Bonjour, Danny ici. Je vais simplement montrer aux nouveaux utilisateurs de Clip Studio Paint, en bref, aux débutants, les Façons d'améliorer la composition de leurs personnages et de leurs scènes.

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Tout d'abord, j'aimerais demander ;

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▪️ Qu'entendons-nous par composition de personnages ?

Lorsque j'ai commencé à concevoir certains de mes personnages principaux que je voulais utiliser comme mes OC (personnages originaux) pour mes tutoriels freelance et pas à pas, j'ai commencé par dessiner mes personnages principaux "à main levée" et je me disais à l'époque qu'utiliser des références et imiter le travail d'autres grands artistes faisait de moi un non-artiste et que cela ne rendrait pas mon œuvre unique, mais avec le temps, j'ai appris à mes dépens qu'avoir ce genre de mentalité est très faux. Prenez le tutoriel d'aujourd'hui par exemple, "la composition des personnages" signifie simplement :

Une composition utilisée pour accentuer les traits uniques et la personnalité du personnage.

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Lors de la création d'une nouvelle composition de personnage, celle-ci peut également être basée sur plus d'une forme ou idée individuelle lors de sa création ou de sa conception d'illustration.

 

Donc, avec cette idée en tête, la conception de personnages ne signifie pas seulement que nous devrions toujours créer nos personnages conceptuels ou nos OC (personnages originaux) uniquement à partir de notre esprit, ce qui est très bien si vous avez fait des œuvres d'art numériques pendant une longue période, mais pas si bon pour ceux qui viennent de commencer le dessin numérique récemment (débutants).

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À noter :

Si vous, en tant qu'artiste, avez comme moi cette idée que des personnages uniques sont obtenus simplement en imaginant des personnages sans aucune référence, je vous conseille vivement d'effacer cette pensée de votre esprit, car l'unicité n'est pas seulement obtenue par une nouvelle création, mais elle est facilement obtenue en étant capable de manipuler des images déjà existantes et d'affiner vos compétences créatives à partir de ce qui est disponible autour de nous.

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Ainsi, la composition existe en deux parties : les éléments de composition de l'environnement et les éléments du point d'accentuation (également appelé point focal),

 

Prenez l'image de scène de paysage ci-dessous, qui est composée de divers objets tels que les rochers - arbre - oiseau et une maison unique,

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Maintenant, prenez ce personnage ci-dessous et ajoutez-le à la scène ci-dessus,

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Ainsi, nous remarquerons qu'en plaçant le personnage devant les objets de la scène, nous avons tendance à en faire le point d'accentuation (point focal) par défaut, sans rien faire en quelque sorte, car les yeux des personnes qui regardent l'image se concentreront d'abord sur la figure qui couvre la maison,

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Cela peut sembler abstrait pour les débutants ; Oui, comme nous avons un personnage dans une scène particulière, les personnages et la scène ont tous deux ce qui les compose ou les constitue (ce qui peut être complémentaire l'un à l'autre ou non), mais l'important est que ces choses qui composent le personnage et la scène sont connues sous le nom de leur "Composition".

Prenez par exemple l'image ci-dessous qui est composée du -personnage -objet et du -paysage qui sont tous dans la scène.

Ainsi, nous remarquerons qu'en plaçant le personnage devant les objets de la scène, nous avons tendance à en faire le point d'accentuation (point focal) par défaut, sans rien faire en quelque sorte, car les yeux des personnes qui regardent l'image se concentreront d'abord sur la figure qui couvre la maison,

Maintenant, pour pouvoir réaliser facilement ce qui a été mentionné ci-dessus, nous devons d'abord comprendre quelques principes ou règles simples qui, je crois, régissent ce concept de composition et ce sont :

 

- Avoir un bon choix de taille de toile

- Éléments de composition

- Structuration de la figure du sujet (personnages/objets/points focaux).

- Équilibre

- Retouches finales : Simplification du contraste

1- Avoir un bon choix de taille de toile

Chaque fois que je commençais une nouvelle peinture numérique, j'avais l'habitude de deviner quelle devrait être la taille de la toile. Parfois, ça se passait bien, mais d'autres fois, cela me menait à des problèmes frustrants avec la peinture plus tard.

 

Ce qui m'a fait me demander plus tard : « comment faire le bon choix de toile ? » et « comment mieux décider quand utiliser une toile paysage ou une toile portrait ? »,

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Avec toutes ces questions en tête, j'ai fait plus de recherches et j'ai appris que la meilleure chose à faire à l'époque en tant que débutant est de me familiariser d'abord avec les tailles de toile courantes, en commençant par l'utilisation de la taille carrée parfaite ou rectangulaire (que pour ma part, j'ai réglée sur la taille rectangulaire,

• Taille portrait - largeurs de 1080px × hauteurs de 820px et pour,

• Taille paysage - largeurs 820px × hauteurs

1080px).

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Et quand je dois décider du choix d'une taille de toile, je pense simplement en moi-même au type de dessin que je veux faire : les objets de l'image seront-ils affichés de haut en bas ou de gauche à droite ? Si c'est de haut en bas, je m'en tiendrai au format portrait. Mais si c'est de gauche à droite, je m'en tiendrai au format paysage.

 

Notre choix de toile étant fait, nous pouvons passer à l'aspect suivant du tutoriel d'aujourd'hui.

2- Éléments de composition (Scènes environnementales de paysage)

Dans les images miniatures ci-dessus montrant une scène environnementale, nous avons vu comment les différents objets ou sujets de la scène lui conféraient son apparence unique, qui est sa composition ; mais j'aimerais souligner que la scène a tendance à changer en fonction de ce sur quoi et où l'artiste veut que le public ou les spectateurs concentrent leur regard.

 

Ce qui nous amène ensuite à apprendre...

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Comment la composition varie-t-elle ?

C'est une excellente question car lorsque nous utilisons notre appareil photo pour prendre des photos des différents environnements qui nous entourent, en regardant attentivement les images prises, nous remarquerons que chacune a sa composition affichée sous différents formats avec chacun des différents objets des images se rapportant, se combinant ou s'arrangeant ensemble sur/dans la scène, ce qui est communément appelé soit éléments, soit règles, soit lois de la composition.

 

L'artiste a une liberté totale lorsqu'il choisit la composition de son œuvre. Les éléments peuvent être regroupés vers le centre de la toile ou de la photographie, ou dispersés dans les coins de l'œuvre, et le nom commun pour l'expression des objets dans la scène, y compris les personnages, est connu sous le nom de « rythme ».

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▪️ Rythme,

Comme j'aimerais le souligner, la disposition des éléments donne à notre œuvre un « rythme » qui aide à créer un sentiment de vie dans une œuvre d'art. Le rythme peut être créé en répétant des éléments dans la composition ou en utilisant des lignes et des formes pour guider l'œil du spectateur autour de l'œuvre.

Prenez les règles d'éléments suivantes qui régissent la composition ;

(i) La règle des tiers

La règle des tiers est une ligne directrice de composition qui place votre sujet dans le tiers gauche ou droit d'une image, laissant les deux autres tiers plus ouverts.

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Bien qu'il existe d'autres formes de composition, la règle des tiers conduit généralement à des prises de vue convaincantes et bien composées.

(ii) La règle « triangulaire » ou « pyramidale »

La composition triangulaire implique la formation ou l'utilisation d'un triangle au sein de l'image. Les triangles à base large sont bons pour créer de la stabilité en raison de leur base large. Le triangle équilatéral formé par le petit bouquet de fleurs contribue à créer une composition bien équilibrée.

Lorsque je parle de triangles, je veux dire deux choses :

 

• Avoir trois éléments dans votre cadre qui créent un triangle.

 

• Placer des éléments dans votre cadre de manière à ce qu'ils créent des lignes en forme triangulaire.

C'est assez simple. Trois choses = triangle. Facile, non ?

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(iii) La règle du « L »

Lorsque les axes horizontal et vertical d'une image sont décentrés, nous pouvons reconnaître une forme en L. C'est la composition en L. Les éléments de l'image sont situés sur ces deux axes.

 

 

(iv) La règle du « S »

Les éléments ne sont pas seulement des lignes et des formes, les lettres peuvent aussi être utilisées, comme la lettre S par exemple, qui est une sorte d'expression en zigzag, comme un spectateur regardant une route courbe.

(v) La règle de la « diagonale »

Dans la composition diagonale, les éléments de l'image sont organisés le long d'une ligne diagonale. Une telle composition peut accentuer la perspective, donner à l'image un sens de la profondeur et également ajouter du dynamisme.

(vi) La règle du « cercle »

La composition circulaire est une technique utilisée par les maîtres artistes pour relier, de manière circulaire, des éléments spécifiques dans un dessin ou une peinture. Cette approche de conception est l'une des techniques les plus facilement reconnaissables utilisées dans une œuvre d'art.

 

Prenez les premières images miniatures dans le coin supérieur droit où les nuages se rejoignent pour former un cercle, tout comme nous pouvons également voir les images miniatures ci-dessous, c'est un lac entouré de terres, ce qui rend le lac circulaire et en fait le point d'accentuation dans les images miniatures ci-dessous.

Et ceux mentionnés ci-dessus sont quelques-uns des éléments de composition.

 

Ensuite,

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3- Structuration de la figure du sujet (personnages/objets/points focaux)

Une des façons dont nous pouvons manipuler la composition de nos personnages à notre avantage est de prendre d'abord la décision sur le type de blocage structurel que nous voulons donner à notre OC (personnage original).

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▪️ Blocage structurel des personnages (avantages des formes),

Le blocage structurel de nos personnages est la base fondamentale qui implique l'utilisation de nos formes régulières pour donner à chacun de nos personnages une apparence unique tout en gardant à l'esprit le rôle que nous voulons que chaque personnage joue dans la scène, comme :

 

(i) Bloquer les personnages sous une forme ronde pour leur donner une apparence mignonne ou,

 

(ii) Bloquer les personnages sous une forme carrée pour leur donner une apparence forte ou,

 

(iii) Bloquer les personnages sous une forme triangulaire pour leur donner une apparence maléfique ou mauvaise.

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Avec cette partie de composition utilisant des formes, les artistes peuvent disposer leurs personnages de manière simple ou sous des formes pour ne pas ennuyer le public (ou les spectateurs).

 

L'utilisation des formes courantes peut également aider l'artiste à exprimer les caractéristiques des personnages individuels ;

 

 

Remarque : le personnage féminin à gauche dans l'image ci-dessus, que j'ai encadré de manière expressive avec la forme circulaire, apparaît plus mignon, libre et accueillant. Ces caractéristiques sont dues à la façon dont j'ai utilisé la forme circulaire pour la structurer.

Ensuite, le personnage féminin à droite dans l'image ci-dessus semble diablement mignon, stratégique et vilain dans son expression, ceci grâce aux caractéristiques de la forme triangulaire.

Tandis que le personnage masculin au milieu dans l'image ci-dessus apparaît fort, audacieux et rigide dans son expression grâce aux caractéristiques de la forme carrée que j'ai utilisée pour l'encadrer.

▪️ Anatomie des personnages (blocage corporel droit)

L'anatomie des personnages est un aspect très complexe que les débutants ont tendance à trouver difficile et qui a été souvent abordé à maintes reprises, mais je vais simplement présenter les formes courantes qui, en tant que débutant, peuvent faciliter la construction ou le dessin des personnages.

 

Si vous êtes un débutant, notez qu'il « n'y a pas de style parfait pour dessiner ou encadrer le corps des personnages », alors si vous trouvez le processus que je vais montrer ci-dessous difficile, je vous conseille de ne pas forcer, essayez simplement de le manipuler pour qu'il corresponde mieux à votre style de dessin OK.

 

 

a) Torse

Le blocage pour le torse des personnages masculins a tendance à ressembler à un point d'exclamation (qui a une grande boîte empilée sur une petite boîte).

 

Tandis que le blocage pour le torse des personnages féminins a tendance à ressembler à un sablier (dont la partie supérieure et inférieure pointent vers l'extérieur et le milieu pointe vers l'intérieur).

b) Membres inférieurs (les jambes)

Les membres inférieurs sont dessinés à l'aide de la forme circulaire pour les trois articulations situées sur la jambe, en partant de l'os pelvien vers le bas, et de la forme carrée pour les grandes parties osseuses des jambes, tandis qu'ils ont tendance à ressembler à une structure ou un cadre de membre factice à utiliser comme lignes directrices, comme montré ci-dessous

c) Membres supérieurs (les mains)

Les membres supérieurs sont dessinés à l'aide de la forme circulaire pour les trois articulations situées sur les mains, en partant de l'os du thorax vers le bas jusqu'à la taille, et de la forme carrée pour les grandes parties osseuses des mains, tandis qu'ils ont tendance à ressembler à une structure ou un cadre de membre factice à utiliser comme lignes directrices, comme montré ci-dessous

d) Structuration complète du corps

À ce stade, en rassemblant toutes les parties du corps que nous venons de structurer, nous aurons nos personnages créés pour les deux genres (le personnage masculin et le personnage féminin).

Maintenant que nous comprenons comment structurer, bloquer et donner à nos personnages leurs propres types d'expressions différents lorsque nous créons le corps entier de nos personnages, nous pouvons passer à l'aspect suivant.

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Et si vous voulez apprendre à dessiner le corps dans différentes tailles ou peut-être dans différentes poses dynamiques, consultez les cours suivants, les liens sont ci-dessous.

N'importe lequel de ces éléments ci-dessus vous aidera à vous améliorer davantage.

▪️ Utilité des perspectives

Adopter différentes perspectives offre également aux gens des opportunités de contrecarrer leurs styles artistiques. Cela expose les individus à de nouvelles informations qui peuvent remettre en question leurs opinions et notions préconçues. Cela peut les aider à reconnaître leurs préjugés et à reconsidérer leurs façons actuelles de penser les groupes de personnages et les idées, ce qui peut également ajouter une « expression spontanée » à la pose du personnage.

 

 

                                                                + **Remarquez** comment dans l'image, celui de **gauche** est juste **vertical** ou **linéairement positionné** et est vu de face, ce qui le rend **directement****ennuyeux** et **inintéressant**, mais celui de **droite**, bien qu'il soit également debout, est **incliné** et **positionné** sur l'un des **bords** de la **toile** et est vu d'en bas, donnant au **personnage** une expression **spontanée intéressante et dynamique**.

Comprendre les différentes perspectives peut parfois être difficile. Cela peut exiger des artistes de sortir des états mentaux ou des façons de penser dans lesquels ils se sentent le plus à l'aise. Cela demande un réel effort.

Cependant, quelques stratégies clés qui peuvent faciliter le processus sont de premièrement :

 

• Décider du type d'expression que vous voulez que votre personnage ait avant de lui donner une perspective,

 

Par exemple, prenez les deux poses en perspective ci-dessous : celle de gauche, basée sur sa perspective, exprime un type de pose de personnage sérieux et concentré, et celle de droite exprime un type de pose de personnage libre et spontanée.

• Comme nous pouvons le remarquer dans l'image ci-dessus, le personnage de gauche est dessiné avec un petit haut du corps et un bas du corps plus grand, ce qui est le résultat de la position de la caméra de bas en haut.

• tandis que le personnage de droite est dessiné avec un haut du corps plus grand et un petit bas du corps, ce qui est le résultat de la position de la caméra de haut en bas.

Considérez les façons suivantes d'engager ou de captiver les spectateurs en utilisant les différentes perspectives, de manières qui peuvent également aider à nourrir la créativité, la compréhension, la curiosité et l'apprentissage chez les spectateurs et chez nous, artistes, à mesure que nous progressons dans le monde de l'art numérique.

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▪️ Manipulation des poses,

J'ai inclus cet aspect « manipulation des poses » parce que, comme je l'ai mentionné précédemment, je veux qu'il soit clair que la manipulation n'est pas de la triche ; par conséquent, si vous y réfléchissez, "qu'y a-t-il de nouveau dans ce monde", montrez-moi ce qui est nouveau et différent à tous égards dans ce monde et je vous donnerai les termes et les raisons pour lesquelles cela ne peut pas être nouveau.

 

Note : cet aspect présente deux points importants pour la création de la composition des personnages,

 

Le premier (i) est que nous pouvons utiliser la compétence de manipulation dans la création des poses des personnages soit en recréant nos autres poses de personnages, soit en utilisant celles de nos images de référence pour faciliter et accélérer notre travail, comme nous pouvons le voir ci-dessous.

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Remarquez comment j'utilise A les parties inférieures du corps sur les parties inférieures des personnages B et C, ceci est considéré comme de la manipulation.

Le deuxième (ii) est que la compétence de manipulation aide à faciliter la conception de nos OC (personnages originaux) car, dans le processus où l'on utilise des images miniatures déjà faites comme point ou image de référence, en utilisant différents réglages de l'image de référence, en apprenant des images miniatures déjà faites par de grands artistes et en prenant note de leur style artistique ou de leurs préceptes qui régissent leur style artistique, nous pouvons ensuite les mettre en œuvre ou les écarter pour mieux nous aider à créer nos propres types de personnages, en leur donnant leur propre apparence unique sous la forme de leurs expressions faciales, du blocage corporel, des costumes et plus encore.

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Note : la plupart des idées ou des styles artistiques des images de référence 1 à 9 que j'utilise comme montré ci-dessus, je les ai obtenues en étudiant d'autres grands artistes et les choses autour de moi, comme pour :

1. J'utilise une forme de bloc pour encadrer les cheveux (ce que j'ai appris en étudiant Marc Brunet).

2. J'utilise le style anime pour dessiner les yeux.

3. Je dessine simplement le nez à mon goût, en essayant de développer ou d'affiner mes compétences créatives.

4. J'utilise le style de dessin de bouche de « Steven Universe », j'adore la façon dont ils ne respectent pas le réalisme.

5. J'applique l'influence des formes rondes au menton de mon personnage, ce qui, je crois, met mieux en valeur la mignonnerie du personnage.

Ensuite, pour 6, 7, 8 et 9, qui sont les vêtements personnalisés, j'utilise simplement certains des vêtements que je vois les gens porter autour de moi et je les utilise comme points de référence.

Alors que ces différentes images idéales 1 à 9 peuvent également être considérées comme les éléments de composition du personnage ci-dessus, ce qui a rendu la création du personnage plus rapide et facile.

 

Avec les différentes images de référence 1 à 9 ci-dessus, nous pouvons créer une variété de personnages en échangeant, changeant ou manipulant n'importe lequel des éléments ci-dessus avec les diverses aides d'images de référence déjà existantes pour créer facilement une variété de personnages.

 

 

▪️ Créer du mouvement

Généralement, il est considéré comme plus agréable pour le spectateur si l'image encourage l'œil à se déplacer autour de l'image, plutôt que de se fixer immédiatement sur un seul endroit ou sur aucun endroit en particulier. Les artistes s'efforcent souvent d'éviter de créer des compositions qui semblent « statiques » ou « plates » en incorporant du mouvement dans l'image.

 

Prenez l'image miniature A par exemple, [le personnage saute quelque chose en courant dans le couloir de l'école avec un passant criant de colère au personnage en fuite],

Donnez à l'image de l'énergie et de la tension pour la rendre intéressante pour ceux qui la voient.

Tandis que dans l'image miniature B, [les trois personnages sont assis dans une position stationnaire ou statique, les deux à l'avant conversant et le troisième empilant des boîtes].

L'image manque d'énergie car les personnages sont assis et immobiles.

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4- Équilibre

Équilibrer une composition implique d'arranger à la fois les éléments positifs et l'espace négatif de manière à ce qu'aucune zone du design n'écrase les autres, mais qu'elles conduisent le regard des spectateurs vers un point focal. Tout fonctionne ensemble et s'assemble en un tout harmonieux. Les parties individuelles contribuent à leur somme mais n'essaient pas de devenir la somme.

 

Prenez par exemple (1.) l'équilibre symétrique tel que montré ci-dessous, qui est obtenu en donnant un poids égal aux éléments de part et d'autre du point central d'une composition. Le point central peut être horizontal, vertical ou diagonal.

Le résultat est une image répétitive ou en miroir (qualifiée de parfaitement symétrique) qui semble complètement également équilibrée. Exemple d'équilibre formel, la symétrie favorise une composition très organisée et équilibrée.

Comme nous pouvons le voir dans (2.) ci-dessus, l'équilibre asymétrique se produit lorsque les éléments d'une mise en page sont différents, mais en étant de poids égal, ils semblent toujours équilibrés. Il peut y avoir deux éléments de poids similaire mais de formes différentes, ou un élément plus grand et plus lourd équilibré par quelques points focaux moindres.

 

Comparé à la symétrie, l'équilibre asymétrique peut produire des images avec des niveaux d'attractivité variables, mais généralement, elles donnent des images plus intéressantes et dynamiques. Type d'équilibre informel, l'asymétrie peut demander un peu de pratique pour être maîtrisée, mais les résultats en valent la peine, comme montré ci-dessous.

Le premier personnage plus proche du point de vue, comme nous pouvons le voir, montre une grande forme de dynamisme et ce n'est pas tout, basé sur le fait que le personnage obéit aux règles de composition, lorsque le personnage est tourné, il a tendance à prendre n'importe quelle pose dramatique comme ci-dessous.

Maintenant que tout ce qui a été mentionné ci-dessus est écarté,

 

Retour au dessin de notre personnage,

 

Avec les images miniatures des façons dont nous voulons que les personnages soient correctement positionnés, nous pouvons ensuite ajouter des couleurs plates et des ombres aux personnages et à la scène.

Remarquez comment tout de ce personnage tend à être expressif, comme son expression faciale et sa pose en perspective, cela rend l'image intéressante et non ennuyeuse.

J'aimerais souligner que j'ai utilisé deux types de règles de composition,

 

La [règle du tunnel] est celle que j'ai utilisée pour la scène d'arrière-plan.

Et la [règle triangulaire ou pyramidale] est l'élément de composition que j'ai utilisé pour la pose du personnage au premier plan.

Remarquez que j'ai utilisé deux ensembles de composition triangulaire, le triangle rouge marquant l'extension entre la tête, la main et la jambe droite, tandis que le triangle bleu marque l'extension entre le sac, la jambe gauche et le pain dans la bouche du personnage.

Note : il est permis d'utiliser autant d'éléments de composition dans une image qu'il n'y a pas de règle qui l'empêche, mais évitez également d'utiliser des éléments de composition qui ne se rapportent pas bien les uns aux autres.

Par exemple : les éléments du tutoriel d'aujourd'hui sont deux éléments triangulaires, la règle du « L » et les éléments de tunnel.

5- Touches finales : Simplification du contraste

Les images avec du désordre peuvent détourner l'attention des éléments principaux de l'image et rendre difficile l'identification du sujet. En réduisant le contenu superflu, le spectateur est plus susceptible de se concentrer sur les objets primaires. Le désordre peut également être réduit grâce à l'utilisation de l'éclairage, car les zones plus lumineuses de l'image ont tendance à attirer l'œil, tout comme les lignes, les carrés et la couleur. En peinture, l'artiste peut utiliser un pinceau moins détaillé et défini vers les bords de l'image. Supprimer les éléments du foyer de l'objet, ne conservant que les composants nécessaires.

▪️ Faible profondeur de champ

Une approche pour parvenir à la simplification est d'utiliser une grande ouverture lors de la prise de vue pour limiter la profondeur de champ. Lorsqu'elle est utilisée correctement dans le bon cadre, cette technique peut mettre hors focus tout ce qui n'est pas le sujet de la photographie.

Prenez le personnage créé pour ce tutoriel, qui est l'image ci-dessous.

Maintenant, appliquez le principe d'ajout de profondeur de champ à l'image ci-dessus,

 

Commencez par créer un nouveau calque comme montré ci-dessus, définissez le mode de fusion sur [Multiplier] puis utilisez l'aérographe pour ajouter des couleurs plus sombres aux quatre coins de l'image du personnage.

Une fois cela fait, nous pouvons maintenant voir la nature des changements que ces petites touches ont apportés à l'image.

Passons à l'étape suivante qui peut sembler un aspect simple, petit ou sans importance mais qui a tendance à jouer un rôle utile dans l'amélioration des images. Et cet aspect est,

▪️ Ajout d'un effet monochrome de bruit

Tout d'abord, en tant que débutant, vous devez ajouter le [matériau] à la barre de palette,

 

puis sur la barre de palette, faites défiler jusqu'à [matériau : basique] (1), cliquez dessus et un mini-tableau de bord apparaîtra avec les différents matériaux (tels que le point, le bruit et plus encore), puis cliquez sur le matériau que pour ce tutoriel j'utiliserai : le matériau de bruit. Sélectionnez le matériau et faites glisser le matériau de bruit sur la toile comme indiqué (2).

Le matériau créera son propre calque indiqué comme (2) dans la sélection de calque indiquée comme (1).

Une fois le calque de bruit créé, nous pouvons maintenant définir le mode de fusion sur l'un des trois modes (opacité, éclaircissement doux et éclaircissement intense) et réduire l'opacité à 50 % comme montré ci-dessus.

Cela conclut le processus d'ajout de l'effet monochrome de bruit.

 

Ensuite vient,

▪️ Ajout d'un effet de flou gaussien

La première chose à faire est d'ajouter le sous-outil [action automatique] à la barre de palette, comme nous l'avons fait pour la profondeur de champ mentionnée ci-dessus.

 

Un mini tableau de bord apparaîtra ; dans le coin supérieur droit se trouve une icône avec un symbole de boîte et une flèche pointant vers l'intérieur, cliquez dessus.

Un nouveau tableau de bord apparaîtra, intitulé « Ajouter un jeu d'actions automatiques ». Sur celui-ci se trouve le matériau indiqué par (1) que j'ai téléchargé depuis l'Asset Store uniquement pour ce tutoriel. Sélectionnez-le et appuyez sur [Ajouter à la palette] indiqué par (2).

Il sera ajouté à la sélection (action automatique) comme montré avec le cadre rouge, sélectionnez le type que vous voulez indiqué comme (1) et puis cliquez sur l'icône de lecture pour l'ajouter à la toile.

Lorsque le flou gaussien est ajouté, il créera son propre calque au-dessus du calque d'image original et rendra le calque d'image original invisible. Rétablissez donc sa visibilité.

Nous pouvons ensuite sélectionner le calque de l'effet de flou gaussien, utiliser les sous-outils de gomme pour effacer les parties de l'image que vous ne voulez pas flouter.

Nous pouvons effacer le flou gaussien différemment pour donner une expression aux spectateurs ou faire en sorte que les spectateurs se concentrent sur les parties que vous voulez qu'ils voient davantage.

Maintenant que c'est fait, cela conclut le tutoriel d'aujourd'hui. Voici notre image finale du personnage.

Résumé

Reprenons tout une fois de plus en faisant un rapide récapitulatif de ce que nous avons appris dans ce tutoriel : les compositions sont des éléments (tels que des objets et des sujets) qui peuvent s'écouler sous la forme d'un rythme sur une scène.

Les différentes formes de composition d'éléments sont la règle des tiers, la règle triangulaire, la règle du L, la règle du S, etc.

 

Les étapes suivantes que vous devez noter sont que pour créer une image avec de bons éléments de composition, nous devons en savoir plus sur :

- Un bon choix de taille de toile

- Les éléments de composition

- La structuration de la figure du sujet (personnages/objets/points focaux).

- L'équilibre

- Les touches finales : Simplification du contraste

 

En faisant ce qui suit et en pratiquant fréquemment, vous êtes prêt, alors à bientôt pour le prochain tutoriel, au revoir.