Bonjour, Danny ici, je vais juste montrer aux nouveaux utilisateurs de Clip Studio Paint, débutants en abrégé, les façons dont ils peuvent améliorer la composition de leurs personnages et scènes.

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Tout d’abord, j’aimerais demander :

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▪️Qu'entend-on par composition de personnages ?

Quand j'ai commencé à concevoir certains de mes personnages principaux que je voulais utiliser comme OC (personnages originaux) chaque fois que je fais des tutoriels indépendants et étape par étape, j'ai commencé à concevoir mes personnages principaux "à la volée" et Je me dis à l'époque que l'utilisation de références et l'imitation d'autres grands artistes ne font pas de moi un artiste et que cela ne rendra pas mon œuvre unique, mais avec le temps, j'apprends à mes dépens qu'avoir ce genre d'esprit l'ensemble est très faux, prenons par exemple le tutoriel d'aujourd'hui "composition de personnages" signifiant simplement :

Composition utilisée pour souligner les caractéristiques uniques et la personnalité du personnage.

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Lors de la création d'une nouvelle composition de personnage, elle peut également être basée sur plusieurs formes ou idées individuelles lors de leur création ou de leur conception d'illustration.

 

Donc, avec cette pensée, la conception de personnages ne signifie pas seulement que nous devons toujours créer nos personnages conceptuels ou OC (personnages originaux) uniquement à partir de notre esprit, ce qui est très bien si vous réalisez des œuvres d'art numériques depuis une longue période. mais pas si bon pour ceux qui viennent de commencer le dessin numérique récemment (débutants).

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Faire remarquer:

Si vous, en tant qu'artiste, êtes comme moi et avez cette idée que des personnages uniques sont obtenus en imaginant simplement ce dessin de personnages sans aucune référence, s'il vous plaît, je vous conseille de supprimer cette pensée de votre esprit, car l'unicité ne provient pas seulement d'une nouvelle création, mais cela s'obtient facilement en étant capable de manipuler des images déjà existantes et d'exploiter vos compétences créatives à partir de ce qui est disponible autour de nous.

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Par conséquent, la composition existe en deux parties, les éléments de composition de l'environnement et les éléments du point d'accent (également connu sous le nom de point focal). ,

 

Prenez l'image de scène de paysage ci-dessous qui est composée de divers objets tels que les rochers -arbres -oiseaux et une -maison unique,

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Maintenant, prenez ce personnage ci-dessous, ajoutez-le sur la scène ci-dessus,

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Ainsi, nous remarquerons qu'en plaçant le personnage devant les objets de la scène, nous avons tendance à en faire le point d'accent (focus point) par défaut sans que nous fassions quoi que ce soit pour que les yeux de ceux qui regardent le l'image sera d'abord préoccupée par la figure qui recouvre la maison,

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Cela peut sembler abstrait pour les débutants ; Oui, comme nous avons un personnage dans une scène particulière, les personnages et la scène ont tous deux de quoi ils sont composés ou constitués (ce qui peuvent être complémentaires ou non) mais l'important est que les éléments dont sont faits le personnage et la scène sont connus sous le nom de "Composition".

Comme prenez par exemple cette image ci-dessous qui est composée du -personnage -objet et du -paysage qui sont tous dans la scène.

Ainsi, nous remarquerons qu'en plaçant le personnage devant les objets de la scène, nous avons tendance à en faire le point d'accent (focus point) par défaut sans que nous fassions quoi que ce soit pour que les yeux de ceux qui regardent le l'image sera d'abord préoccupée par la figure qui recouvre la maison,

Maintenant, pour que nous puissions facilement réaliser ce qui précède, nous devons d'abord comprendre quelques principes ou règles simples qui, je crois, régissent ce concept de composition et ce sont :

 

- Avoir un bon choix de taille de toile

- Éléments de composition

- Structuration de la figure du sujet (personnages/objets/points focaux).

- Solde

- Touches finales : Simplification du contraste

1- Avoir un bon choix de taille de toile

Chaque fois que je commençais une nouvelle peinture numérique, je devinais essentiellement quelle devait être la taille de la toile. Parfois, cela fonctionnait bien, mais d'autres fois, cela me conduisait à des problèmes frustrants avec la peinture plus tard.

 

Ce qui m'amène plus tard à me demander « comment faire le bon choix de toile ? » et « comment puis-je mieux décider quand utiliser une toile de paysage ou une toile de portrait ? »,

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Avec toutes ces questions en tête, je recherche de plus en plus et j'ai appris que la meilleure chose à faire en tant que débutant est d'abord de me familiariser avec la taille courante de la toile en commençant par l'utilisation du carré parfait ou taille du rectangle (pour moi, j'ai défini la taille de la toile sur taille du rectangle,

• Taille portrait - largeurs jusqu'à 1 080 px × hauteurs jusqu'à 820 px et pour,

• Taille paysage largeurs 820px × hauteurs

1080px).

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Et quand je dois décider du choix d'une taille de toile, je pense simplement en moi-même quel type de dessin dois-je dessiner, les objets de l'image vont-ils être affichés * vers le haut- vers le bas ou gauche-droite, si vers le haut- vers le bas, je m'en tiendrai simplement à la taille portrait. Mais si c'est de gauche à droite, je m'en tiendrai à la taille du paysage.*

 

Une fois notre choix de toile effectué, nous pouvons alors passer à l'aspect suivant du didacticiel d'aujourd'hui.

2- Éléments de composition (Scènes environnementales paysagères)

Dans les images miniatures ci-dessus présentées sur une scène environnementale, nous avons vu comment les différents objets ou sujets de la scène ont donné à la scène son apparence unique, qui est sa composition ; mais je voudrais souligner que la scène a tendance à changer en fonction de ce que l'artiste souhaite et de l'endroit où le public ou les spectateurs concentrent son regard.

 

Ce qui nous amène ensuite à l'apprentissage...

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Comment la composition varie-t-elle ?

C'est une grande question car lorsque nous utilisons notre appareil photo pour prendre des photos des différents environnements qui nous entourent, en regardant attentivement les images prises, nous remarquerons que chacune a sa composition affichée dans différents formats avec chacun des différents objets dans les images liés, combinés ou disposés ensemble sur/dans la scène qui sont communément appelés éléments ou règles ou lois de composition.

 

Le artiste a une totale liberté dans le choix de la composition de son œuvre. Les éléments peuvent tous être regroupés vers le centre de la toile ou de la photographie, ou répartis dans les coins de la pièce, et le nom commun pour l'expression des objets de la scène et incluant les personnages est connu sous le nom de «  rythme".

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▪️Le rythme,

Comme je voudrais le souligner ici, la pose d'éléments donne à notre œuvre un « rythme » qui contribue à créer un sentiment de vie dans une œuvre d'art. Le rythme peut être créé en répétant des éléments de la composition ou en utilisant des lignes et des formes pour guider le regard du spectateur autour de l'œuvre d'art.

Prenons les règles suivantes des éléments qui régissent la composition :

(i) La règle des tiers

La règle des tiers est une directive de composition qui place votre sujet dans le tiers gauche ou droit d'une image, laissant les deux autres tiers plus ouverts.

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Bien qu'il existe d'autres formes de composition, la règle des tiers conduit généralement à des clichés convaincants et bien composés.

(ii) La règle du « triangulaire » ou de la « pyramide »

La composition triangulaire implique la formation ou l'utilisation d'un triangle dans l'image. Les triangles orientés vers le haut sont bons pour créer de la stabilité en raison de leur large base. Le triangle équilatéral formé par la petite grappe de fleurs contribue à créer une composition bien équilibrée.

Quand je parle de triangles, je veux dire deux choses :

 

• Avoir trois éléments dans votre cadre qui créent un triangle.

 

• Placer les éléments dans votre cadre de manière à créer des lignes de forme triangulaire.

C'est assez simple. Trois choses = triangle. Facile, non ?

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(iii) La règle du « L »

Lorsqu'un axe horizontal et vertical de l'image est décentré, nous pouvons reconnaître une forme en L. Il s'agit de la composition L. Les éléments de l'image sont situés sur ces deux axes.

 

 

(iv) La règle du « S »

Elements ne se limite pas aux lignes et aux formes, les lettres peuvent également être utilisées comme la lettre S par exemple, qui est une sorte d'expression de zigzag comme disons qu'un spectateur regarde une route qui est courbe.

(v) La règle de la « diagonale »

Dans la composition diagonale, les éléments de l'image sont organisés sur la base d'une ligne diagonale. Une telle composition peut mettre l'accent sur la perspective, donner à l'image une impression de profondeur et également ajouter du dynamisme.

(vi) La règle du « cercle »

La composition circulaire est une technique utilisée par les maîtres artistes pour lier ensemble, de manière circulaire, des éléments spécifiques dans un dessin ou une peinture. Cette approche de conception est l’une des techniques les plus facilement reconnues utilisées dans une œuvre d’art.

 

Où, prenez les premières images miniatures dans le coin supérieur droit, les nuages se réunissant pour former un cercle, toujours comme nous pouvons également voir les images miniatures en dessous se trouve un lac avec les terres qui l'entourent, le lac est circulaire et en fait le point d'intérêt dans les images miniatures ci-dessous.

Et ceux mentionnés ci-dessus ne sont que quelques éléments de composition.

 

Suivant,

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3- Structuration de la figure du sujet (personnages/objets/points focaux)

Une façon dont nous pouvons manipuler la composition de nos personnages à notre avantage consiste d'abord à prendre la décision sur le type de blocage structurel que nous voulons donner à notre * *OC** (personnage original).

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▪️ Blocage Structurel des Caractères (avantages des formes),

Le blocage structurel de nos personnages est le fondement fondamental qui implique que nous utilisions nos formes régulières pour donner à chacun de nos personnages leur apparence unique tout en gardant à l'esprit le rôle que nous souhaitons à chacun des personnages. entrer en scène, comme

 

(i) Bloquer les personnages sous une forme ronde pour leur donner une apparence mignonne ou,

 

(ii) Bloquer les personnages sous une forme carrée pour leur donner une apparence forte ou,

 

(iii) Bloquer les personnages sous une forme triangulaire pour leur donner une apparence mauvaise ou mauvaise.

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Avec cette partie de la composition, l'utilisation de formes aide les artistes à disposer leurs personnages de manière ou sous des formes simples afin de ne pas ennuyer le public (ou les téléspectateurs).

 

L'utilisation des formes communes peut également aider les personnes à exprimer les caractéristiques des personnages individuels ;

 

 

Remarque : le personnage féminin à gauche dans l'image au-dessus duquel j'utilise la forme de cercle de manière expressive pour l'encadrer, comment elle apparaît plus mignonne, gratuit et bienvenue, ces caractéristiques sont là en raison de la façon dont j'utilise la forme de cercle pour la structurer.

Ensuite, le personnage féminin à droite dans l'image ci-dessus qui semble être méchant mignon, stratégique et méchant dans son expression, c'est comme à l'aide des caractéristiques de la forme triangulaire.

Tandis que le personnage masculin au milieu dans l'image ci-dessus qui semble être une expression forte, audacieuse et rigide grâce aux caractéristiques de forme carrée que j'utilise pour l'encadrer.

▪️ Anatomie du personnage (blocage corporel direct)

L'anatomie du personnage est un aspect très complexe que les débutants ont tendance à trouver difficile et il a souvent été abordé encore et encore, mais je vais juste exposer les formes communes qui, en tant que débutant, peuvent faciliter la construction ou le dessin de personnages.

 

Si vous êtes un débutant, Notez que "ce n'est pas un style parfait pour dessiner ou encadrer le corps des personnages" donc si vous trouvez le processus que je vais montrer ci-dessous difficile Je je vous conseille simplement de ne vous contentez pas de forcer, mais d'essayer de le manipuler pour l'adapter à ce qui convient le mieux à votre style de dessin OK.

 

 

a) Torse

Blocage pour le personnage masculin, son torse a tendance à ressembler à un point d'exclamation (qui a une grande boîte pile au-dessus d'une **petite boîte* *).

 

Alors que le blocage du personnage féminin, leur torse a tendance à ressembler à un sablier (qui comporte à la fois la partie supérieure et inférieure. *montrant et le milieu pointant vers l'intérieur**).

b) Membres inférieurs (les jambes)

Les membres inférieurs sont dessinés en utilisant la forme de cercle qui correspond aux trois articulations situées sur la jambe en partant de l'os pelvien vers le bas, et forme carrée qui est utilisée pour les grosses parties osseuses des jambes, alors qu'elles ont tendance à ressembler à une structure ou à un cadre comme un membre factice. utilisé comme lignes directrices, comme indiqué ci-dessous

c) membres supérieurs (les mains)

Les membres supérieurs sont dessinés à l'aide d'un cercle forme qui correspond aux trois articulations situées sur les mains en partant de la poitrine os vers le bas jusqu'à la taille et carré forme qui est utilisée pour les gros os parties des mains, alors qu'elles ont tendance à paraître structure ou cadre comme un membre factice à utiliser comme lignes directrices, comme indiqué ci-dessous

d) Structuration du corps entier

À ce stade, en rassemblant les parties entières du corps que nous venons de structurer, nous aurons désormais tendance à avoir nos personnages créés pour les deux personnages de genre (le * *masculin et personnage féminin).

Maintenant que nous comprenons comment structurer, bloquer et donner à nos personnages leurs propres différents types d'expression pendant que nous créons le corps entier de nos personnages, nous pouvons puis passez à l'aspect suivant.

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Et si vous voulez apprendre comment dessiner le corps dans différentes tailles ou peut-être dans différentes poses dynamiques, consultez le cours suivant, les liens sont ci-dessous.

N’importe lequel de ceux ci-dessus vous aidera à vous améliorer davantage.

▪️ Utilité des perspectives

Adopter des perspectives différentes donne également aux gens la possibilité de contrecarrer leurs styles artistiques. Il expose les individus à de nouvelles informations qui peuvent remettre en question leurs opinions et notions préconçues. Cela peut les aider à reconnaître leurs préjugés et à reconsidérer leurs façons actuelles de penser les groupes de personnages et leurs idées qui peuvent également ajouter une « expression spontanée » à la pose du personnage.

 

 

• Remarquezcomment dans l'image, celui degaucheest justeverticalouenposition linéaire et est vu de face, ce qui lui donne un aspectdroit vers le haut**ennuyeuxetinintéressant,mais en prenant celui pardroite* *qui se tient également droit bien qu'il soit incliné etpositionné sur l'un desbordsde latoile et qu'il soit vu du dessous, donnant aupersonnageuneexpression dynamique**spontanée intéressante.

Comprendre différentes perspectives peut parfois être difficile à faire. Cela peut obliger les artistes à sortir des états mentaux ou des façons de penser dans lesquels ils se sentent le plus à l'aise. Cela demande de réels efforts.

Cependant, quelques stratégies clés qui peuvent faciliter le processus :

 

• Décidez du type d'expression que vous souhaitez que votre personnage ait avant de lui donner une perspective,

 

Par exemple, prenez les deux perspectives pose ci-dessous, donc une à gauche dont la perspective basée sur elle exprime un sérieux* * et focus une sorte de personnage posant et celui de droite exprime une sorte de libre et spontanée de personnage posant**.

• Comme nous pouvons remarquer dans l'image ci-dessus, le personnage de gauche est dessiné avec un petit haut du corps et un bas du corps plus grand, ce qui est le résultat de la position de la caméra de vers le bas. .

• tandis que celui du personnage de droite est dessiné avec un haut du corps plus grand et un bas du corps plus petit, ce qui est le résultat de la position de la caméra de de haut en bas.

Considérez les moyens suivants par lesquels nous pouvons engager ou captiver les spectateurs en utilisant les différentes perspectives d'une manière qui peut également contribuer à nourrir la créativité, la compréhension, la curiosité et l'**apprentissage. chez les spectateurs et chez nous, les artistes, à mesure que nous progressons dans le monde de l'art numérique.

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▪️Manipulation de poses,

J'ai inclus cet aspect « manipulation de poses » car comme je l'ai mentionné précédemment ci-dessus, je veux préciser que la manipulation n'est pas de la triche, donc, si vous y réfléchissez, « qu'est-ce qui est nouveau dans ce monde » ", montrez-moi ce qui est nouveau et différent à tous égards dans ce monde et je vous dirai les termes et les raisons pour lesquelles cela ne peut pas être nouveau.

 

A noter : que cet aspect pose deux aspects importants à la composition de création de personnages,

 

Le premier (i) est que nous pouvons utiliser la manipulation compétence dans la création des poses de personnages en recréant nos autres poses de personnages ou en l'utilisant. de notre image de référence pose pour rendre nos travaux plus faciles et plus rapides comme nous pouvons le voir ci-dessous.

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Remarquez comment j'utilise A les parties inférieures du corps sur les parties inférieures du personnage B et C, ceci est considéré comme une manipulation.

Le deuxième (ii) est que l'aide aux compétences de manipulation rend la conception de notre OC (personnage original) plus facile car, au cours du processus, on utilise des images miniatures déjà créées comme point de référence ou image, en utilisant différents paramètres de l'image de référence, en apprenant à partir d'images miniatures déjà réalisées par un grand artiste et en prenant note de leur style artistique ou de leurs préceptes qui régissent leur style artistique que nous pouvons ensuite mettre en œuvre ou régir pour mieux nous aider dans la création de nos propres types de personnages, en leur donnant leur propre apparence unique dans le format de leurs expressions faciales, de leurs blocages corporels, de leurs coutumes et plus encore.

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Remarque : la plupart des images de référence 1 à 9 idées ou styles artistiques que j'utilise comme indiqué ci-dessus, je les ai obtenues en étudiant d'autres grands artistes et choses autour de moi, comme pour;

1. J'utilise une forme de bloc pour encadrer les cheveux (que j'ai obtenu en étudiant marc burnet).

2. J'utilise le style anime pour dessiner les yeux.

3. Je dessine simplement le nez à mon goût, en essayant de développer ou d'exploiter mes compétences créatives.

4. J'utilise le style de dessin de bouche « Steven Universe », j'aime la façon dont elles n'obéissent pas au réalisme.

5. J'applique l'influence des formes rondes au menton de mon personnage qui, je pense, montre mieux la gentillesse du personnage.

Ensuite, pour les 6, 7, 8 et 9 qui sont les vêtements personnalisés, j'utilise simplement certains des vêtements que je vois les gens porter et je les utilise comme mon point de référence.

Alors qu'avec cela, les différentes images idéales 1 à 9 peuvent également être appelées les éléments de composition du personnage ci-dessus, ce qui a rendu la création du personnage plus plus rapide et facile.

 

Avec les différentes images de référence 1 à 9 ci-dessus, nous pouvons créer une variété de caractères au moyen de commutation, changement ou manipulation de l'un des éléments ci-dessus avec les différentes aides de déjà image de référence existante pour créer facilement une variété de personnages.

 

 

▪️ Créer du mouvement

En général, on pense qu'il est plus agréable pour le spectateur que l'image encourage l'œil à se déplacer autour de l'image, plutôt que de se fixer immédiatement sur un seul endroit ou sur aucun endroit en particulier. Les artistes s'efforcent souvent d'éviter de créer des compositions qui semblent « statiques » ou « plates » en incorporant du mouvement dans l'image.

 

Prenez Thumbnail image A par exemple, [le personnage saute quelque chose en courant dans le couloir de l'école avec un cri de colère standard au personnage qui court],

Donnez à l'image énergie et tendue pour la rendre intéressante pour ceux qui la voient.

Alors que dans l'Image miniature B, [les trois personnages assis dans une position stationnaire ou statique, les deux devant conversant et le troisième traquant quelques cases].

L'image manque d'énergie car les personnages sont situés et immobiles.

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4- Solde

Équilibrer une composition implique d'organiser à la fois les éléments positifs et l'espace négatif de telle manière qu'aucune zone du design ne maîtrise les autres zones, mais si c'est le cas, ceux-ci doivent attirer l'attention de les spectateurs vers un point focal. Tout fonctionne ensemble et s’intègre dans un tout homogène. Les parties individuelles contribuent à leur somme mais n'essaient pas de devenir la somme.

 

Comme prendre (1.) Équilibre symétrique comme indiqué ci-dessous qui est obtenu en donnant égal poids aux éléments situés à travers le point central de une dissertation. Le point central peut être horizontal, vertical ou diagonal.

Le résultat est une image répétitive ou en miroir (appelée parfaitement symétrique) qui semble complètement également équilibrée. Exemple d'équilibre formel, la symétrie favorise une composition hautement organisée et équilibrée.

Alors que comme nous pouvons le voir dans celui de (2.) ci-dessus, Asymétrique l'équilibre se produit lorsque les éléments d'une mise en page sont différents , mais en étant également pondérés, vous vous sentirez toujours équilibré. Il peut y avoir deux éléments avec un poids similaire mais des formes différentes, ou un élément plus grand et plus lourd équilibré par quelques points focaux moindres.

 

Par rapport à la symétrie, l'équilibre asymétrique peut produire des images avec différents niveaux d'attractivité, mais elles donnent généralement des images plus intéressantes et dynamiques. Un type d'équilibre informel, asymétrie, peut prendre un peu de pratique pour y parvenir, mais les résultats en valent la peine, comme indiqué ci-dessous.

Le premier personnage plus proche du point de vue comme on peut le voir montre une grande forme de dynamique et ce n'est pas tout, sur cette base le personnage obéit aux règles du Compositing , lorsque le personnage est pivoté, il a tendance à prendre n'importe quelle pose dramatique comme ci-dessous.

Maintenant, avec ceux mentionnés ci-dessus à l'écart,

 

Revenons au dessin de notre personnage,

 

Avec les images miniatures de la façon dont nous voulons que les caractères soient positionnés correctement disposés, nous pouvons ensuite ajouter des couleurs plates et des ombrages. aux personnages et à la scène.

Remarquez comment tout ce personnage a tendance à être une expression, comme son expression faciale et sa pose en perspective, cela fait l'image intéressant et pas ennuyeux.

Je précise que j'ai utilisé deux types de Règle de composition,

 

La [règle de tunneling] qui est celle que j'ai utilisée pour la scène d'arrière-plan**.

Et la [triangulaire ou règle pyramidale] sont les éléments de Composition que j'ai utilisés pour la pose du personnage de premier plan.

Remarquez que j'ai utilisé deux ensembles de compositing triangulaire, le triangulaire rouge marquant l'extension entre la tête, la main et la jambe droite, tandis que le triangulaire bleu* * marquant l'extension entre le sac, la jambe gauche et le pain dans la bouche du personnage.**

Remarque : qu'il est permis d'utiliser autant d'éléments de composition dans une image qu'il n'y a aucune règle qui l'empêche, mais évitez également d'utiliser des éléments de composition qui ne le font pas. bien communiquer les uns avec les autres.

Par exemple : prenez les éléments du didacticiel d'aujourd'hui qui sont deux triangles, une règle en « L » et des éléments de tunnel.

5- Touches finales : Simplification du contraste

Les images comportant du fouillis peuvent détourner l'attention des éléments principaux de l'image et rendre difficile l'identification du sujet. En diminuant le contenu superflu, le spectateur est plus susceptible de se concentrer sur les objets principaux. Le encombrement peut également être réduit grâce à l'utilisation de l'éclairage, car les zones les plus lumineuses de l'image ont tendance à attirer le regard, tout comme les lignes, les carrés et la couleur. En peinture, l'artiste peut utiliser un travail au pinceau moins détaillé et moins défini vers les bords de l'image. Suppression des éléments du focus de l'objet, en ne prenant que les composants nécessaires.

▪️Faible profondeur de champ

Une approche pour parvenir à une simplification consiste à utiliser une grande ouverture lors de la prise de vue afin de limiter la profondeur de champ. Lorsqu'elle est utilisée correctement dans le bon réglage, cette technique peut placer tout ce qui n'est pas le sujet de la photo hors de la mise au point.

Prenez le personnage créé pour ce tutoriel qui est l'image ci-dessous.

Appliquez maintenant le principal d'ajout de profondeur de champ à l'image ci-dessus,

 

Commencez par créer un nouveau calque comme indiqué ci-dessus, définissez le mode de fusion sur [Multiply], puis utilisez l'aérographe pour ajouter des couleurs plus foncées. aux quatre coins de l'image du personnage.

Cela fait, nous pouvons maintenant voir la nature des changements que les petites touches ont apportés à l'image.

Passons à l'étape suivante qui peut sembler simple, petite ou non pertinent, mais qui a tendance à jouer un rôle utile dans l'amélioration des images. Et cet aspect est,

▪️Ajout de l'effet monochrome Bruit

Tout d'abord, en tant que débutant, vous devez ajouter le [matériel] à la barre de palette,

 

puis sur la barre de palette, faites défiler jusqu'à l'endroit où se trouve le [material: basic] (1), cliquez dessus dessus et un mini le tableau de bord apparaîtra avec les différents matériaux (tels que le point, le bruit et plus), puis cliquez sur le matériel que je vais utiliser pour ce tutoriel du matériau sonore. Sélectionnez le matériau et faites glisser le matériau sonore sur la toile comme indiqué (2).

Le matériau le créera sur le Couche indiqué par (2) sur la Sélection de calque indiquée par (1).

Une fois le calque de bruit créé, nous pouvons désormais définir le mode de fusion sur l'un des trois modes (opacité, éclaircissement doux et éclaircissement fort) et réduire l'opacité à 50 % comme indiqué ci-dessus.

Ceci conclut le processus d'ajout de l'effet monochrome de bruit.

 

Vient ensuite le,

▪️ Ajout d'un effet de flou gaussien

La première chose que nous devons faire est d'ajouter le sous-outil [action automatique] à la barre de palette comme nous l'avons fait dans la profondeur de champ mentionnée ci-dessus,

 

Un mini tableau de bord apparaîtra, en haut coin droit se trouve une icône avec une boîte et une flèche pointant vers l'intérieur symbole* * dessus, cliquez dessus** dessus.

Un nouveau tableau de bord apparaîtra appelé "ajouter ensemble d'actions automatiques", sur lequel se trouve le matériel indiqué comme (1) que j'ai téléchargé à partir du assets store uniquement pour ce didacticiel, sélectionnez-le et appuyez sur [ajouter une palette] indiquée par (2).

Il sera ajouté à la sélection (action automatique) comme indiqué avec la case rouge, sélectionnez le type que vous souhaitez indiquer comme (1) puis cliquez sur l'icône de lecture pour l'ajouter au canevas.

Lorsque le flou gaussien est ajouté, il créera son propre calque au-dessus du calque d'image d'origine et rendra le calque d'image d'origine invisible, alors rendez-le visible encore.

Nous pouvons ensuite sélectionner le calque Effet de flou gaussien, utiliser les outils secondaires Eraser pour effacer les parties de l'image que vous ne souhaitez pas être * *flou**,

Nous pouvons effacer le flou gaussien différemment pour donner aux spectateurs une expression ou faire en sorte que les spectateurs se concentrent sur les parties que vous souhaitez qu'ils voient davantage.

Maintenant que cela est fait, le didacticiel d'aujourd'hui conclut. Vous trouverez ci-dessous notre image finale du personnage.

Résumé

Reprenons tout cela une fois de plus en faisant un rapide récapitulatif de ce que nous avons appris dans le didacticiel, la composition sont des éléments (tels que des objets et des sujets) qui peuvent entrer en jeu. forme d'un rythme sur une scène.

Les différentes formes de composition des éléments sont les règles de tiers, la règle triangulaire, la règle L, la règle S, etc.

 

Les étapes suivantes que vous devez prendre en compte sont que pour créer une image avec de bons éléments de composition, nous devons en savoir plus sur

- Avoir un bon choix de taille de toile

- Éléments de composition

- Structuration de la figure du sujet (personnages/objets/points focaux).

- Équilibre

- Touches finales : simplification du contraste

 

En procédant comme suit et en pratiquant fréquemment, vous êtes prêt à partir, alors voyez le prochain tutoriel au revoir.