Die Lichtquelle finden

Kurzer Tipp, bevor wir anfangen: Ich merke, dass ich manchmal von meinen Flächen abgelenkt werde, wenn ich versuche, meine Schattierung auszuarbeiten. Eine gute Idee, dies zu vermeiden, ist, eine Ebene mit flacher Farbe zu erstellen, damit Sie sich ganz auf Ihre Beleuchtung konzentrieren können.

Zuerst müssen Sie festlegen, woher das Hauptlicht in Ihrer Zeichnung kommt – ich habe hier eine kleine Sonne eingezeichnet, um dies darzustellen.

Das Aufzeichnen des Lichts auf diese Weise kann Ihnen helfen, klarer zu erkennen, wo das Licht mit den Figuren und Objekten in Ihrer Zeichnung in Kontakt kommt.

 

Hier berührt das Licht alle äußeren Bereiche auf der linken Seite, wie Haare und Fingerspitzen. Vergessen Sie jedoch nicht, die 3D-Natur der Figur zu berücksichtigen – Merkmale wie Nasen und Kinne ragen aus dem Gesicht heraus, sodass auch sie vom Licht getroffen werden.

 

Nachdem Sie die Glanzlichter gefunden haben, können Sie sich die Bereiche ansehen, die effektiv ihr Gegenteil sind – Bereiche weit entfernt vom Licht oder verdeckt durch hervorstehende Merkmale (wie unter dem Pony oder unter dem Kiefer), und diese Bereiche bilden Ihre Schatten.

Wenn Sie nicht weiterkommen oder eine Szene mit mehreren Charakteren einrichten möchten, vergessen Sie nicht, dass Sie die 3D-Modelle von CSP für eine schnelle Beleuchtungsreferenz verwenden können!

 

Nachdem Sie Ihr Modell posiert haben, klicken und ziehen Sie den Lichtquellenball, bis das Licht aus der richtigen Richtung kommt. Wenn es nicht automatisch in Ihrem Werkzeugeigenschaftsfenster erscheint, klicken Sie auf den kleinen Schraubenschlüssel in der unteren rechten Ecke, um das Unterwerkzeug-Detailfenster zu öffnen – dort finden Sie es.

Umgebungslicht

Um Ihre Zeichnung wirklich zum Leben zu erwecken, sollten Sie das Umgebungs- oder indirekte Licht berücksichtigen.

 

Wir sprechen hier von schwächeren, sekundären Lichtquellen. Dies könnte Licht von einer Lampe im Hintergrund, Mondlicht, eine Kerze sein. Es ist auch Licht, das von der Umgebung reflektiert wird – im Diagramm wird gezeigt, wie die primäre Lichtquelle von einer Wand reflektiert und mit geringerer Intensität zur Figur zurückkehren kann.

 

Mit diesem Licht können Sie viel Stimmung erzeugen, wenn Sie es intensiv oder in einer kräftigen Farbe gestalten möchten.

Umgebungsverdeckung und Streuung unter der Oberfläche

Diese beiden Elemente sind meiner Meinung nach eher optional und passen nicht unbedingt zu jedem Kunststil (und wenn sie nicht zu Ihrem passen, ist das in Ordnung!)

 

AMBIENT OCCLUSION (Umgebungsverdeckung): Durch die roten Kreise im Diagramm dargestellt, bezieht sich Okklusion auf die Bereiche in der Zeichnung, die selbst das Umgebungslicht nicht erreichen kann. Zum Beispiel – wenn Sie Ihre Hand auf Ihren Schreibtisch legen, entsteht ein Schatten auf dem Schreibtisch, selbst wenn Sie direkt ein Licht darauf richten. Ich persönlich baue diese dunklen Flecken gerne in meine Lineart ein, aber Sie können auch hellere Multiplikations-/Lineares-Abwedeln-Ebenen verwenden, wenn Sie dies bevorzugen.

 

SUB-SURFACE SCATTERING (Streuung unter der Oberfläche): Wenn Licht durch ein durchscheinendes Material scheint, reagiert es mit dem darunterliegenden Material. Haut ist tatsächlich eines dieser Materialien. Sie werden bemerken, dass, wenn Sie Ihre Hand vor eine Lampe halten, die Ränder Ihrer Finger aussehen, als würden sie leuchten. Besonders wenn Sie eine Szene bei Sonnenlicht oder einem anderen intensiven Licht zeichnen, kann dies das Endprodukt wirklich aufwerten.

 

Eine schnelle und einfache Möglichkeit, diesen Look zu erzielen, besteht darin, die Ränder Ihrer Schatten mit einem sehr hellen Rosa/Rot/Orange nachzuzeichnen – ich verwende am liebsten eine Airbrush.

Nachdem Sie alle Ihre Bereiche festgelegt haben, können Sie diese ausfüllen!

 

Ich empfehle, Schattenebenen auf Multiplizieren oder Lineares Abwedeln einzustellen, während Glanzlichtebenen am besten als Ineinanderkopieren- oder Weiches-Licht-Ebenen funktionieren.

Bei der Farbauswahl mag Ihr erster Instinkt sein, ein Schwarz oder ein neutrales Grau zu wählen, aber ich würde empfehlen, eine Farbe zu wählen, die der Farbpalette Ihrer Umgebung ähnelt, oder ein warmes Grau – die leichte Farbe hilft, Ihre Zeichnung warm zu halten.

 

Beachten Sie, dass es viele Kombinationen und Farben gibt, die Sie verwenden können, also experimentieren Sie!

Verschiedene Schattierungsmethoden

Es gibt eine Reihe verschiedener Ansätze, die Sie beim Schattieren verfolgen können.

 

ZELLSCHATTIERUNG (Cell Shading): Dies ist das, was wir gerade verwendet haben, es ist großartig, um alle Details in einer Zeichnung hervorzuheben!

 

WEICHE SCHATTIERUNG (Soft Shading): Leicht mit einer weichen Airbrush zu erzielen, ist diese Technik gut für diejenigen, die in kurzer Zeit viel Arbeit erledigen möchten – wie das Schattieren eines Webcomics. Da diese Methode weniger verfeinert ist, können Sie etwas lockerer und unordentlicher sein. Sie eignet sich auch hervorragend für die Erstellung stimmungsvoller, schwach beleuchteter Werke.

 

VERMISCHTE SCHATTIERUNG (Blended Shading): Das glückliche Mittelmaß zwischen Zell- und Weicher Schattierung. Nehmen Sie das Weichzeichnen-Werkzeug oder einen weichen Radiergummi für Ihre Zellschattierung und mildern Sie einige Ihrer Kanten ab. Sie können es auch mit einigen der traditionellen Medienpinsel vermischen – der Aquarellpinsel ist dafür großartig! Dies kann dazu beitragen, dass sich Ihre Zellschattierung etwas natürlicher anfühlt, besonders wenn Sie große Bereiche ohne Variation haben.

 

RASTERPUNKTE (Screen Tones): Vergessen Sie diese Jungs nicht! Es macht super Spaß, damit zu experimentieren. Sie können Rasterpunkte einfach hinzufügen, indem Sie zu Ebene > Neue Ebene > Rasterpunkt gehen – dann können Sie die Rasterpunkteinstellungen an Ihre Bedürfnisse anpassen. Wenn Sie viel mit Rasterpunkten arbeiten (und beabsichtigen zu drucken), ist es eine gute Idee, ein kleines Blatt mit Beispiel-Einstellungen zu erstellen und auszudrucken. Die winzigen Punkte in Rasterpunkten vertragen sich nicht gut mit den Pixeln auf Bildschirmen, so dass sie auf Ihrem Bildschirm oft ganz anders aussehen, als sie gedruckt werden.

Experimentieren Sie mit Ihren Ebenen!

Das Experimentieren mit Ihren Ebenen kann dazu führen, dass Sie Ihren charakteristischen Schattierungsstil finden!

Einige Techniken (wie das Duplizieren und anschließende Weichzeichnen Ihrer Ebenen) betonen das Licht und machen es satter.

 

Die Verwendung von Verläufen kann Ihrer Arbeit viel schöne Farbe verleihen!

Hier sind einige Beispiele, wie verschiedene Farben, die mit unterschiedlichen Ebenenmodi angewendet werden, aussehen können!

Sehen Sie, wie jedes eine leicht andere Stimmung/Gefühl hat? Fühlen Sie sich nicht auf dunkle oder matte Farben beschränkt!

Die Beleuchtung Ihrer Merkmale kohärent gestalten

Wenn Sie lebendigere Farben für Ihre Beleuchtung verwenden möchten (z. B. wenn Sie einen Effekt wie diese kleine magische Kugel erzeugen), kann dies manchmal etwas seltsam aussehen, wenn es direkt auf Ihre unbearbeiteten Flächen gelegt wird. Um Ihre Illustration kohärenter zu gestalten, können Sie eine Ebene mit einer flachen Farbe auf Multiplizieren / Ineinanderkopieren / Weiches Licht einstellen (dies hängt vom gewünschten Effekt ab, probieren Sie also ein paar Optionen aus), um Ihre Farbpalette zu vereinheitlichen.

 

Dies ist auch sehr gut geeignet, um Ihre Umgebung zu kommunizieren, und ist viel schneller als die manuelle Farbbearbeitung!

Mein letzter Tipp für die Entwicklung besserer Schattierungen ist, einfach Spaß dabei zu haben!

Wenn Sie dazu neigen, legen Sie alles mit Verläufen und Einstellungsebenen an, oder wählen Sie einen zurückhaltenderen Look. Ihre Schattierung wird wirklich zu glänzen beginnen, wenn sie zu einem angenehmen Teil des Zeichenprozesses wird, anstatt zu einer supertechnischen lästigen Aufgabe.

 

Viel Spaß!