Die Arbeit mit Concept Art oder Pre-Production Art erfordert vom Künstler, dass er Arbeitsprozesse entwickelt, die effizient sind und immer wieder repliziert werden können; dies sorgt für eine optische Einheit der produzierten Assets.

 

Nach der Teilnahme an mehreren Game-Design-Projekten zur Erstellung von Konzepten für Charaktere (bitte besuchen Sie mein Portfolio, um Beispiele zu sehen), habe ich meinen digitalen Malprozess in der folgenden Abfolge von Schritten synthetisiert.

 

Das Ergebnis ist ein einfacher, aber effizienter Stil. Es zeigt die wichtigen Teile des Designs sowie einige Vorschläge für Farben und Materialien.

 

In diesem Tutorial verwende ich Clip Studio Paint von Celsys:

Das (oben) ist, worauf Sie stoßen werden, wenn es um Concept Art for Production geht: mehrere genehmigte Designs, die eine Farb-, Licht- und Schattenbehandlung benötigen.

 

In den Jahren dieser Art von Arbeit habe ich festgestellt, dass es am besten ist, an Stapeln zu arbeiten und eine Abfolge von Schritten zu verwenden, damit die Kunst nach jeder abgeschlossenen Phase dem Kunden geliefert werden kann, damit er damit beginnen kann, sie zu verwenden Produktion so schnell wie möglich.

Beginnend mit der Strichzeichnung besteht der erste Schritt darin, alle weißen Bereiche transparent zu machen - dies passiert häufig, wenn Sie mit gescannten Zeichnungen auf Papier arbeiten.

Eine gescannte Zeichnung, die zum Ausmalen vorbereitet werden muss

In Clip Studio Paint können Sie helle/weiße Bereiche mit der Funktion: BEARBEITEN - HELLIGKEIT IN DECKKRAFT KONVERTIEREN in Transparenz umwandeln.

Die Strichzeichnung ist fixiert. Sie können jetzt Farben auf die darunter liegende Ebene malen.

Der erste Schritt zum Starten des Rendering-Prozesses besteht darin, FLAT-Basisfarben zu erstellen.

Es gibt viele Methoden, um mit Auswahlen auf CSP zu arbeiten; Am schnellsten verwenden Sie das ZAUBERSTAB-Werkzeug, um den Außenbereich der Zeichnung auszuwählen, als INVERT und FILL.

 

**WICHTIG: Reduzieren Sie an dieser Stelle die Deckkraft der Linienführung so weit wie möglich; Machen Sie es sichtbar genug, damit Sie die Formen und Volumen beurteilen können.

Das Beginnen mit einer schwachen Linienzeichnung hilft dabei, den gerenderten/malerischen Look zu erreichen.

Ich weiß, es macht keinen Spaß, aber gewöhnen Sie sich daran, eine makellose Ebenenverwaltung für Ihre Datei zu haben (versuchen Sie es zumindest).

Es wird Ihnen viel Zeit sparen, wenn Sie in den folgenden Schritten Auswahlen vornehmen.

 

Hier erstelle ich eine Ebene für jeden Teil des Charakters, der ein anderes Material / eine andere Farbe hat.

 

Beachten Sie auch, wie die Farbe unter den Linien blutet. Diese Methode ist schneller als das Färben der Liniengrafik, nachdem das gesamte Rendern abgeschlossen ist.

TIPP: Sie können STRG+KLICKEN auf die Ebene drücken, um automatisch eine Auswahl zu erstellen.

Farben sind wichtig, aber WERTE sind noch wichtiger.

Sobald Sie mit dem Hinzufügen der Grundfarben fertig sind, gehen Sie wie folgt vor.

 

Erstellen Sie eine neue Ebene über allem; Füllen Sie es mit Schwarz; Ändern Sie den Mischmodus in Farbe.

 

Sie sehen Folgendes:

Beachten Sie, dass die Werte etwas unausgewogen sind: Die dunklen Flecken auf der Haut sind viel zu dunkel. Die Pfeile auf seinem Rücken sind kaum zu erkennen und dem Bild fehlt ein „Point of Interest“.

 

In diesem Sinne; Passen Sie die Zusammensetzung der Werte auf Ihrem Bild an, indem Sie die Ebenen, Kurven oder die Eigenschaft „Wert“ in der Anpassung „Farbtonsättigung“ anpassen.

Hier ist ein ausgewogenes Bild: Fokuspunkt ist klarer das Gesicht/Auge des Charakters.

Im zweiten Schritt geht es um den Beleuchtungsprozess:

Erstelle eine neue Ebene und fülle sie mit Weiß/Grau. Das Arbeiten der Lichter mit einer einzigen Farbe ist für das Gehirn einfacher.

 

Der erste Durchgang der Beleuchtung muss so einfach wie möglich sein.

Denken Sie in einem binären Zustand: Beleuchtet oder unbeleuchtet; 1 oder 0.

 

Im Bild unten sehen Sie, wie ich mir die Beleuchtung von oben vorstelle und jede Form, die nicht vollständig dem Licht zugewandt ist, mit meiner Schattenfarbe schattiere.

 

Sie können jede Farbe für Ihre Schatten auswählen; aber ein Desaturated Purple scheint gut zu funktionieren, wenn Sie ein ausgewogenes Bild wünschen (warmes Licht vs. kühler Schatten).

 

Vermeiden Sie die Verwendung von reinem Grau und Schwarz für die Schatten.

Licht oder Schatten, beleuchtet oder unbeleuchtet – entfernen Sie in dieser Phase die Komplexität von Mitteltönen.

Mit nur zwei Tönen (Hell und Dunkel) kann viel erreicht werden; Es gibt einen Tipp für das "Designen" der Formen Ihrer Schatten:

 

Vermeiden Sie es, die Form in der Mitte (linke Kugel) zu schneiden; es ist langweilig und fügt der Form automatisch zu viel Schatten hinzu.

Sehen Sie im Beispiel (rechte Kugel), wie es besser sein sollte, mehr Licht zu lassen, um die Rundung der Kugel darzustellen. Auch das Design des Schattens ist angenehmer/dynamischer.

 

Beachten Sie, dass auch das Gegenteil funktioniert: Wenn Sie eine dunkle Szene wünschen, priorisieren Sie die Schattenformen.

Im zweiten Beleuchtungsdurchgang erstellen Sie die Occlusion Shadows - das sind Bereiche, die das Licht nicht erreichen kann. Denken Sie an Löcher, Spalten, den Kontakt zwischen zwei Formen, Falten ...

 

Führen Sie dies auf einer separaten Ebene durch, damit Sie die Deckkraft einfach anpassen können. Ich habe die Airbrush verwendet, um einen weichen Farbverlauf zu erstellen.

An diesem Punkt sollten Sie in der Lage sein, die Linienzeichnung auszuschalten und die Formulare zu lesen.

In diesem dritten Beleuchtungsdurchgang können Sie beide Durchgänge kombinieren: direktes Licht und Umgebungsokklusion.

Ich füge die Umgebungsokklusionsebene gerne über der Direktbeleuchtungsebene hinzu, indem ich den Effekt „Multiplizieren“ verwende. Reduzieren Sie die Deckkraft auf ca. 50% Ich achte darauf, dass die Wirkung nicht zu stark ist.

Zwei Beleuchtungsdurchgänge kombiniert. Verwenden Sie die Deckkraft der Ebene, um den Effekt anzupassen.

An diesem Punkt hat das Design bereits ein skulpturales Gefühl, das für einen 3D-Modellierer von großem Nutzen ist, z.

Aber wir können dieses Rendering weiter vorantreiben, indem wir einige Kanten und Übergänge mischen.

 

**WICHTIG: in den Mitteltönen malen; Fügen Sie den Schattenbereichen keine Komplexität hinzu. Wählen Sie die Schattenfarbe und malen Sie die hellen Bereiche – nicht umgekehrt.

Berücksichtigen Sie beim Malen der Mitteltöne (Übergang zwischen Licht und Schatten) die Art der Kante, die Sie für die Porträtform verwenden können:

 

Es gibt WEICHE Kanten und HARTE Kanten;

 

Eine weiche Kante (linke Kugel) ist ein Farbverlauf, der zeigt, dass sich die Form vom Licht „abwendet“.

Eine harte Kante (rechte Kugel) tritt normalerweise auf, wenn ein Objekt den Durchgang des Lichts blockiert und einen Schlagschatten erzeugt.

Diese Kante wird um so härter, je näher an der Schatten werfenden Form, und wird allmählich weicher.

Um Soft Edges zu malen, benutze ich die Airbrush. Die harten Kanten male ich mit einem runden Standardpinsel.

An dieser Stelle können Sie auch etwas Abwechslung auf das Formular malen; Texturen sind im Mitteltonbereich besser sichtbar; Im Beispiel unten habe ich schnell einige Linien gekritzelt, um die glatte Oberfläche der Haut aufzubrechen.

 

Der dritte Schritt dieser Technik besteht darin, die Flats-Farben mit der Beleuchtung zu kombinieren.

Hier erfahren Sie einen sehr coolen Tipp:

 

Die übliche Methode zum Kombinieren dieser Ebenen besteht darin, die Beleuchtungsebene / -gruppe über der Ebene mit den Grundfarben / Grundfarben zu platzieren und den Mischmodus "Multiplizieren" zu verwenden.

 

Aber hier ist das Ergebnis:

 

Beleuchtungsschicht ÜBER der flachen Färbeschicht; dunkles und schlammiges Ergebnis.

Um die Farben der Mischung wieder hinzuzufügen, ohne die Form zu verlieren, können Sie Folgendes tun:

 

• Erstellen Sie eine Kopie der Flach-/Grundfarbenebenen.

• Fügen Sie oben auf dem Ebenenstapel hinzu

• Ändern Sie den Mischmodus dieser Ebene in GLOW DODGE.

 

Siehe im Bild unter meinem Ebenenstapel.

Sehen Sie, wie die Farben lebendiger sind, *während* die Beleuchtung noch liest.

Um die Beleuchtung/Farbe weiter voranzutreiben, können Sie den Vorgang wiederholen und eine weitere Ebene im Glow Edge-Modus hinzufügen, um das Bild etwas mehr aufzuhellen/sättigen.

 

Hier das Ergebnis ohne Anpassung:

Das Ergebnis sollte viel zu stark sein;

Jetzt können Sie eine MASKE auf dieser Ebene erstellen, sie mit einer transparenten Farbe füllen (ausblenden) und in der Maske malen, um die Glanzlichter anzuzeigen.

 

Das hört sich schwerer an, als es ist. Diese Technik entfernt den Entscheidungsfaktor aus Ihrem Kopf: "Wie sollen meine Lichter/Schatten aussehen?" -

Sehen Sie, wie ich die Technik verwende, um die Highlights und Akzente für die Formen (z. B. Kopf) zu bringen.

Oh. Wichtig. Wenn Sie Charaktere präsentieren, fügen Sie BITTE eine Grundebene mit einem Schatten hinzu.

 

Es hilft, das Design auf der Seite zu „erden“.

 

Wir nähern uns dem Finale.

Mit einem Pinsel für runde, harte Kanten können Sie die Texturen und Reflexionen einiger Oberflächen weiter vorantreiben.

 

Einige Sprenkel auf der Haut, um ihre Rauheit zu zeigen, oder ein glänzendes, langes Highlight auf dem Horn/Augen, um ihre glatte Oberfläche zu zeigen.

 

WICHTIG: Fügen Sie dem Bild nicht zu viele Glanzlichter hinzu. Es wird die Illusion eines weichen, diffusen Lichts brechen.

Wenn es um Highlights geht, ist das Ergebnis umso effektiver, je weniger Sie es verwenden.

Last, but not least hier noch ein Trick:

 

Erstellen Sie eine Kopie des gesamten Bildes (ohne Hintergrund) mit der Option SICHTBAR MIT EINER NEUEN EBENE VERBINDEN.

 

Verwenden Sie den Filter FILTER-BLUR-GAUSSIAN BLUR, um einen Out-of-Focus-Effekt zu simulieren. ..

Verwenden Sie jetzt eine MASKE, um das unscharfe Bild auszublenden und wieder zu malen. Mit dieser Technik können Sie einen Tiefenschärfeeffekt simulieren, der einige Teile des Bildes scharf hinterlässt (z. B. denjenigen, der sich dem Sichtfeld der Kamera nähert).

 

Sehen Sie das Endergebnis unten:

Es ist ein subtiler Effekt, aber er fügt dem Rendering eine realistischere Ebene hinzu.

Das ist es.

 

Es sieht jetzt „kompliziert“ aus, weil es vielleicht das erste Mal ist, dass Sie diese Aufschlüsselung sehen, aber ich bin sicher, dass Sie, sobald Sie ÜBEN, sehen werden, dass die Schritte sehr schnell und auf logische Weise angewendet werden können.

 

VIELEN DANK für die Lektüre und vergessen Sie nicht, auf meiner Website/Portfolio nach weiteren Beispielen für diese Technik zu suchen, die in verschiedenen Game-Design-Projekten angewendet wird, an denen ich gearbeitet habe.

 

Jedes einzelne Bild in meinem Portfolio wurde mit CLIP STUDIO PAINT erstellt.

 

 

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