un calque "Ajouter" ou "Ajouter (Glow)" séparé. Enfin, j'ai également ajouté un calque de superposition cyan pour rendre les couleurs moins chaudes.

MERCI!

Merci pour votre temps! J'espère que c'était vraiment compréhensible et utile.

 

De plus, j'aimerais simplement saluer rapidement tous les articles et vidéos YouTube incroyables qui m'ont aidé à apprendre à utiliser bon nombre de ces modes de fusion, en particulier tous les didacticiels de photographie. Si vous avez encore du mal à comprendre l'un de ces éléments, je vous recommanderai de rechercher des didacticiels spécifiques à ce mode de fusion pour le comprendre plus en détail, et bien sûr, vous pouvez également m'envoyer un message. Je ferai de mon mieux pour vous aider. :)