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Bienvenue à tous,

 

Pour un autre tutoriel d'illustration avec moi Daniel (Ado draw). Dans l'article tutoriel d'aujourd'hui, j'aimerais que nous nous plongions dans le concept de composition et pas seulement pour deux personnages mais pour plusieurs ensembles de personnages et d'objets dans une scène.

 

Et l'article d'aujourd'hui s'intitule :

Apprenez à organiser vos personnages de manière composite.

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De nombreux artistes ont parlé de la composition au fil des ans et leurs approches pour obtenir un bon résultat de groupement ont également été examinées par Bern, mais comme nous le savons, ce n'est jamais suffisant, nous devons découvrir davantage d'éléments et trouver des moyens plus créatifs pour aborder la composition qui se présente souvent comme difficile pour les jeunes artistes. Par conséquent, je partagerai également mes propres connaissances à ce sujet dans l'article didacticiel d'aujourd'hui.

 

 

Avant de nous lancer dans le concept particulier connu sous le nom de COMPOSITION, nous devons comprendre en quoi consiste ce concept et les manières dont nous pouvons aborder le concept de composition de plusieurs ensembles d'objets ou de personnages.

Maintenant,

◾Que comprenons-nous, en tant qu'artistes, par le terme Composition [?]

La composition dans le monde de l'art est un terme dans lequel différents éléments d'une œuvre d'art sont combinés ou disposés, ce qui, en d'autres termes, signifie des objets établissant de bonnes relations les uns avec les autres d'une manière définie et unique qui donnent un sens ou se rapportent à une autre chose.

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L'artiste a une totale liberté dans le choix de la méthode de composition de son œuvre. Les éléments peuvent être regroupés vers le centre de la toile ou de la photographie, ou répartis dans les coins de l'œuvre.

 

 

◾Nommez les éléments communs qui composent une composition

En tant qu'artiste, vous devez savoir que la composition traite des éléments d'une scène et que les éléments d'une scène sont divisés en trois sections ou aspects (l'arrière-plan, le milieu et le premier plan).

Prenez par exemple l'image ci-dessous, qui présente tous les différents sujets placés sur les trois différents éléments de la scène qui ont les différents éléments suivants :

~ Pour l'arrière-plan,

Nous pouvons voir les gratte-ciels de la ville au loin, auxquels on a donné une couleur bleue plate sans dessin au trait pour réduire la mise au point des différents éléments, car ce n'est pas le centre de mise au point.

 

~ Pendant ce temps, pour le milieu de plan,

Nous pouvons voir le poteau électrique et un avion, mais pour que cette partie semble plus proche du point de mise au point, j'ai ajouté le dessin au trait.

 

~ Et enfin pour le premier plan,

Qui est le point de mise au point ayant deux personnages dans la scène, car c'est là que nous voulons que les spectateurs se concentrent, j'ai rendu les personnages plus gros et plus audacieux.

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Une autre chose qui est très importante mais en tant qu'artistes, nous négligeons souvent de prendre cet aspect nécessaire en considération chaque fois que nous voulons créer une illustration, cet aspect est connu sous le nom de CHOIX DU FORMAT.

◾ Faites votre choix parmi un Format, rectangle ou carré.

Cet aspect est très crucial et parfois exigeant car différents formats impliquent ou racontent des histoires différentes, par exemple :

 

 

~ Le format rectangulaire :

Il s'agit d'un format classique et extrêmement flexible. En ce sens que,

Lorsqu'un rectangle est affiché avec son côté le plus court en haut, il est appelé « format portrait » et avec son côté le plus long en haut, « format paysage ».

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~Le format carré :

Cela peut fonctionner très bien ou très mal. On voit très rarement l'utilisation du carré dans une illustration. En effet, il est plus difficile d'équilibrer une scène qui comporte de nombreux éléments,

 

Prenez par exemple,

une collection de personnages dans un paysage au format carré. Cela peut facilement paraître gênant. Cependant, l'utilisation d'un format carré pour un sujet plus contemporain, un paysage marin abstrait ou minimaliste, peut être très efficace.

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Connaître les différents types d'éléments d'une scène est la partie la plus simple du processus de composition. C'est amusant mais difficile, mais c'est connaître les différentes manières ou règles, comme vous pouvez les appeler, selon lesquelles les différents éléments d'une scène se complètent ou se rapportent les uns aux autres, ce qui est connu sous le nom de TYPES DE COMPOSITION.

 

 

◾ Types de composition

Les différents éléments (arrière-plan, milieu et premier plan) jouent un rôle unique auquel les objets et les personnages réagissent pour raconter différentes histoires de différentes manières uniques, appelées TYPES DE COMPOSITION.

 

 

Vous trouverez ci-dessous quelques types courants de composition artistique utilisés le plus souvent par des artistes comme moi pour regrouper des objets et des personnages ;

• Radial : les éléments sont disposés autour d'un point central, créant une impression de mouvement ou de concentration.

 

• Règle des tiers : division de l'œuvre en neuf sections égales, avec des éléments importants placés aux intersections de ces lignes.

 

• Nombre d'or : proportion mathématique qui crée un équilibre visuel agréable, souvent utilisée dans le placement des éléments.

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• Diagonale : Lignes qui créent une impression de mouvement et d'énergie. (Horizontale) Lignes qui créent une impression de stabilité et de calme. (Verticale) Lignes qui créent une impression de hauteur et de grandeur.

 

• Chevauchement : Éléments placés les uns sur les autres pour créer de la profondeur et un intérêt visuel.

 

• Espace négatif : Les zones vides autour du sujet principal, qui peuvent être tout aussi importantes que le sujet lui-même.

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Ces différents types de composition peuvent sembler anodins aux débutants, mais ne les considérez pas comme essentiels en illustration, si vous voulez que vos personnages, objets et environnements aient un impact unique ou nostalgique lorsqu'ils sont vus par le public. Je vous conseille donc de pratiquer ces différents aspects avec soin et, par la suite, vous pourrez essayer d'apprendre les autres types de composition qui existent.

 

Ceci étant dit, j'aimerais que nous examinions un autre aspect appelé POSES.

◾ Pose du personnage

La pose d'un personnage peut également jouer un rôle très important lors du regroupement de personnages, comme par exemple les poses ci-dessous des trois figurines de modèles 3D que j'ai ensuite transformées en trois personnages d'espionnage.

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Si, en tant que débutant dans l'utilisation de CLIP STUDIO PAINT (CSP), vous trouvez difficile de créer des personnages individuels ou des groupes de personnages avec leur propre pose expressive et dynamique unique, je vous conseille d'utiliser la figurine modèle 3D, ils sont d'un grand avantage en particulier pour les débutants, les aidant à commencer à créer des groupes de personnages avec de belles poses expressives.

Et nous pouvons également obtenir facilement différents ensembles de poses à partir des fonctionnalités nouvellement ajoutées,

• Posemanaiac

• et Camera scanner.

1. Pour obtenir une pose à partir de la fonction Posemanaiac

Commencez par cliquer sur [Fenêtre], un mini tableau de bord apparaîtra et en faisant défiler vers le bas, nous verrons alors la sélection [Matériau], cliquez sur la sélection [Matériau].

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Le mini tableau de bord [Matériel] s'affiche. Dans le tableau de bord, sélectionnez le [Modèle 3D] et faites glisser le [Dessin 3D ver. 2] sur le canevas, ce qui l'importe sur le canevas, comme nous pouvons le voir dans le tableau de bord [Calque] à droite.

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Le modèle 3D étant désormais importé sur la toile, on peut maintenant lui donner une pose dynamique et pour ce faire,

 

Cliquez sur l'icône avec deux (flèches pointant dans la direction opposée), un mini tableau de bord apparaîtra avec différentes options, cliquez sur [Pose 3D (Posemanaiac)] et avant de cliquer sur cette option, ACTIVEZ votre réseau,

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Car lorsque [Pose 3D (Posemanaiac)] est sélectionné, nous serons redirigés vers la page du site Web (Posemanaiac), là nous devons nous inscrire pour pouvoir obtenir des nouvelles sur les poses mises à jour et nous verrons également plusieurs poses différentes que l'on peut utiliser mais je veux un personnage avec une position de pose unique, pour obtenir ce que je veux, je dois spécifier et pour cela cliquer d'abord sur [barres fléchées pointant dans la direction opposée],

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un mini tableau de bord apparaît avec différentes options, puis je sélectionne une option qui dans ce cas je veux un personnage avec une pose de pointage, je clique sur [Pointing],

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La page [pointing] s'affichera alors sur laquelle tous les personnages pointent de différentes manières. Je sélectionne ensuite l'une des poses qui a attiré mon attention.

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Lorsque la pose est sélectionnée, nous serons redirigés vers une autre page, cliquez maintenant sur la barre [Ouvrir] en bas,

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Un mini tableau de bord apparaîtra, cliquez à nouveau sur la barre [open] avec le logo CLIP STUDIO PAINT,

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Nous serons ensuite redirigés vers le logiciel CLIP STUDIO PAINT avec la pose automatiquement importée dans la précédente [figure de dessin 3D ver 2] et en utilisant l'outil secondaire [Objet], nous pouvons déplacer le modèle 3D à la position que nous voulons qu'il soit comme indiqué ci-dessous,

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Suivant,

2. Importation depuis le modèle 3D (boîte de matériaux)

Ouvrez le mini tableau de bord [Matériel] qui s'affichera, dans le tableau de bord, sélectionnez le [Modèle 3D] et faites glisser le [Dessin 3D ver. 2] sur le canevas, ce qui l'importe sur le canevas comme nous pouvons le voir dans le tableau de bord [Calque] à droite.

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Et vous pouvez simplement changer la pose avec les différents modèles 3D disponibles en cliquant sur l'icône [Utiliser le matériau de pose 3D] sur la barre sous la figure 3D, un mini tableau de bord apparaîtra, sélectionnez la pose que vous souhaitez puis cliquez sur [Ok] pour basculer cette pose sur votre [figure de dessin 3D] importée.

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Et avec la deuxième pose de personnage obtenue, je suis ensuite passé à la troisième.

2. Pour obtenir une pose à partir de la fonction scanner de l'appareil photo

J'importe un autre personnage [la figurine féminine en 3D ver. 2] et je le place à droite,

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Je clique ensuite sur l'icône avec deux (flèches pointant dans la direction opposée), un mini tableau de bord apparaîtra avec différentes options, cliquez sur [pose scanner (Photothèque)],

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Dont un mini tableau de bord de ma galerie apparaîtra et je pourrai alors sélectionner l'image avec la pose que je souhaite importer sa pose.

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Et une fois cela fait, la pose sera alors importée sur [la figure féminine en 3D ver. 2],

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Ensuite, pour que je puisse dessiner les différentes poses sans que le contraste épais de la figure du modèle 3D ne me limite, je vais ensuite réduire l'opacité du calque du modèle 3D à 25 % comme indiqué sur le côté droit de l'image ci-dessous.

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Ensuite, je crée différents calques, dessine la forme des différentes poses des personnages et leur ajoute une couleur de base grise.

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Et avec cela, nous pouvons maintenant voir l'unicité et la diversité des personnages prendre vie.

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Je conclus ensuite cette pièce en ajoutant les cheveux à chacun d'eux et en leur donnant leur nom individuel et collectif.

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Vous pouvez en apprendre plus sur la pose en utilisant les liens ci-dessous 🔗 🔗

Et pour savoir comment exploiter davantage le modèle 3D, utilisez les liens ci-dessous 🔗 🔗 pour cet apprentissage.

 

 

◾ Règles simples que j'utilise lorsque je dois créer des personnages ou des objets dans un groupe groupé

Pour expliquer les règles que j'utilise, j'utiliserai les objets en forme de sphère, de boîte cubique et de prisme,

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Pour montrer ce que nous, les artistes, devons FAIRE et ÉVITER lorsque nous créons des sujets en groupe.

 

 

1. Rendez votre regroupement intéressant

Pour rendre vos regroupements intéressants dans l'art numérique, pensez à utiliser différentes tailles et formes d'éléments. Variez l'espacement entre eux pour créer un rythme visuel. Jouez avec le positionnement des différents objets et laissez une unité dans la disposition des objets pour ajouter de la profondeur et du contraste. Vous pouvez également utiliser le chevauchement pour créer une impression de mouvement et de profondeur.

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2. Évitez de laisser de grands espaces vides

Cela ne signifie pas symétrie. Cela signifie équilibrer les espaces négatifs et positifs, les lumières et les obscurités, etc., afin que l'œil soit à l'aise. Il s'agit de s'assurer que l'agencement n'est pas trop lourd visuellement d'un côté ou de l'autre. Si vous n'êtes pas sûr, plissez les yeux sur l'agencement et cela vous aidera à voir un peu plus facilement.

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3. Créez une pièce avec les yeux qui glissent ou se déplacent

Isoler un objet d'un groupe lui donne immédiatement une place au-dessus du reste du groupe. Donnez une touche d'originalité à vos objets. La composition sera beaucoup plus agréable si tous les objets ne sont pas alignés comme des canetons dans un étang.

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4. Ils doivent bien se chevaucher

Superposer légèrement vos éléments crée des formes et des couches intéressantes. Cela relie vos éléments au reste du groupe et crée une relation entre les éléments, si vous voulez.

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5. Evitez un mauvais recadrage

En organisant des objets ou des personnages dans une scène, on peut éviter un mauvais recadrage en faisant attention à la composition. Assurez-vous que le sujet est centré ou équilibré dans le cadre. Évitez de couper les membres principaux ou les caractéristiques importantes du sujet qui font de lui ce qu'il est,

(Comme par exemple, regardez la boîte cubique dans les deux images ci-dessous, sur le côté gauche, nous remarquerons que la majeure partie de la boîte qui la définit était un couvercle, ce que nous, en tant qu'artistes, devons éviter de faire. Pendant ce temps, sur l'image de droite, la boîte a été légèrement recadrée en laissant la partie essentielle qui en fait une boîte).

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Laissez un peu d'espace autour du sujet pour créer un visuel plus agréable.

 

 

6. Créez un point focal central (emphase ou dominance)

C’est peut-être le principe le plus important. C’est là que l’œil du spectateur se pose en premier ! Il est préférable de toujours rechercher l’accent préexistant dans votre propre sujet – et lorsqu’il y en a, exagérez-le et assurez-vous de l’utiliser. Si aucun point focal dominant n’existe naturellement, laissez un élément devenir le point focal, soit en manipulant la valeur de votre pièce, la couleur, le contraste, le niveau de détail ou le positionnement. N’oubliez pas ce conseil : ayez un point focal et faites en sorte qu’il soit intéressant !

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◾ Aspect qui ajoute de la définition à une composition, que ce soit pour une illustration de groupe ou individuelle

Au cours de l'année écoulée en tant qu'utilisateur de CSP, j'ai appris quelques PRÉCEPTES CLÉS ou comme je les appelle PRINCIPES CLÉS, qui m'ont été d'une grande aide pour rendre l'illustration de plusieurs ensembles de caractères ou groupes d'objets plus facile et plus intéressante à créer, et je pense que le petit article didacticiel peut aider les jeunes débutants ou ceux qui sont novices dans le monde à développer leurs compétences de regroupement.

Remarque :

Les différents concepts que j'illustrerai sous peu sont principalement appris en lisant et en observant d'autres grands artistes, auxquels je peux m'identifier pour la plupart, que vous avez peut-être déjà rencontrés ou entendus auparavant.

Kp 1 : Angle ! point de vue du public

L’angle que vous choisissez dans votre composition d’art numérique peut grandement influencer la façon dont votre public perçoit l’œuvre.

L'angle sous lequel le spectateur voit le sujet peut créer des effets psychologiques. Par exemple,

Par exemple, un ANGLE BAS peut donner au sujet une apparence puissante,

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Alors qu'un ANGLE ÉLEVÉ peut les faire paraître vulnérables.

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Kp 2 : Une composition est une question de variété, il suffit de « ne pas faire deux choses identiques »

La variété est le piment de la vie, dit-on, il s'agit de construire la Symphonie de la Variété. Et dans l'art, c'est la symphonie qui nous maintient engagés. La règle « ne pas faire deux choses identiques » n'est pas seulement une règle, c'est un principe directeur. C'est une question de contraste, de texture et de mouvement.

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La variété ne consiste pas seulement à éviter la répétition, mais aussi à créer une harmonie par le contraste. Il s'agit de trouver l'équilibre parfait entre le familier et l'inattendu, le simple et le complexe. Il s'agit de raconter une histoire de manière à captiver et à inspirer.

Ce qui précède étant dit, cela nous amène au principe suivant.

Kp 3 : La « règle des tiers » peut être la clé pour créer un équilibre dans la peinture de paysage

La règle des tiers est un excellent moyen de créer un équilibre dans les peintures de paysage. Elle suggère de diviser votre toile en neuf sections égales en traçant deux lignes horizontales et deux lignes verticales. Placer les éléments clés de votre paysage le long de ces lignes ou à leurs intersections peut créer une composition visuellement plus attrayante et plus équilibrée.

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En plaçant un aspect de la scène légèrement sur les lignes horizontales ci-dessus, alignées avec la règle des tiers, racontez une histoire aux spectateurs,

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En revanche, si ce même aspect de la scène est légèrement placé en dessous des deuxièmes lignes horizontales, alignées avec la règle des tiers, il raconte aux spectateurs une histoire entièrement différente de la première, et cette diversité rend visuellement la scène du paysage beaucoup plus intéressante,

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Suivant.

 

 

Kp 4 : Assurez-vous que les espaces et les écarts entre les objets sont tous différents.

C'est un excellent moyen d'ajouter un intérêt visuel et de la profondeur à votre paysage ! En veillant à ce que les formes, les espaces et les écarts entre les objets soient tous différents, vous créez une impression d'énergie dynamique et de rythme visuel.

Prenez par exemple :

L'image ci-dessous avec des tailles variables d'arbres, de rochers et d'autres éléments pour créer une impression d'échelle et de profondeur.

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Utilisez l'espace négatif (les zones vides autour de vos objets) pour créer du contraste et attirer l'œil du spectateur.

Jouez avec les formes des nuages, les courbes de la rivière et les bords irréguliers des montagnes pour ajouter un intérêt visuel.

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En adoptant ces variations, vous créerez une peinture de paysage qui semble vivante et pleine de vie.

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Kp 5 : L'utilisation de la hauteur pour vaincre les différents personnages d'une illustration de groupe

La hauteur est un outil puissant en illustration ! En variant stratégiquement la hauteur de vos personnages, vous pouvez créer un groupe dynamique et visuellement attrayant.

Maintenant, la hauteur permet à une illustration artistique de construire ce qui suit :

 

Hiérarchie :

Placez le personnage le plus grand au centre pour l'établir comme le leader ou la figure la plus importante.

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Lorsque nous créons un groupe de personnages, il est fortement conseillé d'utiliser un mélange de personnages grands et petits pour créer un contraste visuel et souligner leurs différences.

Perspective :

Utilisez une perspective forcée pour faire paraître un personnage plus grand que nature, ajoutant ainsi un sentiment de puissance ou de domination.

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Récit :

La taille d'un personnage peut révéler sa personnalité. Une silhouette imposante peut être forte et confiante, tandis qu'un personnage plus petit peut être plus timide ou vulnérable.

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Série animée : L'Attaque des Titans,

Trop cool

N'oubliez pas que la taille est bien plus qu'une simple stature physique ; c'est un outil permettant de raconter une histoire visuelle et de créer un sentiment de profondeur et de relation dans votre illustration.

 

 

Kp 6 : Gras pour se concentrer

La mise en gras consiste à mettre l'accent de manière subtile. L'objectif est de guider l'œil du spectateur sans donner à la composition une impression de forçage ou de manque de naturel.

 

 

◾ Ajout d'un effet de flou

 

 

L'ajout de flou à votre art numérique peut aider votre sujet à se démarquer et à créer une impression de profondeur. Vous pouvez utiliser le flou pour créer un effet de lueur douce ou un effet brumeux. Il existe de nombreuses façons différentes d'ajouter du flou à votre art numérique, notamment en utilisant des filtres dans des logiciels comme CLIP STUDIO PAINT ou PHOTOSHOP, entre autres.

Maintenant, pour ajouter l'effet bleu sur votre illustration dans CLIP STUDIO PAINT [CSP],

 

Commencez par importer l'illustration, utilisez l'outil [sous-outil de sélection] pour sélectionner l'endroit que vous ne souhaitez pas que l'effet bleu affecte, puis cliquez sur le bouton Inverser dans la barre inférieure sous la zone de sélection,

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Ensuite, cliquez sur [Filtre]>[Flou]>[Flou rotatif],

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Un mini tableau de bord s'affiche avec quelques options de réglage. Pour mon illustration, j'ai ajusté les différents paramètres comme suit :

 

• Force à 2,00 %,

• Direction à [les deux directions]

• Forme à 1,00 %,

• Inclinaison à 0,00 %, puis je clique sur [OK].

 

Mais n'hésitez pas à définir ces différents paramètres en fonction de la manière dont vous souhaitez que l'effet bleu affecte votre illustration.

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Et avec cela, nous pouvons maintenant voir comment l'effet bleu attire l'attention du regard vers le sujet principal qui est le personnage féminin dans l'illustration ci-dessous.

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◾ Ajout d'un effet de fondu

Le fait de faire disparaître les éléments autour de votre point focal attire l'attention sur celui-ci. Cette technique est utile pour mettre en valeur des détails clés ou créer un sentiment de mystère.

Prenez par exemple les personnages ci-dessous, j'ai utilisé l'effet de fondu pour montrer que les deux premiers personnages à l'avant sont au premier plan, tandis que les deux personnages à l'arrière sont à l'arrière-plan.

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La façon dont vous estompez les éléments peut influencer l'ambiance générale et l'émotion de l'œuvre. Un fondu doux et progressif peut évoquer un sentiment de paix, tandis qu'un fondu plus abrupt peut créer de la tension ou du drame.

Essayez d'expérimenter différentes techniques de fondu et observez comment elles affectent l'impact global de votre œuvre d'art numérique.

◾Taille :

L'objet le plus grand attire souvent le plus l'attention. Mettre en valeur ou faire d'un sujet particulier un centre de mise au point peut signifier rendre l'objet focal légèrement plus grand que les autres.

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◾ Ajout d'épaisseur aux lignes de contour des objets

La mise au point peut également être dirigée vers l'objet sur lequel nous voulons que nos spectateurs se concentrent, en rendant le dessin au trait extérieur plus épais que les autres.

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◾Lignes directrices :

D'autres objets ou éléments de l'image peuvent subtilement « pointer » vers l'objet focal.

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Passons maintenant au dernier mais non le moindre facteur qui est le plus important et qui régit tout ce que j'ai expliqué ci-dessus et qui est connu sous le nom de PRATIQUE.

 

 

Kp 6 : Entraînement...entraînement...entraînement

J'ai lu un livre qui disait, je cite :

« Pour devenir meilleur dans certains domaines, continuez à faire cette chose encore et encore et cela deviendra une habitude, vous n'aurez plus besoin de vous stresser à nouveau à ce sujet ».

 

 

SE DÉCONNECTER

Merci à tous d'avoir parcouru cet article tutoriel et un grand merci à ceux qui ont suivi mes progrès au fil des années 😁 🤙, j'en suis si heureux et je suis toujours heureux d'avoir de vos nouvelles. Pour l'instant, j'espère que cet article aidera peut-être les plus jeunes à améliorer leur style artistique. Si vous êtes comme moi, comme j'ai toujours voulu apprendre des choses sur l'art par le passé, mais que je n'ai pas les moyens d'apprendre, je vais pour l'instant dire au revoir à tout le monde, à bientôt pour le prochain.