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Dieses Video gibt einen SEHR schnellen Überblick über die in diesem Artikel beschriebenen Dinge. Es soll eher unterhaltsam sein, während dieser Artikel (hoffentlich) informativer ist.

Einleitung

Hallo zusammen, hier ist Linco mit meinem ersten Clip Studio Paint Tutorial. Heute lernen wir einige Techniken zum Malen von Blumen. Pflanzen und Blumen können ein sehr schwieriges Thema zum Zeichnen sein, da man sich leicht in der großen Anzahl sich wiederholender Muster und komplexer Formen verlieren kann. Keine Sorge! Es ist extrem üblich, sich beim Zeichnen von irgendetwas – besonders von Pflanzen und Blumen – zu verlieren und unsicher zu sein, wohin man geht. In diesem Tutorial werde ich Möglichkeiten vorstellen, das Zeichnen von Blumen und Pflanzen zu studieren, nützliches Wissen über die Struktur vieler Blumen und Pflanzen, und einige Tipps speziell für Clip Studio Paint, um beim digitalen Zeichnen von Blumen und Pflanzen zu helfen. Los geht's!

Zusammenfassung der Erkenntnisse aus Pflanzenstudien

In diesem TIPPS-Tutorial gehe ich drei Studien durch, die ich durchgeführt habe, um mehr über das Zeichnen von Pflanzen und Blumen zu erfahren. Jede Studie lieferte neue Informationen, hier fasse ich zu Beginn zusammen, was ich in Form von anwendbaren Tipps für das Zeichnen und Malen von Blumen gelernt habe. Wer interessiert ist, kann mehr darüber lesen, wie jede Studie meine Praxis beeinflusst hat. 1. Viele Blumen und Pflanzen sind zart, um diese Blumen zu zeichnen oder zu malen, verwenden Sie S- und C-Kurven.

2. Beim Malen von Blumen und Pflanzen geht es viel um Abstufungen. Viele Blumen ändern ihre Farben von innen nach außen an den Rändern ihrer Blütenblätter. Selbst Blätter haben subtile Abstufungen, und verschiedene Bereiche einer Pflanze (normalerweise in Bodennähe) können älter aussehen und einen anderen, meist gelblichen Farbton haben. 3. Im Zusammenhang mit dem letzten Punkt haben viele Blumen durchscheinende Blütenblätter, die „Licht einfangen“ und fast weiße Ränder erzeugen. Abstufungen verlaufen normalerweise von einem dunkleren Wert in der Mitte zu einem helleren Wert in der Nähe der Ränder. 4. Dunkelgrüne Blätter als Hintergrund, um die normalerweise hellen und lebendigen Blumen zu kontrastieren, lassen die Blumen hervorstechen! Es müssen nicht unbedingt Blätter sein, aber sie sind eine sehr natürliche Hintergrundwahl.

5. Achten Sie nicht nur auf die Form von Pflanzen und Blumen, sondern auch auf den Negativraum, die Lücken zwischen Pflanzen oder die Lücken zwischen Blütenblättern, Lücken zwischen Ästen eines Baumes. Das Konzentrieren auf diese Negativräume kann das Design Ihres Gemäldes glaubwürdiger machen und das Malen und Zeichnen erheblich erleichtern. Ich ermutige Sie, eigene Studien von Pflanzen und Blumen oder jedem Thema zu machen, das Sie interessiert. Setzen Sie sich das Ziel, alles über Ihr Thema zu beobachten und zu lernen. Sie können traditionelle Werkzeuge wie Aquarell verwenden oder sogar portabel mit einem Tablet oder iPad und der Clip Studio Paint App arbeiten. Wenn Sie meine Pflanzen- und Blumenstudien sehen möchten, fahren Sie fort! Andernfalls, um diese Tipps in Aktion zu sehen, siehe den Abschnitt „Illustriertes Beispiel (Pfingstrosen)“.

Pflanzen und Blumen studieren

Einer der möglichen Gründe, warum manche Menschen entmutigt werden, Pflanzen und Blumen zu zeichnen, ist, dass sie von Anfang an sehr schwierige Motive zum Studieren wählen. Es ist zum Beispiel extrem schwierig, die Details eines Waldes zu studieren. Verschiedene Baumarten überlappen sich, Äste kreuzen sich, eine ganze Kakophonie komplexer Formen, die viele einfach dazu bringt, frustriert zu werden, wahllos Striche zu malen oder zu zeichnen oder Abkürzungstechniken zu verwenden und den Tag zu beenden. Verstehen Sie mich nicht falsch! Ich denke, Abkürzungen und Vereinfachungen sind beim Malen sehr nützlich. Aber für mich ist das Ziel, wenn ich ein Thema studiere, etwas darüber zu lernen. Ich habe mir vorgenommen, etwas über Formen und Wertanordnungen von Blumen und Pflanzen zu lernen, Dinge, auf die ich während meiner Studien sehr achten kann und die mir, so glaube ich, helfen werden, ein besserer, bewussterer Künstler zu werden. Wenn Sie die Formen von Pflanzen und Blumen studieren möchten, beginnen Sie mit etwas viel Einfacherem und Sie werden viele Dinge lernen! Lassen Sie mich Ihnen ein paar Dinge mitteilen, die ich aus einigen Studien gelernt habe.

Dies ist eine schnelle Studie, die ich von einer lustig aussehenden Großblattpflanze gemacht habe, die ich in einem Botanischen Garten sah. Erstellt in Clip Studio Paint mit dem Standard-Schwarz „Lighter Pencil“-Tool und dem Standard „Kneaded Eraser“-Tool. Ich überlegte, was mir das Gefühl gab, dass diese Pflanze eine Art alberne Stimmung ausstrahlte. Wenn man bei A die Umrisse des Hauptblattes betrachtet, besteht es aus vielen S- und C-förmigen Kurven, die miteinander verbunden sind und eine sehr „wackelige“ Kontur bilden. Ich denke, das hat dazu beigetragen, wie ich die Pflanze ausgedrückt habe, und es ist auch bei Punkt C, dem kleineren Blatt, erkennbar. Die Schattierung bei Punkt B wurde verwendet, um den Effekt zu erzielen, dass die Kontur des Blattes nicht das Einzige ist, was hin und her schwingt, sondern dass es auch Bereiche des Blattes im Schatten gibt, was andeutet, dass das Blatt sich auch zum Betrachter hin und von ihm weg bewegt. Eine weitere Sache, die ich aus dieser Studie gelernt habe, ist, dass S- und C-förmige Kurven oft verwendet werden, um Pflanzen und Blumen zu beschreiben, sehr selten werden gerade Linien verwendet. S- und C-förmige Kurven vermitteln ein Gefühl der Zartheit. Dies ist auch am Stiel bei Punkt D ersichtlich, obwohl der Stiel im wirklichen Leben gerader ist, habe ich hier die Kurve übertrieben, um dem oberen Blatt mehr Gewicht oder Sprungkraft zu verleihen. Wenn wir also Blumen und Pflanzen zeichnen wollen, die sich zerbrechlich, zart, vergänglich anfühlen, sollten wir viele S- und C-Kurven verwenden. Wenn Sie hingegen raue Baumrinde darstellen wollten, wäre das ein perfekter Zeitpunkt, um gezackte gerade Linien zu verwenden.

Diese zweite Studie zeigt eine kleine Gruppe von Blumen, die in einem örtlichen Botanischen Zentrum aus dem Boden sprießen, ebenfalls mit den Werkzeugen „Lighter Pencil“ und „Kneaded Eraser“ in Clip Studio Paint erstellt. Diese Blumen erregten mein Interesse wegen der großen Überlappung, die eine pyramidenartige Struktur bildete. Punkt A markiert die Spitze einer dieser Strukturen. Etwas, das beim Studieren sehr erkennbar war, ist, dass bei vielen Blumen das Zentrum der Blume nach außen in eine andere Farbe in der Nähe der Ränder übergeht. Ich habe diese Studie nicht in Farbe gemacht, aber bei dieser speziellen Blume war die Mitte ein tiefes, dunkleres Magenta im Vergleich zu den hellrosa Rändern. Viele Blumen „fangen Licht“ mit den Rändern ihrer durchscheinenden Blütenblätter ein, wodurch sie außen heller werden. Indem ich die Größe des Lighter Pencil-Tools erhöhte, tupfte ich einfach die Mitte bei Punkt A und andere Blumen, um diese Abstufung zu zeigen. Punkt B zeigt einen Schlagschatten von einem Blütenblatt in einer oberen Schicht auf eine untere Schicht, es half, die Form dieser Blumengruppe zu definieren, im wirklichen Leben schien dies nicht zu dunkel zu sein, vielleicht weil die Blütenblätter etwas Licht übertrugen. Schließlich zeigt Punkt C ein Blatt, ich bemerke, dass das Kontrastieren der normalerweise hellen Blumen mit dunkelgrünen Blättern und anderem Laub die Blumen wirklich hervorhebt.

Diese letzte Studie zeigt eine Methode zum Studieren von Blumen, Pflanzen und Bäumen mit komplexeren Formen. Eine gute Idee ist es, das Motiv im Schattenriss zu zeichnen, dabei die Tiefe des Motivs zu vergessen und sich stattdessen auf die Formen zu konzentrieren. Sie können Ihre Studie bewerten, indem Sie sehen, ob das Motiv mit nur einem ausgefüllten Schattenriss noch erkennbar ist... In meiner Studie glaube ich nicht, dass dies so erkennbar wäre. Beim Silhouettieren ist es wichtig, nicht nur das Ausgefüllte zu betrachten, sondern auch das, was weggelassen wird. Dies kann beim Zeichnen von Pflanzen und Blumen enorm helfen, um Formen zu erhalten, die selbstbewusst und bewusst gestaltet wirken. Bei Punkt B betrachtete ich den Spalt zwischen den beiden Ästen und zeichnete meine Form stattdessen mit dem „Hard Eraser“-Werkzeug aus. Dies wurde in Clip Studio Paint mit den Werkzeugen „G-Pen“ und „Fill Bucket“ erstellt. Ich versuchte, einen Baum mit orangefarbenen Blättern zu silhouettieren, der von grünen Bäumen umgeben war und auffiel. Obwohl ich die beiden anderen Studien oben bevorzuge, gefällt mir, wie ich die Äste wie bei Punkt A eingefangen habe, da die Dicke der Äste mit dem Verzweigen des Baumes langsam abnimmt. Mit den Ästen dieser Studie bin ich zufrieden, weniger mit den Blattbündeln. Aber da ich aus dieser Studie etwas gelernt habe, betrachte ich sie als Erfolg!

Illustriertes Beispiel (Pfingstrosen)

Ich beginne meine Zeichnung mit einer Silhouette der Blume. Die Silhouette ist wichtig, da sie dem, was Sie zeichnen, so viel Charakter verleihen kann, sie definiert die Formen in der Pflanze oder Blume. Zum Beispiel, ist es eine stachelige Pflanze, hat sie rundere Blütenblätter, dreieckige Blütenblätter? Dies sind Dinge, die einfach aus der Silhouette identifiziert werden können. Für die Pfingstrosen hat diese Silhouette runde Blütenblätter, einige davon schweben wie der Stoff eines Kleides. Im Bild unten sehen Sie, dass die Silhouette sehr grob war! Das Dunkelgrün, um die Blume zu silhouettieren, wird ihr helfen, „hervorzustechen“, da es einen Kontrast bietet, sobald wir anfangen, diese hellrosa Blume zu malen. Wenn Sie neugierig auf die verwendeten Materialien sind, habe ich einfach einen G-Pen, eingestellt auf ein relativ tiefes Dunkelrot für die Umrisse, und den „Oil paint flat brush“, von Clip Studio Paint zur Verfügung gestellt, verwendet.

Bevor wir beginnen, falls Sie neugierig auf meine Ebenenstruktur sind, hier ist sie. Sie müssen ihr nicht streng folgen, aber es war für mich praktisch.

A: Ich begann mit der Silhouette der Pfingstrose, dies war meine erste Ebene. B: Diese beiden Ebenen sind, wo ich die Blume male. Die untere Ebene ist einfach eine weiße Basis, ich füllte die Silhouette mit dem „Paint Bucket“-Werkzeug weiß aus, dann ist die darüberliegende Ebene einfach an die weiße Basisebene geklippt, damit ich die absichtlich entworfene Silhouette nicht versehentlich durcheinander bringe. Das nächste Bild zeigt die Schritte dafür. C: Zuletzt ist dies meine Hintergrundebene, ich malte einen grünen Umriss ein, um mich daran zu erinnern, später Blätter zu malen. Verwenden Sie die Einrichtung, die für Sie am besten funktioniert, manche bevorzugen viele Ebenen, manche nur eine! Meine einzige Empfehlung ist, NICHT für jedes Blütenblatt eine Ebene zu erstellen. Gegen Ende habe ich sowieso alle Ebenen zusammengeführt, um letzte Feinarbeiten vorzunehmen.

Hier sind einige grundlegende Anweisungen zum Einrichten einer Ebenenmaske mit Clipping-Effekt. Führen Sie zuerst Operation A aus, füllen Sie Ihre Silhouette auf einer anderen Ebene mit dem Fülleimer-Werkzeug unter Verwendung von „Andere Ebenen referenzieren“ aus; sie ist nur zur besseren Sichtbarkeit rosa gefärbt, diese Ebene wurde jedoch tatsächlich weiß gefüllt. Eine andere Möglichkeit besteht darin, das Zauberstab-Werkzeug auf der Silhouette-Ebene zu verwenden, die Auswahl zu invertieren und diese auf einer neuen Ebene auszufüllen. Nachdem Sie eine Ebene mit einer Basisfarbe haben, führen Sie Operation B in Blau aus. Erstellen Sie eine Ebene darüber und klicken Sie auf das Symbol „Auf darunterliegende Ebene clippen“. Wann immer Sie auf dieser blauen Ebene zeichnen, ist sie nur sichtbar, wenn sie die darunterliegende gefüllte Ebene überlappt!

Jetzt sind wir bereit zum Malen! Um eine realistischere Blume zu schaffen, müssen Farbabstufungen sorgfältig platziert werden, um die Blütenblätter zu formen und dem Gemälde Tiefe zu verleihen. Erinnern Sie sich aus dem Studienabschnitt, dass viele Blumen in ihren Blütenblättern Licht einfangen und somit von dunkel nach hell, von der Mitte nach außen, abgestuft werden. Bei der Pfingstrose liegen die gesättigtsten tiefen, kühlen Rottöne in den Spalten der Blütenblätter, die wunderschön zu einem Hellrosa und Weiß übergehen. Mit digitalen Werkzeugen in Clip Studio Paint werde ich Ihnen einige Methoden zeigen, die Ihnen bei der Farbabstufung für die Blütenblätter einer Pflanze helfen. In diesem Gemälde habe ich eine Kombination aus allen verwendet, fühlen Sie sich frei, jede davon auszuprobieren und die zu verwenden, die Ihnen am ansprechendsten erscheint.

Technik 1: Verlaufs-Pinsel-Technik

In der traditionellen Malerei ist eine schöne Methode, diese Abstufungen zu erzeugen, eine unvollständige Mischung auf einem Flachpinsel. Ein Ende des Pinsels ist mit einer Farbe beladen und das andere Ende mit einer anderen Farbe. Im GIF unten demonstriere ich dies mit Aquarellfarben.

Ich zeige Ihnen eine Möglichkeit in Clip Studio Paint, wie Sie jeden Ihrer Lieblingspinsel in etwas verwandeln können, das diese traditionelle Technik nachahmt! Wählen Sie einen Ihrer Lieblingspinsel und duplizieren Sie das Werkzeug, indem Sie mit der rechten Maustaste auf „Werkzeug duplizieren“ klicken. Ich habe den integrierten „Ölfarben-Flachpinsel“ von Clip Studio Paint dupliziert und ihn in „Ölfarben-Flachpinsel (unvollständig)“ umbenannt.

Gehen Sie in die Sub-Tool-Einstellungen und zum Reiter „Starten und Beenden“ 1. Starten und Beenden: Ändern Sie zu „Mit Unterfarbe mischen“ 2. So spezifizieren: Ändern Sie zu „Nach Prozentsatz“ 3. Kontrollkästchen „Starten“ auswählen: Ändern Sie zu 100,0 4. Kontrollkästchen „Starten und Beenden nach Geschwindigkeit“ deaktivieren. Gehen Sie zuletzt zum Reiter „Tinte“ 1. Mit Unterfarbe mischen: Schieben Sie den Regler auf 100,0

Wenn Sie Ihren Pinsel nun verwenden, beginnt er mit Ihrer ausgewählten Hauptfarbe, und das hintere Ende jedes Strichs verläuft in Ihre Sekundärfarbe. In meiner Zeichnung habe ich einige dieser Striche mit einem gesättigten kühlen Rot und einem Hellrosa verwendet, um einige Blütenblätter zu definieren.

Unten ist ein GIF, das die Art von Pinselstrichen zeigt, die Ihr neu erstellter Pinsel jetzt erzeugen sollte! (Ganz am Ende verwende ich auch das „Transparente Aquarell“-Werkzeug, um einige Kanten zu verblenden)

Technik 2: Verwendung von Clip Studio Paint-Assets (Aquarellpinsel)

Einige Pinsel in Clip Studio Paint sind so konzipiert, dass sie die Eigenschaften von echten Aquarellpinseln nachahmen. Diese Pinsel sind nützlich für die Blumenmalerei, indem sie zusätzliche Striche über vorhandene legen, werden Bereiche dunkler und gesättigter. Hier ist ein Link zu dem Pinsel, den ich für dieses Gemälde verwendet habe, gefunden in den Clip Studio Paint-Assets, erstellt von Community-Benutzern.

Dieser Pinsel war für mich besonders nützlich, um diese sehr tiefen kühlen Rottöne in die Mitte der Pfingstrosenblüte einzufügen. Durch das Hinzufügen von Pinselstrichen über Pinselstrichen entstanden interessante Kanten, und die Farbe „platzte heraus“, anstatt sehr verschwommen zu werden, was eine schlechte Angewohnheit ist, in die ich persönlich gerne verfalle. Probieren Sie es aus! Wenn dieser Pinsel nicht nach Ihrem Geschmack ist, gibt es auch viele andere interessante Pinsel auf der Asset-Seite von Clip Studio Paint, es lohnt sich, etwas Zeit zum Erkunden und Experimentieren zu investieren!

Technik 3: Verwenden von Überblend-/Airbrush- oder anderen Mischpinseln

Die bekannteste Methode, um Farbabstufungen in der Malerei zu erzeugen, ist wahrscheinlich die Verwendung eines Airbrush- oder Mischwerkzeugs, das harte Kanten in weichere zerlegt. Der mit Clip Studio Paint gelieferte Pinsel „Transparentes Aquarell“ ist ebenfalls ein gutes Werkzeug dafür. Viele Leser sind damit möglicherweise bereits vertraut; verwenden Sie einfach das Farbauswahlwerkzeug an einer nahegelegenen Kante und verwischen oder verblenden Sie harte Kanten mit einem Airbrush, um Farbabstufungen zu erzeugen. Hinweis: Seien Sie vorsichtig mit übermäßigem Gebrauch des Airbrush, der einem Gemälde ein unverwechselbares, verschwommenes Aussehen verleiht.

Den Prozess aufschlüsseln

Aus der von uns erstellten Silhouette begann ich einfach zu malen, hatte Spaß dabei und nutzte die oben genannten Techniken. Der Schlüssel hier ist, sich nicht zu sehr auf ein Blütenblatt gleichzeitig zu konzentrieren, wie wir zuvor erwähnt haben. Stattdessen arbeitete ich daran, einige gesättigte, tiefe, kühle Rottöne hinzuzufügen, um einige Spalten zu definieren, wie Sie in der Mitte der beiden Blumen sehen können. 1. Das Zentrum dieser Blumen hat die meiste Farbe, also begann ich dort. 2. Ich begann, einige harte Kanten für Spalten und Blütenblätter zu definieren. Nichts ist endgültig, wir fangen gerade erst an, Sie werden sehen, wie sich viele dieser Formen im Laufe der Zeit ändern. Für einige, mich eingeschlossen, kann es einschüchternd sein, nur Weiß auf der Seite zu haben, eine weiße Leinwand mit so vielen Möglichkeiten. Ich versuche, so schnell wie möglich Farbe aufzutragen, um in den Malfluss zu kommen. Also fassen Sie Mut, legen Sie diese Pinselstriche fest und behalten Sie die Mentalität bei, dass Sie sich immer in einer Blockierphase befinden, in der Sie zurückkommen und Dinge ändern können, wenn Sie das möchten.

Ich habe immer an einer Blume gleichzeitig gearbeitet, leider habe ich alle Aufnahmen verloren, als ich an der erblühten Pfingstrose links arbeitete. Ich bin jedoch alle Blumen auf die gleiche Weise angegangen, also werfen wir einen Blick darauf, wie ich die obere rechte Pfingstrose in mittlerer Blütezeit in Angriff genommen habe. Wenn man dieses Bild mit dem vorherigen vergleicht, habe ich diese Pfingstrose bereits verändert und meine vorherige Arbeit übermalt. Ich habe den erstellten Ölfarben-Flachpinsel (Unvollständig) verwendet, um einige Blütenblätter zu definieren (Technik #1). Ich habe die Primärfarbe auf ein tief gesättigtes kühles Rot und die Sekundärfarbe auf ein sehr helles Rosa eingestellt. Ich fange sehr gerne mit diesem Pinsel an, da er mir hilft, Abstufungen sehr schnell mit einem einzigen Pinselstrich zu erkennen.

Beim Malen dieser oberen rechten Pfingstrose gab es einige wichtige Momente im Prozess. 1. Nach dem ersten Anlegen definierte ich einige tief kühle rote Bereiche in der Mitte der Blume. Ich erinnerte mich daran, die Wertestruktur zu betrachten. Aus den Studien erinnern wir uns, dass viele Blumen von dunkleren Werten in der Mitte zu helleren Werten an den Rändern übergehen. Bei der Pfingstrose sind die gesättigtsten Farben auch in den Spalten der Blume vorhanden, und es gibt viel tiefere Spalten, die in der Nähe der Mitte der Blume nicht vom Licht getroffen werden. 2. Hier ist ein weiterer wichtiger Schritt am Anfang, beachten Sie die weißen Umrisse, die langsam gezeichnet werden. Diese wurden mit dem „G-Pen“-Werkzeug in einer fast weißen Farbe erstellt. Wir haben viel über Methoden für Abstufungen gesprochen, aber Blumen haben auch harte Kanten! Meine härtesten Kanten habe ich mit dem „G-Pen“-Werkzeug definiert. Sie sind weiß gefärbt, da die Blütenblätter Licht einfangen, ein weiterer Aspekt von Blumen, den wir im Studienabschnitt gelernt haben. 3. Ich beginne, gesättigtere und dunklere Rottöne in die Spalten einzubringen. Ich erweitere den Wertebereich für diese Blume kontinuierlich. Beachten Sie, dass ich nach dem Definieren der weißen Kanten der Blütenblätter im vorherigen Schritt auch einige harte rote Kanten direkt daneben definiere. Dies dient dazu, diesen Blütenblättern Tiefe zu verleihen; direkt nach dem Ende eines Blütenblatts sollte eine Spalte sein. Im Bild unten weise ich dies bei Punkt A hin, vergleichen Sie diesen Punkt zwischen den beiden nebeneinander liegenden Momenten.

4-7. Diese Schritte sind die Verfeinerungsphasen und können unterschiedlich lange dauern. Ich arbeite langsam an der Blume, die Grundstruktur ist nun vorhanden, also wiederhole ich meine Techniken, um kompliziertere Details aufzubauen. Ich füge immer mehr Spalten in tiefem, kühlem Rot hinzu und verfeinere diese Formen. Ich definiere weiterhin neue Blütenblätter mit den weißen Linien des „G-Pen“ und stufe diese Blütenblätter von einem dunkleren Wert zu einem helleren Wert an den Rändern ab, unter Verwendung der Techniken (1-3), hauptsächlich aber 3. Beim Vergleich von Moment 4 und 7 sehen Sie das offensichtlichste Beispiel dieses Gradationsprozesses zur Definition eines Blütenblatts. Der Vergleich der Punkte A und B im Bild unten zeigt, wie diese Blütenblätter mit einer Vielzahl von Pinselstrichen abgestuft wurden.

Jetzt ist die Pfingstrose in mittlerer Blüte fertig! Dieselben Techniken und Schritte wurden auch für die voll erblühte Pfingstrose links und die Pfingstrose am unteren rechten Rand, die gerade zu blühen beginnt, angewendet.

Anpassungen und Ebenenmasken-Techniken

Eine meiner Tendenzen beim Malen ist, dass die Werte und Farben oft gedämpft werden, so empfinde ich es. Dies geschieht auch in traditionellen Medien ganz natürlich, zum Beispiel bei Aquarellfarben, wo die Farbe beim Trocknen des Pigments stumpf wird und neu übermalt werden muss. Nachdem ich die Blumen gemalt hatte, habe ich die „Tonwertkorrektur“ und „Ebenenmaske“-Techniken von Clip Studio Paint verwendet, um mehr Kontrast einzubringen und das Blumenbild fertigzustellen. Unten blättert durch A und B, der Unterschied ist sehr deutlich, was wir durch Tonwertkorrektur- und Ebenenmasken-Techniken erreichen können! Lassen Sie uns lernen, wie das geht.

Beginnen Sie damit, die Ebene mit Ihrem Gemälde zu duplizieren. 1. Klicken Sie mit der rechten Maustaste auf die Ebene, wählen Sie Duplizieren.

Stellen Sie sicher, dass Sie sich auf der neu duplizierten Ebene befinden und gehen Sie zur Menüleiste. 2. Gehen Sie zu „Bearbeiten“ -> „Tonwertkorrektur (D)“ -> „Helligkeit/Kontrast“. 3. Passen Sie die Schieberegler nach Ihren Bedürfnissen an. Da ich meine Farben als verschwommen empfand und die Blume als Ganzes zu hell war, habe ich die Helligkeit verringert und den Kontrast erhöht. Aktivieren und deaktivieren Sie das Kontrollkästchen „Vorschau“, um die Unterschiede hervorzuheben. 4. Klicken Sie auf „OK“, um die Änderungen zu übernehmen.

Oft haben globale Anpassungen durch die Tonwertkorrektur, sei es Helligkeit/Sättigung oder ein anderer Filter, Aspekte, die Ihnen gefallen, aber einige Bereiche können übertrieben sein. Das resultierende Bild aus dieser „Helligkeit/Kontrast“-Anpassung ist unten gezeigt, ich mochte bestimmte Aspekte der Änderung, aber andere Bereiche empfand ich als übertrieben.

Die Tonwertkorrektur war erfolgreich darin, den gewünschten Kontrast hervorzuheben, jedoch waren Bereiche wie Punkt A übertrieben. Hier sieht es blutrot und irgendwie beängstigend aus! Außerdem gibt es zu viel Kontrast in der Nähe der Blumenränder, was das Gesamtbild unnatürlich wirken lässt. In der Nähe der Ränder bevorzuge ich mein ursprüngliches Gemälde vor der Tonwertkorrektur. Wie kann ich das Beste aus beiden Welten behalten?

Die Ebenenmaske kann verwendet werden, um die Auswirkungen von Filtern / Tonwertkorrekturen abzuschwächen. So erstellen Sie eine Ebenenmaske: 1. Wählen Sie die Ebene mit den Tonwertkorrekturen aus. Klicken Sie auf „Ebenenmaske erstellen“. 2. Um das Originalgemälde in bestimmten Bereichen wiederherzustellen, stellen Sie sicher, dass Sie auf der Ebenenmaske malen. 3. Ich habe das „Soft Eraser“-Werkzeug verwendet, um Bereiche der Tonwertkorrektur zu löschen und mein Originalgemälde freizulegen. Sie können jedoch Bereiche mit jedem Radiergummi oder Pinsel, der auf eine schwarze Farbe eingestellt ist, löschen. Malen Sie die Tonwertkorrektur mit jedem Pinsel, der auf eine weiße Farbe eingestellt ist, zurück. Experimentieren Sie ruhig, was für Sie am besten funktioniert! 4. Überprüfen Sie die Miniaturansicht, um sicherzustellen, dass Sie Änderungen an der Ebenenmaske und nicht an der eigentlichen Ebene vornehmen. Denken Sie daran, schwarze Markierungen zeigen Bereiche an, in denen Sie das darunterliegende Originalgemälde freilegen.

Nach dem Abschwächen der Tonwertkorrekturen ist das Malen der Blumen nun abgeschlossen! Bevor wir zum Hintergrund übergehen, werde ich hier eine Pause machen und einige Unterschiede in den drei gemalten Blumen aufschlüsseln.

Hier ist ein beschriftetes Diagramm, um einige wichtige Bereiche hervorzuheben. 1. Die obere rechte Pfingstrose ist dabei, vollständig zu erblühen. Beachten Sie, wie bei Punkt B das tiefe Rot in Form einer dünnen Linie erscheint. Dies hilft, die Struktur der Blütenblätter und die Richtung dieser Blume anzuzeigen. Die Blütenblätter zeigen hier nach rechts, vielleicht wurden sie von der großen, voll erblühten Pfingstrose links beiseite gedrängt. Vergleichen Sie dies mit dem näheren Zentrum dieser Pfingstrose, wie bei Punkt A, wo gesättigte, kühle Rottöne stärker gebündelt und größer sind. 2. Die untere rechte Blume zeigt eine Pfingstrose in den Anfangsstadien des Erblühens. Hier habe ich die Airbrush-Technik verwendet, um einen sehr glatten Verlauf am unteren Rand der Blume bei Punkt C zu erzielen. Ich habe einige harte Kanten mit einem fast weißen „G-Pen“-Werkzeug definiert; dieser untere Bereich der Pfingstrose ist viel dunkler als der obere Bereich, da die Lichtquelle von oben kommt. Was dieser Pfingstrose Leben verleiht, sind meiner Meinung nach die beiden Blütenblätter bei Punkt C, die so weit voneinander getrennt sind, dass sie sich Raum zum Atmen geben; diese beiden einzelnen Blütenblätter bringen meiner Meinung nach die untere rechte Blume zusammen und helfen dem Betrachter, das Bild zu verstehen. Insbesondere hilft es zu zeigen, dass die anderen weißen Linien die Ränder der geschlossenen Blütenblätter dieser Pfingstrose anzeigen. 3. Die voll erblühte Pfingstrose war definitiv die schwierigste. Die Schichten von Blütenblättern waren groß und komplex. Beachten Sie, dass ich bei D das „Transparente Aquarell“-Werkzeug verwendet habe, um den Übergang zwischen Pink und Rot zu verblenden, um diese Blütenblätter zu definieren (Technik #3). Vergleichsweise gibt es in der Nähe des Zentrums bei E eine Reihe harter Kanten mit Spalten und Rändern von Blütenblättern. Ich habe hier viele Aquarellpinsel wiederholt verwendet, um Kanten abzudunkeln und eine sehr gesättigte, tiefe, kühle rote Farbe zu erhalten (Technik #2).

Hintergrund/Blätter

Es liegt im Ermessen des Künstlers, ob er die Blumen ohne Hintergrund malen möchte. Ein rein weißer Hintergrund oder einfarbiger Hintergrund kann manchmal vorzuziehen sein. In diesem Abschnitt zeige ich Ihnen, wie ich einen Hintergrund aus Blättern hinzugefügt habe, um die Pfingstrose zu begleiten. Ich entschied mich für das Hinzufügen des Hintergrunds, denn wenn Sie sich an die Ideen erinnern, die ich aus meinen Studien gelernt habe – Blätter oder Laub als Hintergrund lassen leuchtende Blumen wirklich hervorstechen! Der Trick ist, dass die Blumen in den meisten Fällen immer noch der Fokus des Bildes sein sollten, daher war mein Ziel, einen Hintergrund hinzuzufügen, der die Blumen betont, aber auch subtil ist.

Um mit dem Zeichnen der Hintergründe zu beginnen, nutzte ich die bereits vorhandene grüne Umrisslinie, die die Pfingstrose silhouettierte. Von hier aus erweiterte ich, malte Pinselstriche, die sich verjüngen, um die dunkle Seite einiger Blätter darzustellen. Ich wollte die Bereiche direkt um die Pfingstrose dunkler halten, um einen Kontrast zu den weißen Rändern der Blütenblätter zu schaffen. Dies geschah sehr schnell, da ich einfach das Weiß auf der Seite loswerden und Details später verfeinern wollte.

Das Ausfüllen des Hintergrunds erfolgte schnell und mit großen Pinselstrichen. Werfen Sie einen Blick darauf, wie groß die Pinselstriche in diesen Anfangsstadien sind (Moment 1-4). Ich füllte schnell bis zu den Rändern der Leinwand. Beachten Sie den linken Rand bei Punkt A und Punkt B auf den Bildern 3 und 4. Ich wollte einige hellere Grün-Gelbtöne einfügen, da das Licht auch die Blätter treffen wird, wie zum Beispiel neben Punkt A. Ich wollte jedoch die Ränder der Leinwand dunkler halten, um den Fokus des Betrachters auf die Mitte des Bildes zu lenken. Also malte ich im Moment 4 die Punkte A und B dunkler grün.

Meine ursprüngliche Idee war es, die gesamte Leinwand auszumalen und mit Blättern und dunklem Laub zu füllen. Doch mitten drin, nach „Moment 4“, änderte ich meine Meinung. Es ist in Ordnung, seine Meinung zu ändern und mit dem, was man malt, zu experimentieren, auch wenn es spät im Prozess ist! Mir persönlich gefiel die Idee eines komplett ausgefüllten Hintergrunds nicht, weil ich das Gefühl hatte, ihn nicht interessant gestalten zu können. Stattdessen begann ich, mit verschiedenen weißen Pinseln und dem „Knetgummi“-Werkzeug zu radieren.

Nach viel Experimentieren entschied ich mich schließlich dafür, die rechte Seite der Blumen mit einigen herausragenden Blättern zu silhouettieren; diese sind bei Punkt A gezeigt und werden zwischen Moment 7 und 8 verfeinert. Ich fügte auch einen kleinen Ast bei Punkt B in Moment 8 hinzu. Da das Licht von oben kommt, verwendete ich ein Brauenrot und ein sehr dunkles Rot, um eine helle und eine Schattenseite zu zeigen. Zuletzt begann ich erst in diesem Stadium, den abstrakten grünen Hintergrund in die Form einiger Blätter zu verfeinern. Bei Punkt C begann ich, einige Blätter zu zeichnen, die Sie langsam Gestalt annehmen sehen können, wenn Sie Moment 7 und Moment 8 vergleichen. Wenn Sie versuchen, einzelne Blätter sofort für den Hintergrund zu definieren, ist es üblich, überwältigt, frustriert und verloren zu sein, das passiert mir definitiv.

Zum Schluss hier der fertige Hintergrund. Die Blätter links wurden mit einigen Linien unter Verwendung eines Aquarellpinsels (Technik #2) verfeinert, um Muster auf jedem Blatt anzuzeigen. Die Silhouette auf der rechten Seite wurde ebenfalls verfeinert, und wieder wurden der untere und linke Rand abgedunkelt, um den Fokus auf die Blumen zu lenken. Wenn Sie ein paar Blätter definieren, kann der Betrachter den Rest mit den weniger verfeinerten Pinselstrichen ausfüllen. Denken Sie daran, die Blätter sind nicht der zentrale Fokus des Gemäldes (zumindest nicht für dieses Gemälde); indem Sie den Fokus Ihres Gemäldes verstehen, können Sie bewusst auswählen, welche Dinge Sie vereinfachen möchten.

Es wäre in Ordnung, hier aufzuhören, und rückblickend hätte ich das vielleicht auch getan! Aber während des Prozesses sahen die grünen Blätter für mich nicht richtig aus und ich war sehr enttäuscht vom Hintergrund...

Ein schneller neuer Look – Tonwertkurven, letzte Details, Ebenenmasken (nochmal)

Oftmals lässt die Inspiration während eines Gemäldes oder manchmal gegen Ende nach, da man lange Zeit auf dasselbe Bild gestarrt hat. Es ist oft nützlich, einfach einen frischen neuen Blick auf ein Gemälde zu werfen, um zu sehen, was möglich ist und möglicherweise Inspiration zu finden. So fühlte ich mich am Ende dieses Gemäldes, die grünen Blätter im Hintergrund gefielen mir nicht besonders, also verwendete ich Tonwertkurven, um Inspiration zu finden. „Tonwertkurven“ ist eine weitere Option unter „Tonwertkorrektur (D)“, genau wie die Funktion „Helligkeit/Kontrast“, die beim Malen der Pfingstrosenblüte beschrieben wurde. Die Tonwertkurve ermöglicht es Ihnen stattdessen, die Farben der ausgewählten Ebene anzupassen und den Ausdruck von Rot-, Blau- und Grüntönen zu ändern. Der Prozess zum Erstellen einer „Tonwertkurve“ ist dem Anwenden einer „Helligkeit/Sättigung“-Korrektur sehr ähnlich! Da mein Problem beim Hintergrund lag und ich den Hintergrund auf einer separaten Ebene erstellt hatte, begann ich damit, die Hintergrundebene zu duplizieren und zum Menü zu gehen. 1. Duplizieren Sie die Ebene, auf die Sie die Tonwertkurve anwenden möchten. 2. Gehen Sie zu „Bearbeiten“ -> „Tonwertkorrektur (D)“ -> „Tonwertkurve...“ 3. Ein Dialogfeld für die Tonwertkurve erscheint, passen Sie die Tonwerte an und verfolgen Sie die Änderungen, indem Sie „Vorschau“ aktivieren. 4. Klicken Sie auf „OK“, um die Tonwertkurve anzuwenden.

Punkt A: Dieses Dropdown-Menü im Tonwertkurvenfenster ermöglicht Ihnen, zwischen Rot-, Blau- und Grünkurven zu wechseln. Punkt B: Klicken Sie auf das Diagramm, um neue Punkte zu erstellen. Verschieben Sie die erstellten Punkte, um die Kurve zu ändern; die Eingabewerte auf der horizontalen Achse werden den Ausgabewerten auf der vertikalen Achse zugeordnet.

Hier ist das Ergebnis der Tonwertkurve, genau wie bei der Tonwertkorrektur „Helligkeit/Kontrast“ gab es Bereiche, die mir sehr gut gefielen, wie die Magentatöne in den Blättern oben links, die Änderung der Hintergrundfarbe; aber es gab Bereiche, die übertrieben waren. Diese Bereiche wurden mit Hilfe einer Ebenenmaske abgemildert und wegradiert. Beachten Sie den Abschnitt „Anpassungen und Ebenenmasken-Techniken“ zur Wiederholung der Verwendung einer Ebenenmaske. Dies half mir, mit dem Hintergrund zufrieden zu sein; die grünen Blätter, obwohl sie die rosa/roten Pfingstrosen ergänzten, empfand ich als ablenkend für das Bild. Der magentafarbene Hintergrund war ein unerwarteter Vorteil, den ich beibehalten wollte! Mir gefiel, wie er dazu beitrug, die Ränder der oberen rechten Pfingstrose zu definieren. In diesem Gemälde wurde die Tonwertkurve verwendet, um das Gemälde fertigzustellen. Oftmals nutze ich sie mitten im Malprozess, um Inspiration für neue Wege zu finden, die das Bild einschlagen könnte. Eine frische Perspektive mit verschiedenen Tönen hilft, neue Ideen zu generieren, aber auch andere Filter und Korrekturen können dazu verwendet werden, einen digitalen Künstler zu inspirieren und ihm Orientierung zu geben. Ich ermutige Sie, mit allen verfügbaren Werkzeugen zu experimentieren!

Vielen Dank

Vielen Dank, dass Sie sich die Zeit genommen haben, diesen TIPPS-Artikel zu lesen. Im Prozess der Recherche, Studien, Erstellung von Werken und dem Verfassen dieses Projekts habe ich immens viel gelernt. Ich habe nicht nur gelernt, wie man Blumen und Pflanzen malt, sondern auch, wie man ein besserer Künstler im Allgemeinen wird, indem ich ausdrückte, was für mich funktionierte und was nicht. Ich hoffe, Sie haben aus diesem Artikel genauso viel mitgenommen wie ich beim Schreiben. Gehen Sie hinaus und riechen Sie an Blumen (und zeichnen Sie vielleicht auch welche!) - Linco