1. Einleitung

Hallo zusammen, ich bin Yunika. Heute zeige ich euch, wie ich einen Charakter von der Brainstorming-Phase über die Entwicklung eines ersten Konzepts bis hin zum Ausmalen einer vollständigen Illustration für euren Charakter erstelle. Unterwegs werde ich euch einige hilfreiche Tricks und Tipps in Clip Studio Paint zeigen, die euren Prozess beschleunigen. Die von mir verwendeten Materialien habe ich am Ende dieses Artikels aufgelistet.

 

Lasst uns anfangen.

 

2. TIPS Video

Unten ist das Erklärungsvideo, falls ihr lieber schaut als lest.

3. Die Brainstorming-Phase

Bevor ihr das Programm öffnet und euch ins Zeichnen stürzt, müsst ihr euch zuerst eine allgemeine Vorstellung davon machen, welche Charaktere ihr erstellen möchtet. In diesem Fall möchte ich einen Kampfcharakter erstellen.

 

Ich bin 3 Schritte gefolgt:

 

| Schritt 1: Geschichte/Welt, in der der Charakter lebt

Für Konzeptkunst ist es wichtig, das Setting eures Charakters zu kennen. Fragt euch: Wann spielt die Geschichte? Wo? Die Beziehung des Charakters zur Geschichte. Es spielt keine Rolle, ob eure Geschichte fiktiv ist oder nicht, aber ihr müsst eine allgemeine Vorstellung davon bekommen, in welche Richtung ihr gehen wollt. Ihr müsst keine ganze Geschichte ausdenken, eine allgemeine Idee ist ausreichend.

 

Zum Beispiel spielt meine Geschichte in einem futuristischen Setting, in einem Kriegsgebiet zwischen 3 Königreichen. Dort haben die Menschen hochtechnologische Mechanik und Roboter entwickelt, die Menschen verstehen und mit ihnen interagieren können.

 

|Schritt 2: Die Richtung eures Designs

Nachdem ihr eine allgemeine Vorstellung von der Welt habt, in der euer Charakter lebt, könnt ihr mit dem Nachdenken über das Design beginnen.

 

Fragt euch: Welche Art von Kostüm trägt euer Charakter? Soll es auf einer bestimmten Kultur basieren? Oder historische Kleidung? Oder einfach nur ein Kostüm, das euch generell gefällt?

 

In dieser Phase beginnt ihr mit der Recherche. Wenn ihr eine Kultur als Grundlage für das Design wählt, müsst ihr recherchieren, um deren Kostüme zu verstehen, was angemessen ist zu ändern und was nicht.

 

Zum Beispiel spielt meine Geschichte in der Zukunft, in einem alternativen Universum, daher basiere ich das Kostüm nicht wirklich auf einer Kultur. Aber es ist immer noch hilfreich für mich, verschiedene Arten von Kleidung zu erkunden, die im Kampf funktionieren.

 

Ich empfehle euch, Pinterest zu nutzen, um eine Referenztafel mit den gewünschten Referenzen zusammenzustellen.

 

|Schritt 3: Aussehen des Charakters

Wie soll euer Charakter aussehen? Denkt über die Form nach. Im Design ist die Form ein wichtiges Element, das viele Informationen über euren Charakter vermitteln kann.

 

Gut, das ist also die erste Phase. Während des Erkundungsprozesses könnt ihr Notizen zu eurem Charakter im Skizzenbuch machen. Jetzt habt ihr eine allgemeine Vorstellung davon, wie euer Charakter sein und aussehen soll, lasst uns zur nächsten Phase übergehen!

4. Verschiedene Designs erkunden

In dieser Phase könnt ihr entweder in eurem Skizzenbuch oder direkt digital arbeiten. Ich bevorzuge digital, da ich Dinge schnell bearbeiten kann.

 

Öffnet eine neue Datei in Clip Studio Paint. Ich verwende normalerweise die Standard-Papiergröße A4 oder A5, 300 dpi. Hoch- oder Querformat funktionieren beide.

 

Erster Tipp: Beginnt mit GROSSEN Formen! In dieser Phase kommt es auf die Lesbarkeit eures Designs an, nicht auf kleine Details.

Es ist hilfreich, eure Unteransicht aufzurufen und das Stimmungsbild (Referenztafel) zu öffnen, das ihr gespeichert habt.

1. Stellt sicher, dass [Unteransicht] aktiviert ist.

2. Zieht die [Unteransicht] heraus und vergrößert sie → dann öffnet euer Referenzbild.

Jetzt könnt ihr verschiedene Designs für euren Charakter erkunden. Da ich möchte, dass mein Charakter ein Roboter mit einem menschenähnlichen Aussehen ist, werde ich einige Teile künstlich und einige Teile menschlich aussehen lassen. Ein Kampfroboter muss keine lange und schlabberige Kleidung tragen, da diese beim Bewegen im Weg wäre.

 

Hier sind mehrere Designs, die ich mir ausgedacht habe:

 

Jetzt ist es eine gute Idee, die visuelle Klarheit eures Charakters zu testen. Ihr könnt dies tun, indem ihr eine Auswahl erstellt und den Charakter schwarz füllt. Jetzt könnt ihr die Silhouetten eurer Designs sehen.

Nachdem ihr die Silhouetten gefüllt habt, werdet ihr sofort erkennen, welches Design besser ist. Ein besseres Design hat eine klare Silhouette. Wenn ihr nur anhand der Silhouette erkennen könnt, was mit dem Charakter los ist, dann ist euer Design gut.

5. Charakter-Referenzblatt

Nachdem ich die Designs durchgegangen bin, wähle ich dieses als Design für meinen Kampfroboter:

Jetzt werde ich die Rückseite sowie die Requisiten, die sie trägt, erkunden. Hier könnt ihr sehen, dass ich Notizen direkt auf der Leinwand mache, um die Funktion und Informationen zu jedem Teil zu beschreiben, damit ich später auf dieses Design zurückgreifen und verstehen kann, was passiert. Ihr müsst diesen Schritt nicht tun. Ich persönlich finde ihn einfach hilfreich!

Schließlich werde ich ein Charakter-Referenzblatt erstellen. Dies beinhaltet das Konzeptdesign meines Charakters mit grundlegenden Farbideen. In dieser Phase ist es hilfreich, eine separate Datei oder einen Ordner zu erstellen, um eure Lineart und Kolorierung zu speichern.

Jetzt werde ich dieses Bild exportieren, um es während der Illustration als Referenz zu verwenden.

 

Geht zu [Datei] → Exportieren (Einzelne Ebene) → .png (PNG)… → wählt euren Speicherort → ich verwende einfach die Standard-Exportoption, stellt sicher, dass ihr den „RGB-Farbmodus“ und die Option „Für Illustration“ wählt.

 

6. Vom Konzept zur Illustration

Gut, jetzt hatte ich die Designs und grundlegenden Ideen zu meinen Charakteren, ich werde eine Illustration von ihr erstellen. Warum? Es ist eine gute Idee, euren Charakter zu illustrieren, nachdem ihr mit dem Konzept fertig seid, um zu testen, wie alles zusammen aussieht. Manchmal sieht das Design großartig aus, aber das Setting eurer Geschichte funktioniert nicht gut mit dem Design, dann müsst ihr es neu gestalten und euch etwas anderes ausdenken.

| A. Skizze

Wie ich bereits sagte, spielt meine Geschichte in einem Kriegsgebiet in einem futuristischen alternativen Universum. Hier versuche ich also, einen zerstörten Hintergrund und die Rolle meines Charakters in diesem Hintergrund darzustellen.

 

Unten ist die erste Skizze. Ich habe den standardmäßigen Design-Bleistift und den Dunkleren Bleistift für die Skizze verwendet.

 

Für Charakterposen, wenn es euch schwerfällt, die Anatomie zu visualisieren, empfehle ich die Verwendung von Clip Studio Paint 3D-Modellen.

 

1. Stellt sicher, dass die [Material]-Palette eingeschaltet ist: Fenster → Material → wählt „Material (Pose)“ (oder klickt auf ein beliebiges Material in der Liste).

 

2. Klickt auf das Dropdown-Menü für [3D] → [Pose] → klickt und zieht die Pose auf den Bildschirm. Danach könnt ihr die Pose nach Belieben anpassen.

 

| B. Farbkonzept

Ich hatte bereits eine Farbe für diese Illustration im Kopf, aber dieses Mal zeige ich euch einen Trick, den ich oft anwende, wenn ich keine Farbe finden konnte (oder Schwierigkeiten hatte, eine Farbe auszuwählen):

 

1. Fügt eure Skizze zu 1 Ebene zusammen → Legt sie als Referenzebene fest.

 

2. Wählt [Bearbeiten] → [Kolorieren] → Alles kolorieren. Dadurch wählt die KI automatisch eine Farbe für euer Werk aus und schattiert es.

Natürlich gefällt euch die Farbe manchmal nicht, aber das ist in Ordnung. Hier kommt der coole Teil:

 

Wählt [Ebene] → [Neue Korrektur-Ebene] → Verlaufskarte. Die Verlaufskarte hilft, den Tonwertbereich eures Bildes entsprechend dem Verlaufsfüllbereich zu ändern. Spielt mit den Verläufen herum, die euch gefallen! Ich habe einige Verlaufsets in den Clip Studio ASSETS am Ende dieses Artikels hinzugefügt, die ich verwendet habe.

 

Optional: Ihr könnt den Mischmodus der Korrektur-Ebene für verschiedene Ergebnisse ändern. Ich verwende normalerweise „Weiches Licht“ oder „Ineinanderkopieren“.

 

Optional: Erstellt eine neue Ebene mit dem Mischmodus „Farbe“. Verwendet einen weichen Pinsel (Airbrush), um die gewünschte Farbe auszuwählen und auf den Teil des Werks zu malen, um die Farbe anzupassen.

| C. Kompositionshinweise

Gerade fühle ich, dass meine Komposition etwas schwach ist. Es gibt zu viele offene Stellen in meiner Zeichnung. Also habe ich beschlossen, meine Zeichnung zu „rahmen“.

 

Hier füge ich die zerstörten Zäune mit dunkleren Werten hinzu, um einen Kontrast zu meinem Charakter und dem Hintergrund zu schaffen.

 

Das Hinzufügen der Zäune hilft auch dem Fluss meiner Arbeit. Ich verwende auch die Drittel-Regel, um die Platzierung meines Charakters in der Szene zu bestimmen. Ihr könnt sehen, dass alle Pfeile auf meinen Charakter als Brennpunkt führen.

Es ist eine gute Idee, ständig die Miniaturansicht eures Kunstwerks über die [Navigator]-Palette zu überprüfen. Wenn ihr anhand dieser kleinen Miniaturansicht erkennen könnt, was passiert, dann geht eure Kunst in die richtige Richtung. Wenn ihr nicht erkennen könnt, was passiert, dann habt ihr wahrscheinlich zu viele Details und Ablenkungen hinzugefügt, ihr müsst das überarbeiten!

 

Stellt sicher, dass der Navigator angezeigt wird, indem ihr zu [Fenster] → ein Häkchen neben [Navigator] setzt.

 

Ein weiterer Tipp: Werte sind wichtig bei der Komposition. Erstellt eine neue Ebene über allen Ebenen, indem ihr: [Ebene] → Neue Ebene → Füllen… → dann weiße Farbe wählt und „OK“ drückt → den Mischmodus der Ebene auf „Farbe“ setzt.

Dadurch könnt ihr die Sichtbarkeit dieser Ebene jederzeit ein- oder ausschalten, um die Werte eures Kunstwerks beim Malen zu überprüfen.

| D. Rendern

Nachdem ich meine Farbe entworfen habe, schalte ich die Sichtbarkeit des Entwurfs nicht oft aus und färbe das Stück erneut, sondern male direkt darüber. Dies ist jedoch nur meine Präferenz.

 

1. Ich füge die Zeichnung zu 1 Ebene zusammen und lege sie über den Entwurf. Ihr könnt dies tun, indem ihr: Mit der rechten Maustaste auf eine Ebene klickt → „Sichtbares auf neue Ebene zusammenführen“ wählt.

 

 

2. Erstellt einen weiteren Ordner darüber → beginnt, den Charakter zu rendern.

Einige TIPS:

 

Beim Rendern müsst ihr zuerst die Lichtquelle definieren, um zu schattieren! Versucht, euer komplexes Bild in einfache Formen wie Würfel, Kugeln und Zylinder zu zerlegen. Wendet danach euer Wissen über das Schattieren dieser Formen auf eure Arbeit an.

 

Auch der Schatten ist selten/nie schwarz. Berücksichtigt die Umgebungsfarbe und wendet sie auf euren Schatten an. Das wird eure Zeichnung besser aussehen lassen!

Für Licht verwende ich normalerweise den Mischmodus „Weiches Licht/Hartes Licht/Ineinanderkopieren“, um Licht hinzuzufügen.

 

Für Schatten verwende den Mischmodus „Multiplizieren“. Ihr müsst dies nicht immer verwenden, ich finde es einfach praktisch.

 

Denkt daran, den Mischmodus eures ORDNERs auf „Durch“ zu stellen. Andernfalls wirken diese Mischmodi nicht auf Ebenen außerhalb der Ordner.

 

Für den Hintergrund denkt daran, die Ebenen/Ordner für den Hintergrund unter die Ordner eurer Charakter-Render zu legen.

 

Ich verwende gerne raue Trockenbürsten und Pinsel mit viel Textur für den Hintergrund, um die Texturen realer Umgebungen nachzuahmen. Alle Pinsel zum Malen habe ich am Ende dieses Artikels aufgeführt. Unten sind einige der Pinsel:

 

| E. Das leistungsstarke Lasso-Werkzeug

Für das Malen ohne Lineart ist das Lasso-Werkzeug das leistungsstärkste Werkzeug für mich.

 

Nachdem ich das Rendern des Charakters abgeschlossen habe, werde ich:

 

1. Zuerst [Strg] (oder Befehl, wenn ihr einen Mac verwendet) drücken und dann auf den Ordner klicken. Das Programm erstellt automatisch eine Auswahl um den Charakter herum.

 

2. Dann das Lasso-Werkzeug verwenden → [Umschalt] gedrückt halten während der Auswahl, dies fügt die neue Auswahl zu eurer Auswahl hinzu. [Alt] gedrückt halten, und es wird der ausgewählte Teil aus eurer Auswahl entfernt.

 

3. Jetzt kann ich meinen Charakter malen und anpassen, ohne Angst zu haben, dass es in andere Bereiche gelangt.

 

4. Optional: Ich möchte diese Auswahl speichern, damit ich sie in Zukunft erneut auswählen kann, ohne alles wiederholen zu müssen. Also, mit aktiver Auswahl → geht zu [Auswählen] → „In Auswahl-Ebene umwandeln“ → die Auswahl wird grün gefüllt, aber keine Sorge, ihr könnt die Sichtbarkeit der Ebene ausschalten.

 

Wenn ihr das nächste Mal erneut auswählen möchtet, klickt einfach mit der rechten Maustaste auf die Auswahl-Ebene → wählt [Auswahl aus Ebene] → wählt [Auswahl erstellen].

| F. Letzter Schritt: Farbanpassung

Hier ist mein Bild etwas matt. Ich möchte einen bestimmten Teil des Bildes hervorheben, um es heller oder gesättigter zu machen und Aufmerksamkeit zu erregen.

 

1. Erstellt einen neuen Ordner. Nennt ihn „Farbanpassung“ → Setzt den Ordner-Mischmodus auf „Durch“.

 

2. Fügt eine neue Ebene hinzu → Setzt den Mischmodus auf „Glanz abwedeln“ → verwendet dann den Airbrush, um die gewünschte Farbe auszuwählen und den Bereich eures Bildes aufzuhellen.

 

3. Ich verwende auch „Ineinanderkopieren“, um die Sättigung der matten Teile meines Bildes zu erhöhen.

 

Nutzt Korrektur-Ebenen für Farbanpassungen. Es gibt zwei Möglichkeiten, dies zu tun:

 

1. Geht zu [Ebene] → „Neue Korrektur-Ebene“ → wählt den gewünschten Typ.

 

ODER:

 

2. Klickt mit der rechten Maustaste auf die oberste Ebene/den obersten Ordner → wählt „Neue Korrektur-Ebene“ → wählt den gewünschten Typ.

 

Hier habe ich „Farbbalance“ verwendet, um mein Bild in den Cyan-, Blau- und Magenta-Farbbereich zu verschieben. Die Farbbalance hilft, die Gesamtmischung der Farben eures Bildes zu ändern.

Ich verwende auch einen leuchtenden Staubpinsel, um Staubpartikel zu meiner Zeichnung hinzuzufügen. Den Link zum Pinsel habe ich am Ende eingefügt.

Textur zum Endbild hinzufügen: Ich füge gerne eine Körnungstextur zu meiner fertigen Kunst hinzu. Nur meine persönliche Vorliebe.

1. Erstellt eine neue Ebene → geht dann zu [Filter] → wählt [Rendern] → wählt „Perlin-Rauschen…“ → Verringert den Wert „Skalierung“ auf 1 → drückt „OK“.

2. Ändert den Mischmodus auf „Weiches Licht“ oder „Ineinanderkopieren“ und ändert die Deckkraft eurer Ebene nach eurem persönlichen Geschmack!

| G. Abgeschlossenes Kunstwerk

Tada! Unten ist meine fertige Illustration:

7. Schlussworte

Gut, das ist mein abgeschlossener Prozess der Charaktererstellung von Anfang bis Ende. Vielen Dank, dass ihr dabei wart und bis zum Schluss gelesen habt! Ich hoffe, mein Tutorial konnte euch helfen, etwas Neues zu lernen. Bis zum nächsten Mal, habt einen schönen Tag!

 

Hier ist auch ein Bonus-Prozess-GIF:

 

8. Pinsel und andere Clip Studio ASSETS

Unten sind die Pinsel sowie Materialien, die ich für dieses Gemälde verwendet habe:

 

Skizzenpinsel: Standard Design-Bleistift & Dunklerer Bleistift.

 

Lineart-Pinsel: Kugelschreiber 2 (ざらだまペン2)

Malpinsel (zum Kolorieren, als ich das Charakter-Referenzblatt erstellt habe):

Wichtige Malpinsel-Sets:

1. Erstes Set

2. Zweites Set: Dieses Set ist Marc Brunets Pinselpaket. Es ist nicht in den CSP Assets enthalten. Wenn ihr es herunterladet, ist die Datei im .abr-Format. Aber glücklicherweise kann Clip Studio .abr-Dateien lesen. Ihr könnt die Datei einfach direkt in das Pinsel-Unterwerkzeug ziehen und das Programm importiert sie für euch!

Staubpinsel:

Verlaufskarten (einige Sets, die ich empfehle):