Introduction
Je tiens à commencer par admettre que le titre de ce tutoriel est trompeur. Il ne s'agit pas d'un tutoriel « Comment faire », mais plutôt d'un article destiné à vous inciter à expérimenter avec les couleurs :)
Choisir des couleurs vives et ludiques pour une illustration est la partie la plus agréable de la création artistique, en particulier dans le domaine des œuvres numériques. Très souvent, lorsque nous créons des œuvres d’art, nous nous retrouvons coincés à essayer d’utiliser les « bonnes » couleurs. Bien que, à mon avis, le processus de création d’illustrations colorées ne nécessite pas nécessairement de se concentrer sur la théorie des couleurs, je préfère plutôt « jouer » et sélectionner les couleurs en fonction de ce qui semble juste. Bien sûr, il existe quelques bases qui peuvent vous aider à trouver ce qui vous convient, que je mentionnerai dans ce tutoriel ! Avant de commencer, je voudrais mentionner que les styles et techniques artistiques de chacun sont différents, et qu’il n’existe jamais de bonne ou de mauvaise méthode objective pour créer des œuvres d’art. Je suis également en train d’apprendre et de m’améliorer, donc plutôt que de vous donner des choses à faire et à ne pas faire, mon objectif est de vous inspirer à essayer de nouvelles façons de faire et à jouer davantage avec les couleurs !
Ce tutoriel est divisé en deux parties :
La première partie, « Par où commencer ? », traite des bases des couleurs. J’ai fait de mon mieux pour que ces bases restent simples, afin qu’elles soient faciles à retenir. Avant de passer aux couleurs qui sortent de votre zone de confort, je pense qu’il est essentiel d’apprendre d’abord à tirer le meilleur parti des couleurs tout en restant proche de votre zone de confort. Avant de commencer à utiliser du rose vif et des bleus saturés, il est important de comprendre d’abord comment travailler avec des couleurs auxquelles vous êtes déjà habitué. En termes simples, dans cette partie, je vais vous apprendre à commencer à incorporer de nouvelles couleurs dans vos anciennes palettes. Lorsque vous serez à l’aise avec cela, vous vous sentirez naturellement plus confiant lorsque vous utiliserez des couleurs plus vives.
La deuxième partie, « Comprendre avec les illustrations », comprendra des exemples.
Par où commencer ?
Vous ne pouvez pas colorier sans savoir où la couleur doit aller, donc la première tâche consiste à se tourner vers la partie préférée de chaque tutoriel : les formes.
Après avoir posé ma couleur de base, l'étape suivante consiste généralement à ajouter des ombres et des reflets. Ci-dessous, dans la première sphère, j'ai simplement appliqué un gris plus foncé à l'aérographe en un trait circulaire, puis j'ai utilisé un gris plus clair pour le reflet et une légère lumière indirecte. Dans ce tutoriel, je n'expliquerai pas le placement de la lumière et de l'ombre, car ce ne sera pas notre objectif. Néanmoins, il y a deux choses que je veux que vous gardiez à l'esprit lorsque vous ajoutez des ombres et des reflets :
1. Assurez-vous de conserver un contraste entre vos valeurs. En termes plus simples, assurez-vous que votre foncé est suffisamment foncé et que la lumière est suffisamment claire. Je mets l'accent sur ce contraste car il sera important lorsque vous travaillerez avec des couleurs qui ressortent.
2. Essayez de faire en sorte que les lumières et les ombres suivent la forme de l'objet. Par exemple, lors de la simplification des formes, je les ai rendues plus géométriques, mais j'ai également veillé à conserver la malédiction afin que la courbure de la sphère soit toujours transmise. (PS : vous pouvez vous référer aux tutoriels sur les « lignes de contour croisées » pour une compréhension plus approfondie de la façon de colorier le long de la courbure des objets.)
Pour les bases sur la façon de commencer à jouer avec les couleurs, je travaillerai avec une sphère, en utilisant une palette de couleurs limitée et en évitant les dégradés. Bien que j'utiliserai toujours un outil de maculage :)
Apportez des couleurs !
Lorsque je peins, mon objectif est de jouer avec la teinte autant que possible. Nous progresserons lentement vers l'incorporation de changements de teinte au fur et à mesure que nous avancerons. Je travaillerai avec trois variations de la même sphère, mais avec des changements de teinte progressivement plus importants.
En général, la teinte est définie comme « un pigment pur ». Par « pigment pur », nous faisons référence à la couleur en dehors de sa saturation et de sa luminosité. Dans la roue chromatique, la roue représente l'échelle de teinte, tandis que le carré affiche la teinte sélectionnée à différentes saturations et luminosités. Le côté gauche du carré présente la teinte à sa saturation la plus faible, tandis que le bas la présente à sa luminosité la plus faible. Par conséquent, vous pouvez trouver la couleur à sa luminosité et sa saturation les plus élevées en haut à droite.
Pour la première, j'ai conservé la même teinte lors de la sélection des couleurs (en termes simples, je me suis déplacé uniquement à l'intérieur du carré). Je recommanderais que même lorsque vous restez dans la même teinte, essayez de vous déplacer davantage. Pour conserver une palette plus lumineuse, essayez d'éviter la gauche et le bas du carré. Les couleurs vers la gauche ont une saturation plus faible et peuvent donner à votre illustration un aspect atténué ou boueux. Éviter le blanc et le noir purs vous donnera également le privilège de les utiliser dans les endroits que vous souhaitez vraiment mettre en valeur.
Pour comparer, pour le côté droit, je me suis déplacé uniquement perpendiculairement à la couleur de base.
Essayons de nous déplacer un peu plus que ce à quoi vous êtes habitué. Très souvent, les artistes alternent entre les couleurs froides et les couleurs chaudes. Nous verrons en détail ce que sont les couleurs chaudes et froides dans la prochaine rubrique. Pour les exemples ci-dessous, les teintes plus chaudes seront celles qui vont vers le jaune, tandis que les teintes plus froides seront celles qui vont vers le bleu.
Dans l'exemple ci-dessous, vous verrez que j'ai utilisé une teinte plus froide pour les hautes lumières et une teinte plus chaude pour les ombres. Vous n'avez pas besoin d'aller aux extrêmes pour l'instant ; essayez simplement de vous habituer à jouer avec les teintes.
Les artistes peuvent utiliser des teintes chaudes pour les hautes lumières et des teintes froides pour les ombres, ou vous pouvez simplement utiliser une teinte chaude et une teinte plus chaude ; c'est à vous de décider ! L'important est d'essayer de jouer avec l'échelle de teintes pour rendre l'illustration plus colorée et plus vivante.
Dans la deuxième sphère, j'ai gardé le décalage très doux dans la deuxième, mais vous pouvez toujours voir la différence dans les deux versions (vous pouvez les voir toutes côte à côte ci-dessous).
Pour la troisième sphère, on pousse vraiment la teinte. Ici, j'ai utilisé du rose pour les reflets et une couleur vers le jaune pour l'ombre. La sphère continue à paraître rouge, mais plus colorée que les versions précédentes.
Pour vous entraîner, vous pouvez essayer d'incorporer des changements de teinte dans vos anciennes œuvres pour essayer de voir ce qui convient à votre propre style.
Exemple de changement de teinte
L'illustration ci-dessous est un exemple plus clair de la façon dont même de légers changements de teinte peuvent rendre votre œuvre plus attrayante, en particulier lors de la coloration de la peau. Vous remarquerez qu'individuellement, la plupart des couleurs utilisées dans les deux illustrations sont très similaires, mais lorsqu'elles sont mises ensemble, le côté droit qui incorpore le violet et l'orange semble plus lumineux.
Code de triche pour la sélection des couleurs (mélange de couleurs)
Si les changements de teinte vous intimident, Clip Studio Paint propose une option de mélange de couleurs. Allez dans Fenêtre > Mélange de couleurs ; cela ouvrira une fenêtre. À l'aide du 4e outil à partir de la droite, vous pouvez appliquer votre couleur de base et une couleur plus foncée pour l'ombre. Après l'étape précédente, choisissez également une couleur d'une teinte différente. Maintenant, à l'aide du 3e outil à partir de votre droite, passez sur toutes les couleurs jusqu'à obtenir une goutte de peinture uniforme. Vous pouvez maintenant utiliser cette nouvelle couleur pour l'ombre au lieu de l'originale.
Une fois que vous commencerez à vous familiariser avec de petits changements comme celui-ci, vous commencerez, espérons-le, à trouver de plus en plus facile d'essayer des changements plus extrêmes sans avoir à mélanger les couleurs à chaque fois.
En plus des changements de teinte, vous pouvez également utiliser la couleur opposée à votre couleur de base dans les ombres pour lui donner plus de profondeur. Lorsque l'éclairage n'est pas décidé ou que vous souhaitez simplement « pimenter les choses », la couleur contrastante est toujours un choix sûr.
Dans de nombreux cas, comme pour quelqu'un qui se tient au soleil, vous pouvez voir du bleu dans les ombres de sa peau ; ici, le bleu est la lumière réfléchie par le ciel. De même, dans de nombreux cas réels, vous verrez les couleurs des objets environnants présents dans les ombres et la lumière rebondie. Garder cela à l'esprit vous aidera non seulement à exagérer les couleurs, mais aussi à apporter un réalisme plus stylisé à vos illustrations.
Comme vous pouvez le voir dans la dernière sphère, bien que la couleur puisse paraître dure sans aucun mélange, dans la deuxième sphère, où elle est utilisée avec un pinceau rond à faible opacité, elle semble ajouter plus de profondeur à l'ombre.
Les bases des couleurs !
Chaud et froid
Nous avons déjà parlé des couleurs « chaudes » et « froides », mais comment déterminer ce qui est chaud et ce qui est froid ? En fait, la distinction entre les couleurs chaudes et froides est assez arbitraire ; elle est basée sur les couleurs qui « semblent » stimulantes par rapport aux couleurs qui « semblent » calmes. En règle générale, les couleurs comme le jaune et le rouge semblent chaudes, tandis que les couleurs comme le bleu et le vert semblent froides. Étant donné que la chaleur et la froideur des couleurs sont subjectives, il ne peut y avoir de règle claire pour déterminer ce qui semblera chaud et ce qui ne le sera pas. Vous connaissez peut-être déjà les articles sur la « théorie des couleurs » où la même couleur semble différente en fonction de l'arrière-plan ; le même phénomène peut être appliqué aux températures de couleur. Toute couleur peut avoir une certaine température en fonction de son environnement.
Tant que vous pouvez voir les couleurs dans une certaine mesure, vous pouvez simplement vous fier à ce qui vous semble bon, en tant qu'artiste, lorsque vous choisissez des couleurs. Néanmoins, j'ai divisé la roue chromatique ci-dessous en « chaude » et « froide ». Vous pouvez vous y référer lorsque vous travaillez sur vos illustrations.
Astuce bonus : la lumière du soleil produit généralement des couleurs plus chaudes (comme lors de l'heure dorée). En revanche, pour la nuit, vous pouvez utiliser des couleurs plus froides.
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Obscurité et lumière
Lorsque nous regardons une illustration, nos yeux perçoivent toujours certaines couleurs comme plus foncées et d'autres comme plus claires. C'est utile lorsque vous utilisez des couleurs vives et saturées. Pour mieux visualiser cela, vous pouvez vous référer au cercle chromatique en noir et blanc. Vous remarquerez que le bleu est beaucoup plus foncé que le jaune. Chaque couleur a une valeur inhérente, même lorsqu'elle est à son niveau de saturation et de luminosité le plus élevé. Avant de continuer, je tiens à préciser que je suis daltonien, il se peut donc que je nomme les couleurs de manière incorrecte.
Dans l'image ci-dessus, vous verrez que j'ai utilisé du jaune comme surbrillance et du bleu comme ombre pour une sphère vert menthe. Logiquement, vous n'utiliseriez pas le bleu comme ombre principale pour le vert, mais nos yeux le perçoivent facilement comme une ombre. Lorsque vous regardez la même sphère en noir et blanc, vous pouvez voir que les valeurs semblent correctes malgré les teintes. En revanche, le jaune dans le deuxième exemple n'est pas enregistré comme une ombre car c'est naturellement une couleur plus claire.
Vous pouvez garder ces différences de valeurs à l'esprit et les utiliser à votre avantage dans les illustrations. Elles vous aideront à rendre les éléments aussi lumineux et colorés que possible. S'entraîner à utiliser des couleurs obscures comme celle-ci peut également vous aider à développer un meilleur œil pour choisir les couleurs dans les illustrations générales.
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Contraste
Entre les deux illustrations ci-dessous, laquelle, selon vous, attire le plus votre attention ?
Un contraste élevé associé à des changements de teinte peut complètement changer l'apparence de votre illustration. La seule différence entre les deux illustrations est que l'une d'elles présente les changements de teinte dont nous avons parlé plus tôt, ainsi qu'un contraste plus élevé.
Le contraste est la différence entre les valeurs de vos couleurs. Plus cet écart est grand, plus les couleurs semblent vives et ressortent. Comprendre les valeurs inhérentes aux couleurs dont nous avons parlé précédemment devient essentiel pour déterminer le contraste. Par exemple, le contraste entre le marron et le bleu le plus vif ne serait pas comparable au contraste entre le jaune et le marron.
Voir en noir et blanc
Il peut être très difficile de garder cela à l'esprit, il est donc toujours utile de créer un nouveau calque et de définir son mode de fusion sur « couleur ». Remplissez ce nouveau calque de noir pur. Vous pouvez désormais facilement activer la visibilité de ce calque chaque fois que vous avez besoin de vérifier le contraste de votre illustration.
Un autre code de triche que vous pouvez utiliser est une courbe de tonalité. Les courbes de tonalité vous permettent d'ajuster le contraste et la luminosité d'une illustration. Vous pouvez ajouter des courbes de tonalité via deux méthodes dans Clip Studio Paint :
Pour la première méthode, allez dans Édition > Correction tonale > Courbe de tonalité. Cela ouvrira une petite fenêtre dans laquelle vous pourrez ajuster le graphique selon vos préférences. En général, une courbe en « S » fonctionne pour la plupart des illustrations.
Vous pouvez également aller dans Calques > Nouveau calque de correction > Courbe de tonalité.
Cette méthode crée un nouveau calque, vous permettant de revenir en arrière et de modifier la courbe à tout moment du processus de dessin. Elle vous permet également de modifier l'opacité du calque, ce qui vous permet de modifier l'intensité du filtre.
Un autre avantage d'un calque de correction est que vous pouvez aller dans Calque > Pixelliser. Cela vous permettra d'effacer des parties du calque de correction. Je recommanderais d'utiliser un aérographe comme gomme pour lui donner un aspect plus naturel.
Résumé de « Par où commencer ? »
Voilà qui conclut la première partie de ce tutoriel ! J’espère que vous avez maintenant une meilleure compréhension des valeurs et de la façon dont vous pouvez rendre votre art moins terne en modifiant le contraste et en utilisant des teintes différentes pour différentes parties de vos illustrations.
Voici ce que nous avons appris :
✦ Comment commencer à adopter les changements de teinte pour inclure plus de couleurs, ainsi que comment utiliser l’outil de mélange de couleurs dans CSP.
✦ Utiliser des couleurs contrastées pour ajouter de la profondeur aux ombres.
✦ Différence entre les couleurs chaudes et froides.
✦ Valeurs inhérentes aux différentes couleurs.
✦ L’importance du contraste dans les œuvres d’art et comment augmenter le contraste grâce à une courbe de tons.
Comprendre avec des illustrations
La clé pour utiliser différentes couleurs est simplement de procéder par essais et erreurs. N’ayez pas peur de jouer avec des combinaisons de couleurs étranges, car le pire scénario serait une illustration qui semble bizarre. Il n’y a absolument rien à perdre lorsqu’il s’agit de jouer avec les couleurs dans l’art ; au contraire, vous acquérez une meilleure compréhension de ce que vous, en tant qu’individu unique, trouvez le plus attrayant.
Utilisation pratique des concepts de base
L’illustration ci-dessus est probablement l’une des plus colorées que j’ai réalisées. Elle constitue un excellent exemple pour montrer à quel point il peut être amusant de jouer avec les couleurs. En regardant la même illustration en noir et blanc (ci-jointe ci-dessous), vous remarquerez que les valeurs fonctionnent toujours. Il existe une distinction claire entre les valeurs d’arrière-plan et les valeurs utilisées pour le personnage.
Discutons de quelques concepts de base, en nous référant à cette illustration.
Changements de teinte/Contraste
Dans cette illustration particulière, au lieu d'utiliser la couleur contrastante dans les ombres, je l'ai utilisée comme surbrillance pour les cheveux, car le rouge et l'orange ont tous deux une valeur plus foncée par rapport à leur couleur opposée, le cyan/bleu. Cette différence de couleurs contrastées fonctionne dans certains cas, comme le jaune-bleu, le cyan-orange et le rose-vert menthe.
En plus d'utiliser des couleurs différentes pour les reflets ou les ombres, vous pouvez également utiliser des couleurs de valeurs similaires pour les changements de teinte en général, comme celles utilisées dans l'arrière-plan ou dans les chaussures dans l'exemple ajouté ci-dessous.
Harmonie des valeurs
L'arrière-plan utilise du jaune, du pêche et des nuances de rose. Ces couleurs semblent toutes différentes les unes des autres, mais fonctionnent quand même ensemble. La raison en est les valeurs. Les valeurs de toutes ces couleurs sont similaires les unes aux autres, ce qui les rend plus harmonieuses que prévu.
Cette harmonie des valeurs est également présente dans le reste du dessin, comme on le voit dans le pull et le jean.
Malgré les combinaisons de couleurs « étranges », lorsque l’on regarde l’illustration, la couleur de base est toujours correctement restituée ; les cheveux sont toujours d’une couleur orangée, le jean est bleu, etc. Si vous appliquez ces concepts de contraste et de valeur, vous pouvez utiliser n’importe quelle combinaison de couleurs pour créer des illustrations. J’espère que ces conseils vous aideront à restituer les ombres et les couleurs de base avec précision, mais de manière plus ludique.
Raconter une histoire avec les couleurs
L’avantage des illustrations est la liberté que vous avez dans le choix des couleurs. Bien que vous puissiez choisir des couleurs qui « ressortent » uniquement pour des raisons esthétiques, les couleurs peuvent vous donner l’occasion de raconter une histoire. De plus, les couleurs saturées qui n’ont pas besoin d’être fidèles à la réalité vous offrent le privilège d’en tirer le meilleur parti.
Examinons cette idée à l’aide d’une illustration.
Sélection de valeurs
Voici une illustration destinée à traduire le sentiment d'être « trop ». Les valeurs me servent de référence lorsque je commence à choisir les couleurs.
Vous verrez que les valeurs du personnage sont plus sombres pour le représenter comme autoritaire et attirant l'attention. De plus, elles le distinguent de l'arrière-plan, faisant de lui le centre d'attention. Pour pousser encore plus loin cette idée, j'ai l'intention d'éclaircir les flèches, afin que l'attention soit encore plus attirée sur lui. Bien que le fait de le garder de couleur claire sur un fond plus sombre obtienne le même effet, je n'ai pas volontairement choisi cette voie. Les couleurs vives donneraient une impression positive et donneraient le sentiment d'être sous les projecteurs, ce qui serait contraire au thème.
Bien que ces intentions puissent être négligées par le spectateur, je pense que l'effort en vaut la peine tant que vous appréciez le processus de création qui se cache derrière.
Sélection des couleurs
Chaque couleur du cercle chromatique représente des sentiments différents. Par exemple, le bleu peut exprimer la tristesse ou la froideur, tandis que le rouge peut exprimer la passion et l'excitation. La signification attachée à ces couleurs dépend également du contexte ; par exemple, le bleu dans un océan calme peut exprimer la tranquillité et la paix. Vous pouvez facilement tirer parti de ces significations lorsque vous travaillez avec une palette de couleurs plus ludique.
Pour mon illustration, je voulais montrer deux sentiments, j'ai donc fait deux variantes.
Dans la première vignette, le personnage est rouge parce que le rouge attire l'attention ; il est associé aux panneaux d'arrêt et aux sentiments forts. En revanche, je voulais que l'arrière-plan soit vert parce que cela évoque le calme. De plus, cela crée un écart frappant entre le personnage et son environnement.
La deuxième idée que j'ai eue était que le personnage soit en bleu, pour exprimer son malheur, tandis que l'arrière-plan est rouge et attire l'attention.
Vérification des valeurs
Lors de la sélection des couleurs, il peut souvent être utile de vérifier si le contraste est toujours présent. De cette façon, vous pourrez apporter des modifications dès le début sans avoir à repasser sur chaque couleur par la suite.
J'ai choisi de mélanger le rouge et le bleu pour mon travail. Bien que le rouge soit beaucoup plus clair que les valeurs prévues, il apparaît toujours distinctement entre le rouge, ce qui permet de garder l'accent sur le personnage.
Schémas de couleurs
Les schémas de couleurs sont en fait des combinaisons de couleurs qui sont susceptibles de bien se marier. Se référer à des schémas de couleurs peut accélérer le processus de sélection des couleurs tout en rendant votre travail plus harmonieux. Voici quelques-uns de mes schémas de couleurs préférés :
✦ Complémentaire : c'est lorsque vous utilisez des couleurs opposées. J'utilise très souvent des couleurs contrastées/complémentaires dans mon travail, comme dans les cheveux ou les arrière-plans.
✦ Triadique : c'est lorsque les couleurs sont uniformément espacées. Les schémas triadiques offrent une plus grande diversité de couleurs tout en préservant l'harmonie.
✦ Analogue : les schémas analogues incluent des couleurs qui sont côte à côte sur le cercle chromatique. Elles peuvent sembler apaisantes et sont également souvent observées dans la nature.
Pour cette illustration, j'ai vaguement utilisé un schéma de couleurs triadique. L'objectif était de garder les flèches jaunes afin que le rouge et le jaune ensemble ressemblent à des panneaux de signalisation ou à des symboles d'avertissement. Comme les couleurs choisies comprenaient le rouge et le bleu au premier plan, ainsi que le rose et le jaune à l'arrière-plan, j'ai ajouté le reste des couleurs en référence au schéma triadique.
Essai et erreur !
Bien que vous puissiez vous fier entièrement à la création de combinaisons de couleurs, il n’est pas garanti que le produit final aura toujours l’aspect souhaité. La clé est toujours l’essai et l’erreur. Après avoir essayé plusieurs couleurs d’arrière-plan et différentes combinaisons de couleurs, j’ai finalement opté pour des couleurs qui ignoraient l’idée originale d’arrière-plan-premier plan.
J’ai utilisé l’orange pour l’arrière-plan, non pas à cause d’une combinaison de couleurs, mais simplement parce que « ça avait l’air cool ». L’art est une question d’expérimentation, donc mon meilleur conseil est de ne pas se laisser piéger en essayant de suivre des règles préexistantes qui sont nées par essais et erreurs d’autres personnes.
Finalement, lorsque j'ai été satisfait de l'apparence de tout, j'ai vérifié les valeurs et j'ai été agréablement surpris de voir que le contraste était parfaitement maintenu.
Accéléré:
Rendu à l'aide des couleurs que vous avez sélectionnées
Le rendu peut sembler un peu brouillon lorsque vous utilisez des couleurs vives qui ne semblent pas bien se mélanger. Cette section traitera du travail avec différentes teintes, à travers l'exemple des cheveux roses ! Votre processus sera très probablement très différent du mien, je me concentrerai donc sur les parties qui peuvent facilement se traduire dans votre processus.
Commençons par le croquis :)
Sélection de teinte en fonction des valeurs
Pour les couleurs, je trouve utile de commencer par faire l'arrière-plan (qui vieillira mal car je ne l'ai finalement pas utilisé). L'arrière-plan m'aide à décider du degré d'obscurité que je souhaite pour les valeurs du premier plan.
Lorsque je crée une pièce rendue, je commence par n'importe quel élément du dessin ; dans ce cas, il s'agissait de la peau. J'ai d'abord posé une couleur proche de la teinte de la peau sous un éclairage normal. Pour cette pièce, je voulais que tout soit en rouge, rose et violet. J'ai donc changé la peau en rouge. Ensuite, j'ai vérifié quelle nuance de rose avait une valeur plus foncée que la peau pour éviter un dessin à l'aspect « boueux ».
Tout au long du processus, j'ai continué à vérifier les valeurs en noir et blanc pour m'assurer que tout semble correct.
(Malgré la faible qualité du gif, j'espère que le processus est toujours compréhensible)
Une fois que j'ai toutes les couleurs de base, je peux vérifier si elles s'harmonisent bien. Au cours de cette étape, je peux corriger l'arrière-plan ou modifier certaines couleurs en fonction de mes préférences esthétiques.
Sélection des couleurs et mélange de celles-ci pour les ombres et les reflets
Je commence par la base que nous avons créée au début. Ensuite, en utilisant une teinte plus chaude, j'ai ajouté les parties les plus sombres et le cuir chevelu.
Ensuite, j'ai utilisé un vert menthe, qui est presque à l'opposé du rose sur la roue chromatique. Le vert menthe a une valeur plus claire et fait ressortir les reflets, c'était donc le choix parfait.
Bien qu'un rose froid aurait pu être une alternative au vert menthe, je l'ai plutôt utilisé pour ajouter de la luminosité aux cheveux. Les tons froids du rose et du vert menthe aident également à créer un contraste avec le visage à dominante de couleur chaude. J'ai continué à rendre les cheveux en ajoutant des ombres plus chaudes ainsi que des tons plus froids pour la luminosité.
Une fois toutes les couleurs posées, j'ai ajouté des traits jaunes pour une touche de couleur.
Ensuite, j'ai fait l'illustration en noir et blanc et j'ai ajouté du contraste en utilisant du bleu.
Une fois la couche de couleur rendue invisible, j'ai recouvert la couleur bleue avec un rose chaud pour l'équilibrer. De cette façon, les ombres restent chaudes de manière constante tout en étant simultanément plus foncées que le reste des cheveux.
J'ai également ajouté un peu de violet clair dans les ombres et utilisé du jaune dans le reste de l'illustration pour les reflets.
Nous l'avons fait !
Et voilà, nous avons l'illustration finale ! Les couleurs utilisées ne sont ni complètement basiques ni complètement hors de notre zone de confort. Selon moi, c'est l'équilibre parfait entre les couleurs que nous utilisons habituellement et les couleurs vives.
Voici le timelapse complet :
Filtres et effets
Vous pouvez ajouter des effets ou des filtres à votre illustration pour la rendre encore plus colorée. Je vais ajouter deux choses que vous pouvez faire pour les touches finales ci-dessous !
La façon la plus simple d'ajouter une touche de couleur à votre illustration est d'utiliser le mode de fusion « superposition ». Vous pouvez créer un dégradé avec deux couleurs, par exemple, bleu et rouge. Modifiez le mode de fusion du calque sur « superposition » et diminuez son opacité. Cela ajoutera non seulement de la couleur à votre illustration, mais donnera également à l'ensemble un aspect plus cohérent.
Une autre option de filtre consiste à ajouter un « ton » à votre illustration. Allez dans Calque > Nouveau calque > Ton. Cela ouvrira une fenêtre dans laquelle vous pourrez modifier les paramètres en fonction de votre toile. La densité et la fréquence dépendront des dimensions de votre toile.
Ma fréquence était définie sur 85,0 et la densité sur 32 %. Une fois ajoutée, je suis allée dans Calque > Pixelliser. Une fois que mon calque n'était plus un calque d'objet, j'ai pu prendre une petite section du calque et la transformer pour qu'elle soit plus grande jusqu'à ce que je sois satisfait de la taille des cercles.
J'ai un tutoriel plus long et plus élaboré sur les différents filtres que vous pouvez ajouter via les modes de fusion sur CSP. Vous pouvez vous y référer pour plus d'idées :)
Conclusion
Voilà qui conclut ce tutoriel ! J'espère qu'il vous inspirera à commencer à jouer plus souvent avec les couleurs ! Mon principal conseil sera toujours de ne pas avoir peur de faire de mauvaises œuvres :)
Merci pour votre temps. Continuons notre voyage artistique tout en nous amusant autant que possible !
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