Introduction

Salut! Dans ce tutoriel, je vais vous expliquer comment créer une illustration plate pour la couverture de votre bande dessinée ou de votre roman. Selon moi, une couverture doit être personnelle et doit refléter le sujet de votre histoire.

 

Je vais diviser le processus en 5 étapes : Thème, Humeur, Composition, Dessin et Touches finales.

 

Veuillez vous référer à la vidéo pour un tutoriel plus détaillé :)

 

Thème

Tout d'abord, décidez de quoi vous voulez que l'illustration parle, sélectionnez ce que vous voulez dessiner en fonction du genre et du thème de votre histoire. Le reste du processus en dépendra.

 

Voici quelques questions que vous pouvez vous poser pour vous aider à décider ce que vous voulez :

• quel est le genre de mon histoire ?

• quel est le thème principal de mon histoire ?

• qu'est-ce que je veux montrer ou transmettre ?

 

Ambiance

Vous pouvez montrer l'ambiance d'une illustration en sélectionnant les bonnes couleurs.

 

Les couleurs chaudes peuvent donner un sentiment de compassion et de confort tandis que les couleurs froides sont distantes et calmes. Les couleurs vives peuvent montrer du plaisir et de l'espièglerie tandis que les couleurs douces peuvent sembler plus subtiles et paisibles.

 

De même, différentes teintes transmettent également différentes émotions. Le bleu peut se sentir triste, le jaune se sent heureux, le vert peut être relaxant et le rose peut se sentir innocent.

 

Les trois schémas de couleurs courants sont :

 

Complémentaire : Ce sont des couleurs opposées. Ils contrastent avec l'illustration et ont l'air très dynamiques. J'aime utiliser des couleurs complémentaires pour montrer les contraires ou pour faire ressortir un élément. Les couleurs complémentaires peuvent montrer une histoire.

Par exemple, ici, j'ai utilisé du bleu et du jaune pour montrer le contraste entre les personnages.

 

Triadique : Ce sont des couleurs qui sont régulièrement espacées sur la roue chromatique. Les schémas de couleurs triadiques vous offrent plus de couleurs à choisir et sont toujours dynamiques. Habituellement, l'une des couleurs est utilisée comme couleur principale et les deux autres sont utilisées comme accents.

 

Analogue : Ce sont des couleurs qui sont côte à côte. Ils donnent un sentiment d'harmonie et sont agréables pour les yeux. Des couleurs analogues sont souvent observées dans la nature.

Composition

La composition est la façon dont vous assemblerez tous les éléments et couleurs de votre illustration. Vous pouvez sélectionner des éléments en fonction de l'histoire. Celles-ci peuvent être directes ou indirectes. Par exemple, vous pouvez avoir deux personnages tenant des plantes, cela montre directement que l'histoire implique des plantes. De plus, l'un des personnages peut tenir un cactus et l'autre peut tenir un tournesol pour montrer métaphoriquement leurs personnalités.

 

Ajoutez des éléments qui semblent importants pour l'histoire. Contrairement à l'art rendu, dans les illustrations plates, l'idée est souvent plus nette.

 

Dessin

Vous pouvez d'abord sélectionner un style artistique de votre choix. Les styles artistiques arrondis peuvent sembler plus accessibles et les styles géométriques peuvent sembler plus distants. L'illustration peut montrer un événement ou être abstraite selon votre choix personnel. Dessinez ce que vous ressentez raconte une histoire. Cela peut inclure une scène importante de l'histoire ou seulement des personnages.

 

Approche du processus de dessin (trucs et astuces) :

 

 

Le processus que je suis est, d'abord je dessine mon croquis, puis je fais mon lineart. Après cela, je pose les plus grandes formes et choisis les couleurs et enfin je commence à affiner le tout et à finaliser les couleurs.

 

Linéaire :

 

Clip Studio Paint rend le processus lineart très simple. Dans mon illustration de couverture, j'ai ajouté un filtre fisheye pour rendre l'illustration plus dynamique.

Vous pouvez également utiliser des lignes de grille (Affichage> Grille) et l'outil de liquéfaction pour ajuster vos lignes. De plus, si vous le souhaitez, vous pouvez également rendre vos lignes plus fines ou plus épaisses en allant dans "Filtre"> "Correction (L)"> "Ajuster la largeur de ligne"

Utiliser des masques

 

Disons que vous voulez que votre dessin soit dans un cadre circulaire, vous pouvez simplement effacer l'extérieur de la sélection mais une façon plus efficace de le faire est de faire une sélection et de cliquer sur le masque, le masque masquera directement tout ce qui se trouve en dehors de la sélection, ou vous pouvez ajouter un masque et simplement effacer la zone que vous ne voulez pas voir. Maintenant, si je veux qu'une partie soit à nouveau visible, je peux la "démasquer" en parcourant cette zone à l'aide de n'importe quel pinceau.

 

Pour voir la zone masquée, accédez à Calque> Masque de calque> Afficher le masque. Cela mettra en évidence la zone masquée.

 

Ensuite, si vous souhaitez copier un masque, vous pouvez le dupliquer sur un nouveau calque en le faisant glisser sur le calque tout en appuyant sur alt. Pour inverser la zone masquée, appuyez sur « ctrl + i » ou « commande + i ».

 

J'ai utilisé un masque pour les cheveux et le miroir. Je l'ai également utilisé pour m'assurer que les choses qui sortent de la tête du personnage ne passent pas par-dessus ses cheveux et pour ajouter des choses derrière les personnages.

Coloration

 

Lors de l'ombrage de la peau, utilisez un ton plus chaud plus foncé pour le fard à joues et un ton plus foncé plus froid pour les ombres. Cela fonctionne pour toutes les couleurs de peau sans avoir l'air boueux.

 

Aussi, essayez d'équilibrer les couleurs, par exemple, ici puisque les cheveux noirs de la fille auraient trop ressorti, j'ai fait la couleur de la guitare noire également. De même, toutes les couleurs sont réparties sur l'illustration pour la rendre plus équilibrée.

 

Touches finales

Pour la touche finale, je veux passer en revue l'édition des couleurs dans CSP et l'utilisation de textures. Dans les illustrations plates ou bien, dans n'importe quelle illustration, celles-ci peuvent vraiment faire ressortir votre art et lui donner l'impression d'être plus "assemblé".

 

La luminosité augmente la luminosité globale de l'image tandis que le contraste ajuste la différence entre les couleurs les plus sombres et les plus claires.

 

Sur la saturation et la luminosité de la teinte, la teinte modifie le pigment. Vous pouvez modifier la teinte en ajoutant un nouveau calque et en définissant également le mode de fusion sur la teinte.

 

La saturation correspond à sa couleur et la luminosité ajuste la quantité de "lumière".

 

La postérisation diminue le nombre de tons. Habituellement, je l'utilise pour créer une palette à partir de l'illustration, je peux donc utiliser un générateur de palette de couleurs pour trouver plus de couleurs qui conviennent à l'illustration.

 

Le dégradé inversé inverse les couleurs.

 

La courbe de tonalité ajuste le contraste de l'illustration, elle peut également être utilisée pour manipuler les couleurs de l'illustration.

 

J'ai tendance à utiliser des masques pour aérographier certains d'entre eux pour ajouter des teintes et des reflets ici et là dans l'illustration.

 

La balance des couleurs est utilisée pour ajuster les couleurs d'une image en ajustant la balance de chaque couleur RVB et CMJ. Il maintient la luminosité constante.

 

Superpositions et textures !

Même dans les illustrations plates, vous pouvez ajouter des dégradés subtils pour le rendre plus intéressant. Les dégradés sont une excellente idée pour cela. Vous pouvez ajouter des dégradés sur des calques de multiplication ou de superposition pour lier les couleurs ensemble. Vous pouvez également jouer avec d'autres modes de fusion pour voir ce qui convient à votre dessin. Personnellement, j'adore ajouter des dégradés de rouge et de bleu car ils rendent l'illustration plus jolie.

 

Les textures sont un excellent moyen d'améliorer l'apparence d'une illustration plate.

 

Dans les textures, la plus simple et ma préférée consiste à ajouter du bruit perlin. Vous pouvez le sélectionner via le rendu du filtre, bruit perlin Cela ajoute une très belle texture réaliste à l'illustration. Clip studio paint propose également des textures dans ses actifs que vous pouvez utiliser. Ils ont également des motifs qui ne se terminent pas pour ajouter de la texture. Ajustez-les à votre goût.

 

Prime

Si vous voulez vraiment yyy faire l'illustration tout en enlevant un peu l'aspect "aplat" du dessin, voici trois façons de le faire :

 

L'esquive de couleur est un excellent moyen de mettre les choses au point, vous pouvez aérographier les parties sur lesquelles vous souhaitez attirer l'attention, puis définir le calque sur l'esquive de couleur.

 

D'autres façons d'attirer l'attention dans une illustration rendue ou plate sont à travers la vignette. Vous pouvez créer votre propre vignette en aérographeant les coins avec un bleu foncé ou un marron sur une couche de multiplication. Cela dirigera inconsciemment l'attention du spectateur vers le centre de l'illustration.

 

Vous pouvez également avoir un effet similaire en copiant le calque et en allant sur filtre, flou, flou gaussien. Ensuite, utilisez simplement un aérographe pour effacer la partie que vous souhaitez mettre au point.

 

Merci!

J'espère que ce tuto vous a aidé !

La principale chose dont je veux que vous vous souveniez, c'est d'utiliser les couleurs avec audace et de ne pas trop réfléchir. Amusez-vous à faire tout ce que vous faites. Vous n'avez pas à vous précipiter dans le processus.

 

Et encore une fois, merci pour votre temps. :)