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Bienvenue à tous,

 

Pour une autre illustration tutorielle avec moi, Daniel (Ado draw). Dans l'article tutoriel d'aujourd'hui, j'aimerais que nous nous plongions dans le concept de composition, non seulement pour deux personnages, mais pour plusieurs ensembles de personnages et d'objets dans une scène.

 

Et l'article d'aujourd'hui est intitulé :

Apprenez à organiser vos personnages de manière compositionnelle.

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La composition a été abordée par de nombreux artistes au fil des ans, et leurs approches pour obtenir un bon résultat de regroupement ont également été examinées, mais comme nous le savons, ce n'est jamais suffisant. Nous devons explorer plus d'éléments et trouver des moyens plus créatifs d'aborder la composition, qui se présente souvent comme difficile pour les jeunes artistes. Par conséquent, je partagerai également mes propres connaissances à ce sujet dans l'article tutoriel d'aujourd'hui.

 

 

Avant de nous plonger dans le concept particulier connu sous le nom de COMPOSITION, nous devons comprendre de quoi il s'agit et les manières d'aborder le concept de composition de multiples ensembles d'objets ou de personnages.

Maintenant,

◾Que comprenons-nous, en tant qu'artistes, par le terme Composition [?]

Dans le monde de l'art, la composition est un terme désignant la manière dont différents éléments d'une œuvre sont combinés ou arrangés, c'est-à-dire des objets établissant de bonnes relations entre eux d'une manière définie et unique qui donne un sens ou se rapporte à autre chose.

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L'artiste a une liberté totale lorsqu'il choisit la méthode de composition de son œuvre. Les éléments peuvent tous être regroupés vers le centre de la toile ou de la photographie, ou dispersés dans les coins de l'œuvre.

 

 

◾Nommer les éléments courants qui composent une composition

En tant qu'artiste, vous devez savoir que la composition traite des éléments d'une scène, et que les éléments d'une scène sont divisés en trois sections ou aspects (l'arrière-plan, le plan moyen et le premier plan).

Prenez par exemple l'image ci-dessous, qui présente tous les différents sujets répartis sur les trois éléments distincts de la scène, avec les caractéristiques suivantes ;

~ Pour l'arrière-plan,

Nous pouvons voir les gratte-ciel de la ville au loin, qui ont reçu une couleur bleue plate sans line art pour réduire l'attention portée sur eux, car ils ne sont pas le centre d'intérêt.

 

~ Pendant ce temps pour le plan moyen,

Nous pouvons voir le poteau électrique et un avion, mais pour que cette partie de l'image semble plus proche du point focal principal, j'ai ajouté le line art.

 

~ Et enfin pour le premier plan,

Qui est le point focal, avec deux personnages dans la scène, car c'est là que nous voulons que les spectateurs se concentrent, j'ai rendu les personnages plus grands et plus audacieux.

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Une autre chose très importante, mais que nous, artistes, négligeons souvent de prendre en considération lorsque nous voulons créer une illustration, est le CHOIX DU FORMAT.

◾ Choisir un format, rectangulaire ou carré.

Cet aspect est très crucial et parfois exigeant, car différents formats impliquent ou racontent différentes histoires, prenez par exemple ;

 

 

~ Le format rectangulaire :

C'est un format absolument classique et extrêmement flexible. En ce sens que,

Lorsqu'un rectangle est affiché avec son côté le plus court en haut, il est connu sous le nom de « format portrait » et avec son côté le plus long en haut, il est appelé « format paysage ».

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~ Le format carré :

Cela peut fonctionner extrêmement bien ou très mal. On voit très rarement l'utilisation du carré en illustration. C'est parce qu'il est plus difficile d'équilibrer une scène qui contient beaucoup d'éléments,

 

Prenez par exemple,

Une collection de figures dans un paysage au format carré. Cela peut très facilement paraître maladroit. Cependant, l'utilisation d'un format carré pour un sujet plus contemporain, une abstraction ou un paysage marin minimaliste, peut être très efficace.

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Connaître les différents types d'éléments dans une scène est la partie simple du processus de composition, c'est amusant mais difficile, mais c'est connaître les différentes manières ou règles, comme vous les appelez, selon lesquelles les différents éléments d'une scène se complètent ou se rapportent les uns aux autres, ce que l'on appelle les TYPES DE COMPOSITION.

 

 

◾ Types de composition

Les différents éléments (arrière-plan, plan moyen et premier plan) jouent un rôle unique dans la manière dont les objets et les personnages interagissent pour raconter différentes histoires, de leurs diverses manières uniques, ce qui est connu sous le nom de TYPES DE COMPOSITION.

 

 

Voici ci-dessous quelques types courants de composition artistique les plus souvent utilisés par des artistes comme moi pour regrouper des objets et des personnages ;

• Radiale: Les éléments sont disposés autour d'un point central, créant une sensation de mouvement ou de focalisation.

 

• Règle des Tiers: Diviser l'œuvre en neuf sections égales, avec des éléments importants placés aux intersections de ces lignes.

 

• Nombre d'Or: Une proportion mathématique qui crée un équilibre visuel agréable, souvent utilisée dans le placement des éléments.

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• Diagonale: Lignes qui créent une sensation de mouvement et d'énergie. (Horizontales) Lignes qui créent une sensation de stabilité et de calme. (Verticales) Lignes qui créent une sensation de hauteur et de grandeur.

 

• Chevauchement: Éléments placés les uns sur les autres pour créer de la profondeur et un intérêt visuel.

 

• Espace Négatif: Les zones vides autour du sujet principal, qui peuvent être tout aussi importantes que le sujet lui-même.

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Maintenant, ces différents types de composition peuvent sembler décontractés pour les débutants, mais s'il vous plaît, ne les prenez pas à la légère car ils sont très essentiels en illustration, si vous voulez que vos personnages, objets et environnements aient un impact unique ou nostalgique lorsqu'ils sont vus par le public. Je vous conseille donc vraiment de pratiquer attentivement ces différents aspects et ensuite, vous pourrez essayer d'apprendre les autres types de composition qui existent.

 

Cela étant dit, j'aimerais que nous examinions un autre aspect appelé POSES.

◾ Pose de personnage

La pose d'un personnage peut également jouer un rôle très important lors du regroupement de personnages, comme par exemple les poses ci-dessous des trois figurines de modèles 3D que j'ai ensuite transformées en trois personnages espions.

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Si, en tant que débutant dans l'utilisation de CLIP STUDIO PAINT (CSP), vous avez des difficultés à créer des personnages individuels ou des groupes de personnages avec leur propre pose expressive et dynamique unique, je vous conseille d'utiliser la figurine de modèle 3D. Elles sont d'un grand avantage, surtout pour les débutants, les aidant à commencer à créer des groupes de personnages avec de belles poses expressives.

Et nous pouvons aussi facilement obtenir différents ensembles de poses grâce aux nouvelles fonctionnalités ajoutées,

• Posemaniac

• et Scanner de caméra.

1. Pour obtenir une pose à partir de la fonctionnalité Posemaniac

Commencez par cliquer sur [Fenêtre], un mini tableau de bord apparaîtra et en faisant défiler vers le bas, nous verrons alors la sélection [Matériau], cliquez sur la sélection [Matériau].

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Le mini tableau de bord [Matériau] sera affiché, dans le tableau de bord, sélectionnez le [Modèle 3D] et faites glisser la [Figure de dessin 3D version 2] sur la toile, ce qui l'importera sur la toile comme nous pouvons le voir la couche de modèle 3D dans le tableau de bord [Calque] à droite.

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Une fois le modèle 3D importé sur la toile, on peut maintenant lui donner une pose dynamique et pour ce faire,

 

Cliquez sur l'icône avec (barres de flèches pointant dans la direction opposée), un mini tableau de bord apparaîtra avec différentes options, cliquez sur [Pose 3D (Posemaniac)] et avant de cliquer sur cette option, activez votre réseau,

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Car lorsque [Pose 3D (Posemaniac)] est sélectionné, nous serons redirigés vers la page du site web (Posemaniac). Là, nous devons nous inscrire pour recevoir des nouvelles sur les poses mises à jour et nous verrons également plusieurs poses différentes que l'on peut utiliser, mais je veux un personnage avec une position de pose unique, pour obtenir ce que je veux, je dois spécifier et pour cela, cliquez d'abord sur [barres de flèches pointant dans la direction opposée],

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un mini tableau de bord apparaîtra avec différentes options, puis je sélectionne une option, dans ce cas je veux un personnage avec une pose pointant du doigt, cliquez sur [Pointer],

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La page [Pointer] sera affichée, où tous les personnages pointent de différentes manières. Je sélectionne ensuite l'une des poses qui a attiré mon attention.

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Lorsque la pose est sélectionnée, nous serons redirigés vers une autre page, cliquez maintenant sur la barre [Ouvrir] en bas,

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Un mini tableau de bord apparaîtra, cliquez à nouveau sur la barre [Ouvrir] avec le logo CLIP STUDIO PAINT,

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Nous serons ensuite redirigés vers le logiciel CLIP STUDIO PAINT avec la pose automatiquement importée dans la [figure de dessin 3D version 2] précédente et en utilisant le sous-outil [Objet], nous pouvons déplacer le modèle 3D à la position que nous voulons, comme indiqué ci-dessous,

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Ensuite,

2. Importation depuis le modèle 3D (boîte de matériaux)

Ouvrez le mini tableau de bord [Matériau]. Dans le tableau de bord, sélectionnez le [Modèle 3D] et faites glisser la [Figure de dessin 3D version 2] sur la toile, ce qui l'importera sur la toile, comme nous pouvons le voir dans le tableau de bord [Calque] à droite.

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Et vous pouvez simplement changer la pose avec les différents modèles 3D disponibles en cliquant sur l'icône [Utiliser le matériau de pose 3D] dans la barre sous la figure 3D. Un mini tableau de bord apparaîtra, sélectionnez la pose que vous souhaitez, puis cliquez sur [Ok] pour appliquer cette pose à votre [figure de dessin 3D] importée.

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Et une fois la deuxième pose de personnage obtenue, je suis passé à la troisième.

2. Pour obtenir une pose à partir de la fonctionnalité Scanner de caméra

J'importe un autre personnage [la figure de dessin 3D féminine version 2] et la place sur le côté droit,

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Je clique ensuite sur l'icône avec (barres de flèches pointant dans la direction opposée), un mini tableau de bord apparaît avec différentes options, cliquez sur [scanner de pose (Bibliothèque de photos)],

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Un mini tableau de bord de ma galerie apparaîtra et je pourrai alors sélectionner l'image avec la pose dont je veux importer la pose.

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Et une fois cela fait, la pose sera importée sur la [figure de dessin 3D féminine version 2],

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Ensuite, pour que je puisse dessiner les différentes poses sans que le contraste épais de la figurine 3D ne me restreigne, je réduirai l'opacité [Opacité] du calque du modèle 3D à 25%, comme indiqué sur le côté droit de l'image ci-dessous.

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Ensuite, je crée différentes couches, dessine la forme des différentes poses de personnages et leur ajoute une couleur de base grise.

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Et avec cela, nous pouvons maintenant voir l'unicité et la diversité des personnages prendre vie.

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Ensuite, je termine cette œuvre en ajoutant les cheveux à chacun d'eux et en leur donnant leur nom individuel et de groupe.

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Vous pouvez en apprendre davantage sur la pose en utilisant les liens ci-dessous 🔗 🔗

Et sur la façon d'utiliser davantage le modèle 3D, utilisez les liens ci-dessous 🔗🔗 pour cet apprentissage.

 

 

◾ Règles simples que j'utilise lorsque je crée des personnages ou des objets en groupe compact

Pour expliquer les règles que j'utilise, je vais utiliser des objets en forme de sphère, de cube et de prisme,

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Pour montrer ce que nous, artistes, devons FAIRE et ÉVITER lorsque nous créons des sujets en groupe.

 

 

1. Rendez votre groupement intéressant

Pour rendre vos regroupements intéressants en art numérique, envisagez d'utiliser des éléments de différentes tailles et formes. Variez l'espacement entre eux pour créer un rythme visuel. Jouez avec le positionnement des différents objets et assurez une unité dans l'agencement des objets pour ajouter de la profondeur et du contraste. Vous pouvez également utiliser le chevauchement pour créer une sensation de mouvement et de profondeur.

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2. Évitez de laisser de grands espaces vides

Cela ne signifie pas la symétrie. Cela signifie équilibrer l'espace négatif et positif, les lumières et les ombres, etc., afin que l'œil soit confortable. Il s'agit de s'assurer que l'agencement n'est pas visuellement trop lourd d'un côté ou de l'autre. Si vous n'êtes pas sûr, alors plissez les yeux sur l'arrangement et cela vous aidera à voir un peu plus facilement.

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3. Créez une œuvre qui attire et fait circuler le regard

Isoler un objet d'un groupe lui donne immédiatement plus d'attention que le reste du groupe. Donnez une touche d'originalité à vos éléments. La composition sera bien plus agréable si tous les éléments ne sont pas alignés comme des canetons dans une mare.

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4. Il doit y avoir un bon chevauchement

Le chevauchement léger de vos éléments crée des formes et des couches intéressantes. Il lie vos éléments au reste du regroupement et crée une relation entre les éléments si vous le souhaitez.

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5. Évitez un mauvais cadrage

Lors de l'agencement d'objets ou de personnages dans une scène, on peut éviter un mauvais cadrage en étant attentif à la composition. Assurez-vous que le sujet est centré ou équilibré dans le cadre. Évitez de couper les membres principaux ou les caractéristiques importantes du sujet qui le définissent,

(Comme par exemple, regardez la boîte cube dans les deux images ci-dessous, du côté gauche, nous remarquerons que la majeure partie de la boîte qui la définissait était couverte, ce que nous, artistes, devons éviter de faire. Tandis que sur l'image de droite, la boîte a été légèrement recadrée, laissant la partie essentielle qui en fait une boîte).

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Laissez un peu d'espace autour du sujet pour créer un visuel plus agréable.

 

 

6. Créer un point focal central (Emphase ou Dominance)

C'est peut-être le principe le plus important. C'est là que l'œil du spectateur se pose en premier ! Il est préférable de toujours rechercher un accent préexistant dans votre propre sujet – et quand il est là, de l'exagérer et de s'assurer de l'utiliser. Si aucun point focal dominant n'existe naturellement, alors permettez à un élément d'être le point focal, soit en manipulant la valeur dans votre œuvre, la couleur, le contraste, le niveau de détail ou le positionnement. Retenez ce conseil : ayez un point focal et faites en sorte qu'il soit intéressant !

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◾ Aspect qui ajoute de la définition à une composition, qu'il s'agisse d'une illustration de groupe ou individuelle

Au fil des années en tant qu'utilisateur de CSP, j'ai appris quelques PRÉCEPTES CLÉS, ou comme je les appelle PRINCIPES CLÉS, qui m'ont été d'une grande aide pour rendre l'illustration de multiples ensembles de personnages ou de groupes d'objets plus facile et plus intéressante à créer, et je crois que ce petit article tutoriel peut aider les jeunes débutants ou ceux qui sont nouveaux dans ce monde à développer leurs compétences en matière de regroupement.

Note :

Les différents concepts que je vais brièvement illustrer sont pour la plupart appris en lisant et en observant d'autres grands artistes, dont la plupart peuvent me parler, et que vous avez peut-être déjà rencontrés ou dont vous avez déjà entendu parler.

Kp 1 : Angle ! le point de vue du public

L'angle que vous choisissez dans la composition de votre œuvre d'art numérique peut grandement influencer la perception de l'œuvre par votre public.

L'angle sous lequel le spectateur voit le sujet peut créer des effets psychologiques. Par exemple,

Par exemple, un ANGLE BAS peut faire apparaître le sujet puissant,

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Tandis qu'un ANGLE HAUT peut les faire paraître vulnérables.

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Kp 2 : Une composition est une question de variété, il suffit de « ne pas faire deux choses identiques »

La variété est le sel de la vie, on dit qu'il s'agit de construire la Symphonie de la Variété. Et en art, c'est la symphonie qui nous maintient engagés. La règle "ne faites pas deux choses identiques" n'est pas seulement une règle, c'est un principe directeur. Il s'agit de contraste, de texture et de mouvement.

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La variété ne consiste pas seulement à éviter la répétition, il s'agit de créer une harmonie par le contraste. Il s'agit de trouver l'équilibre parfait entre le familier et l'inattendu, le simple et le complexe. Il s'agit de raconter une histoire d'une manière qui captive et inspire.

Cela étant dit, cela nous amène au principe suivant.

Kp 3 : La « Règle des Tiers » peut être essentielle pour créer l'équilibre en peinture de paysage

La Règle des Tiers est un excellent moyen de créer l'équilibre dans les peintures de paysage. Elle suggère de diviser votre toile en neuf sections égales en traçant deux lignes horizontales et deux lignes verticales. Placer les éléments clés de votre paysage le long de ces lignes ou à leurs intersections peut créer une composition plus attrayante visuellement et équilibrée.

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Placer un aspect de la scène légèrement sur les lignes horizontales supérieures, aligné avec la règle des tiers, raconte une histoire aux spectateurs,

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D'autre part, si ce même aspect de la scène est légèrement placé sous la deuxième ligne horizontale, aligné avec la règle des tiers, cela raconte aux spectateurs une histoire entièrement différente de la première, et cette diversité rend la scène paysagère beaucoup plus intéressante visuellement,

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Suivant.

 

 

Kp 4 : Assurez-vous que les espaces et les écarts entre les objets sont tous différents.

C'est un excellent moyen d'ajouter de l'intérêt visuel et de la profondeur à votre paysage ! En veillant à ce que les formes, les espaces et les écarts entre les objets soient tous différents, vous créez une sensation d'énergie dynamique et de rythme visuel.

Prenez par exemple :

L'image ci-dessous avec des arbres, des rochers et d'autres éléments de tailles variées pour créer une sensation d'échelle et de profondeur.

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Utiliser l'espace négatif (les zones vides autour de vos objets) pour créer du contraste et attirer le regard du spectateur.

Jouer avec les formes des nuages, les courbes de la rivière et les bords déchiquetés des montagnes pour ajouter un intérêt visuel.

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En adoptant ces variations, vous créerez une peinture de paysage qui semble vivante et pleine de vie.

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Kp 5 : L'utilisation de la hauteur pour différencier les différents personnages dans une illustration de groupe

La hauteur est un outil puissant en illustration ! En variant stratégiquement la taille de vos personnages, vous pouvez créer un groupe dynamique et visuellement attrayant.

La hauteur aide une illustration artistique à construire les éléments suivants :

 

Hiérarchie :

Placez le personnage le plus grand au centre pour l'établir comme le leader ou la figure la plus importante.

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Lorsque nous créons un groupe de personnages, il est fortement conseillé d'utiliser un mélange de personnages grands et petits pour créer un contraste visuel et souligner leurs différences.

Perspective :

Utilisez la perspective forcée pour faire apparaître un personnage plus grand que nature, ajoutant un sentiment de puissance ou de dominance.

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Narration :

La taille d'un personnage peut révéler sa personnalité. Une figure imposante pourrait être forte et confiante, tandis qu'un personnage plus petit pourrait être plus timide ou vulnérable.

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Série animée : L'Attaque des Titans,

Tellement cool

N'oubliez pas que la hauteur est plus qu'une simple stature physique ; c'est un outil pour raconter une histoire visuelle et créer un sentiment de profondeur et de relation au sein de votre illustration.

 

 

Kp 6 : Mise en évidence pour la focalisation

La mise en évidence est une question d'emphase subtile. Le but est de guider l'œil du spectateur sans que la composition ne semble forcée ou artificielle.

 

 

◾ Ajout d'un effet de flou

 

 

L'ajout de flou à votre art numérique peut aider votre sujet à se démarquer et à créer un sentiment de profondeur. Vous pouvez utiliser le flou pour créer un effet de halo doux ou un effet de brume. Il existe de nombreuses façons d'ajouter du flou à votre art numérique, notamment en utilisant des filtres dans des logiciels comme CLIP STUDIO PAINT ou PHOTOSHOP, entre autres.

Maintenant, pour ajouter l'effet de flou à votre illustration dans CLIP STUDIO PAINT [CSP],

 

Commencez par importer l'illustration, utilisez le [sous-outil de sélection] pour sélectionner la zone que vous ne voulez pas que l'effet de flou affecte, puis cliquez sur le bouton Inverser dans la barre inférieure sous la zone sélectionnée,

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Ensuite, cliquez sur [Filtre]>[Flou]>[Flou de rotation],

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Un mini tableau de bord sera affiché avec des options de réglage. Pour mon illustration, j'ai ajusté les différents réglages comme suit ;

 

• Force à 2,00%,

• Direction à [les deux sens]

• Forme à 1,00%,

• Inclinaison à 0,00% et j'ai ensuite cliqué sur [OK].

 

Mais n'hésitez pas à régler ces différents paramètres pour qu'ils correspondent à la façon dont vous souhaitez que l'effet de flou affecte votre illustration.

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Et avec cela, nous pouvons maintenant voir comment l'effet de flou attire l'attention vers le sujet principal, qui est le personnage féminin dans l'illustration ci-dessous.

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◾ Ajout d'un effet de fondu

Estomper les éléments autour de votre point focal attire l'attention sur celui-ci. Cette technique est utile pour mettre en évidence des détails clés ou créer une sensation de mystère.

Prenez par exemple les personnages ci-dessous, j'ai utilisé l'effet de fondu pour montrer que les deux premiers personnages à l'avant sont au premier plan, tandis que les deux à l'arrière sont à l'arrière-plan.

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La manière dont vous estompez les éléments peut influencer l'ambiance et l'émotion générales de l'œuvre. Un fondu doux et progressif peut évoquer un sentiment de paix, tandis qu'un fondu plus abrupt peut créer de la tension ou du drame.

Essayez d'expérimenter différentes techniques de fondu et observez comment elles affectent l'impact global de votre art numérique.

◾Taille :

L'objet le plus grand attire souvent le plus d'attention. Mettre en évidence ou faire d'un sujet particulier un centre d'intérêt pourrait signifier rendre l'objet focal légèrement plus grand que les autres.

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◾ Ajout d'épaisseur aux lignes de contour des objets ciblés

La focalisation peut également être dirigée vers l'objet sur lequel nous voulons que nos spectateurs se concentrent, en rendant le trait extérieur plus épais que les autres.

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◾Lignes directrices :

D'autres objets ou éléments de l'image peuvent subtilement « pointer » vers l'objet focal.

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Passons maintenant au dernier mais non le moindre, le facteur le plus important qui régit tout ce que j'ai expliqué ci-dessus, à savoir la PRATIQUE.

 

 

Kp 6 : Pratique..pratique... pratique

J'ai lu un jour dans un livre qui disait, je cite :

« Pour devenir meilleur en certaines choses, continuez à faire cette chose encore et encore et cela deviendra une habitude, vous n'aurez plus besoin de vous stresser à ce sujet ».

 

 

CONCLUSION

Merci à tous d'avoir parcouru cet article tutoriel et un grand merci à ceux qui, au fil des ans, ont suivi mes progrès 😁🤙, j'en suis très heureux et je suis toujours là pour vous entendre. Pour l'instant, j'espère que cet article pourra aider les plus jeunes à améliorer leur style artistique. Si vous êtes comme moi et que vous avez toujours voulu apprendre des choses sur l'art mais que vous n'avez pas les moyens d'apprendre, je vous dis au revoir pour l'instant, à la prochaine.