Komposition
Bei der Komposition handelt es sich einfach um eine Technik zum Anordnen oder Platzieren des Objekts, um unsere Kunst hervorzuheben und die Lesbarkeit zu verbessern.
Es gibt viele Faktoren, die eine bessere Komposition unterstützen.
Und hier möchte ich zumindest die Techniken teilen, die ich normalerweise verwende.
Die Komposition ist ein wesentliches Frühstadium. Es wird empfohlen, ein einfaches Graustufen-Miniaturbild zu verwenden. Dies kann Ihnen helfen, die Gesamtkomposition Ihres Kunstwerks zu visualisieren und zu planen, ohne sich in Details zu verlieren.
Mittelpunkt
Bestimmen Sie das Motiv, das Sie hervorheben oder in den Mittelpunkt stellen möchten (normalerweise die Hauptfigur). In der Komposition kann es mehrere Schwerpunkte geben.
Ihr Schwerpunkt muss leicht verständlich sein, damit Ihr Publikum nicht verwirrt wird.
Regel des Dritten
Die Drittelregel ist eine Richtlinie, die die Leinwand oder das Bild in zwei horizontale und zwei vertikale Linien unterteilt, wodurch neun gleich große Abschnitte entstehen. Dies wird verwendet, um die Themenkomposition in der Bildenden Kunst sowie in der Fotografie und im Film oder in der Kinematographie zu ordnen.
Um es zu verwenden, können Sie ein Objekt auf der Schnittlinie oder innerhalb der Box platzieren.
Leitlinie (Fluss)
Wie der Name schon sagt, wird eine Leitlinie verwendet, um unseren Blick auf den Brennpunkt eines Kunstwerks zu lenken. Künstler verwenden normalerweise eine Linie, eine Kurvenlinie, eine Dreiecksform und mehr
Hier sind einige Beispiele:
Durch die Verwendung der Perspektive (1-Punkt-Perspektive) wollte ich die Aufmerksamkeit der Menschen auf die Figur in der Mitte lenken.
Sie können in CSP eine Perspektive erstellen, indem Sie Ebene > Lineal/Rahmen > Perspektivlineal erstellen und dann die gewünschte Perspektive auswählen.
Tiefe/Entfernung
Durch die Verwendung von Tiefe können Sie die Führungslinie zu Ihrem Hauptschwerpunkt oder Ihrem Charakter manipulieren und visualisieren.
Um diese Illusion zu erzeugen, müssen Sie die Grundlagen kennen. Hier ist wie :
Die Tiefe beeinflusst die Größe
Je weiter das Objekt von der Kamera oder den Augen entfernt ist, desto kleiner wird es und umgekehrt.
Kommt Ihnen das bekannt vor? Jawohl! seine Perspektive.
Das Thema, das du liebst 😂
Wie unten gezeigt, ist das rechte Bild chaotischer als das linke Bild, da es an Fokus und Größenvariation mangelt.
Die Tiefe beeinflusst die Farbe und den Kontrast
Je näher das Objekt an der Kamera ist, desto dunkler ist es und umgekehrt: Je weiter von der Kamera entfernt, desto heller ist das Objekt.
Durch die Verwendung von Größen- und Wertvariationen können Sie Ihrem Publikum sagen, was zuerst oder am wichtigsten und was zuletzt oder weniger wichtig ist.
Vergleichsstudie
Die linke Seite ist besser als das rechte Bild, weist weniger Größenunterschiede und einen geringeren Kontrast auf, sodass das Bild verwirrend aussieht.
Wie Sie sehen können, erscheint der Charakter, der der Kamera am nächsten ist, größer, während der weiter entfernte Charakter kleiner erscheint, und in diesem Stück möchte ich meinem Publikum sagen, dass der Charakter nicht parallel verläuft und das Kunstwerk daher glaubwürdig wirkt.
Kontrast
Der Kontrast kann Ihnen auch dabei helfen, die Tiefe zu nutzen. Durch die Verwendung unterschiedlicher Werte können Sie den Betrachter leiten und die Illusion unterschiedlicher Tiefen erzeugen.
Denken Sie, als würden Sie die Multiplane-Technik verwenden
Wenn Sie nicht wissen, was Multiplane ist, handelt es sich dabei im Wesentlichen um eine Kameratechnik, die zur Erzeugung einer Tiefenillusion verwendet wird, indem Bilder übereinander gelegt werden. Sie wird in alten Zeichentrickfilmen wie Disney oder Old CG verwendet.
Der Schlüssel zu einer guten Illustration liegt darin, über Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund nachzudenken/zu entscheiden.
Wenn Ihr Fokus wie im Bild oben in der Mitte liegt, können Sie den Unschärfeeffekt für den Vordergrund verwenden, um Ihr Publikum auszutricksen, damit es sich mehr auf die Figur konzentrieren kann.
Spielen Sie mit Schüssen und Engel
Mit verschiedenen Arten von Aufnahmen können Künstler unterschiedliche Gefühle in ihren Kunstwerken hervorheben, sodass die Stimmung erreicht werden kann, die sie entsprechend dem Ausgangsthema vermitteln möchten.
Extreme Nahaufnahme
Wird verwendet, um alle Details des Objekts anzuzeigen. Wird häufig für Gesichtszüge wie Augen verwendet und zeigt nur begrenzte Emotionen.
Nahaufnahme
Wird verwendet, um die volle Emotion der Figur zu zeigen. Sie können diese Aufnahme verwenden, wenn Sie den vollen Gesichtsausdruck oder die Emotionen Ihrer Figur zeigen möchten.
Mittlere Nahaufnahme
Das Gleiche wie „Nahaufnahme“, aber mit einer eher entfernten, aber nicht so weit entfernten Aufnahme wie bei einer mittleren Aufnahme, und kann die Schulterbewegung zeigen, ungefähr von Brust nach oben.
Mittlere Aufnahme
Eine mittlere Aufnahme, die etwa von der Taille aufwärts gezeigt wird, und die Handbewegung können ebenfalls dazu beitragen, die Emotionen hervorzuheben, und der Hintergrund kann auch besser sichtbar sein.
Mittelweite Aufnahme oder Cowboy-Aufnahme
Eine Aufnahme, die den knallharten Moment Ihres Charakters zeigen kann, da diese Aufnahme verwendet werden kann, um mehr die Geste/Pose zu zeigen, und auch der Hintergrund kann mehr für Stimmung sorgen.
Diese Aufnahmen beginnen Oberschenkel oben, und wenn Sie etwas nach unten gehen, erhalten Sie mittelweite Aufnahmen, die Knie oben starten.
Ganzer Schuss
Zeigt vollständige Charaktermerkmale an (Ganzkörper) und kann verwendet werden, wenn Sie ein Charakterdesign erstellen oder präsentieren. Dieser Typ kann zum Vergleich von Größe und Höhe verwendet werden.
Der Hintergrund kann auch breiter erscheinen und die Stimmung oder das Gesamtgefühl der Illustration stärker verstärken.
Es gibt auch die Wide Total Shot, die früher einen größeren Teil der Umgebung (Hintergrund) zeigte als die Totale.
Winkel
Sowohl die Low- als auch die High-Aufnahme können verwendet werden, um Ihrem Kunstwerk ein dynamischeres Gefühl zu verleihen. Allerdings ist es auch schwieriger, wenn Sie Perspektiven und Verkürzungen wie Punkt 2 und Punkt 3 Perspektive nicht verstehen. Wenn Sie also Schwierigkeiten haben, ist es am besten, sie zuerst zu lernen, damit Sie nicht frustriert werden.
Auf der anderen Seite ist die Aufnahme auf Augenhöhe für Anfänger wirklich geeignet, da sie nicht viele Perspektiven bietet oder neutraler ist.
Geben Sie Ihrer Kunst Raum
Indem Sie Ihrer Arbeit Raum geben, können Sie Ihren Schwerpunkt hervorheben und Ihrer Arbeit Emotionen und Stimmung verleihen. Und warum ist es so? In diesem Fall liegt es daran, dass unser Blick von Natur aus dazu neigt, sich zuerst auf die Trennlinie zu konzentrieren.
Sie können die Formel 8:2, 7:3 oder 9:1 verwenden. Es gibt auch die Formel 50:50, die verwendet wird, um jedem Werk ein ausgewogenes Gefühl zu verleihen .
Sie können mit einem Seitenverhältnis wie 16:9 (häufig verwendet) oder einer Kinematographiegröße von 1,85:1 und 2,39:1 spielen. um Ihrer Kunst ein anderes Gefühl zu verleihen
Sie können mit jedem Trennlinienwinkel spielen, nicht nur mit der horizontalen Linie.
Wie man besser lernt und sich verbessert
Nun, es ist eigentlich so, dass Sie es bereits wissen oder schon einmal gehört haben: Lernen Sie von anderen, auch bekannt als „Verwenden Sie eine Referenz“.
Sie können sich einen Film ansehen und dann versuchen, die Komposition, die Ihnen gefällt, nachzubilden. Versuchen Sie es zuerst mit einer einfachen, oder finden Sie den Künstler, der Ihnen gefällt, und studieren Sie dann 1O1 damit.
Oder Sie können auch eine Website namens verwenden:
Auf dieser Website finden Sie Screenshots verschiedener Szenen des Films.
Und wenn man genau hinschaut, erkennt man in den Filmszenen wirklich die Grundlagen, über die wir vorhin gesprochen haben.
Die beste Vorgehensweise lautet: „Lernen ist wichtig, aber es ist auch entscheidend, das Gelernte (Wissen) in die Praxis umzusetzen“.
Ich hoffe, es wird Ihnen helfen, Ihre Kunst besser zu verbessern, hören Sie nicht mit dem Lernen auf!!
Ich wünsche Ihnen einen schönen Tag.
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