Youtube-Video

Dieses Video gibt einen SEHR schnellen Überblick über die in diesem Artikel beschriebenen Dinge. Es soll unterhaltsamer sein, während dieser Artikel (hoffentlich) informativer ist.

Einführung

Hallo zusammen, hier ist Linco mit meinem ersten Clip Studio Paint-Tutorial. Heute lernen wir einige Techniken zum Malen von Blumen.

 

Blumen und Pflanzen können ein sehr schwieriges Thema sein, weil es so leicht ist, sich in einer Vielzahl sich wiederholender Muster und komplexer Form zu verlieren. Mach dir keine Sorgen! Es kommt sehr häufig vor, dass man sich beim Zeichnen verirrt und sich nicht sicher ist, wohin man geht – insbesondere Pflanzen und Blumen. In diesem Lernprogramm zeige ich Möglichkeiten zum Studium des Zeichnens von Blumen und Pflanzen, nützliches Wissen über die Struktur vieler Blumen und Pflanzen und einige Tipps speziell in Clip Studio Paint, um das digitale Zeichnen von Blumen und Pflanzen zu unterstützen.

 

Lass uns gehen!

Zusammenfassung der Lehren aus Pflanzenstudien

In diesem TIPS-Tutorial gehe ich durch drei Studien, die ich durchgeführt habe, um mehr darüber zu erfahren, wie man Pflanzen und Blumen zeichnet. Jedes Studium brachte neue Erkenntnisse, hier zu Beginn fasse ich das Gelernte in Form von anwendbaren Tipps zum Zeichnen und Malen von Blumen zusammen. Für Interessierte lesen Sie mehr darüber, wie jede Studie meine Praxis beeinflusst hat.

 

1. Viele Blumen und Pflanzen sind empfindlich, um diese Blumen zu zeichnen oder zu malen, verwenden Sie S- und C-Kurven.

 

2. Beim Malen von Blumen und Pflanzen geht es viel um Abstufungen. Viele Blumen ändern ihre Farbe von innen bis zu den Rändern ihrer Blütenblätter. Sogar Blätter haben subtile Abstufungen und verschiedene Bereiche einer Pflanze (normalerweise in der Nähe des Bodens) können älter aussehen und einen anderen, normalerweise gelben Hauch haben.

 

3. Im Zusammenhang mit dem letzten Punkt haben viele Blumen durchscheinende Blütenblätter, die "Licht einfangen" und fast weiße Ränder erzeugen. Abstufungen reichen normalerweise von einem dunkleren Wert in der Mitte bis zu einem helleren Wert in der Nähe der Ränder.

 

4. Dunkelgrüne Blätter als Hintergrund, um die normalerweise hellen und lebendigen Blumen zu kontrastieren, lassen die Blumen platzen! Es müssen nicht unbedingt Blätter sein, aber sie sind eine sehr natürliche Hintergrundwahl.

 

5. Achten Sie nicht nur auf die Form von Pflanzen und Blumen, sondern auch auf den negativen Raum, die Lücken zwischen Pflanzen oder die Lücke zwischen Blütenblättern, Lücken zwischen den Ästen eines Baumes. Die Konzentration auf diese negativen Räume kann das Design Ihres Gemäldes glaubwürdiger machen und das Malen und Zeichnen erheblich erleichtern.

 

Ich ermutige Sie, Ihre eigenen Studien über Pflanzen und Blumen oder jedes andere Thema, das Sie interessiert, zu machen. Machen Sie sich auf den Weg, um alles über Ihr Thema zu beobachten und zu lernen. Sie können traditionelle Werkzeuge wie Aquarell verwenden oder mit der Clip Studio Paint-App sogar mit einem Tablet oder iPad mobil sein.

 

Wenn Sie meine Pflanzen- und Blumenstudien sehen möchten, fahren Sie fort! Andernfalls, um diese Tipps in Aktion zu sehen, lesen Sie den Abschnitt Illustriertes Beispiel (Pfingstrosen).

 

Pflanzen und Blumen studieren

Einer der möglichen Gründe, warum manche Menschen davon abgehalten werden, Pflanzen und Blumen zu zeichnen, ist, dass sie sich auf Anhieb für sehr schwierige Fächer entscheiden. Es ist beispielsweise äußerst schwierig, die Details eines Waldes zu studieren. Verschiedene Baumarten überschneiden sich, Äste kreuzen sich, eine ganze Kakophonie komplexer Formen, die viele dazu bringen wird, einfach frustriert zu werden, zufällige Striche zu malen oder zu zeichnen oder einige Techniken für eine Abkürzung zu verwenden und es zu beenden.

 

Versteh mich nicht falsch! Ich denke, Abkürzungen und Vereinfachungen sind beim Malen sehr nützlich. Aber für mich, wenn ich ein Fach studiere, ist das Ziel, es zu lernen. Ich habe mich aufgemacht, um Formen und Wertanordnungen von Blumen und Pflanzen zu lernen, Dinge, auf die ich während meines Studiums sehr aufmerksam sein kann und die mir helfen werden, ein besserer, bewussterer Künstler zu werden.

 

Wenn Sie die Formen von Pflanzen und Blumen studieren möchten, beginnen Sie mit etwas viel einfacherem und Sie werden viele Dinge lernen! Lassen Sie mich einige Dinge mit Ihnen teilen, die ich aus einigen Studien gelernt habe.

Dies ist eine kurze Studie, die ich über eine komisch aussehende große Blattpflanze gemacht habe, die ich in einem botanischen Garten gesehen habe. Dies erfolgt in Clip Studio Paint mit dem standardmäßigen schwarzen "Lighter Pencil"-Werkzeug und dem standardmäßigen "Kneaded Radiergummi".

 

Ich dachte darüber nach, was mir das Gefühl gab, dass diese Pflanze eine Art alberne Stimmung ausstrahlte. Betrachtet man A den Umriss des Hauptblattes, so besteht es aus vielen S- und C-förmigen Kurven, die miteinander verbunden sind, was eine sehr "wackelartige" Kontur ergibt. Ich denke, dies hat dazu beigetragen, wie ich die Pflanze ausdrücke und es ist auch bei Punkt C, dem kleineren Blatt, der Fall.

 

Die Schattierung an Punkt B wurde verwendet, um zu versuchen, den Effekt zu erzielen, dass nicht nur die Kontur des Blattes hin und her schwingt, sondern dass es auch Abschnitte des Blattes im Schatten gibt, die andeuten, dass das Blatt auch hin- und herwinkt der Beobachter.

 

Eine andere Sache, die ich aus dieser Studie gelernt habe, ist, dass S- und C-förmige Kurven oft verwendet werden, um Pflanzen und Blumen zu beschreiben, sehr selten werden gerade Linien verwendet. S- und C-förmige Kurven verleihen ein Gefühl von Zartheit. Dies zeigt sich auch im Stiel an Punkt D, obwohl der Stiel im wirklichen Leben gerader ist, habe ich die Kurve hier übertrieben mit der Idee, dem oberen Blatt mehr Gewicht oder Sprungkraft zu verleihen.

 

Wenn wir also Blumen und Pflanzen zeichnen möchten, die sich zerbrechlich, zart und vorübergehend anfühlen, verwenden Sie unbedingt viele S- und C-Kurven. Auf der anderen Seite, wenn Sie stattdessen versuchen würden, raue Baumrinde darzustellen, wäre dies der perfekte Zeitpunkt, um gezackte gerade Linien zu verwenden.

Diese zweite Studie zeigt eine kleine Gruppe von Blumen, die in einem lokalen botanischen Zentrum aus dem Boden sprießen, wiederum mit den Werkzeugen "Lighter Pencil" und "Kneaded Eraser" in Clip Studio Paint.

 

Diese Blumen haben mein Interesse wegen der großen Überlappung geweckt und eine pyramidenartige Struktur geschaffen. Punkt A notiert die Spitze einer dieser Strukturen. Etwas, das bei der Untersuchung sehr auffällig war, ist, dass bei vielen Blumen die Mitte der Blüte in der Nähe der Ränder nach außen in eine andere Farbe übergeht. Ich habe diese Farbstudie nicht durchgeführt, aber bei dieser speziellen Blume war die Mitte ein tiefdunkleres Magenta im Vergleich zu den hellrosa Rändern. Viele Blumen fangen das Licht mit den Rändern ihrer durchscheinenden Blütenblätter ein, wodurch sie außen heller werden. Ich habe das Feuerzeugstift-Werkzeug vergrößert und einfach die Mitte an Punkt A und anderen Blumen punktiert, um diese Abstufung zu zeigen.

 

Punkt B zeigt einen Schattenwurf von einem Blütenblatt auf einer oberen Schicht zu einer unteren Schicht, es half, die Form für diese Blumentraube zu definieren, im wirklichen Leben schien dies nicht zu dunkel zu sein, vielleicht weil die Blütenblätter etwas Licht durchließen. Schließlich zeigt Punkt C ein Blatt. Ich bemerke, dass die Blüten, die normalerweise hell kontrastiert mit dunkelgrünen Blättern und anderem Laub sind, die Blumen wirklich zum Knallen bringen.

Diese letzte Studie zeigt eine Methode für den Versuch, Blumen, Pflanzen und Bäume mit komplexeren Formen zu untersuchen. Eine gute Idee ist es, das Motiv als Silhouette zu zeichnen und dabei die Tiefe des Motivs zu vergessen und sich stattdessen auf die Formen zu konzentrieren. Sie können Ihre Studie bewerten, indem Sie sehen, ob das Thema noch mit nur einer ausgefüllten Silhouette erkennbar ist... In meiner Studie würde dies meiner Meinung nach nicht als so erkennbar gelten.

 

Beim Silhouettieren ist es wichtig, nicht nur darauf zu achten, was ausgefüllt, sondern auch was weggelassen wird. Dies kann beim Zeichnen von Pflanzen und Blumen enorm helfen, um Formen zu erhalten, die sich selbstbewusst und zielgerichtet anfühlen. Bei Punkt B habe ich mir die Lücke zwischen den beiden Ästen angeschaut und stattdessen meine Form mit dem Werkzeug "Hard Radiergummi" herausgezogen.

 

Dies wurde in Clip Studio Paint mit den Tools "G-Pen" und "Fill Bucket" durchgeführt. Ich versuchte, einen Baum mit orangefarbenen Blättern zu skizzieren, der von grünen Bäumen umgeben war und auffiel. Obwohl ich die anderen beiden oben genannten Studien bevorzuge, mag ich es, wie ich die Äste wie bei Punkt A eingefangen habe, da die Dicke des Baumes langsam abnimmt. Die Zweige für diese Studie gefallen mir gut, weniger die Blattbündel. Aber da ich aus dieser Studie etwas gelernt habe, halte ich sie für einen Erfolg!

 

Illustriertes Beispiel (Pfingstrosen)

Ich beginne meine Zeichnung mit einer Silhouette der Blume. Die Silhouette ist wichtig, weil sie dem, was Sie zeichnen, so viel Charakter verleihen kann, dass sie die Formen der Pflanze oder Blume definiert. Ist es zum Beispiel eine stachelige Pflanze, hat sie rundere Blütenblätter, dreieckige Blütenblätter? Das sind Dinge, die man einfach an der Silhouette erkennen kann. Für die Pfingstrosen hat diese Silhouette runde Blütenblätter, von denen einige wie der Stoff eines Kleides schweben.

 

Im Bild unten sehen Sie, dass die Silhouette sehr rau war!

Das dunkle Grün, um die Blume zu silhouettieren, wird ihr helfen, "herauszuspringen", da sie einen Kontrast bietet, sobald wir mit dem Malen dieser hellrosa Blume beginnen.

 

Wenn Sie neugierig auf die verwendeten Materialien sind, habe ich einfach einen G-Pen verwendet, der für die Kontur auf ein relativ tiefes Dunkelrot eingestellt ist, und den von Clip Studio Paint bereitgestellten 'Oil Paint Flat Brush'.

Bevor wir beginnen, wenn Sie neugierig auf meinen Layer-Aufbau sind, hier ist er. Es ist nicht etwas, das Sie strikt befolgen müssen, aber es machte es für mich bequem.

 

 

A: Ich habe mit der Silhouette der Peonese angefangen, das war meine erste Schicht.

 

B: In diesen beiden Schichten male ich die Blume. Die untere Ebene ist nur eine weiße Basis, die Silhouette habe ich mit dem 'Paint Bucket'-Tool weiß gefüllt, dann wird die darüberliegende Ebene einfach auf die weiße Basisebene geclipst, damit ich die absichtlich gestaltete Silhouette nicht versehentlich durcheinander bringe. Das nächste Bild zeigt die Schritte dazu.

 

C: Schließlich ist dies meine Hintergrundebene, die ich mit einem grünen Umriss gemalt habe, um mich daran zu erinnern, danach Blätter zu malen.

 

Verwenden Sie das Setup, das für Sie am besten geeignet ist, manche bevorzugen viele Schichten, manche bevorzugen nur eine! Meine einzige Empfehlung ist, NICHT für jedes Blütenblatt eine Ebene zu erstellen. Gegen Ende habe ich sowieso alle Ebenen zusammengeführt, um den letzten Schliff zu machen.

Hier sind einige grundlegende Anweisungen zum Einrichten einer Schnittmaskenebene.

 

Führen Sie Vorgang A aus. Füllen Sie zuerst Ihre Silhouette auf einer anderen Ebene mit dem Fülleimerwerkzeug aus, indem Sie 'Andere Ebenen beziehen' verwenden. Sie ist nur zur besseren Sichtbarkeit rosa gefärbt, aber diese Ebene wurde tatsächlich weiß gefüllt.

 

Eine andere Möglichkeit besteht darin, das Zauberstabwerkzeug auf der Silhouettenebene zu verwenden, die Auswahl umzukehren und diese auf einer neuen Ebene auszufüllen.

 

Nachdem Sie eine Ebene mit einer Grundfarbe haben, führen Sie Vorgang B in Blau aus. Erstellen Sie eine Ebene darüber und klicken Sie auf das Symbol "Auf darunterliegende Ebene zuschneiden". Wenn Sie auf dieser blauen Ebene zeichnen, ist sie nur sichtbar, wenn sie sich mit der gefüllten Ebene darunter überlappt!

Jetzt sind wir bereit zu malen!

Um eine realistischere Blume zu schaffen, müssen Farbabstufungen sorgfältig platziert werden, um die Blütenblätter zu formen und dem Gemälde Tiefe zu verleihen. Erinnern Sie sich aus dem Studienabschnitt daran, dass viele Blumen Licht in ihren Blütenblättern einfangen und so von dunkel nach hell, von der Mitte nach außen abstufen. Für die Peonesen liegen die tiefsten, kühlsten Rottöne am stärksten in den Spalten der Blütenblätter, die wunderschön in ein helles Rosa und Weiß übergehen. Mit digitalen Werkzeugen in Clip Studio Paint zeige ich Ihnen einige Methoden, die Ihnen bei der Farbabstufung für die Blütenblätter einer Pflanze helfen. In diesem Gemälde habe ich eine Kombination aus allen verwendet. Sie können jeden von ihnen testen und die verwenden, die Ihnen am besten gefallen.

 

Technik 1: Verlaufspinsel-Technik

In der traditionellen Malerei ist eine der schönen Möglichkeiten, diese Abstufungen zu erzeugen, eine unvollständige Mischung auf einem flachen Pinsel. Ein Ende des Pinsels wird mit einer Farbe geladen und das andere Ende wird mit einer anderen Farbe geladen

 

Im folgenden Gif demonstriere ich dies mit Aquarell.

Ich werde Ihnen in Clip Studio Paint einen Weg zeigen, wie Sie jeden Ihrer Lieblingspinsel in etwas verwandeln können, das diese traditionelle Technik nachahmt!

 

Wählen Sie einen Ihrer Lieblingspinsel und duplizieren Sie das Werkzeug, indem Sie mit der rechten Maustaste auf das Duplikatwerkzeug klicken.

 

Ich habe den in Clip Studio Paint eingebauten "Oil Paint Flat Brush" dupliziert und ihn in "Oil Paint Flat Brush (unvollständig)" umbenannt.

 

Gehen Sie in die Unterwerkzeugeinstellungen und gehen Sie zur Registerkarte "Starten und Beenden"

1. Beginn und Ende: Wechseln Sie zu „Mit Unterfarbe mischen“

2. So legen Sie fest: Wechseln Sie zu „Nach Prozent“

3. Aktivieren Sie das Kontrollkästchen Starten: ändern Sie auf 100.0

4. Deaktivieren Sie das Kontrollkästchen Start und Ende nach Geschwindigkeit.

 

Gehen Sie zuletzt in die Registerkarte "Tinte"

1. Mit Unterfarbe mischen: Schieberegler auf 100,0 ändern

 

Wenn Sie Ihren Pinsel jetzt verwenden, beginnt er mit Ihrer ausgewählten Hauptfarbe und das Ende jedes Strichs wird zu Ihrer Sekundärfarbe. In meiner Zeichnung habe ich einige dieser Striche mit einem satten kühlen Rot und einem hellen Rosa verwendet, um ein paar Blütenblätter zu definieren.

 

Unten ist ein Gif, das die Arten von Pinselstrichen zeigt, die Ihr neu erstellter Pinsel jetzt erstellen sollte!

(Ganz am Ende verwende ich auch das Werkzeug 'Transparentes Aquarell', um einige Kanten einzublenden)

Technik 2: Verwenden der Assets von Clip Studio Paint (Aquarellpinsel)

Einige Pinsel in Clip Studio Paint wurden entwickelt, um die Eigenschaften echter Aquarellpinsel zu replizieren. Diese Pinsel sind nützlich zum Malen von Blumen. Durch Hinzufügen zusätzlicher Striche über den vorhandenen werden Bereiche dunkler und gesättigter. Hier ist ein Link zu dem Pinsel, den ich für dieses Gemälde verwendet habe.

 

Dieser Pinsel war besonders nützlich für mich, um diese sehr tiefen, kühlen Rottöne in der Mitte der Pfingstrose hinzuzufügen. Durch das Hinzufügen von Pinselstrichen über Pinselstrichen wurden interessante Kanten erzeugt, und die Farbe "sprang" eher heraus, als dass sie sehr verworren wurde, in die ich persönlich eine schlechte Angewohnheit habe.

 

Versuche es! Wenn dieser Pinsel nicht Ihrem Geschmack entspricht, gibt es auf der Asset-Seite von Clip Studio Paint noch viele andere interessante Pinsel. Es lohnt sich, etwas Zeit zum Erkunden und Experimentieren zu haben!

Technik 3: Verwenden von Blend/Airbrush oder anderen Mischpinseln

Der bekannteste Weg, Abstufungen in der Malerei zu erzeugen, ist wahrscheinlich die Verwendung eines Airbrush- oder Mischwerkzeugs, das harte Kanten in weichere zerlegt. Der mit Clip Studio Paint mitgelieferte Pinsel „Transparentes Aquarell“ ist hierfür ebenfalls ein gutes Werkzeug. Viele Leser kennen dies vielleicht bereits, verwenden Sie einfach das Farbauswahlwerkzeug für eine nahe Kante und Airbrush oder mischen Sie harte Kanten weg, um Farbverläufe zu erzielen.

 

Hinweis: Achten Sie auf eine übermäßige Verwendung der Airbrush, die einem Gemälde ein unverwechselbares, verworrenes Aussehen verleiht.

Den Prozess aufschlüsseln

Ausgehend von der Silhouette, die wir erstellt haben, habe ich einfach angefangen zu malen, Spaß damit zu haben und die oben genannten Techniken anzuwenden. Der Schlüssel hier ist, sich nicht zu sehr auf ein Blütenblatt zu konzentrieren, wie wir bereits erwähnt haben. Stattdessen habe ich daran gearbeitet, einige satte, kühle Rottöne hinzuzufügen, um einige Spalten zu definieren, wie Sie in der Mitte der beiden Blüten sehen können.

 

1. Die Mitte dieser Blumen hat die meiste Farbe, also habe ich dort angefangen.

2. Ich fing an, einige harte Kanten für Spalten und Blütenblätter zu definieren. Nichts ist endgültig, aber wir fangen gerade erst an, Sie werden sehen, wie sich viele dieser Formen im Laufe der Zeit ändern.

 

Für einige, mich eingeschlossen, kann es einschüchternd sein, nur Weiß auf der Seite zu haben, eine weiße Leinwand mit so vielen Möglichkeiten. Ich versuche so schnell wie möglich etwas Farbe zu bekommen, um in den Fluss des Malens zu kommen. Nehmen Sie also etwas Mut auf, legen Sie diese Pinselstriche nieder und behalten Sie die Mentalität bei, dass Sie sich immer in einer Block-In-Phase befinden, in der Sie zurückkommen und Dinge ändern können, wenn Sie das möchten.

 

 

Ich habe an einer Blume nach der anderen gearbeitet, leider habe ich das gesamte Filmmaterial verloren, als ich an der blühenden Pfingstrose auf der linken Seite gearbeitet habe. Ich habe mich jedoch allen Blumen auf die gleiche Weise genähert, also werfen wir einen Blick darauf, wie ich die Pfingstrose oben rechts in der Mitte der Blüte angepackt habe.

 

Wenn ich dieses Bild mit dem vorherigen vergleiche, habe ich diese Pfingstrose bereits verändert und meine vorherige Arbeit verdeckt. Ich habe den erstellten Ölfarben-Flachpinsel (unvollständig) verwendet, um einige Blütenblätter zu definieren (Technik Nr. 1). Ich habe die Primärfarbe auf ein tief gesättigtes kühles Rot und die Sekundärfarbe auf ein sehr helles Rosa gesetzt. Ich beginne sehr gerne mit diesem Pinsel, da er mir hilft, Abstufungen mit einem einzigen Pinselstrich sehr schnell zu sehen.

Während des Malens dieser Pfingstrose oben rechts sind hier einige Schlüsselmomente dabei.

 

1. Nach dem ersten Einlegen definiere ich einige tiefkühle rote Bereiche in der Mitte der Blüte, ich habe daran gedacht, mir die Wertestruktur anzusehen. Erinnern Sie sich aus den Studien daran, dass viele Blumen von dunkleren Werten in der Mitte zu helleren Werten in der Nähe der Ränder übergehen. Bei der Pfingstrose sind die stärksten Farben auch in den Spalten der Blüte vorhanden, und es gibt viel tiefere Spalten, die in der Nähe der Mitte der Blüte nicht vom Licht getroffen werden.

 

2. Hier ist ein weiterer wichtiger Schritt am Anfang. Beachten Sie die weißen Umrisse, die beginnen, gezeichnet zu werden. Diese wurden mit dem 'G-Pen' Werkzeugset auf einer fast weißen Farbe gemacht. Wir haben viel über Abstufungsmethoden gesprochen, aber Blumen haben auch harte Kanten! Meine härtesten Kanten habe ich mit dem 'G-Pen'-Tool definiert. Sie sind weiß gefärbt, wenn die Blütenblätter Licht einfangen, ein weiterer Aspekt von Blumen, den wir im Studienabschnitt kennengelernt haben.

 

3. Ich fange an, gesättigtere und dunklere Rottöne in die Spalten zu bringen. Ich drücke den Wertebereich für diese Blume ständig weiter.

 

Beachten Sie, dass ich nach dem Definieren der weißen Ränder der Blütenblätter im vorherigen Schritt auch einige harte rote Ränder direkt daneben definiere. Dies soll diesen Blütenblättern Tiefe verleihen, direkt nach dem Ende eines Blütenblattes sollte eine Spalte sein. Im Bild unten weise ich darauf bei Punkt A hin, vergleiche diesen Punkt zwischen den beiden nebeneinander liegenden Momenten.

 

 

4-7. Diese Schritte sind die Verfeinerungsstufen und können unterschiedlich lange dauern. Ich arbeite langsam an der Blume, die Grundstruktur ist jetzt da, also wiederhole ich meine Techniken, um kompliziertere Details aufzubauen. Ich füge immer mehr Spalten von tiefkühlem Rot hinzu und verfeinere diese Formen. Ich definiere weiterhin neue Blütenblätter mit den weißen Linien aus dem 'G-Pen' und gradiere diese Blütenblätter von einem dunkleren Wert zu einem helleren Wert in der Nähe der Ränder mit Techniken (1-3), aber hauptsächlich 3.

 

Wenn Sie Moment 4 und 7 vergleichen, sehen Sie das offensichtlichste Beispiel für diesen Gradationsprozess, um ein Blütenblatt zu definieren. Der Vergleich der Punkte A und B in der folgenden Abbildung zeigt, wie diese Blütenblätter mit einer Vielzahl von Pinselstrichen abgestuft wurden.

 

 

Jetzt sind wir fertig mit der Pfingstrose!

 

Dieselben Techniken und Schritte wurden erneut für die voll erblühte Pfingstrose links und die beginnende Pfingstrose unten rechts angewendet.

Anpassungen und Ebenenmaskierungstechniken

Eine Tendenz für mich ist, dass beim Malen die Werte und Farben oft gedämpft werden. Dies geschieht natürlich auch in traditionellen Medien, zum Beispiel bei Aquarellfarben wird die Farbe beim Trocknen des Pigments stumpf und muss erneut übermalt werden.

 

Nach dem Einmalen der Blumen habe ich die Techniken "Tonal Correction" und "Layer Mask" von Clip Studio Paint verwendet, um mehr Kontrast zu erzielen und das Blumenbild fertigzustellen.

 

Im Folgenden wird durch A und B geblättert, der Unterschied ist sehr deutlich, was wir mit Tonwertkorrektur- und Ebenenmaskentechniken erreichen können! Lassen Sie uns lernen, wie das geht.

Beginnen Sie damit, die Ebene mit Ihrem Gemälde zu duplizieren.

 

1. Klicken Sie mit der rechten Maustaste auf die Ebene, wählen Sie Duplikat

Stellen Sie sicher, dass Sie sich auf der neu duplizierten Ebene befinden und gehen Sie zur Menüleiste

 

2. Gehen Sie zu 'Bearbeiten' -> 'Tonwertkorrektur(D)' -> 'Helligkeit/Kontrast'

 

3. Passen Sie die Schieberegler an Ihre Bedürfnisse an. Da ich dachte, meine Farben seien verworren und die Blume insgesamt zu hell, habe ich die Helligkeit verringert und den Kontrast erhöht. Aktivieren und deaktivieren Sie das Kontrollkästchen "Vorschau", um die Unterschiede hervorzuheben.

 

4. Klicken Sie auf „OK“, um die Änderungen zu übernehmen.

Oftmals hat eine Gesamtanpassung der Tonwertkorrektur, sei es Helligkeit/Sättigung oder ein anderer Filter, Aspekte, die Ihnen gefallen, aber einige Bereiche können übertrieben sein.

 

Das resultierende Bild aus dieser "Helligkeit/Kontrast"-Anpassung ist unten gezeigt. Einige Aspekte der Änderung gefielen mir, aber andere Bereiche waren meiner Meinung nach übertrieben.

Die Tonwertkorrektur brachte den gewünschten Kontrast zum Vorschein, aber Bereiche wie Punkt A wurden übertrieben. Hier sieht es blutrot und irgendwie gruselig aus!

 

Außerdem ist der Kontrast an den Rändern der Blumen zu stark, wodurch das Gesamtbild unnatürlich wirkt. Im Randbereich bevorzuge ich mein Originalgemälde vor der Tonwertkorrektur. Wie kann ich das Beste aus beiden Welten behalten?

 

Die Ebenenmaske kann verwendet werden, um die Effekte von Filtern / Tonwertkorrekturen zu dämpfen.

 

So erstellen Sie eine Ebenenmaske:

 

1. Wählen Sie die Ebene mit den Tonwertkorrekturen aus. Klicken Sie auf „Ebenenmaske erstellen“.

 

2. Um das Originalgemälde in bestimmten Bereichen wiederherzustellen, stellen Sie sicher, dass Sie auf der Ebenenmaske malen.

 

3. Ich habe das Werkzeug "Weicher Radierer" verwendet, um Bereiche der Tonwertkorrektur zu löschen und mein Originalgemälde freizulegen. Sie können jedoch Bereiche mit jedem Radiergummi oder Pinsel löschen, der auf eine schwarze Farbe eingestellt ist. Malen Sie die Tonwertkorrektur mit einem beliebigen Pinsel auf eine weiße Farbe zurück. Fühlen Sie sich frei zu experimentieren, was für Sie am besten funktioniert!

 

4. Überprüfen Sie die Miniaturansicht, um sicherzustellen, dass Sie Änderungen an der Ebenenmaske und nicht an der tatsächlichen Ebene vornehmen. Denken Sie daran, dass Schwarz Bereiche markiert, in denen Sie das darunter liegende Originalgemälde freigeben.

Nachdem Sie die Tonkorrekturen abgeschwächt haben, ist das Bemalen der Blumen jetzt abgeschlossen! Bevor ich zum Hintergrund übergehe, werde ich hier eine Pause einlegen und einige Unterschiede zwischen den drei gemalten Blumen aufschlüsseln.

Hier ist ein beschriftetes Diagramm, um einige wichtige Bereiche hervorzuheben.

 

1. Die Pfingstrose rechts oben ist dabei, vollständig zu blühen.

Beachten Sie, wie an Punkt B das tiefe Rot in Form einer dünnen Linie erscheint. Dies hilft, die Struktur der Blütenblätter und die Richtung dieser Blüte anzuzeigen. Die Blütenblätter sind hier nach rechts gerichtet, vielleicht wegen der großen vollblühenden Pfingstrose links zur Seite geschoben. Vergleichen Sie dies näher mit der Mitte dieser Pfingstrose wie bei Punkt A, die Andeutungen von gesättigter kühler roter Farbe sind stärker zusammengeballt und größer.

 

2. Die untere rechte Blume zeigt eine Pfingstrose im Anfangsstadium der Blüte. Hier habe ich die Airbrush-Technik verwendet, um eine sehr glatte Abstufung am unteren Rand der Blume bei Punkt C zu erzielen. Ich habe mit einem fast weißen "G-Pen" -Werkzeug einige harte Kanten definiert, dieser untere Bereich der Pfingstrose ist viel dunkler als die oberen Bereich, da die Lichtquelle von oben ist. Was dieser Pfingstrose das Leben verleiht, denke ich, sind die beiden Blütenblätter an Punkt C, die so getrennt sind, dass sie sich gegenseitig Raum zum Atmen geben. Diese beiden einzelnen Blütenblätter ziehen meiner Meinung nach die untere rechte Blume zusammen und helfen dem Betrachter, das Bild zu verstehen. Insbesondere hilft es zu zeigen, dass die anderen weißen Linien die Ränder der geschlossenen Blütenblätter dieser Pfingstrose anzeigen.

 

3. Die voll erblühte Pfingstrose war definitiv die schwierigste.

Die Schichten der Blütenblätter waren groß und komplex. Beachten Sie, dass ich bei D das Werkzeug "Transparentes Aquarell" verwendet habe, um den Übergang zwischen Rosa und Rot zu mischen, um diese Blütenblätter zu definieren (Technik Nr. 3). Im Vergleich dazu gibt es in der Nähe der Mitte bei E eine Reihe harter Kanten mit Spalten und Rändern von Blütenblättern. Ich habe hier wiederholt viele Aquarellpinsel verwendet, um die Kanten abzudunkeln und eine sehr gesättigte tiefkühle rote Farbe zu erhalten (Technik #2).

Hintergrund/Blätter

Es bleibt dem Künstler überlassen, ob er die Blumen einfach ohne Hintergrund malen möchte. Ein reinweißer Hintergrund oder ein einfarbiger Hintergrund kann manchmal vorzuziehen sein.

 

In diesem Abschnitt zeige ich Ihnen, wie ich einen Hintergrund aus Blättern hinzugefügt habe, um die Pfingstrose zu begleiten. Ich habe mich entschieden, den Hintergrund hinzuzufügen, denn wenn Sie sich an die Ideen erinnern, die ich aus meinem Studium gelernt habe - Blätter oder Laub als Hintergrund lassen wirklich lebendige Blumen erscheinen!

 

Der Trick ist, dass die Blumen in den meisten Fällen immer noch im Mittelpunkt des Bildes stehen sollten. Daher war es mein Ziel, einen Hintergrund hinzuzufügen, der die Blumen betont, aber auch subtil ist.

 

Um mit dem Zeichnen der Hintergründe zu beginnen, habe ich den bereits grünen Umriss verwendet, der die Pfingstrose silhouettiert. Von hier aus expandierte ich nach außen und malte mit Pinselstrichen, die sich verjüngen, um die dunkle Seite einiger Blätter darzustellen.

 

Ich wollte die Bereiche, die die Pfingstrose umgeben, in einer dunkleren Farbe halten, um mit den weißen Rändern der Blütenblätter zu kontrastieren. Dies ging sehr schnell, da ich nur das Weiß auf der Seite entfernen und später Details verfeinern wollte.

Das Ausfüllen des Hintergrunds ging schnell und mit großen Pinselstrichen. Schauen Sie sich an, wie groß die Pinselstriche in diesen Anfangsphasen (Moment 1-4) sind.

 

Ich habe schnell bis zu den Rändern der Leinwand gefüllt, beachte den äußersten linken Randpunkt A und den Punkt B auf den Bildern 3 und 4. Ich wollte ein paar hellere Grün-Gelbtöne einfügen, da das Licht auch auf die Blätter trifft, z. B. neben Punkt A Ich möchte jedoch die Ränder der Leinwand dunkler halten, um den Fokus des Betrachters auf die Bildmitte zu richten. Also habe ich im Moment 4 in den Punkten A und B ein dunkleres Grün gemalt.

Meine ursprüngliche Idee war, die gesamte Leinwand zu malen und mit Blättern und dunklem Laub zu füllen. Aber auf halbem Weg nach 'Moment 4' änderte ich meine Meinung.

 

Es ist in Ordnung, Ihre Meinung zu ändern und mit allem zu experimentieren, was Sie malen, auch wenn es spät ist! Für mich gefiel mir die Idee eines vollständig ausgefüllten Hintergrunds nicht, weil ich das Gefühl hatte, ich könnte ihn nicht interessant machen. Stattdessen begann ich mit verschiedenen weißen Pinseln und dem Werkzeug „Knete Radiergummi“ zu löschen.

Schließlich entschied ich mich nach vielen Experimenten, die rechte Seite der Blüten mit einigen herausstehenden Blättern zu silhouettieren. Diese sind bei Punkt A gezeigt und werden zwischen Moment 7 und 8 verfeinert.

 

Ich habe in Moment 8 auch einen kleinen Zweig an Punkt B hinzugefügt. Da das Licht von oben kommt, habe ich ein Braunrot und ein sehr dunkles Rot verwendet, um eine helle und eine Schattenseite zu zeigen.

 

Schließlich habe ich erst in dieser Phase begonnen, den abstrakten grünen Hintergrund in Form einiger Blätter zu veredeln. Bei Punkt C habe ich angefangen, einige Blätter zu zeichnen, die Sie sehen können, wenn Sie Moment 7 und Moment 8 vergleichen.

Wenn man versucht, gleich einzelne Blätter für den Hintergrund zu definieren, ist es üblich, dass man am Ende überfordert, frustriert und verloren fühlt, das passiert mir definitiv.

Hier ist endlich der fertige Hintergrund. Die Blätter links wurden mit einem Aquarellpinsel (Technik #2) mit einigen Linien verfeinert, um Muster auf jedem Blatt anzuzeigen. Die Silhouette auf der rechten Seite wurde ebenfalls verfeinert und der untere und linke Rand wurden ebenfalls abgedunkelt, um den Fokus auf die Blumen zu richten.

 

Wenn Sie einige Blätter definieren, kann der Betrachter die Auflösung mit den weniger raffinierten Pinselstrichen ausfüllen. Denken Sie daran, dass die Blätter nicht im Mittelpunkt des Gemäldes stehen (zumindest nicht für dieses Gemälde). Wenn Sie den Fokus Ihres Gemäldes verstehen, können Sie absichtlich auswählen, welche Dinge vereinfacht werden sollen.

Es wäre in Ordnung, hier aufzuhören, und im Rückblick hätte ich es vielleicht getan! Aber während des Prozesses sahen die grünen Blätter für mich nicht richtig aus und ich war vom Hintergrund sehr enttäuscht...

Einen schnellen neuen Look bekommen - Tonkurven, Feinschliff, Ebenenmasken (wieder)

Oftmals, mitten in einem Gemälde oder manchmal gegen Ende, kann die Inspiration schwinden, wenn Sie lange Zeit auf dasselbe Bild starren. Es ist oft nützlich, einfach nur einen frischen neuen Blick auf ein Gemälde zu werfen, um zu sehen, was möglich ist, und um möglicherweise Inspiration zu finden.

 

Ich fühlte mich ganz am Ende dieses Gemäldes so, die grünen Blätter im Hintergrund gefielen mir nicht besonders, also habe ich Tonkurven verwendet, um zu versuchen, mich inspirieren zu lassen.

 

"Tonkurven" ist eine weitere Option "Tonwertkorrektur (D)", genau wie die Funktion "Helligkeit/Kontrast", die beim Malen der Peonese-Blume beschrieben wurde. Mit der Tonwertkurve können Sie stattdessen die Farben der ausgewählten Ebene anpassen und den Ausdruck für Rot-, Blau- und Grüntöne ändern.

 

Der Vorgang zum Erstellen einer „Tonkurve“ ist dem Anwenden der „Helligkeits-/Sättigungs“-Korrektur sehr ähnlich! Da mein Problem mit dem Hintergrund lag und ich den Hintergrund auf einer separaten Ebene erstellt habe, habe ich damit begonnen, die Hintergrundebene zu duplizieren und zum Menü zu gehen.

 

1. Duplizieren Sie die Ebene, auf die Sie die Tonwertkurve anwenden möchten.

2. Gehen Sie zu 'Bearbeiten' -> 'Tonwertkorrektur (D)' -> 'Tonkurve...'

 

3. Ein Dialogfeld für die Tonkurve erscheint, passen Sie die Tonwerte an und verfolgen Sie Änderungen, indem Sie 'Vorschau' aktivieren.

4. Klicken Sie auf 'OK', um die Tonkurve anzuwenden.

Punkt A: In diesem Dropdown-Menü im Tonkurvenfenster können Sie zwischen Rot-, Blau- und Grünkurven wechseln.

 

Punkt B: Klicken Sie auf die Grafik, um neue Punkte zu erstellen. Verschieben Sie die erstellten Punkte, um die Kurve zu ändern. Die Eingangspegel auf der horizontalen Achse werden den Ausgangspegeln auf der vertikalen Achse zugeordnet.

Hier das Ergebnis der Tonwertkurve, genau wie bei der Tonwertkorrektur 'Helligkeit/Kontrast', es gab Bereiche, die mir sehr gut gefallen haben, wie die Magenta-Anklänge in den Blättern oben links, die Änderung der Hintergrundfarbe; aber es gab Bereiche, die übertrieben waren. Diese Bereiche wurden mit einer Ebenenmaske weichgezeichnet und ausradiert. Eine Übersicht über die Verwendung einer Ebenenmaske finden Sie unter „Anpassungen und Ebenenmaskentechniken“.

 

Dies half mir, mit dem Hintergrund zufrieden zu sein, die grünen Blätter, obwohl sie die rosa / roten Pfingstrosen ergänzten, lenkten ich vom Bild ab. Der magentafarbene Hintergrund war ein unerwarteter Vorteil, den ich behalten wollte! Ich mochte, wie es half, die Kanten der oberen rechten Pfingstrose zu definieren.

 

In diesem Gemälde wurde die Tonkurve verwendet, um das Gemälde fertigzustellen. Oftmals verwende ich es mitten im Malprozess, um Inspiration für neue Wege zu bekommen, die das Bild einschlagen könnte. Eine neue Perspektive mit verschiedenen Farbtönen zu erhalten, hilft, neue Ideen zu generieren, aber auch andere Filter und Korrekturen können verwendet werden, um einen digitalen Künstler zu inspirieren und ihm eine Richtung zu geben. Ich ermutige Sie, mit allen verfügbaren Tools zu experimentieren!

Danke

Vielen Dank, dass Sie sich die Zeit genommen haben, diesen TIPS-Artikel zu lesen. Im Prozess der Recherche, des Studiums, der Kreation von Stücken und des Schreibens dieses Projekts habe ich unglaublich viel gelernt. Ich habe nicht nur gelernt, Blumen und Pflanzen zu malen, sondern auch allgemein ein besserer Künstler zu werden, indem ich ausdrücke, was für mich funktioniert und was nicht.

 

Ich hoffe, Sie haben aus diesem Artikel genauso viel herausgeholt, wie ich ihn geschrieben habe. Geh da raus und rieche ein paar Blumen (und zeichne vielleicht auch welche!)

 

• Linco