Introduction

Bienvenue dans ce tutoriel sur l'art numérique au crayon. Dans cette leçon, nous nous concentrerons sur l'utilisation de l'outil crayon dans Clip Studio Paint, les pinceaux de texture et les arrière-plans texturés pour créer des illustrations détaillées au crayon.

Tout au long de ce tutoriel, mon objectif est de vous guider dans la réalisation d'une touche réaliste dans votre dessin au crayon numérique. Que vous soyez expérimenté ou novice en matière d'art numérique, ces informations vous aideront à capturer l'essence des sujets.

Types de traits et techniques d'ombrage

L'étude des méthodes traditionnelles d'application de traits sur papier aide à mieux comprendre les principes du processus, ce qui vous permettra à son tour d'appliquer ces principes numériquement. Les traits et les nuances sont les bases de l'art au crayon.

 

Voici quelques façons d'appliquer des traits et des ombres :

 

 

• Hachures et hachures :

Les hachures consistent à créer des lignes parallèles pour ombrer une zone, tandis que les hachures croisées ajoutent une autre couche de lignes dans une direction différente. Cette technique peut créer de la profondeur et de la texture dans votre œuvre.

 

• Hachures de contour :

Les hachures de contour suivent les contours d'un objet, soulignant sa forme et son apparence tridimensionnelle. Il est particulièrement utile pour représenter des surfaces arrondies.

 

• Pointillé :

Le pointillé consiste à utiliser de petits points ou points pour créer un ombrage. En faisant varier la densité et la taille des points, vous pouvez obtenir différents niveaux de ton et de texture.

 

• Maculage et mélange :

À l'aide de votre doigt, d'un estompeur ou d'un chiffon doux, vous pouvez estomper les traits de crayon pour créer une transition en douceur entre les nuances. Cette technique est idéale pour obtenir des dégradés doux.

• Coup de va-et-vient :

Le trait de base de va-et-vient ou de va-et-vient-hachure implique de courts coups dans des directions alternées. Il est polyvalent pour le rendu de diverses textures.

 

• Trouble :

Le frottis est une technique dans laquelle vous créez une couche de lignes griffonnées ou d'ombrages, souvent dans un motif aléatoire, pour obtenir un effet texturé.

 

• Superposition et Gradation :

La superposition consiste à créer progressivement des couches de traits de crayon pour obtenir des valeurs plus sombres et des transitions plus douces. La gradation est l'art de passer progressivement du clair au foncé.

 

• Course circulaire :

Les traits circulaires impliquent de créer de petits mouvements circulaires avec le crayon. Cette technique est efficace pour ajouter de la profondeur et de la texture aux objets.

Ce ne sont que quelques exemples de types de traits de crayon et de techniques d'ombrage qui peuvent être appliqués à la fois à l'art au crayon traditionnel et numérique. Pour voir plus de références, vous pouvez rechercher en ligne chaque technique individuellement.

À quoi ressemblent ces techniques dans mes œuvres :

Fond texturé

Pour rendre votre art numérique plus réaliste, comme les dessins au crayon traditionnels, commencer par une base texturée peut grandement améliorer le résultat final. Si vous préférez un arrière-plan propre, vous pouvez ajouter une texture uniquement à la zone de dessin. De cette façon, les détails de la page affecteront l'apparence de votre dessin, tout en gardant le reste propre et bien rangé.

 

Il existe deux manières de créer un arrière-plan avec une structure de feuille : en utilisant des photos de référence haute résolution des feuilles ou en créant des pinceaux qui imitent la texture, et en créant manuellement l'arrière-plan. Les deux méthodes aboutissent au même résultat.

 

 

Utilisation de photos de référence haute résolution

Le procédé impliquant des photographies des feuilles nécessite également un traitement pour obtenir un aspect final esthétiquement agréable. Par exemple, je vais maintenant décrire comment j'ai créé l'arrière-plan d'une œuvre d'art. Il est important de noter que l'œuvre elle-même sera analysée dans une prochaine sous-section où je montrerai les étapes de sa création à l'aide des outils de crayon CPS.

La méthode de rédaction du fond est individuelle et dépend des préférences de l'artiste, de sa vision de ce à quoi il ressemblerait mieux et du fond qui assurera le meilleur résultat final. Cependant, mon conseil sera d'ajuster l'exposition lors du traitement de l'image, ainsi les détails de la feuille seront plus visibles et plus clairs.

 

Voici un guide général sur la façon d'ajuster l'exposition dans Clip Studio Paint :

• Ouvrez l'illustration : Lancez Clip Studio Paint et ouvrez l'image que vous souhaitez ajuster.

• Menu Calque : Dans le menu "Calque", sélectionnez "Nouveau calque de correction", puis choisissez "Luminosité/Contraste".

• Paramètres de luminosité/contraste : Une boîte de dialogue apparaît, proposant des curseurs pour les réglages de luminosité et de contraste.

• Luminosité : Faites glisser le curseur vers la droite pour augmenter la luminosité et vers la gauche pour la diminuer.

• Contraste : Réglez le contraste en déplaçant le curseur vers la droite pour un contraste plus élevé et vers la gauche pour un contraste plus faible.

• Aperçu : Lorsque vous ajustez les curseurs, vous verrez les changements en temps réel sur votre image. Expérimentez jusqu'à ce que vous obteniez le niveau d'exposition souhaité.

• Mode de fusion des calques : En fonction de votre illustration et de l'effet souhaité, vous pouvez affiner davantage les réglages d'exposition en expérimentant différents modes de fusion des calques.

• Enregistrer et exporter : Après avoir effectué les réglages, enregistrez votre image modifiée en allant dans "Fichier" > "Enregistrer sous" et en choisissant le format approprié.

Gardez à l'esprit que Clip Studio Paint propose plusieurs façons d'ajuster l'exposition et que les étapes fournies ne sont qu'une méthode. Les ajustements spécifiques que vous faites doivent être guidés par votre vision artistique et les qualités uniques de votre œuvre.

 

Pour créer un arrière-plan précis, il est important de mélanger les détails de la feuille pour l'uniformité. Cependant, ajuster l'exposition conserve les textures et les détails subtils après le mélange. Une touche finale consiste à les améliorer grâce à des ajustements de contraste. Commencer avec la feuille d'origine peut entraîner un contraste excessif entre le dessin et l'arrière-plan. Le mélange des détails unifie l'œuvre, car les mêmes crayons et pinceaux sont utilisés, ce qui donne une composition harmonieuse et complémentaire.

Utiliser des pinceaux de texture

Lors de l'utilisation de pinceaux avec texture, le résultat souhaité est obtenu en appliquant doucement la couleur sur la toile pour maintenir la texture. L'incorporation de textures supplémentaires dans les zones ombrées d'une feuille donnera un meilleur résultat. Pour cette méthode, vous devez très bien connaître les propriétés du pinceau que vous utilisez.

* Pour conserver la texture, je recommande d'augmenter les niveaux de sensibilité de votre stylo et d'appliquer la teinte doucement.

Dans cette approche, il est important de travailler avec plusieurs couches. Lors de l'application de nuances plus claires, modifiez le mode de fusion du calque sur "Éclaircir" et ajustez son opacité (si vous souhaitez rendre la texture plus subtile, diminuez l'opacité en conséquence). Si certaines textures semblent trop prononcées, elles peuvent être facilement éliminées.

La dernière étape consiste à ajuster la luminosité de la toile et à mélanger à nouveau les nuances pour minimiser les détails sur la feuille. Contrairement au mélange initial obtenu avec des pinceaux de texture, ce processus utilise des pinceaux doux, soit avec des transitions dégradées, soit en utilisant une texture de crayon. Cette action est effectuée sur un calque séparé, suivie d'un réglage précis de la visibilité du calque.

Les méthodes mentionnées peuvent être combinées les unes avec les autres pour obtenir une grande variété de fonds. L'utilisation de photos comme base et l'ajout de détails avec des pinceaux de texture augmentent considérablement la variété d'arrière-plans que vous pouvez obtenir.

Processus de création d'une illustration numérique au crayon

Dans cette sous-section, j'utiliserai un exemple réel pour expliquer le processus de création d'un dessin au crayon numérique.

La création d'une œuvre d'art numérique au crayon implique plusieurs étapes, chacune contribuant à l'œuvre finale.

La première étape consiste à décider quoi dessiner et à créer le croquis.

Commencez par conceptualiser votre œuvre. Définissez le sujet, la composition et l'ambiance. Esquissez une idée approximative de la façon dont vous voulez que la pièce finale ressemble. Dans mon cas, j'aime utiliser de nombreuses images de référence pour créer l'image de la personne que je vais dessiner.

Travailler avec l'outil crayon facilite le processus, car ses propriétés ressemblent étroitement à celles d'un vrai crayon.

La technique que j'emploie pour créer l'esquisse n'a pas d'importance, car je finirai par supprimer l'esquisse dans le résultat final, ne laissant que l'illustration elle-même.

 

Dans l'exemple spécifique en cours d'analyse, j'ai décidé d'appliquer une couleur à chaque détail séparément.

Pour les dessins avec beaucoup de détails, j'aime ajouter de la couleur de cette façon. Mais pour les croquis artistiques avec des textures et des ombres, la coloration de toute la surface donne un meilleur aspect.

 

Voici les pinceaux et les crayons que j'ai utilisés pendant le processus de coloration :

 

 

Le choix des crayons que vous utiliserez est très important. Clip Studio Paint propose une grande variété d'outils qui vous aideront à obtenir le résultat souhaité. Pour choisir les outils souhaités, cliquez sur l'outil "Crayon" puis sur le bouton "Ajouter des sous-outils" :

Dans la fenêtre qui apparaît, cliquez sur 'Rechercher des matériaux sur ASSETS'. Ici, vous pouvez sélectionner vos outils préférés parmi un large éventail d'options disponibles.

Commencer à ajouter de la couleur au croquis avec l'outil "Crayon":

Suivre la méthode traditionnelle d'ajout de couleur à la feuille permet d'obtenir un résultat réaliste. Vous pouvez facilement superposer la couleur pour assombrir ou éclaircir des zones spécifiques. Au fur et à mesure que vous ajoutez de la couleur en couches, la texture du crayon devient moins perceptible.

 

 

Après la coloration, dans ce cas, j'utilise différents outils de crayon sur un calque séparé pour ramener la texture.

Voici les étapes raffinées pour accentuer la texture :

• Créez un nouveau calque.

• Utilisez un outil crayon qui imite l'effet souhaité. Un gros crayon fonctionne mieux pour un effet fort.

• Pour les parties sombres, utilisez une couleur plus foncée que la zone et une couleur beaucoup plus claire que la même zone.

• Pour ajouter la couleur plus claire, créez un autre calque. Cela aide si vous souhaitez effacer les parties que vous n'aimez pas ou rendre les transitions de couleurs plus fluides en rendant le calque moins visible.

 

Ci-dessous, vous pouvez trouver un exemple vidéo du processus démontré sur une section plus sombre du dessin.

Une autre astuce pour finaliser votre travail : lorsque vous êtes presque terminé, estompez doucement certaines zones pour imiter l'effet d'un gommage avec une gomme douce. Cette touche subtile peut améliorer la vivacité de votre dessin.

 

Pour cela, vous devez :

• Sélectionnez l'outil de fusion : Choisissez l'outil de fusion approprié dans la barre d'outils. Les outils de mélange les plus couramment utilisés sont les pinceaux "Aquarelle" et "Mélange", que vous pouvez trouver dans les options de l'outil "Pinceau".

• Créer un nouveau calque (recommandé) : Pour mélanger sans affecter votre illustration originale, il est conseillé de créer un nouveau calque pour le mélange. Cliquez sur l'icône "Nouveau calque raster" en bas du panneau "Calque".

• Choisissez le mode de fusion (facultatif) : Avant de commencer à mélanger, vous pouvez expérimenter différents modes de fusion de calques pour obtenir divers effets. Ceci est particulièrement utile lors du mélange des couleurs.

• Démarrer le mélange : Commencez le mélange en effectuant des mouvements doux et rapides avec l'outil de mélange choisi. En fonction de l'effet souhaité, vous souhaiterez peut-être ajuster la taille et l'opacité du pinceau.

• Progressive et contrôlée : Mélange progressivement, permettant aux couleurs de fusionner en douceur. Cette technique fonctionne bien pour la transition entre différentes nuances, tons ou textures.

• Expérimentation et aperçu : Expérimentez avec différents modes de fusion pour voir comment ils modifient l'apparence de votre illustration. Différents modes créeront divers effets de mélange, modifiant les couleurs, les tons et les textures.

• Sélectionnez un mode : Une fois que vous avez trouvé un mode de fusion qui produit l'effet souhaité, cliquez dessus pour l'appliquer au calque.

• Ajuster l'opacité (facultatif) : Après avoir choisi un mode de fusion, vous pouvez également régler l'opacité du calque pour contrôler l'intensité de l'effet de fusion. Réduire l'opacité peut rendre le mélange plus subtil et plus naturel.

• Enregistrer votre travail : N'oubliez pas d'enregistrer votre illustration après avoir effectué des ajustements.

*Utilisez des photos de référence pour obtenir des formes, un éclairage et des détails précis. Ils contribuent à assurer le réalisme et à améliorer vos capacités d'observation.

1. Transition transparente : Réalisez une transition en douceur entre le dessin et la texture de la feuille.

2. Lignes hachurées : Utilisez des lignes hachurées pour améliorer l'attrait esthétique de l'œuvre.

3. Contraste et transition : Incorporez des zones plus sombres et assurez une transition transparente des ombres aux sections plus claires.

4. Texture variée : Appliquez des hachures plus prononcées avec des textures distinctes dans des zones spécifiques.

Le résultat final :

Détails

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Conclusion : Réflexions et remarques finales

Les outils numériques nous permettent de recréer des styles traditionnels tout en gardant leur beauté et leurs détails. Dans cet article, j'ai réussi à n'inclure qu'une petite partie des processus et des méthodes possibles d'imitation du style traditionnel dans l'art numérique. Il existe de nombreux autres styles dont je souhaite discuter, tels que la peinture à l'huile, le fusain, l'aquarelle, etc. Ceci est mon premier article dans lequel j'essaie d'expliquer les nuances des styles que j'ai acquis, donc je serai très reconnaissant si vous laissez dans les commentaires des avis sur la façon dont je pourrais améliorer le processus d'explication des informations et si vous avez des questions sur ce que j'ai partagé, n'hésitez pas à demander. Vos retours me touchent beaucoup !