🌑 | Créer un portrait à l'huile avec Clip Studio Paint

Bonjour à tous, je suis Marialex, aussi connue sous le nom d'Alexxa16. Aujourd'hui, je vous propose un tutoriel que j'espère vous apprécierez. Nous allons réaliser un portrait simulant un travail à l'huile.

🌒 | À propos de la peinture à l'huile

La peinture à l'huile est une technique de peinture reconnue pour sa polyvalence. Elle est à base d'huiles, ce qui permet de peindre sur différents matériaux : bois, toiles, verre…

 

L'huile reste humide plus longtemps, ce qui facilite le mélange des couleurs et permet des corrections. Elle est très populaire grâce aux couleurs vives qu'elle permet d'obtenir.

 

Lorsque vous mélangez de l'huile avec de l'huile de lin, elle devient plus transparente, ce qui permet aux couches inférieures de rester visibles lors de la peinture.

 

Contrairement à d'autres techniques comme l'aquarelle, la peinture à l'huile permet de corriger, car il est possible d'utiliser des solvants pour diluer la peinture et nettoyer.

Pendant mes années universitaires, j'ai eu l'occasion de réaliser quelques travaux à l'huile, sur bois et sur toile. Bien que ma technique à l'époque n'ait pas été la meilleure, on peut voir qu'il s'agit de couleurs vives et d'une texture très caractéristique. Il est possible de polir nos œuvres pour que les coups de pinceau ne se voient pas, leur donner une apparence plus lisse et intégrée, mais dans mon cas, je pense que le fait de voir les coups de pinceau ajoute une touche de réalisme à notre travail.

🌓 | Application à Clip Studio Paint 2.0

Ici, je ferai juste une petite analyse de ce que nous pouvons faire pour simuler une illustration à l'huile avant de la mettre en pratique.

Pinceaux

Dans le cas de la peinture à l'huile, je pense que les pinceaux texturés ont un meilleur effet. Nous pouvons jouer un peu avec les propriétés pour obtenir un travail riche et significatif. Évitons également d'utiliser l'aérographe autant que possible ; nous pouvons l'utiliser sur les bords ou pour donner du fard, car il pourrait masquer les coups de pinceau. En revanche, nous pouvons utiliser les pinceaux texturés pour mélanger.

Au fil des ans, j'ai constitué une grande collection de pinceaux texturés et de formes, mais la vérité est que les pinceaux par défaut peuvent aussi servir au même but, il suffit de jouer un peu avec les réglages, par exemple le pinceau gouache.

 

Nous pouvons ajouter une texture, intensifier ou réduire la densité de cette texture.

Nous pouvons augmenter ou réduire la quantité de peinture ou sa densité (à quel point elle se comportera épaisse). Étendre la couleur fera qu'elle mélangera les couleurs.

L'option Changer la couleur de la pointe du pinceau peut également être activée, ce qui peut nous aider à obtenir des variations de couleur intéressantes dans nos dessins.

Huile de lin

Dans le cas de l'huile de lin qui nous aide à rendre la peinture transparente, la solution est simple : nous pouvons utiliser nos outils dans Clip Studio avec nos pinceaux pour réduire la densité de la peinture ou son opacité.

Corrections

Pour effectuer les corrections dans ce cas, je n'ai presque jamais utilisé la gomme, mais plutôt davantage de calques chargés de peinture pour couvrir, ou simplement le bouton retour. Une grande partie de la peinture à l'huile consiste à superposer.

 

Pour tirer parti des outils numériques, j'ai également beaucoup utilisé l'outil de liquéfaction.

Calques

En peinture à l'huile, nous superposons la peinture. Si nous voulons faire de même dans une illustration, nous pouvons travailler sur un seul calque, ou réduire notre utilisation de calques au minimum. Cette étape n'est pas totalement nécessaire, mais elle facilite un peu les corrections. Dans mon cas, j'ai créé un calque unique pour le fond, et je dupliquais ce calque unique lorsque j'allais apporter des modifications importantes. Les effets, signatures et textures étaient sur des calques séparés par souci de facilité.

🌔 | Réalisons un portrait

À la recherche d'une référence parfaite

Si vous êtes débutant, tenez compte des recommandations suivantes :

 

1. Distinction claire entre la lumière et l'ombre. Nous recherchons le contraste.

2. Traits reconnaissables.

3. La source de lumière doit être facilement identifiable ; avoir plus de 2 sources de lumière peut être très déroutant.

Étapes pour dessiner

Dans la vidéo initiale, vous pouvez voir le processus. Il s'agit d'un timelapse et non d'une vidéo en direct. La raison est que cela a pris de nombreuses heures et je pense que cela aurait été ennuyeux à regarder. Je fais généralement beaucoup de zooms et j'ai la fenêtre d'aperçu activée pour pouvoir voir le travail complet.

Je me considère comme une artiste très expérimentale, donc ma méthode change en fonction du dessin que je réalise. Pendant un certain temps, j'ai commencé par dessiner en niveaux de gris pour ajouter les couleurs ensuite ; maintenant, je commence directement en couleur sans croquis, je fais simplement des masses de la couleur principale et je travaille à partir de là.

 

Si vous êtes débutant, faire un bon croquis peut vous faire gagner du temps, car généralement, si vous commencez directement en couleur, vous devrez faire pas mal d'ajustements.

J'ai commencé par le fond et j'y ai appliqué les couleurs principales avec un pinceau texturé, le plus grand. Même si cela ne se voit pas très bien, on peut affiner au fur et à mesure. Il est important de faire confiance au processus. La référence n'était qu'un guide car la palette de couleurs n'est pas la même.

La prochaine étape consiste à commencer à poser les traits comme des taches. L'emplacement était très important, mais a subi plusieurs changements. À ce moment-là, la tête était très droite, alors qu'elle aurait dû être légèrement inclinée sur les mains. J'ai ajusté cela à l'étape suivante avec l'outil de liquéfaction. À ce stade, je travaillais sur un seul calque.

 

Les sourcils sont très importants.

Les mains me posent un peu de difficulté. J'ai vérifié un peu en utilisant des modèles 3D pour m'assurer d'avoir la bonne structure. J'ai continué à travailler dessus, et j'ai également ajouté quelques ombres pour donner une sensation de tridimensionnalité. Ici aussi, j'ai commencé à affiner le bras, en veillant attentivement à l'utilisation des pinceaux texturés.

Les cheveux ont été particulièrement difficiles. J'ai essentiellement superposé de nombreuses couches jusqu'à être satisfaite. J'ai intégré des couleurs chaudes et froides aux cheveux, aux ombres et au visage, pour leur donner de la vivacité.

 

Les cheveux et les bords du dessin ont été doucement mélangés avec le fond pour lui donner un aspect intégré.

Ici, j'ai commencé à créer quelques calques pour les effets :

1. J'ai importé une texture pour la robe, je l'ai transformée en utilisant la transformation de maillage, puis avec un masque de calque, je l'ai retirée là où elle n'était pas utile. Finalement, le mode de fusion était Multiplier, avec une opacité de 40%.

2. Un calque en mode Ajouter pour donner une brillance rosée à la peau et ainsi intégrer et donner de la vivacité.

3. Un calque en mode Multiplier pour donner de la profondeur aux ombres.

Pour générer un travail intégré, j'ai réalisé des coups de pinceau en arrière-plan qui s'intègrent à la robe. Maintenant, tout semble plus unifié. Je sens aussi que si j'avais terminé avec une robe blanche, cela aurait semblé un peu coupé et moins harmonieux, bien que ce soient des préférences personnelles.

Si vous le souhaitez, vous pouvez placer un calque de texture sur le travail, en essayant différents modes de fusion, ou utiliser le filtre de bruit de Perlin pour ajouter plus de réalisme. Personnellement, je le préfère sans.

🌕 | Remarques finales

Merci beaucoup d'avoir lu ce tutoriel, j'espère qu'il vous a été utile. Si vous aimez mon travail et souhaitez voir plus de mon contenu, je vous laisse les liens de mes réseaux sociaux.

J'espère vous avoir facilité d'une manière ou d'une autre cette formation dans votre parcours artistique.

 

Pour ma part, c'est tout. Merci !