Introduction

Dans ce tutoriel, j'expliquerai ma méthode pour dessiner un arbre en utilisant Clip Studio Paint. Notez qu'elle est applicable avec d'autres logiciels, car pour ce dessin je n'ai pas eu besoin d'utiliser de fonctionnalités vraiment spécifiques à CSP.

1/Outils et technique

La technique que j'utilise mélange du crayon noir, de l'aquarelle et des rehauts de crayon. Elle permet de forts contrastes avec à la fois de grande zones de noir et d'autres plus claires et nuancées obtenues par des sortes de « glacis ». Je n'utilise donc que deux brush différentes.

Avec cette technique il n'y a pas de séparation aussi nette entre le dessin et la mise en couleurs (tant dans le rendu final que dans les différentes étapes de travail) que dans d'autres méthodes de dessin plus « standardisées », cela permet donc une approche plus intuitive et assez proche de la peinture ou du pastel en technique traditionnelle. Le principal avantage est que l'on utilise peu de calques et que l'on a pas besoin d'une maîtrise très approfondie du logiciel. Le principal défaut de cette manière de faire est qu'elle prend beaucoup plus de temps.

2/Références et influences

Le terme« arbre » étant assez générique, il faut forcément définir plus précisément ce que l'on souhaite représenter. Ça ne sera pas la même chose de dessiner un chêne, un palmier ou un sapin. Non seulement leur forme ne sera pas la même, mais ce sera aussi le cas de l'environnement où ils se situeront.

En ce qui me concerne, j'ai choisi de dessiner un chêne au milieu des champs, en m'inspirant de la campagne normande où j'ai grandi.

 

C'est le moment de chercher des photos d'arbres ou d'en faire soi-même, afin de se constituer une documentation que l'on pourra utiliser par la suite. Outre les références photographiques, il peut être utile de chercher des références artistiques, et de faire une liste d'oeuvres d'autres artistes avant vous qui se sont confrontés au même sujet, si possible avec une technique picturale proche de celle que vous utilisez.

 

L'histoire de l'art regorge de représentations d'arbres ou de forêts, que ce soit en tant que décors et arrière-plan, ou, plus intéressant selon moi, comme sujet principal, et ce dans tous les codes de représentation possible, du plus « réaliste » au plus stylisé. Personnellement j'aime particulièrement les œuvres d'Ivan Chichkine et d'Albert Bierstadt. 

Outre la peinture de paysage, les décors de films d'animation sont une excellente source d'inspiration.

3/Travaux préparatoires

Cette étape comporte deux parties.

 

La première consiste en des croquis permettant de se familiariser avec son sujet. Dans mon cas, un chêne. Pour me rendre la tâche plus facile, j'ai fait mes croquis d'après des photos d'arbres en hiver, ce qui permet de bien dégager leurs silhouettes, rendues plus lisibles par la chute des feuilles.

La deuxième étape consiste à réaliser plusieurs croquis qui serviront à placer les différents éléments de notre dessin, et de choisir le meilleur pour le finaliser. La première chose à faire pour cela est de choisir un format. Le plus évident pour un arbre serait un format vertical, adapté au fait que les arbres soient la plupart du temps plus haut que large.

 

En ce qui me concerne, j'ai opté pour un format carré. Après avoir testé plusieurs compositions assez proches, j'en ai choisi une que je finirai par modifier légèrement en cours de réalisation (je vais enlever les sortes de menhirs qui entourent le chêne, rajouter un sentier et baisser la ligne d'horizon pour avoir une composition en trois tiers).

Dans l'idéal cette étape est assez rapide et les dessins sont d'une taille bien inférieure au dessin final, afin de ne pas perdre de temps sur les détails. Si vous avez du mal à dessiner vite, le plus simple est de se fixer une limite de temps pour chaque petit croquis.

4/Crayonné

Cette étape intermédiaire consiste à placer les différents éléments du dessin puis à les préciser davantage en vue de l'étape suivante. Le niveau de précision à avoir dépend de l'expérience et des préférences de chacun. Dans le doute, le plus simple est de faire le dessin le plus précis possible. Bien sûr le fait de dessiner en bleu n'est pas obligatoire, cela aide juste à mieux visualiser les différentes étapes et ajuster les contrastes et les détails quand on dessinera en noir par dessus. 

5/Finalisation

La finalisation comporte trois étapes.

 

La première correspond à un mélange entre un crayonné plus poussé que celui en bleu et un encrage. Pour des raisons de lisibilité, je commence par baisser l'opacité du calque bleu. Il ne s'agit pas de simplement repasser, mais aussi de préciser le dessin en vue de l'étape suivante qui sera la mise en couleur.

Les feuilles représentent une difficulté particulières : de loin, il faut les suggérer et non pas essayer de les dessiner une par une. Pour cela le plus simple est de commencer à dessiner de grandes masses noires ou sombres que l'on viendra détailler par la suite en redessinant par dessus avec des tons plus clairs.

La deuxième étape est un travail très succinct de mise en couleurs, précédé par la pose de quelques aplats gris (sur un calque en mode « multiplier ») qui servent à créer un fond neutre plus facile à travailler qu'un fond blanc pour ajuster les contrastes.

J'ajoute ensuite un calque qui sera la teinte générale du dessin (sur un calque en mode « incrustation »), ici du vert, et enfin je place quelques aplats avec la brush d'aquarelle (là encore, sur un calque en mode « multiplier »).

La dernière étape est la plus longue en terme de temps, mais elle n'est pas le plus importante : tous les grands choix sur le sujet ou la composition du dessin ont déjà été déterminés avant. Elle consiste en un mélange de « glacis » de brush aquarelle, de rehauts avec la brush crayon, d'estompe (l'outil doigt pour les nuages du ciel) et d'effets de filtre (le flou gaussien pour l'arrière plan ou pour les herbes au premier plan), le tout sur assez peu de calques que je fusionne régulièrement.

Pour m'aider, je fais régulièrement et dès l'étape de crayonné des captures d'écran que je colorise rapidement. Cela me permet de tester différentes choses, et pourquoi pas de faire quelques modifications en cours de route, comme ici avec la composition de l'image (plus centrée au tout début, et sans le chemin) , ou la teinte générale, qui est passé de tons plutôt froids vert/bleu à des tons plus sépia.

Ce tutoriel est maintenant terminé, j'espère qu'il vous a plu :)

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