Bevor wir mit den Farben fortfahren, möchte ich Ihnen die Mischmodi zeigen, die ich in Clip Studio Paint am häufigsten verwende, um mich beim Schattieren und Tönen zu unterstützen (Schatten und Lichter hinzufügen) - anders als die offizielle / technische Erklärung, dies ist eher subjektiv / künstlerisch Ansicht, wie sie arbeiten:

 

A - MEHRFACH für schattige Bereiche funktioniert (fast) jedes Mal; Je grauer die Farbe, desto weniger gesättigt ist der Schatten. Wenn Sie mehr gesättigte Schatten wünschen, können Sie dem gemalten Farbton einen Teil der lokalen Farbe des Objekts hinzufügen.

 

B - OVERLAY funktioniert für die Schattierung, aber wenn die ausgewählte Farbe heller als die lokale Farbe ist, ist die Ergebnisfarbe heller und gesättigter. Dies ist gut, um reflektiertes / reflektiertes Licht und Transluzenz (farbige Schatten) hinzuzufügen.

 

C - ADD GLOW und Screen können verwendet werden, um eine atmosphärische Perspektive zu erstellen. die Wirkung einer Objektfarbe, die durch die Partikel von „Luft“ verblasst wird; Die Ergebnisfarbe ist heller und weniger gesättigt.

 

D - COLOR DODGE oder Glow Dodge ist ein guter Ebenenmodus, um die Farben auf eine wärmere Temperatur zu bringen. es erhöht Helligkeit, Sättigung und Farbtonverschiebung nach Gelb; Verwenden Sie diese Option lieber mit Ebenen mit geringer Deckkraft oder Pinselstrichen.

 

D - FARBE, die mit 100% Schwarz oder Weiß verwendet wird, kann verwendet werden, um das Bild zu entsättigen (seine Farben zu entfernen), während die Werte beibehalten werden. Wenn diese Ebene mit Farben oder Grautönen verwendet wird, können Sie die Palette mit der ausgewählten Farbe vereinheitlichen. funktioniert hervorragend, um eine Umgebungsfarbe oder einen Umgebungsblick zu simulieren.

 

 

Wenn Sie eine ausführliche Erklärung zur Funktionsweise von Mischmodi in Clip Studio Paint benötigen, lesen Sie den folgenden Artikel:

 

Bitte lesen Sie auch meinen Artikel "Quick Rendering for Concept Art", um eine einfachere Aufschlüsselung meines Malprozesses zu erhalten.

 

Im Allgemeinen verwendet das Verfahren diese Schichtanordnung:

 

(a) das Objekt wird mit direktem Licht und / oder globaler Beleuchtung beleuchtet;

(b) lokale Farben werden auf eine separate Schicht aufgetragen;

(c) Licht und Farbe werden kombiniert; Die helle Ebene wird mit Multiplizieren über die Farbe gelegt.

(d) Farben müssen verbessert werden, damit eine Kopie der Farbebene vor allem im Glow / Color Dodge-Modus gute Ergebnisse liefert.

 

Wenn wir lernen, digital zu malen, haben wir auch damit begonnen, zuerst Licht und Schatten zu erzeugen.

Im Gegensatz zum obigen Schema werden jedoch im gesamten Bild "Grautöne" verwendet. Dieses Grau in den Mitteltönen wirkt sich letztendlich auf die Farben aus, wenn wir versuchen, mithilfe von Mischmodi zu kombinieren.

 

Siehe die folgenden Beispiele:

 

(A2) ist das, was wir normalerweise am Anfang tun; das mit Licht und Schatten gerenderte Bild verwendet fast die gesamte Palette der verfügbaren Graustufen (von hell bis dunkel);

Wir kombinieren die Farben (A1) mit dem Licht und dem Schatten (A2) unter Verwendung von Multiplizieren und das Ergebnis ist dieses "schlammige" Aussehen; langweilige und dunkle Farben (A3);

 

Das große Problem hierbei ist die Tatsache, dass der Mischmodus „Multiplizieren“ die dunklen Farbtöne des Bildes nicht durch Farben ersetzen kann.

 

Eine Lösung für diejenigen, die diese Methode verwenden möchten (zuerst Licht und Schatten, später Farben), ist die Verwendung einer Verlaufskarte, um die Graustufen durch Farbtöne (B2) zu ersetzen. Das Ergebnis sind gesättigte Farben in Schattenbereichen (B3). Das ist besonders gut zum Malen von Haut.

 

Eine zusätzliche Anmerkung ist, dass Sie den Trick der vorherigen Methode auch kombinieren können: Eine Kopie der Farbebene über das gesamte Bild im Glow-Dodge-Modus.

Verwenden Sie die Maske, um den Effekt zu steuern und das Ergebnis (B4) wird viel angenehmer.

Die Einschränkung der Methode "Graustufen auf Farbe" zu kennen, hat mich zu dem Verständnis veranlasst, warum Farben immer seltsam aussahen. Unabhängig von der Kombination der Mischmodi zwischen den Ebenen war das Ergebnis immer matschig.

 

Ich empfehle jedoch dringend, mit dieser Methode (oder mit welcher Methode Sie zuerst mit Werten malen) mit dem Üben des digitalen Malens zu beginnen.

 

Bevor ich weiterhin neue Ideen über Farben teile, müssen Sie etwas sehr Wichtiges wissen: Die Farbwahrnehmung (Farbtöne) ist der Wertwahrnehmung (Graustufen) untergeordnet. Diese werden vom Gehirn unterschiedlich erkannt.

 

In der folgenden Abbildung wird in der ersten Spalte das Farbrad (A) auf verschiedene Weise geändert:

(B) Sättigung um 50% verringert; (C) um 50% verringerter Wert; (D) Wert um 50% erhöht.

 

In der zweiten Spalte finden Sie die entsprechenden Graustufenversionen. Beachten Sie, dass einige Farben unabhängig von den Anpassungen tatsächlich heller oder dunkler sind als andere.

 

Gelb ist zum Beispiel immer heller als Blau. "Kalte" Farben sind dunkler als warme Farben.

 

Dies ist einer der Gründe, warum es sehr wichtig ist, die Graustufenversion Ihres Bildes während des Malprozesses im Auge zu behalten. Manchmal kann es durch eine falsche Farbwahl schwierig sein, eine Form zu malen, die sich im Raum dreht, oder manchmal müssen Sie die Farben in einem Bereich variieren, ohne die Form der Oberfläche zu ändern.

 

Eine sehr gebräuchliche Technik für diese Echtzeitprüfung besteht darin, eine Einstellungsebene für HUE, SATURATION AND VALUE darüber zu legen und diese bei Bedarf ein- und auszuschalten.

 

So fügen Sie in Clip Studio Paint eine Einstellungsebene hinzu: Klicken Sie im Ebenenbedienfeld auf NEUE KORREKTURSCHICHT - FARBTON / SÄTTIGUNG / LUMINOSITÄT. Bewegen Sie den Schieberegler SÄTTIGUNG nach links, um die Farbe zu entfernen. Bewegen Sie sich nach rechts, wird die Farbe erhöht.

 

Aber wenn Sie in der Abbildung unten (A) feststellen, funktioniert diese Technik nicht sehr gut.

Das Ergebnis entspricht in keiner Weise unserer Farbwahrnehmung, da die Software nur den Sättigungswert der Pixel auf dem Bildschirm entfernt. Die Farben werden gleichmäßig ausgegraut.

 

Ich werde zwei Alternativen vorschlagen, die recht gut funktionieren: Die erste besteht darin, eine GRADIENT MAP-Ebene mit einer BLACK AND WHITE-Karte oben zu platzieren (B) - dies funktioniert, aber ich habe den Eindruck, dass sich der Kontrast zwischen den Farben etwas verschlechtert hoch.

 

Die zweite Alternative ist die einfachste und effizienteste: Fülle eine Ebene mit schwarzer oder weißer Farbe, stelle den Ebenenmodus auf FARBE und lege ihn oben drauf. Das Ergebnis (C) sieht korrekt aus und es ist einfach, diese Ansicht ein- oder auszuschalten.

 

// Hinweis: Ich habe einige Tests durchgeführt und dieses Schema ist identisch mit der bekannten Methode von Photoshop-Benutzern (Vorschau des Bildes mit dem 20% -Punktzuwachs-Farbprofil).

 

Dieses Wissen (Formdrehen erfolgt eher aufgrund von Werten als aufgrund von Farben) ist ein großartiges Werkzeug, da wir beim Rendern einer Zeichnung keine offensichtlichen Entscheidungen treffen müssen.

 

Beachten Sie, wie ich in der ersten Schädelzeichnung die Palette mit ähnlichen Farben erstellt habe. Das Design scheint Volumen zu haben, aber die Farben sind sehr eintönig.

 

Mit der Technik, Werte in Echtzeit zu überprüfen, konnte ich mit Farbwahlen "spielen", ohne das Gefühl einer 3D-Form zu verlieren.

 

In Clip Studio Paint können Sie die Option CA. FARBE aktivieren (Fenster -

Ungefähre Farbe), damit Sie verschiedene Farbtöne auswählen und zwischen diesen eine relative Helligkeit beibehalten können.

 

Öffnen Sie das Fenster "Ungefähre Farbe" und wählen Sie die Option "HUE" für die Zeilen und "LUMINOSITY" für die Spalten (A).

 

Wählen Sie nun im Farbrad (B) einen beliebigen Farbton aus. Das Fenster „Approximate Color“ (Ungefähre Farbe) zeigt eine Abstufung der ausgewählten Farbe von hell nach dunkel. Wenn Sie die Option Farbton nach links verschieben, erweitern Sie die verfügbaren Farbtonoptionen. Wenn Sie das Gegenteil tun, wird der Gradient auf ein monochromatisches Schema reduziert.

 

Lassen Sie uns nun die Idee der lokalen Farben diskutieren - dies ist die „Standardfarbe“ des Objekts. die wahrgenommene Farbe ohne Licht, Schatten oder Reflexion (A).

 

Eine gute Praxis im Umgang mit lokalen Farben ist es, je nach Malstil die Grundfarbe mit wenigen Variationen „aufzupeppen“. Die Technik der Überprüfung von Werten hilft uns wieder, da wir Änderungen an den Hauptfarben vornehmen können, ohne die Haptik der Form zu verändern.

 

Beachten Sie in Beispiel (B), wie durch das Einbeziehen von Blau, Rot und Grün das Grau des Helms natürlicher und weniger karikaturistisch wirkt. Im Detail (C) sehen Sie, wie diese Variationen die Wertwahrnehmung (stark) nicht verändert haben.

 

Dasselbe ist im Kopf des Charakters zu sehen. Leichte Farbveränderungen lassen die Haut etwas „lebendiger“ werden.

Das Verständnis der Farbauswahl mit den RGB-Schiebereglern ist zwar etwas fortgeschritten, aber es kann Ihnen helfen, diese subtilen Farbtonverschiebungen und Farbabweichungen mit einer besseren Steuerung zu erzielen.

 

Hier ist mein Vorschlag: Aktivieren Sie den WINDOW-COLOR SLIDER und entfernen Sie den HSV- und den RGB-Schieberegler, damit beide gleichzeitig sichtbar sind. Jetzt können Sie die Farben „Thinking in RGB“ anpassen, während Sie noch eine einfachere Methode zur Steuerung über HSV-Schieberegler haben.

 

Im folgenden Beispiel wollte ich dem Grau des Schwertes einen Blues hinzufügen. Auf den RGB-Schiebereglern habe ich das B (blauer Kanal) nach rechts verschoben, während ich die S- und V-Eigenschaften oben überprüft und angepasst habe, damit der Farbwert und die Sättigung gleich bleiben.

 

Wenn Sie die lokalen Farben auf die Oberfläche des Objekts auftragen, können Sie die Illusion einer Form erzeugen, die Farbtöne und Schattierungen hinzufügt.

 

Achten Sie in diesem Schritt darauf, keinen Fehler zu machen, den ich lange gemacht habe:

 

Beachten Sie in Beispiel (A), wie der Farbverlauf von dunkel nach hell geändert wird. Ich habe nur den Wert der Farbe für jedes Farbfeld geändert.

 

Es ist nicht ganz falsch, auf diese Weise zu malen, aber wenn Sie alle Materialien und Farben in Ihrer Illustration mit dieser Formel darstellen, ist das Endergebnis ein schlechtes, vibrationsfreies Bild - das Gemälde sieht aus, als wäre es langweilig. bewölkter Tag.

 

Beispiel (B) zeigt eine Alternative: Anstatt nur den Wert zu ändern, um die Farbe dunkler oder heller zu machen, versuchen Sie, die Farbe selbst zu ändern. Sogar eine kleine Modifikation wird dazu beitragen, das Bild lebendiger zu machen.

 

Ausgehend von der mittleren Farbe (rot) habe ich die Farbe aufgehellt, indem ich sie heller und „wärmer“ gemacht habe (indem ich den Schieberegler in Richtung Gelb bewege) Blau).

 

Die Empfehlung, dass Sie die Farben (Farbtonverschiebung) beim Aufhellen oder Abdunkeln ändern, ist gültig, aber in den meisten Fällen möchten Sie dies nicht zufällig tun.

 

Lassen Sie mich einige Ideen mitteilen, an die Sie denken können, wenn Sie über die Auswahl von Farben für eine Illustration nachdenken - insbesondere, wenn Sie Farben auswählen, die den Effekt von Lichtern darstellen.

 

 

Im folgenden Beispiel möchte ich diesen grauen Steinblock so rendern, dass er in die Szene integriert aussieht: Szene (A) ist eine Außenumgebung, in der der Himmel und die Sonne die Lichter sind; Szene (B) ist eine Innenumgebung, in der die einzige Lichtquelle die brennende Kerze ist.

 

Das erste, was Sie tun müssen, ist, die Farbbelichtungsstufe des Blocks anzupassen - stellen Sie den Farbwert so ein, dass er mit der Beleuchtung der Szene kompatibel ist.

In (A) muss ich berücksichtigen, dass der Block, obwohl er dunkler als der Rasen ist, immer noch "beleuchtet" ist, da er viel reflektiertes Licht empfängt. Es hätte kaum ein sehr dunkles Grau.

Auf dem Bild (B) habe ich den Block dunkelgrau hinterlassen, weil ich wusste, dass das einzige Licht das der Kerze sein würde und dies nicht genug Stärke hätte, um eine so große Entfernung zu beleuchten.

 

// Hinweis: Suchen Sie nach dem „Gesetz des umgekehrten Quadrats“, um eine Vorstellung von der Größe der Beziehung zwischen Licht und beleuchteter Fläche zu erhalten

 

Der nächste Schritt besteht darin, das Umgebungslicht in das Objekt zu malen.

In Bild (A) habe ich dafür gesorgt, dass alle nach oben gerichteten Flächen das Blau des Himmels erhalten, während die zur Seite gerichteten Flächen ein bisschen das Grün des Rasens erhalten.

 

In Beispiel (B) war die Farbe, die auf allen Gesichtern reflektiert wurde, rot (oder orange), da selbst ein schwaches Kerzenlicht alle näheren Objekte mit seiner Farbe färben würde.

 

// Hinweis: Die Effekte hier sind übertrieben, um die Idee zu veranschaulichen. Ein Steinblock würde kaum Farben so stark reflektieren - vielleicht, wenn es nass ist.

 

Jetzt habe ich das direkte Licht gemalt. Im Bild (A) habe ich die nach oben gerichteten Flächen des Blocks mit einem hellen Gelb (Sonne) eingefärbt. Der Rasen erhält auch dieses Licht, sodass ich das Grün aufhelle, indem ich den Wert erhöhe und die Farbe auf Gelb ziehe

.

Beachten Sie, wie ich in beiden Fällen, Stein und Gras, die Idee der Farbtonverschiebung verwendete, um die lokalen Farben der Oberfläche zu ändern. Von kaltem Grau zu heißem Grau im Stein und von Grün zu Gelb im Gras.

 

In Beispiel (B) habe ich dasselbe Prinzip angewendet: Alle Gesichter, die auf das Kerzenlicht zeigen, erhielten die gelb / orange Farbe der Flamme. Je weiter der Winkel ist, desto schwächer ist der Lichteffekt.

 

Haben Sie bemerkt, dass die Bilder bereits ein "Gefühl" für Licht bekommen haben, indem Sie die Farben der Oberflächen, die das Licht empfangen, geändert haben?

Grundsätzlich sind alle Schatten in der Szene die Bereiche, in denen wir das Licht nicht gemalt haben.

Es ist eine etwas andere Denkweise, besonders wenn Sie an das Graustufenschema gewöhnt sind, in das Schatten gemalt werden.

 

Um diese Übung fortzusetzen, malen wir auch ein paar Schatten - vielleicht einen Schlagschatten aus dem Laub (A) oder eine Kreatur, die sich zwischen der Kerze und dem Steinblock (B) befindet.

 

Sie können den Schatten zunächst zeichnen, indem Sie eine vollständig schwarze Silhouette zeichnen, die der Form des Objekts folgt, auf das er projiziert wird.

Und hier stellt sich eine häufig gestellte Frage, wenn wir dieses Stadium erreichen: "Welche Farbe hat der Schatten?"

 

Erinnern wir uns zunächst an die Tatsache, dass Schatten die Abwesenheit von Licht sind.

Wenn wir den Schatten komplett schwarz malen (wie im Bild oben), bedeutet dies, dass es kein anderes Licht in der Szene gibt - und das ist nicht, was in den Beispielen passiert ...

 

In Bild (A) erhält der schattierte Teil schließlich einen Teil des Lichts vom Himmel, da diese Lichtquelle riesig ist.

In Beispiel (B) färbt die Kerzenflamme, auch wenn sie schwach ist, einen Teil des schattierten Bereichs mit einer wärmeren Farbe.

 

In beiden Fällen habe ich die Farbe der Silhouetten geändert. Wenn Sie die Ebene im Modus „Multiplizieren“ oder „Normal“ mit verringerter Deckkraft platzieren, bleiben bereits gemalte Details erhalten.

 

OK, mit diesen neuen Ideen gehen wir zu einer abschließenden Übung über.

Stellen wir uns vor, statt eines grauen Steinblocks ist unser Motiv jetzt ein ... kleiner grüner Drache.

 

Bevor wir uns mit Farbe beschäftigen, gehen wir ein paar Schritte zurück und rendern die Volumina mit der Idee der indirekten Beleuchtung, die wir zuvor gesehen haben.

Die Belichtung wurde ebenfalls so angepasst, dass der Drache in die Umgebung eingefügt erscheint.

 

Ich habe Licht und Farbe mit dem vorherigen Schema kombiniert: Licht (multiplizieren) über Farben (normal) - das ist genug, um mit dem Malen zu beginnen.

Da wir bereits eine Menge Dinge definiert haben: Volumen und lokale Farben; Beginnen wir mit der Anpassung der Farben an die aktuelle Umgebungsbeleuchtung.

 

Im Bild (A) ist die Einstellung etwas einfacher - es muss nur das Blau des Himmels auf der Haut des Drachen reflektiert werden.

 

In Bild (B) wird es etwas kniffliger, weil diese spezielle Kombination (grün und rot) zu einer merkwürdigen Farbeigenschaft führt.

 

Die Kombination von Farbtönen, die sich auf gegenüberliegenden Seiten des Farbkreises befinden, verringert unsere Farbwahrnehmung. Die Farbe wird neutralisiert und es entstehen Grautöne.

 

Da unser Drache in einer rötlichen Umgebung grundsätzlich grün ist, kann das Objekt seine ursprüngliche Farbe nicht wiedergeben. Das Grün würde eher wie ein grünliches Grau aussehen.

 

// PS .: Ich habe mir hier einige künstlerische Freiheit genommen, weil die Kerzenflamme nicht ganz rot ist (sie ähnelt eher einer Orange). Der Drache wäre wirklich grau oder fast schwarz, wenn seine Farbe bläulicher wäre. Die Farbe Blau und die Farbe Orange befinden sich auf gegenüberliegenden Seiten des Farbkreises.

 

Wie im vorherigen Beispiel des Steins besteht der nächste Schritt darin, das direkte Licht zu malen, das die vorhandene Beleuchtung ergänzt.

 

 

Auf dem Bild (A) hatte ich die Farbe des Lichts auf der Haut gefunden, den Tonwert von Grün erhöht, ein wenig nach Gelb verschoben und einen Teil der Sättigung entfernt (intensives Sonnenlicht entfernt normalerweise die Sättigung aus den beleuchteten Bereichen ).

 

In Beispiel (B) habe ich dasselbe getan: Ich habe den Wert für Grün (oder grünlich-grau) erhöht und die Sättigung ein wenig weiter verringert, um den Neutralisierungseffekt der entgegengesetzten Farben zu erhöhen.

 

Mit diesen Änderungen fühlt sich der Drache beleuchtet und angemessen in die Szenen integriert.

 

Wir können jedoch noch einen Schritt weiter gehen, indem wir zwei Lichteffekte hinzufügen, mit denen wir den Unterschied zwischen Materialien besser erkennen können.

 

Lassen Sie uns zunächst über Spiegelreflexionen sprechen:

 

Materialien werden durch die Menge an Licht unterschieden und dargestellt, die sie absorbieren oder reflektieren.

Metalle wie Chrom reflektieren stark. Fast ein Spiegel.

Holz, Stoff und Papier absorbieren mehr als Licht reflektieren. Daher ist es einfacher, ihre lokalen Farben zu verstehen.

 

Im Bild unten habe ich den Helm nur mit den lokalen Farben (A) bemalt - bei weitem sieht es aus wie Metall. Vielleicht ein Steinhelm! Oder vielleicht ein unglaublich rostiges Metall.

 

In Beispiel (B) sieht das Helmmaterial wie echtes Metall aus, da die Oberfläche viel reflektierender ist.

Um die Reflexion zu erzeugen, habe ich nur den Vorschlag gemalt, dass eine Szenerie im Objekt reflektiert wird.

Was an Metallen (oder reflektierenden Objekten) wirklich cool ist: Je schärfer / erkennbarer die Reflexion der Umgebung und der Lichtquelle auf der Oberfläche des Objekts ist, desto reflektierender wirkt es.

 

Vergleichen Sie die drei folgenden Bilder und stellen Sie fest, wie ich die Art des Metalls ändern konnte, indem ich nur das reflektierte Bild „verwischte“ und auch einen Teil der Sättigung entfernte.

 

Eine schnelle Methode, um eine auf eine Oberfläche gemalte Reflexion zu verzerren, ist die Verwendung von Pinseln mit aktivierter FARBMISCHUNG. Beachten Sie im folgenden Beispiel, wie sich der Standard-GOUACHE-MISCHER wie ein Mischer verhält, da ANZAHL DER FARBE und LACKDICHTE auf niedrige Werte (in einigen Fällen Null) eingestellt sind. Wenn Sie einen Lieblingspinsel haben; Dupliziere es und spiele mit diesen Einstellungen, um einen Mixer zu erstellen, der der Textur des Pinsels entspricht.

Wenn Sie diese beiden Ideen kombinieren: Diffuses Licht (Licht und Schatten, mit denen die Form des Objekts dargestellt wird) und Umgebungsreflexionen (Projizieren von „etwas“ auf die Oberfläche des Objekts), können Sie viel überzeugendere Materialien erstellen.

 

Im Bild unten habe ich den Helm in zwei Schritten gerendert. In (A) habe ich nur an die Reflexionen der Umgebung und des Lichts gedacht; In (B) dachte ich nur an das diffuse Licht und den Okklusionsschatten, überlagerte die beiden Bilder und verwendete eine Maske, um zu steuern, was von jeder Schicht aus gesehen wird. Ich hatte eine wirklich schöne Simulation eines verrosteten Metallhelms.

 

// Hinweis: Wer mit 3D-Software arbeitet, kennt diese Denkweise bereits bei der Erstellung seiner Materialien. Wir können viel lernen, indem wir versuchen, einige dieser Praktiken im 2D-Workflow anzuwenden.

Schauen Sie einfach bei PBR Materials vorbei, um zu sehen, wie diese Rendering-Methode in der 3D-Pipeline funktioniert.

Zurück zu unserem kleinen Drachen ...

 

Ich habe das Spiegelbild der Szene im Drachen gemalt, als wäre es aus Chrom (A) - dann habe ich es mit dem diffusen Lichtputz kombiniert (B).

 

Um den Effekt von nasser Froschhaut zu erzielen, habe ich das reflektierte Bild leicht unscharf gemacht und auch versucht, das Spiegelbild zu „zerbrechen“, indem ich mehr Texturen in meine Pinselstriche gesteckt habe.

 

Das Ergebnis, obwohl etwas übertrieben, half, die Materialien in der Szene besser zu unterscheiden.

 

Ein letztes Eindringen, bevor das Drachenbeispiel fortgesetzt wird…

 

Lassen Sie uns kurz auf die Streuung unter der Oberfläche eingehen.

 

Dies ist der bemerkenswerte Effekt (zumindest für uns Künstler) von Licht, das ein Objekt von innen beleuchtet.

Licht, insbesondere ein intensives Licht, das sich hinter dem Objekt befindet, dringt in die Oberfläche durchscheinender Materialien ein und reflektiert die Farben seines Inneren.

 

Um diesen Effekt zu erzielen, erhöhen Sie die Sättigung und den Wert des beleuchteten Teils. Je dünner die Oberfläche, desto stärker die Wirkung.

 

Wichtig ist, dass der Streueffekt unter der Oberfläche nicht nur auftritt, wenn sich Licht hinter dem Objekt befindet. Das wäre genau die ideale Situation, um dieses Phänomen zu visualisieren.

 

Im Allgemeinen werden Sie in jeder Situation, in der helles Licht auf die Oberfläche eines durchscheinenden Objekts fällt, hellere, leicht gesättigte Farben in den Schattenbereichen bemerken.

 

Beachten Sie im folgenden Beispiel, dass die Haut der Orks auf dem linken Kopf, obwohl sie richtig beleuchtet ist, nicht "lebendig" aussieht, da das Licht vollständig reflektiert wird (daher können wir seine Farben sehen).

 

Nach einigen Anpassungen weist der rechte Kopf eine etwas stärkere Streuung unter der Oberfläche auf, insbesondere in den schattierten Bereichen. Das resultierende Material neigt eher zur Hautbildung.

 

Die Wahrnehmung von Transluzenz ist an seinen Zähnen und Lippen noch größer.

In Clip Studio Paint müssen Sie mit Ihren Ebenenmodi spielen, um diesen Effekt zu simulieren. Im folgenden Beispiel haben wir die Oberfläche (A), die den größten Teil des gelben Lichts reflektiert. In (B) habe ich es durchsichtig gemacht, indem ich die schattierten Bereiche durch eine hellgelbgrüne Farbe ersetzt habe.

 

Um den Effekt noch weiter zu verstärken, habe ich einen leicht gelben Farbverlauf genau in die Mitte des Balls gemalt. Verwenden Sie die Maske auf dieser Ebene, um Adern und alle internen "Dinge" zu malen.

Schließlich können wir zu unserem kleinen Drachen zurückkehren und einige seiner Teile mit diesem Effekt versehen, um das Rendern zu beenden.

 

Im Beispiel habe ich die Sättigung der dünneren Bereiche (zum Beispiel der Flügel) und ihres Körpers erhöht. Ich habe den Effekt der Streuung unter der Oberfläche durch Erhöhen der Sättigung an der Trennlinie zwischen Schatten und Licht (Abschlusslinie) gezeigt.

  

Der Drache befindet sich jetzt auf der Bühne und wir können jetzt mit dem Fertigstellen der Illustration beginnen, indem wir mehr reflektierte Lichter malen und / oder mehr Materialien definieren.

 

Nun, diese Übung endet hier - und jetzt ist es soweit.

 

Ich hoffe, ich konnte Ihnen einige der Ideen zeigen, die mir geholfen haben, dieses komplizierte Thema zu verstehen.

Es wird immer mehr Dinge zu lernen und zu erklären geben. Betrachten Sie diesen Artikel also nicht als endgültige Abhandlung zu diesem Thema.

 

Wie ich in meinen Artikeln immer vorschlage: Now Go Practice!

 

Danke fürs Lesen.

 

• Dado