Introduction

Salut ! Dans ce tutoriel, j'expliquerai comment créer une illustration plate pour la couverture de votre bande dessinée ou roman. Une couverture, selon moi, doit être personnelle et refléter l'histoire qu'elle contient.

 

Je diviserai le processus en 5 étapes : Thème, Ambiance, Composition, Dessin et Touches finales.

 

Veuillez vous référer à la vidéo pour un tutoriel plus détaillé :)

Thème

Tout d'abord, décidez du sujet de l'illustration. Choisissez ce que vous voulez dessiner en fonction du genre et du thème de votre histoire. Le reste du processus en dépendra.

 

Voici quelques questions que vous pouvez vous poser pour vous aider à décider ce que vous voulez :

• Quel est le genre de mon histoire ?

• Quel est le thème principal de mon histoire ?

• Qu'est-ce que je veux montrer ou transmettre ?

Ambiance

Vous pouvez montrer l'ambiance d'une illustration en sélectionnant les bonnes couleurs.

 

Les couleurs chaudes peuvent donner un sentiment de compassion et de confort, tandis que les couleurs froides semblent distantes et calmes. Les couleurs vives peuvent montrer le plaisir et le jeu, tandis que les couleurs sourdes peuvent sembler plus subtiles et paisibles.

 

De même, différentes teintes transmettent également différentes émotions. Le bleu peut sembler triste, le jaune joyeux, le vert relaxant et le rose innocent.

 

Trois schémas de couleurs courants sont :

 

Complémentaires : Ce sont des couleurs opposées. Elles donnent du contraste à l'illustration et sont très vibrantes. J'aime utiliser les couleurs complémentaires pour montrer des oppositions ou pour faire ressortir un élément. Les couleurs complémentaires peuvent raconter une histoire.

Par exemple, ici j'ai utilisé le bleu et le jaune pour montrer le contraste entre les personnages.

 

Triadiques : Ce sont des couleurs espacées également sur le cercle chromatique. Les schémas de couleurs triadiques vous offrent plus de couleurs à choisir et sont toujours vibrants. Généralement, l'une des couleurs est utilisée comme couleur principale et les deux autres comme accents.

 

Analogues : Ce sont des couleurs qui sont côte à côte. Elles donnent un sentiment d'harmonie et sont agréables à l'œil. Les couleurs analogues sont souvent observées dans la nature.

Composition

La composition est la manière dont vous assemblerez tous les éléments et couleurs de votre illustration. Vous pouvez sélectionner des éléments selon l'histoire. Ceux-ci peuvent être directs ou indirects. Par exemple, vous pouvez avoir deux personnages tenant des plantes, cela montre directement que l'histoire implique des plantes. De plus, l'un des personnages peut tenir un cactus et l'autre un tournesol pour montrer métaphoriquement leurs personnalités.

 

Ajoutez des éléments qui semblent importants pour l'histoire. Contrairement à l'art rendu, dans les illustrations plates, l'idée est souvent plus mise en avant.

 

Dessin

Tout d'abord, vous pouvez choisir un style artistique. Les styles artistiques arrondis peuvent sembler plus accessibles et les styles géométriques plus distants. L'illustration peut montrer un événement ou être abstraite selon votre choix personnel. Dessinez ce qui, selon vous, raconte une histoire. Cela peut inclure une scène importante de l'histoire ou simplement des personnages.

 

Approche du processus de dessin (astuces et conseils) :

 

 

Le processus que je suis est le suivant : d'abord je fais mon croquis, puis je réalise mon lineart. Après cela, je pose les formes plus grandes et choisis les couleurs, et enfin je commence à tout affiner et à finaliser les couleurs.

 

Lineart :

Clip Studio Paint facilite grandement le processus de lineart. Dans mon illustration de couverture, j'ai ajouté un filtre fisheye pour rendre l'illustration plus dynamique.

Vous pouvez également utiliser des lignes de grille (Affichage > Grille) et l'outil de liquéfaction pour ajuster vos lignes. De plus, si vous le souhaitez, vous pouvez également affiner ou épaissir vos lignes en allant dans « Filtre » > « Correction(L) » > « Ajuster l'épaisseur de ligne »

Utilisation des masques

 

Supposons que vous souhaitiez que votre dessin soit dans un cadre circulaire, vous pourriez simplement effacer l'extérieur de la sélection, mais une manière plus efficace de le faire est de créer une sélection et de cliquer sur le masque ; le masque masquera directement tout ce qui se trouve en dehors de la sélection, ou vous pourriez ajouter un masque et simplement effacer la zone que vous ne voulez pas visible. Maintenant, si je veux qu'une partie soit à nouveau visible, je peux la « démasquer » en passant sur cette zone avec n'importe quel pinceau.

 

Pour voir la zone masquée, allez dans Calque > Masque de calque > Afficher le masque. Cela mettra en évidence la zone masquée.

 

Ensuite, si vous voulez copier un masque, vous pouvez le dupliquer sur un nouveau calque en le faisant glisser sur le calque tout en appuyant sur Alt. Pour inverser la zone masquée, appuyez sur « Ctrl + i » ou « Commande + i ».

 

J'ai utilisé un masque pour les cheveux et le miroir. Je l'ai également utilisé pour m'assurer que les éléments sortant de la tête du personnage ne dépassent pas ses cheveux et pour ajouter des éléments derrière les personnages.

Coloration

 

Lorsque vous ombrez la peau, utilisez un ton plus foncé et plus chaud pour le rougissement et un ton plus froid et plus foncé pour les ombres. Cela fonctionne pour toutes les couleurs de peau sans paraître boueux.

 

Essayez également d'équilibrer les couleurs. Par exemple, ici, puisque les cheveux noirs de la fille auraient trop ressorti, j'ai également rendu la couleur de la guitare noire. De même, toutes les couleurs sont réparties sur l'illustration pour lui donner un aspect plus équilibré.

 

Touches finales

Pour les touches finales, je veux aborder l'édition des couleurs dans CSP et l'utilisation des textures. Dans les illustrations plates ou, plus généralement, dans toute illustration, cela peut vraiment faire ressortir votre art et lui donner un aspect plus « assemblé ».

 

La luminosité augmente la clarté globale de l'image tandis que le contraste ajuste la différence entre les couleurs les plus sombres et les plus claires.

 

Quant à la teinte, la saturation et la luminosité : la teinte modifie le pigment. Vous pouvez changer la teinte en ajoutant un nouveau calque et en réglant également son mode de fusion sur Teinte.

 

La saturation correspond à l'intensité des couleurs et la luminosité ajuste la quantité de « lumière ».

 

La postérisation réduit le nombre de tons. Généralement, je l'utilise pour créer une palette à partir de l'illustration, afin de pouvoir utiliser un générateur de palettes de couleurs pour trouver plus de couleurs adaptées à l'illustration.

 

Le dégradé inversé inverse les couleurs.

 

La courbe de tonalité ajuste le contraste de l'illustration, elle peut également être utilisée pour manipuler les couleurs de l'illustration.

 

J'ai tendance à utiliser des masques pour aérografer certaines de ces zones afin d'ajouter des teintes et des lumières ici et là dans l'illustration.

 

La balance des couleurs est utilisée pour ajuster les couleurs d'une image en ajustant l'équilibre de chaque couleur RVB et CMJ. Elle maintient la luminosité constante.

 

Superpositions et Textures !

Même dans les illustrations plates, vous pouvez ajouter des dégradés subtils pour les rendre plus intéressantes. Les dégradés sont une excellente idée pour cela. Vous pouvez ajouter des dégradés sur des calques en mode Produit ou Incrustation pour harmoniser les couleurs. Vous pouvez également expérimenter d'autres modes de fusion pour voir ce qui convient à votre dessin. Personnellement, j'adore ajouter des dégradés rouges et bleus car ils rendent l'illustration plus agréable.

 

Les textures sont un excellent moyen d'améliorer une illustration plate.

 

En matière de textures, la plus simple et ma préférée est l'ajout de bruit de Perlin. Vous pouvez le sélectionner via filtre de rendu, bruit de Perlin. Cela ajoute une très belle texture réaliste à l'illustration. Clip Studio Paint propose également des textures dans ses ressources que vous pouvez utiliser. Il y a aussi des motifs sans fin pour ajouter de la texture. Ajustez-les à votre guise.

 

Bonus

Si vous voulez vraiment mettre en valeur l'illustration tout en atténuant un peu l'aspect « couleur plate » du dessin, voici trois façons de le faire :

 

L'écrêtage couleur est un excellent moyen de mettre les choses au point, vous pouvez aérografer les parties sur lesquelles vous voulez attirer l'attention, puis définir le calque en mode Écrêtage couleur.

 

D'autres façons d'attirer l'attention dans une illustration rendue ou plate sont via la vignette. Vous pouvez créer votre propre vignette en aérografant les coins avec un bleu foncé ou un marron sur un calque en mode Produit. Cela dirigera inconsciemment l'attention du spectateur vers le centre de l'illustration.

 

Vous pouvez également obtenir un effet similaire en copiant le calque et en allant dans Filtre, Flou, Flou gaussien. Ensuite, utilisez simplement un aérographe pour effacer la partie que vous voulez mettre au point.

 

Merci !

J'espère que ce tutoriel vous a aidé !

La principale chose que je veux que vous reteniez est d'utiliser les couleurs audacieusement et de ne pas trop réfléchir. Amusez-vous à créer ce que vous faites. Vous n'avez pas besoin de vous précipiter dans le processus.

 

Et encore une fois, merci pour votre temps. :)