Introduction
Je tiens à commencer par admettre que le titre de ce tutoriel est trompeur. Ce n'est pas un tutoriel "Comment faire", mais plutôt un article destiné à vous inspirer à expérimenter avec les couleurs :)
Choisir des couleurs audacieuses et ludiques pour une illustration est la partie la plus agréable de la création artistique, surtout dans l'art numérique. Très souvent, en créant de l'art, nous nous retrouvons bloqués à essayer d'utiliser les "bonnes" couleurs. Bien que, à mon avis, le processus de création d'illustrations colorées n'ait pas besoin de se concentrer sur la théorie des couleurs, je préfère plutôt "m'amuser" et sélectionner les couleurs en fonction de ce qui me semble juste. Bien sûr, il y a quelques bases qui peuvent vous aider à trouver ce qui vous convient, et je les mentionnerai dans ce tutoriel ! Avant de commencer, je tiens à mentionner que les styles artistiques et les techniques de chacun sont différents, et qu'il n'y a jamais de bonne ou de mauvaise méthode objective pour créer de l'art. J'apprends et m'améliore également encore, donc plutôt que de donner des règles, mon objectif est de vous inspirer à essayer de nouvelles façons et à être plus joueur avec les couleurs !
Ce tutoriel est en deux parties :
La première partie, « Par où commencer ? », traite des bases des couleurs. J'ai fait de mon mieux pour que ces bases restent simples et faciles à retenir. Avant de passer aux couleurs en dehors de votre zone de confort, je pense qu'il est essentiel d'apprendre d'abord à tirer le meilleur parti des couleurs tout en restant proche de votre zone de confort. Avant de commencer à utiliser des roses vifs et des bleus saturés, il est important de comprendre comment travailler avec les couleurs auxquelles vous êtes déjà habitué. En termes simples, dans cette partie, je vais vous apprendre à commencer à incorporer de nouvelles couleurs dans vos anciennes palettes. Lorsque vous serez à l'aise avec cela, vous vous sentirez naturellement plus confiant en utilisant des couleurs plus audacieuses.
La deuxième partie, « Comprendre avec des illustrations », inclura des exemples.
Par où commencer ?
Vous ne pouvez pas colorier sans savoir où la couleur doit aller, donc la première tâche est de se tourner vers la partie préférée de tout tutoriel : les formes.
Après avoir posé ma couleur de base, l'étape suivante consiste généralement à ajouter des ombres et des lumières. Ci-dessous, dans la première sphère, j'ai simplement aérographe un gris plus foncé avec un trait circulaire, puis j'ai utilisé un gris plus clair pour la lumière et une légère lumière diffuse. Dans ce tutoriel, je n'expliquerai pas le placement de la lumière et de l'ombre car ce ne sera pas notre objectif. Néanmoins, il y a deux choses que je veux que vous gardiez à l'esprit lorsque vous ajoutez des ombres et des lumières :
1. Assurez-vous de maintenir un contraste entre vos valeurs. En termes plus simples, assurez-vous que votre foncé est suffisamment foncé et que votre clair est suffisamment clair. Je mets l'accent sur ce contraste car il sera important lorsque vous travaillerez avec des couleurs qui "se démarquent".
2. Essayez de faire en sorte que les lumières et les ombres suivent la forme de l'objet. Par exemple, en simplifiant les formes, je les ai rendues plus géométriques, mais je me suis également assuré de conserver la courbe afin que la courbure de la sphère soit toujours transmise. (PS : Vous pouvez vous référer à des tutoriels sur les "lignes de contour croisé" pour une compréhension plus approfondie de la façon de colorier le long de la courbure des objets).
Pour les bases de la façon de commencer à jouer avec les couleurs, je travaillerai avec une sphère, en utilisant une palette de couleurs limitée et en évitant les dégradés. Bien que j'utiliserai toujours un outil d'estompage :)
Place aux couleurs !
En peinture, mon objectif est de jouer avec la teinte autant que possible. Nous progresserons lentement vers l'intégration de décalages de teinte au fur et à mesure. Je travaillerai avec trois variations de la même sphère, mais avec des décalages de teinte progressivement plus importants.
En général, la teinte est définie comme "un pigment pur". Par "pigment pur", nous nous référons à la couleur en dehors de sa saturation et de sa luminosité. Dans le cercle chromatique, le cercle représente l'échelle de la teinte, tandis que le carré affiche la teinte sélectionnée à différentes saturations et luminosités. Le côté gauche du carré a la teinte à sa saturation la plus basse, tandis que le bas l'a à sa luminosité la plus basse. Par conséquent, vous pouvez trouver la couleur à sa luminosité et sa saturation les plus élevées en haut à droite.
Pour le premier exemple, j'ai gardé la même teinte lors de la sélection des couleurs (en termes simples, je me suis déplacé uniquement à l'intérieur du carré). Je vous recommande, même en restant dans la même teinte, d'essayer de bouger davantage. Pour maintenir une palette plus lumineuse, essayez d'éviter le côté gauche et le bas du carré. Les couleurs vers la gauche sont moins saturées et peuvent donner à votre illustration un aspect terne ou boueux. Éviter le blanc et le noir purs vous donnera également le privilège de les utiliser dans les endroits que vous voulez vraiment mettre en évidence.
Pour comparer, pour le côté droit, je n'ai bougé que perpendiculairement à la couleur de base.
Essayons de nous déplacer un tout petit peu plus que ce à quoi vous êtes peut-être habitué. Très souvent, les artistes peuvent alterner entre couleurs froides et couleurs chaudes. Nous discuterons en détail de ce que sont les couleurs chaudes et froides sous le prochain titre. Pour les exemples ci-dessous, les teintes plus chaudes seront celles qui tirent vers le jaune, tandis que les teintes plus froides tireront vers le bleu.
Dans l'exemple ci-dessous, vous verrez que j'ai utilisé une teinte plus froide pour les reflets et une teinte plus chaude pour les ombres. Vous n'avez pas encore besoin d'aller aux extrêmes ; essayez simplement de vous habituer à jouer avec les teintes.
Les artistes peuvent utiliser des teintes chaudes pour les reflets et des teintes froides pour les ombres, ou vous pouvez simplement utiliser une teinte chaude et une teinte plus chaude ; c'est entièrement à vous ! L'important est d'essayer de jouer avec l'échelle des teintes pour rendre l'illustration plus colorée et vivante.
Dans la deuxième sphère, j'ai gardé le décalage très léger, mais vous pouvez toujours voir la différence entre les deux versions (vous pouvez les voir toutes côte à côte ci-dessous).
Pour la troisième sphère, poussons vraiment la teinte. Ici, j'ai utilisé du rose pour les reflets et une couleur tirant vers le jaune pour l'ombre. La sphère continue de paraître rouge, mais plus colorée que les versions précédentes.
À titre d'exercice, vous pouvez essayer d'incorporer des décalages de teinte dans vos anciennes œuvres pour voir ce qui convient à votre propre style.
Exemple de décalage de teinte
L'illustration ci-dessous est un exemple plus clair de la façon dont même de légers décalages de teinte peuvent rendre votre art plus attrayant, en particulier lors de la coloration de la peau. Vous remarquerez qu'individuellement, la plupart des couleurs utilisées dans les deux illustrations sont très similaires, mais une fois assemblées, le côté droit qui intègre du violet et de l'orange semble plus lumineux.
Astuce de sélection de couleurs (Mélange de couleurs)
Si les décalages de teinte vous semblent intimidants, Clip Studio Paint offre une option de mélange de couleurs. Allez dans Fenêtre > Mélange de couleurs ; cela ouvrira une fenêtre. En utilisant le 4ème outil à partir de la droite, vous pouvez poser votre couleur de base et une couleur plus foncée pour l'ombre. Suivant l'étape précédente, choisissez également une couleur d'une teinte différente. Maintenant, en utilisant le 3ème outil à partir de votre droite, passez sur toutes les couleurs jusqu'à obtenir une tache de peinture uniforme. Vous pouvez utiliser cette nouvelle couleur pour l'ombre maintenant au lieu de l'originale.
Une fois que vous commencerez à être à l'aise avec de petits décalages comme celui-ci, vous espérerez qu'il vous sera de plus en plus facile d'essayer des décalages plus extrêmes sans avoir à mélanger les couleurs à chaque fois.
En plus des décalages de teinte, vous pouvez également utiliser la couleur opposée à votre couleur de base dans les ombres pour lui donner plus de profondeur. Lorsque l'éclairage n'est pas décidé ou que vous voulez simplement "pimenter les choses", la couleur contrastante est toujours un choix sûr.
Dans de nombreux cas, comme une personne debout au soleil, vous pourriez voir du bleu dans les ombres de sa peau ; ici, le bleu est la lumière réfléchie du ciel. De même, dans de nombreux cas réels, vous verrez les couleurs des objets environnants présentes dans les ombres et les lumières indirectes. Garder cela à l'esprit vous aidera non seulement à exagérer les couleurs, mais aussi à apporter un réalisme plus stylisé à vos illustrations.
Comme vous pouvez le voir dans la dernière sphère, bien que la couleur puisse paraître dure sans aucun mélange. En revanche, dans la deuxième sphère où elle est utilisée avec un pinceau rond de faible opacité, elle semble ajouter plus de profondeur à l'ombre.
Les bases des couleurs !
Chaud et Froid
Précédemment, nous avons discuté des couleurs "chaudes" et "froides", mais comment déterminer ce qui est chaud et ce qui est froid ? En fait, la division entre chaud et froid est quelque peu arbitraire ; elle est basée sur les couleurs qui "semblent" stimulantes par rapport à celles qui "semblent" calmes. Une règle générale est que les couleurs comme le jaune et le rouge apparaissent chaudes, tandis que les couleurs comme le bleu et le vert apparaissent froides. Étant donné que la chaleur et la froideur des couleurs sont subjectives, il ne peut y avoir de règle claire pour déterminer ce qui paraîtra chaud ou non. Vous êtes peut-être déjà familier avec les publications sur la "théorie des couleurs" où la même couleur semble différente selon l'arrière-plan ; le même phénomène peut être appliqué aux températures de couleur. Toute couleur peut prendre une certaine température en fonction de son environnement.
Tant que vous pouvez voir les couleurs à un certain degré, vous pouvez simplement vous fier à ce qui vous semble juste, en tant qu'artiste, lors du choix des couleurs. Néanmoins, j'ai divisé le cercle chromatique ci-dessous en "chaudes" et "froides". Vous pouvez vous y référer lorsque vous travaillez sur vos illustrations.
Conseil bonus : La lumière du soleil donne généralement des couleurs plus chaudes (comme on le voit pendant l'« heure dorée »). D'autre part, pour représenter la nuit, vous pouvez utiliser des couleurs plus froides.
Sombre et Clair
Lorsque nous regardons une illustration, nos yeux perçoivent toujours certaines couleurs comme plus foncées et d'autres comme plus claires. C'est utile lorsque vous utilisez des couleurs audacieuses et saturées. Pour mieux visualiser cela, vous pouvez vous référer au cercle chromatique en noir et blanc. Vous remarquerez que le bleu est beaucoup plus foncé que le jaune. Chaque couleur a une valeur intrinsèque, même à sa saturation et sa luminosité les plus élevées. Avant de continuer, je tiens à mentionner que je suis daltonien, il se peut donc que je nomme les couleurs incorrectement.
Dans l'image ci-dessus, vous verrez que j'ai utilisé le jaune comme surbrillance et le bleu comme ombre pour une sphère vert menthe. Logiquement, vous n'utiliseriez pas le bleu comme ombre principale pour le vert, mais nos yeux le perçoivent facilement comme une ombre. Lorsque vous visualisez la même sphère en noir et blanc, vous pouvez voir que les valeurs sont correctes malgré les teintes. En revanche, le jaune dans le deuxième exemple n'est pas perçu comme une ombre car c'est naturellement une couleur plus lumineuse.
Vous pouvez garder ces différences de valeur à l'esprit et les utiliser à votre avantage dans vos illustrations. Elles vous aideront à rendre les éléments aussi lumineux et colorés que possible. S'exercer à utiliser des couleurs "obscures" comme celles-ci peut également vous aider à développer un meilleur œil pour choisir les couleurs dans les illustrations générales.
Contraste
Entre les deux illustrations ci-dessous, laquelle, selon vous, attire le plus votre attention ?
Un contraste élevé associé à des décalages de teinte peut complètement modifier l'apparence de votre illustration. La seule différence entre les deux illustrations est que l'une d'elles présente les décalages de teinte dont nous avons discuté précédemment, ainsi qu'un contraste plus élevé.
Le contraste est la différence entre les valeurs de vos couleurs. Plus cet écart est grand, plus les couleurs paraissent audacieuses et ressortent. Comprendre les valeurs intrinsèques des couleurs dont nous avons discuté précédemment devient essentiel pour déterminer le contraste. Par exemple, le contraste entre le marron et le bleu le plus vif ne se compare pas au contraste entre le jaune et le marron.
Voir en noir et blanc
Il peut être très difficile de garder cela à l'esprit, il est donc toujours utile de créer un nouveau calque et de définir son mode de fusion sur "couleur". Remplissez ce nouveau calque de noir pur. Vous pouvez maintenant facilement activer la visibilité de ce calque chaque fois que vous avez besoin de vérifier le contraste de votre illustration.
Une autre astuce que vous pouvez utiliser est une courbe de tonalité. Les courbes de tonalité vous permettent d'ajuster le contraste et la luminosité d'une illustration. Vous pouvez ajouter des courbes de tonalité par deux méthodes dans Clip Studio Paint:
Pour la première méthode, allez dans Édition > Correction tonale > Courbe de tonalité. Cela ouvrira une petite fenêtre où vous pourrez ajuster le graphique selon vos préférences. Généralement, une courbe en "S" fonctionne pour la plupart des illustrations.
Vous pouvez également aller dans Calques > Nouveau calque de correction > Courbe de tonalité.
Cette méthode crée un nouveau calque, vous permettant de revenir en arrière et de modifier la courbe à tout moment du processus de dessin. Elle vous permet également de modifier l'opacité du calque, afin de pouvoir modifier la force du filtre.
Un autre avantage d'un calque de correction est que vous pouvez aller dans Calque > Rasteriser. Cela vous permettra d'effacer des parties du calque de correction. Je vous recommanderais d'utiliser un aérographe comme gomme pour le rendre plus naturel.
Résumé de « Par où commencer ? »
Ceci conclut la première partie de ce tutoriel ! J'espère que vous avez maintenant une meilleure compréhension des valeurs et de la façon dont vous pouvez rendre votre art moins terne en modifiant le contraste et en utilisant différentes teintes pour différentes parties de vos illustrations.
Voici ce que nous avons appris :
✦ Comment commencer à adopter les décalages de teinte pour inclure plus de couleurs, ainsi que comment utiliser l'outil de mélange de couleurs dans CSP.
✦ Utiliser des couleurs contrastantes pour ajouter de la profondeur aux ombres.
✦ Différence entre les couleurs chaudes et froides.
✦ Valeurs intrinsèques des différentes couleurs.
✦ L'importance du contraste dans les œuvres d'art et comment augmenter le contraste via une courbe de tonalité.
Comprendre avec des illustrations
La clé pour utiliser différentes couleurs est simplement l'expérimentation par essais et erreurs. N'ayez pas peur de jouer avec des combinaisons de couleurs étranges, car le pire des scénarios est juste une illustration qui a l'air bizarre. Il n'y a absolument rien à perdre quand il s'agit de jouer avec les couleurs en art ; si quelque chose, vous gagnez juste une meilleure compréhension de ce que vous, en tant qu'individu unique, trouvez plus attrayant.
Utilisation pratique des concepts de base
L'illustration ci-dessus est probablement l'une des plus colorées que j'aie réalisées. Cela en fait un excellent exemple pour montrer à quel point il peut être amusant de jouer avec les couleurs. En regardant la même illustration en noir et blanc (ci-dessous), vous remarquerez que les valeurs fonctionnent toujours. Il y a une distinction claire entre les valeurs de l'arrière-plan et les valeurs utilisées pour le personnage.
Discutons de quelques concepts de base, en référence à cette illustration.
Décalages de teinte / Contraste
Dans cette illustration particulière, au lieu d'utiliser la couleur contrastante dans les ombres, je l'ai utilisée comme surbrillance pour les cheveux car le rouge et l'orange ont tous deux une valeur plus foncée par rapport à leur couleur opposée, le cyan/bleu. Cette différence de couleurs contrastantes fonctionne dans certains cas, comme le jaune-bleu, le cyan-orange et le rose-vert menthe.
En plus d'utiliser différentes couleurs pour les reflets ou les ombres, vous pouvez également utiliser des couleurs de valeurs similaires pour les décalages de teinte en général, comme utilisé dans l'arrière-plan ou dans les chaussures dans l'exemple ajouté ci-dessous.
Harmonie des valeurs
L'arrière-plan utilise du jaune, du pêche et des nuances de rose. Ces couleurs sont toutes différentes les unes des autres, mais fonctionnent tout de même ensemble. La raison en est les valeurs. Les valeurs de toutes ces couleurs sont similaires les unes aux autres, ce qui les rend plus harmonieuses que prévu.
Cette harmonie des valeurs est également présente dans le reste du dessin, comme on le voit dans le pull et le jean.
Malgré les combinaisons de couleurs "étranges", en regardant l'illustration, la couleur de base est toujours correctement transmise ; les cheveux sont toujours d'une couleur orangée, le jean est bleu, et ainsi de suite. Si vous appliquez ces concepts de contraste et de valeur, vous pouvez utiliser n'importe quelle combinaison de couleurs pour créer des illustrations. J'espère que ces conseils vous aideront à transmettre les ombres et les couleurs de base avec précision, mais d'une manière plus ludique.
Raconter une histoire avec les couleurs
La meilleure partie des illustrations est la liberté que vous obtenez en sélectionnant les couleurs. Bien que vous puissiez choisir des couleurs qui "éclatent" uniquement sur la base de l'esthétique, les couleurs peuvent vous donner l'opportunité de raconter une histoire. De plus, les couleurs saturées qui n'ont pas besoin d'être fidèles à la réalité vous offrent le privilège d'en tirer le meilleur parti.
Examinons cette idée avec une illustration.
Sélection des valeurs
Ci-dessous se trouve une illustration qui vise à traduire le sentiment d'être "trop". Les valeurs me servent de référence lorsque je commence à choisir les couleurs.
Vous verrez que les valeurs du personnage sont plus sombres pour le dépeindre comme écrasant et accaparant l'attention. De plus, elles le distinguent de l'arrière-plan, faisant de lui le point focal. Pour pousser cette idée encore plus loin, j'ai l'intention de rendre les flèches plus claires, afin que l'attention soit encore plus attirée sur lui. Bien que le fait de le garder de couleur claire sur un fond plus sombre produirait le même effet, je n'ai intentionnellement pas choisi cette voie. Les couleurs vives paraîtraient positives et transmettraient un sentiment d'être sous les feux de la rampe, ce qui serait contraire au thème.
Bien que ces intentions puissent être négligées par le spectateur, je crois que l'effort en vaut la peine tant que vous appréciez le processus de création qui en découle.
Sélection des couleurs
Chaque couleur du cercle chromatique représente des sentiments différents. Par exemple, le bleu peut transmettre la tristesse ou la froideur, tandis que le rouge peut transmettre la passion et l'excitation. La signification attachée à ces couleurs dépend également du contexte ; par exemple, le bleu dans un océan calme peut montrer la tranquillité et la paix. Vous pouvez facilement tirer parti de ces significations lorsque vous travaillez avec une palette de couleurs plus ludique.
Pour mon illustration, j'avais deux sentiments que je voulais montrer, j'ai donc fait deux variations.
Dans la première miniature, le personnage est rouge car le rouge attire l'attention ; il est associé aux panneaux stop et aux sentiments forts. En revanche, je voulais que l'arrière-plan soit vert car cela transmet le calme. De plus, cela crée un écart frappant entre le personnage et son environnement.
La deuxième idée que j'avais était avec le personnage en bleu, transmettant son malheur, tandis que l'arrière-plan est rouge et attire l'attention.
Vérification des valeurs
Lors de la sélection des couleurs, il peut souvent être utile de vérifier si le contraste est toujours présent. De cette façon, vous pourrez apporter des modifications tôt sans avoir à repasser sur chaque couleur plus tard.
J'ai opté pour le mélange du rouge et du bleu pour mon travail. Bien que le rouge soit beaucoup plus clair que les valeurs prévues, il apparaît toujours distinctement entre le rouge, gardant le focus sur le personnage.
Schémas de couleurs
Les schémas de couleurs sont essentiellement des combinaisons de couleurs qui sont susceptibles de bien s'accorder. Se référer à des schémas de couleurs peut accélérer le processus de sélection des couleurs tout en rendant votre travail plus harmonieux. Certains de mes schémas de couleurs préférés incluent :
✦ Complémentaire : C'est lorsque vous utilisez des couleurs opposées. J'utilise très souvent des couleurs contrastantes/complémentaires dans mon travail, comme on le voit dans les cheveux ou les arrière-plans.
✦ Triadique : C'est lorsque les couleurs sont également espacées. Les schémas triadiques offrent une plus grande diversité de couleurs tout en maintenant l'harmonie.
✦ Analogues : Les schémas analogues incluent des couleurs qui sont côte à côte sur le cercle chromatique. Ils peuvent sembler apaisants et sont souvent vus dans la nature également.
Pour cette illustration, j'ai vaguement utilisé un schéma de couleurs triadique. L'objectif était de garder les flèches jaunes afin que le rouge et le jaune ensemble ressemblent à des panneaux de signalisation ou à des symboles d'avertissement. Comme les couleurs décidées incluaient le rouge et le bleu au premier plan, ainsi que le rose et le jaune à l'arrière-plan, j'ai ajouté le reste des couleurs en référence au schéma triadique.
Essais et erreurs !
Bien que vous puissiez entièrement vous fier aux schémas de couleurs, il n'est pas garanti que le produit final aura toujours l'apparence désirée. La clé est toujours l'expérimentation par essais et erreurs. Après avoir essayé plusieurs couleurs d'arrière-plan et différentes combinaisons de couleurs, j'ai finalement opté pour des couleurs qui ignoraient l'idée originale de l'arrière-plan et du premier plan.
J'ai utilisé de l'orange pour l'arrière-plan, non pas à cause d'un quelconque schéma de couleurs, mais simplement parce que "ça avait l'air cool". L'art est avant tout une question d'expérimentation, donc mon plus grand conseil est de ne pas vous laisser enfermer dans des règles préexistantes qui sont apparues grâce aux essais et erreurs d'autres personnes.
Enfin, lorsque j'ai été satisfait de l'aspect général, j'ai vérifié les valeurs et j'ai été agréablement surpris de constater que le contraste était parfaitement maintenu.
Timelapse :
Rendu à l'aide des couleurs sélectionnées
Le rendu peut sembler un peu désordonné lorsque vous utilisez des couleurs vives qui ne semblent pas bien se mélanger. Cette section abordera le travail avec différentes teintes, à travers l'exemple des cheveux roses ! Votre processus sera très probablement très différent du mien, je me concentrerai donc sur les parties qui peuvent facilement s'intégrer à votre processus.
Commençons par le croquis :)
Sélection des teintes basée sur les valeurs
Pour les couleurs, je trouve utile de commencer par l'arrière-plan (qui vieillira mal car je n'ai finalement pas utilisé). L'arrière-plan m'aide à décider à quel point je veux que les valeurs du premier plan soient sombres.
Lorsque je réalise une pièce rendue, je commence par n'importe quel élément du dessin ; dans ce cas, c'était la peau. D'abord, j'ai posé une couleur proche de la carnation sous un éclairage normal. Pour cette pièce, je voulais que tout soit en rouge, rose et violet. J'ai donc changé la peau en rouge. Suite à cela, j'ai vérifié quelle nuance de rose avait une valeur plus foncée que la peau pour éviter un dessin à l'aspect "boueux".
Tout au long du processus, j'ai continué à vérifier les valeurs en noir et blanc pour m'assurer que tout avait l'air correct.
(Malgré la faible qualité du gif, j'espère que le processus reste compréhensible)
Une fois que j'ai toutes les couleurs de base, je peux vérifier si les couleurs vont bien ensemble. À ce stade, je peux ajuster l'arrière-plan ou modifier certaines couleurs en fonction de mes préférences esthétiques.
Sélectionner et mélanger les couleurs pour les ombres et les lumières
Je commence par la base que nous avons créée au début. Ensuite, en utilisant une teinte plus chaude, j'ai ajouté les parties plus sombres et le cuir chevelu.
Ensuite, j'ai utilisé un vert menthe, qui est presque l'opposé du rose sur le cercle chromatique. Le vert menthe a une valeur plus claire et fait ressortir la lumière, c'était donc le choix parfait.
Alors qu'un rose froid aurait pu être une alternative au vert menthe, je l'ai plutôt utilisé pour ajouter de la luminosité aux cheveux. Les tons froids du rose et du vert menthe aident également à créer un contraste avec le visage dominé par des couleurs chaudes. J'ai continué à rendre les cheveux en ajoutant des ombres plus chaudes ainsi que des tons plus froids pour la luminosité.
Une fois que j'ai eu toutes les couleurs posées, j'ai ajouté des touches de jaune pour un éclat de couleur.
Ensuite, j'ai mis l'illustration en noir et blanc et j'ai ajouté du contraste en utilisant du bleu.
Une fois le calque de couleur rendu invisible, j'ai repassé la couleur bleue avec un rose chaud pour l'équilibrer. De cette façon, les ombres restent chaudes de manière cohérente tout en étant plus foncées que le reste des cheveux.
J'ai également ajouté du violet clair dans les ombres et utilisé du jaune dans le reste de l'illustration pour les reflets.
Nous l'avons fait !
Et avec cela, nous avons l'illustration finale ! Les couleurs utilisées ne sont ni complètement basiques ni complètement en dehors de la zone de confort. Selon moi, c'est l'équilibre parfait entre les couleurs que nous utilisons généralement et les couleurs audacieuses.
Voici le timelapse complet :
Filtres et Effets
Vous pouvez ajouter des effets ou des filtres à votre illustration pour la rendre encore plus colorée. Je vais ajouter deux choses que vous pouvez faire pour les touches finales ci-dessous !
La façon la plus simple d'ajouter une touche de couleur à votre illustration est d'utiliser le mode de fusion "incrustation" (overlay). Vous pouvez créer un dégradé avec deux couleurs, par exemple, le bleu et le rouge. Changez le mode de fusion du calque en "incrustation" et diminuez son opacité. Cela ajoutera non seulement de la couleur à votre illustration, mais rendra également la pièce plus unifiée.
Une autre option de filtre est d'ajouter une "trame" à votre illustration. Allez dans Calque > Nouveau calque > Trame. Cela ouvrira une fenêtre où vous pourrez modifier les paramètres en fonction de votre toile. La densité et la fréquence dépendront des dimensions de votre toile.
Ma fréquence était réglée sur 85.0 et la densité sur 32%. Une fois ajoutée, je suis allé dans Calque > Rasteriser. Une fois mon calque n'étant plus un calque d'objet, je pouvais prendre une petite section du calque et la transformer pour l'agrandir jusqu'à ce que je sois satisfait de la taille des cercles.
J'ai un tutoriel plus long et plus élaboré sur les différents filtres que vous pouvez ajouter via les modes de fusion sur CSP. Vous pouvez vous y référer pour plus d'idées :)
Conclusion
Ceci conclut ce tutoriel ! J'espère qu'il vous inspirera à jouer plus souvent avec les couleurs ! Mon principal conseil sera toujours de ne pas avoir peur de faire du "mauvais art" :)
Merci de votre temps. Continuons notre parcours artistique en nous amusant autant que possible !
Les utilisateurs qui ont aimé cette publication
Commentaire