Hallo

Hallo! 🌟 Dies ist Tamil. Willkommen zu diesem Tutorial zum Erstellen einer lebendigen, farbenfrohen Illustration in Clip Studio Paint. In dieser Anleitung tauchen wir in die Techniken und kreativen Prozesse ein, um ein von der Pop-Art inspiriertes Werk voller kräftiger Farben und dynamischer Energie zum Leben zu erwecken.

 

Am Ende dieses Artikels werden Sie sehen, wie ich meine digitale Leinwand in eine beeindruckende Pop-Art-Illustration eines Mädchens verwandle. Ich hoffe, es inspiriert Sie dazu, Ihre eigenen lebendigen Meisterwerke zu schaffen!

 

In meinem Video gehe ich hauptsächlich auf meinen Illustrationsprozess ein, aber in diesem Artikel werde ich mich auf viele Grundlagen der Farbtheorie konzentrieren! Es wird Ihnen helfen, sich auf dynamische Farben vorzubereiten und sich mit Ihrer Kunst auszutoben.

Was sind Farbschemata?

Farbschemata beziehen sich auf die spezifischen Anordnungen oder Kombinationen von Farben, die in Design und Illustration verwendet werden. Im Design beschreiben diese Schemata normalerweise die natürlichen Farben von Objekten oder Materialien unter neutralen Lichtbedingungen. In Illustrationen spielen Farbschemata jedoch eine entscheidende Rolle bei der Vermittlung von Stimmung oder Ambiente. Es ist wichtig zu beachten, dass lokale Farben in einer Illustration von den umgebenden Umgebungsfarben beeinflusst werden.

^ mein altes Gemälde, das ich mit rosa Farben für Wolken gemacht habe :)

Als digitale Künstler haben wir den Vorteil, dass wir Tausende von Farben mit nur einem Klick zur Hand haben. Außerdem werden Anpassungsebenen oft als schnelle Lösung für Farbprobleme angesehen. Obwohl es nützlich ist, diese Tools aus Effizienzgründen zu nutzen, gibt es bestimmte Prinzipien, die Sie kennen sollten – und die Sie manchmal missachten. In diesem Abschnitt gebe ich Ihnen einige wichtige Tipps zur Farbtheorie, die Ihnen dabei helfen, effektivere Farbschemata für Ihre Kunstwerke auszuwählen.

Harmonische Farbschemata ermöglichen es uns, optisch ansprechende Farbkombinationen zu erstellen. Sie spielen auch eine Schlüsselrolle bei der Vermittlung einer bestimmten Stimmung oder eines bestimmten Gefühls an den Betrachter.

Spüren Sie den Unterschied in Ihrer Stimmung, wenn Sie eher grünlastige Farben betrachten?

Farbenlehre

Die Farbtheorie hilft uns zu verstehen, wie verschiedene Farbkombinationen funktionieren und dass Farben nicht immer das sind, was sie auf den ersten Blick zu sein scheinen.

 

Wenn Farben nebeneinander platziert werden, interagieren sie auf verschiedene Weise. Einige Farben ergänzen sich gegenseitig und heben sich dadurch ab, während andere sich gegenseitig kollidieren können, sodass beide langweilig wirken. Die Farbtheorie lehrt uns, dass bestimmte Anordnungen auf dem Farbkreis Harmonie erzeugen können, wenn sie in einem Kunstwerk oder Design zusammen verwendet werden. Unten sehen Sie eine bekannte Grafik, die harmonische Farbkombinationen auf Grundlage dieser Prinzipien veranschaulicht.

Harmonische Farbkombinationen scheinen begrenzt zu sein, mit sechs Hauptanordnungen: monochromatisch, analog, komplementär, geteilt komplementär, triadisch und tetradisch. Jede bietet eine einzigartige Möglichkeit, Farben auszugleichen und zu kontrastieren und bildet so eine solide Grundlage für die Erstellung optisch ansprechender Kunstwerke.

Verschiedene Arten von Harmonien

Komplementär – zwei Farben, die sich im Farbkreis gegenüberliegen, ergeben eine kontrastreiche, wirkungsvolle Kombination. Wenn sie zusammen verwendet werden, erscheinen diese Farben heller und markanter, wodurch sie wirkungsvoll hervorstechen.

Monochromatisch – drei Schattierungen, Töne und Abstufungen einer einzigen Grundfarbe ergeben eine subtile und zurückhaltende Kombination. Dieser vielseitige Ansatz lässt sich in Designprojekten leicht anwenden und sorgt für ein harmonisches und ausgewogenes Erscheinungsbild.

Analog – drei Farben nebeneinander auf dem Farbkreis bilden ein analoges Farbschema. Diese Kombination ist zwar vielseitig, kann aber überwältigend wirken, wenn sie nicht ausgewogen ist. Um Harmonie zu erreichen, wählen Sie eine dominante Farbe und verwenden Sie die anderen als Akzente.

Triadisch – Drei gleichmäßig verteilte Farben auf dem Farbkreis ergeben ein triadisches Farbschema. Es bietet einen hohen Kontrast, ist jedoch weniger intensiv als ein Komplementärschema und daher vielseitiger. Diese Kombination ergibt kräftige, lebendige Farbpaletten.

Tetradisch – Vier gleichmäßig verteilte Farben auf dem Farbkreis ergeben ein tetradisches Farbschema. Diese kräftige Kombination funktioniert am besten, wenn eine Farbe dominiert und die anderen als Akzente verwendet werden. Je mehr Farben Ihre Palette enthält, desto schwieriger ist es, ein Gleichgewicht zu erreichen.

Ich habe für meine Illustration ein tetradisches Farbschema verwendet. Es hat mir geholfen, die Farben begrenzt zu halten und gleichzeitig meine künstlerischen Fähigkeiten herauszufordern.

Es gibt viele Websites, die Ihnen bei der Auswahl toller Farben helfen, und viele davon sind kostenlos!

Ich persönlich habe Paletton verwendet, aber das ist nicht die einzige Möglichkeit, Farbkombinationen zu erstellen. Scheuen Sie sich nicht, zu experimentieren und Ihre eigenen zu kreieren.

Denken Sie daran, dass Farbschemata mehr als nur Farbkombinationen umfassen; sie beinhalten auch Variationen in Wert und Intensität. Diese drei Faktoren – Farbton, Wert und Intensität – werden als die drei Eigenschaften der Farbe bezeichnet.

FARBTON – bezieht sich auf die traditionellen Farbnamen wie „Blau“ oder „Gelb“. Im Spektrum werden Farbtöne normalerweise als ROYGBIV (Rot, Orange, Gelb, Grün, Blau, Indigo, Violett) aufgeführt.

 

INTENSITÄT – auch als Sättigung oder Chroma bekannt, bezieht sich auf die Reinheit eines Farbtons. Sie bestimmt, wie lebendig oder gedämpft die Farbe erscheint.

 

WERT – gibt die Helligkeit oder Dunkelheit einer Farbe an. Beispielsweise erscheint ein hochkarätiges Rot als leuchtendes Rot oder Pink, wenn seine Intensität reduziert wird.

Beispiele für Farbkombinationen

Diese drei Variablen bieten zwar eine große Bandbreite an Möglichkeiten für Farbschemata, aber die Frage bleibt: Gibt es wirklich unbegrenzte Optionen?

 

Nachfolgend sind einige Farbschemata aufgeführt, die ich in meiner Illustration verwendet habe. Sie zeigen verschiedene harmonische Kombinationen, die von der Farbtheorie-Grafik oben inspiriert wurden.

Generell kann es sein, dass sich etwas nicht richtig anfühlt, auch wenn die Farben den Regeln entsprechen. (Beispiele oben) Sie funktionieren möglicherweise nicht so effektiv, wie Sie möchten. Wie können diese Kombinationen verfeinert und die Gesamtwirkung verbessert werden?

1 – Obwohl es optional ist, ordne ich mein Farbschema immer nach Wertstufen an. Dieser Ansatz erleichtert das Anwenden der Farben auf eine Illustration oder ein Design. Beispielsweise können dunkle Akzentfarben für Strichzeichnungen verwendet werden, während hellere Farben gut für Glanzlichter, Himmelselemente oder Lichtquellen geeignet sind.

2 – Normalerweise verringere ich die Sättigung der Farben, wenn sie zu helleren oder dunkleren Tönen übergehen. Mit dieser Methode bleiben die gesättigtsten Farben für die Mitteltöne erhalten und heben sich so im Farbschema ab.

3 – Wenn Sie den Wert anpassen, ändern Sie auch den Farbton (die Temperatur)!

 

Hier sind beispielsweise meine alten und neuen monochromatischen Farben.

Achten Sie beim Verschieben des Farbtons darauf, dass die Richtung von Licht und Schatten entgegengesetzt ist. Wenn Sie den Farbton nach rechts verschieben, um einen höheren Wert zu erhalten, verschieben Sie ihn nach links, um einen niedrigeren Wert zu erhalten, und umgekehrt.

 

In diesem Fall können Sie sehen, dass ich mit Grün als Mittelpunkt – Grau – begonnen habe. Dann habe ich mich für hellere Teile des Bildes in Richtung Gelb/Rot bewegt. Für Schattenteile und alles Dunklere habe ich mich in Richtung Cyan/Blau bewegt.

 

Die Abwechslung hat ihm viel mehr Leben und Kontrast verliehen. Sie können immer das Gegenteil tun, wenn Sie es wirklich wollen. Gehen Sie für Helligkeit in Richtung Blau und für Schatten in Richtung Rot. Wenn Sie einmal angefangen haben, achten Sie einfach darauf, die Idee durchzuziehen.

Kühl vs. warm

Beim Arbeiten mit Farben ist es hilfreich, den Unterschied zwischen warmen und kühlen Tönen zu verstehen. Der Farbkreis ist im Allgemeinen in zwei Hälften unterteilt: warme Farben wie Rot, Orange und Gelb und kühle Farben wie Grün, Blau und Violett. Warme Farben rufen Gefühle von Wärme und Sonnenlicht hervor und erzeugen oft ein Gefühl von Energie und Wärme.

 

Im Gegensatz dazu erinnern uns kühle Farben an den Himmel, Wasser und andere kühle oder ruhige Umgebungen und vermitteln ein Gefühl von Ruhe und Gelassenheit. Warme Farben ziehen tendenziell die Aufmerksamkeit auf sich und können einladender wirken, während kühle Farben oft beruhigender und erholsamer sind. Wenn Sie diese Eigenschaften verstehen, können Sie den Ton und die Stimmung Ihres Gemäldes effektiv festlegen.

^ links sind kühle und rechts sind warme Farbtöne

Wir hatten also die Froschillustration nur mit Grün, richtig? Es ist eine monochromatische Farbkombination. Mal sehen, ob wir eine Farbe hinzufügen können, um sie komplementär zu machen. Das Gegenteil von Grün auf dem Rad sind Lila und Rot. Mal sehen, welches Ergebnis wir bekommen, wenn wir es mischen.

Durch das Hinzufügen einer zusätzlichen Farbe haben wir es optisch viel interessanter gemacht. Die Arbeit mit begrenzten Farben trägt wirklich dazu bei, dass alles einheitlich und angenehm für die Augen bleibt.

Farbverhältnis

Vermeiden Sie die Verwendung von Farben (Farbtönen) in gleichen Mengen. Wählen Sie stattdessen eine Farbe als dominanten Ton und verwenden Sie die anderen als Akzente oder Komplementärfarben. Viele Leute machen den Fehler, die Farben gleichmäßig aufzuteilen, z. B. indem sie 4 Farben mit jeweils 25 % verwenden. Dies kann jedoch zu einem eintönigen, uninteressanten Bild führen. Dasselbe gilt für die Komposition oder jedes andere Designprinzip – wenn alles gleich ist, wird es weniger ansprechend. Wenn Sie die Regel „groß, mittel, klein“ befolgen, wird das Bild optisch interessanter und ausgewogener.

In diesem Beispiel gibt es viele Farben, aber die Dominanz ist leicht zu erkennen. Das Orange des Kürbisses sticht als dominanteste Farbe hervor, gefolgt von der Farbe des Skeletts. Rosa wird für kleine Highlights verwendet und Grün erscheint dezent oben auf dem Kürbis.

Diese ältere Skizze zeigt auch, wie wichtig die Sättigung sein kann. Orange und Pink sind stark gesättigt, während die Knochenfarbe und das Grün gedämpfter sind. Ich wollte den Fokus auf die Augen legen, also habe ich dort die am stärksten gesättigte Farbe verwendet, um die Aufmerksamkeit zu erregen.

Stellen Sie sich Farben als Instrumente in einem Orchester vor. Wenn jedes Instrument mit voller Lautstärke spielt, wird der Klang chaotisch. Lassen Sie stattdessen die meisten Farben leise spielen, wobei eine oder zwei wie ein Solo die Führung übernehmen, wodurch eine ausgewogene und harmonische Komposition entsteht.

Dies ist vielleicht ein drastisches Beispiel, aber es zeigt eindrucksvoll, wie einfach es ist, den Blick des Betrachters auf das richtige Motiv zu lenken. Auf der rechten Seite haben alle Formen die gleiche Sättigung, was es schwierig macht, zu wissen, worauf man fokussieren soll. Auf der linken Seite gibt es drei unterschiedliche Sättigungsstufen, sodass Ihr Auge auf natürliche Weise auf der auffälligsten Form verweilen kann, anstatt von allen drei gleichzeitig abgelenkt zu werden.

Farbton vs. Wert

Farbton und Wert sind zwei der Kernkomponenten von Farbe, und das Verständnis des Unterschieds ist der Schlüssel zur Schaffung ausgewogener und wirkungsvoller Kunstwerke.

• Farbton bezieht sich auf die Farbe selbst – ob Rot, Blau, Gelb usw. Daran denken wir normalerweise, wenn wir von „Farbe“ sprechen.

• Wert hingegen beschreibt die Helligkeit oder Dunkelheit einer Farbe. Jeder Farbton hat einen Wert, der sichtbar wird, wenn Sie das Bild in Graustufen umwandeln. Er hilft dabei, Form, Tiefe und Kontrast eines Stücks zu definieren.

Auch bei kräftigen oder unkonventionellen Farbtönen ist es wichtig, starke Werte beizubehalten. Wenn alle Ihre Farben ähnliche Werte (Helligkeit oder Dunkelheit) haben, kann das Werk flach oder chaotisch wirken, da das Auge keinen klaren Fokus hat. Indem Sie die Werte variieren – auch bei hellen oder „verrückten“ Farben – erzeugen Sie Kontrast und lenken den Blick des Betrachters auf die wichtigsten Bereiche des Kunstwerks.

Kurz gesagt, Sie können die wildesten Farbtöne verwenden, aber wenn Sie sicherstellen, dass ihre Werte zusammenpassen, verleiht dies Ihrem Werk Tiefe, Klarheit und eine starke visuelle Wirkung.

 

Im obigen Beispiel habe ich beim Arbeiten darauf geachtet, es mit Schwarz und Weiß noch einmal zu überprüfen. In Clip Studio Paint und anderer Software ist das ganz einfach.

Hauptillustrationsprozess

Endlich kommen wir zu der Illustration, die ich für dieses Tutorial erstellt habe. Es hat viel Spaß gemacht, leuchtende, gesättigte Farben zu verwenden. Ich habe mich für einen Pop-Art-Stil entschieden.

 

Pop-Art, die in den 1950er und 1960er Jahren an Bedeutung gewann, bediente sich alltäglicher visueller Elemente wie Werbung, Comics und Konsumgütern. Bekannt für ihre kräftigen Linien und lebhaften Farben verwandelte sie gewöhnliche Objekte in auffällige Kunst.

 

Ich werde den Zeitraffer ganz ans Ende setzen, falls Sie mehr als nur Screenshots möchten.

Skizzieren

Ich begann damit, ihre Pose grob mit lockeren Linien zu skizzieren. Konzentrieren Sie sich darauf, die Gesamtgeste festzuhalten – ihren geraden Rücken, die gebeugten oder gekreuzten Beine und das dem Betrachter zugewandte Gesicht. Halten Sie alles fließend und entspannt. Skizzieren Sie als Nächstes grundlegende Proportionen mit einfachen Formen wie Kreisen und Ovalen, um Kopf, Rumpf und Gliedmaßen auszuarbeiten. Halten Sie die Linien leicht und passen Sie sie nach Bedarf an.

 

Markieren Sie beim Skizzieren des Gesichts leicht Hilfslinien, um Augen, Nase und Mund besser zu platzieren. Da sie geradeaus schaut, ist Symmetrie wichtig. Halten Sie Körper und Kleidung zunächst einfach und skizzieren Sie die Hauptbereiche, bevor Sie sich um Details kümmern.

 

Allgemeiner Tipp: Denken Sie am Anfang nicht zu viel über Details nach – konzentrieren Sie sich auf den Gesamtfluss und die Struktur. Halten Sie Ihre Linien locker und fließend und verfeinern Sie sie erst, wenn sich die Form richtig anfühlt.

 

Als Pinsel habe ich wie immer einen normalen harten, runden Mischpinsel verwendet. Ich habe ihn groß gehalten, um nicht ins Detail zu gehen. Außerdem habe ich mit einem grauen Hintergrund begonnen, um sicherzustellen, dass er die Augen nicht zu stark schädigt.

Als nächstes habe ich mich für ein dreiteiliges Farbschema entschieden, da ich damit mit nur drei Hauptfarben arbeiten kann und trotzdem einen tollen Kontrast erhalte. Ich habe mich für Lila, Gelb und Cyan entschieden – klassische Farben, die man oft in der Pop-Art sieht und die dem Werk wirklich diesen lebendigen, kräftigen Look verleihen.

Um in CLIP STUDIO PAINT Farbe unter Ihre Skizzenebene zu legen, stellen Sie zunächst sicher, dass sich Ihre Skizzenebene oben befindet. Erstellen Sie darunter eine neue Ebene zum Kolorieren. Wählen Sie Ihren Pinsel oder Ihr Füllwerkzeug aus und beginnen Sie, Farbe auf diese neue Ebene aufzutragen. Die Farben erscheinen unter den Skizzenlinien, die weiterhin sichtbar bleiben. Um ein versehentliches Zeichnen auf der Skizze zu verhindern, sperren Sie die Skizzenebene. Verfeinern Sie die Farben auf Ihrer neuen Ebene weiter, bis Sie das gewünschte Aussehen erreichen. Mit dieser Methode können Sie Ihre Skizze intakt halten, während Sie mit Farben experimentieren.

Verfeinern, verfeinern, verfeinern!

 

Untersuchen Sie Aspekte, die Sie möglicherweise verbessern möchten. Denken Sie darüber nach, was Sie an dem Bild schätzen, und identifizieren Sie Bereiche, die möglicherweise verbessert werden müssen. Erwägen Sie, Schatten oder andere Details hinzuzufügen, um das Kunstwerk aufzuwerten. Hier kann Ihre Kreativität wirklich zum Vorschein kommen. Stellen Sie sich verschiedene Fragen, um Ihren Prozess zu leiten. Ich male und passe oft weiter an, bis ich das Gefühl habe, dass das Bild besser wird.

Das Hinzufügen einer hellen Umrandung um die Figur kann den Kontrast deutlich erhöhen und dem Bild eine grafischere Qualität verleihen. Diese Technik hilft dabei, die Figur deutlicher vom Hintergrund abzuheben, wodurch eine klare Unterscheidung entsteht und der Blick des Betrachters direkt auf das Motiv gelenkt wird. Die kräftige Umrandung verstärkt nicht nur die visuelle Wirkung, sondern verleiht dem Kunstwerk auch ein stilisiertes, einheitliches Aussehen und betont die Form und Gestalt der Figur.

Durch die Einbindung von Halbtonmustern können Sie Ihrem Bild eine beeindruckende grafische Qualität verleihen. Halbtöne verwenden Punkte oder andere Muster, um Schattierungen und Farbverläufe zu simulieren und Ihrem Kunstwerk einen unverwechselbaren, retro-inspirierten Look zu verleihen, der an klassische Comics und Printmedien erinnert. Indem Sie die Größe und Dichte der Punkte variieren, können Sie die Illusion von Tiefe und Textur erzeugen und gleichzeitig ein klares, stilisiertes Erscheinungsbild beibehalten. Diese Technik verbessert nicht nur das grafische Gefühl, sondern fügt auch visuelles Interesse und einen Eindruck von dynamischem Kontrast hinzu, wodurch Ihr Bild sowohl auffällig als auch visuell ansprechend wird.

 

Es ist sehr einfach, dies in Clip Studio Paint hinzuzufügen! Es gibt viele Einstellungen in Clip Studio Paint, aber für diese spezielle Illustration habe ich mich für eine sehr einfache entschieden.

Um mithilfe der Ebeneneigenschaften in Clip Studio Paint schnell Halbtoneffekte hinzuzufügen, erstellen Sie zunächst eine neue Ebene über dem Bereich, auf den Sie den Halbtoneffekt anwenden möchten. Sie können dies tun, indem Sie im oberen Menü Ebene auswählen und dann Neue Ebene wählen oder indem Sie im Bedienfeld Ebenen auf das Symbol Neue Ebene klicken.

 

Wechseln Sie mit der ausgewählten neuen Ebene zum Bedienfeld Ebeneneigenschaften. Wenn Sie es nicht sehen, öffnen Sie es über Fenster > Ebeneneigenschaften. Suchen Sie im Bedienfeld Ebeneneigenschaften nach der Option Effekt. Klicken Sie darauf und wählen Sie Halbton aus dem Dropdown-Menü. Dadurch wird ein Standard-Halbtonmuster auf die Ebene angewendet.

Nur damit Sie wissen, dass die Verwendung von Airbrush bei Halbtönen großartig ist. Auf diese Weise können Sie steuern, wo der Halbton stark und wo er schwach sein soll.

Passen Sie den Halbtoneffekt an, indem Sie die Einstellungen im Bedienfeld „Ebeneneigenschaften“ anpassen. Sie können Punktgröße, Abstand und Mustertyp ändern, um das gewünschte Aussehen zu erzielen. Experimentieren Sie mit diesen Einstellungen, bis Sie den Effekt erhalten, der zu Ihrem Kunstwerk passt.

 

Wie Sie sehen, ergibt die Verwendung einer Airbrush einen schönen Effekt, wenn man von großen zu kleinen Punkten übergeht. Ich liebe diesen Effekt!

 

Ich habe eine Frequenz von 5 verwendet, um zu zeigen, wie die Punkte auf dem Bild aussehen, aber die Zahl hängt auch von Ihrer Leinwand und davon ab, wie groß Sie sie haben möchten. Ich bevorzuge niedrigere Zahlen, damit es sichtbar bleibt. Ich weiß, dass andere Künstler es viel lieber zeigen.

Passen Sie bei Bedarf die Deckkraft oder den Füllmodus der Ebene an, um den Halbtoneffekt nahtlos in Ihr Bild zu integrieren. Sie können dies im Bedienfeld „Ebenen“ tun, indem Sie die Ebene auswählen und ihre Eigenschaften ändern.

Ich erziele meinen Effekt durch Überlagerung. Manchmal verwende ich auch gerne weiches Licht oder Multiplikation. Wenn der Effekt zu stark ist, können Sie die Deckkraft jederzeit verringern.

In diesem Beispiel habe ich beschlossen, die Form des Charakters zu überprüfen. Das ist das Erste, was die Leute sehen und lesen. Ich hatte das Gefühl, dass die Beine zu sehr ineinander übergehen, sodass es sich anfühlt, als wäre es ein einziges großes Bein. Es fühlt sich nicht so an, als wären sie weit genug voneinander entfernt, sodass man nichts klar erkennen kann.

Durch leichtes Verschieben des Beins und Hinzufügen eines kleinen Zwischenraums in der Mitte wird die Lesbarkeit verbessert und die Komposition verbessert. Kleine Dinge wie diese tragen wesentlich zur Verbesserung des Kunstwerks bei!

Ich habe auch Glanzlichter auf Kleidung und Haaren hinzugefügt! In diesem Fall habe ich, um die Farben besser umzusetzen, blaue/cyanfarbene Glanzlichter von den Wänden hinzugefügt. Das Licht wird von der Umgebung reflektiert, also hilft es in diesem Fall auch, weil die Farben stimmiger sind :)

Lassen Sie uns etwas Subsurface Scattering hinzufügen! Das ist ein wirklich schicker Begriff für Licht, das durch Objekte hindurchgeht. Wenn es Haut ist, wird das Licht durch das Blut orange und rot. Das ist ein einfacher Trick, um Ihre Illustration zum Leuchten zu bringen!

Auf der linken Seite habe ich zwischen dem Schatten- und dem Lichtteil ein schönes gesättigtes Highlight hinzugefügt. Ich gebe zu, ich verwende es für meine Kunst viel zu oft, aber ich liebe den Effekt einfach so sehr.

Ich habe welche für Kleidung, Arme, Gesicht und ein paar andere Stellen hinzugefügt. Eine sehr einfache Möglichkeit, dies zu tun, besteht darin, eine neue Ebene zu erstellen. Stellen Sie sie auf Sättigungsmodus ein und wählen Sie die hellste/gesättigtste Farbe. Auf diese Weise wirkt sich die Ebene nur auf die Sättigung aus.

 

Wenn der Effekt zu stark ist, können Sie immer noch einfach die Deckkraft verringern.

Wie bereits erwähnt, ist es wichtig, beim Erstellen des Artworks das Bild auf Schwarzweiß zu prüfen. Das geht ganz einfach. Erstellen Sie einfach eine neue Ebene, stellen Sie sie auf Farbmodus ein und fügen Sie dann eine reine schwarze oder weiße Füllung hinzu.

 

Dadurch wird Ihr Bild schwarzweiß und es wird angezeigt, ob Sie Kontrastprobleme haben. In diesem Fall kommt es zu einer Vermischung zwischen Gürtel und Rock. Ich habe die Farben ein wenig geändert und aus diesem Grund auch eine Trennlinie zwischen den beiden hinzugefügt.

 

Es ist auch wichtig, sicherzustellen, dass Gesicht und Haare hervorstechen! Wenn Sie sehr helle Farben verwenden, ist dies möglicherweise nicht der wichtigste Teil, da sich alle Farben sowieso voneinander trennen. Trotzdem ist es gut, sich selbst zu prüfen.

Für den letzten Schliff verwende ich beispielsweise Schärfen- und Rauschfilter.

Ich habe ein separates Tutorial zu den neuen Filtern erstellt, die in Clip Studio Paint hinzugefügt wurden. Ich empfehle Ihnen dringend, es sich anzusehen, falls Sie das noch nicht getan haben.

 

Die Filter sind nicht der wichtigste Teil des Gemäldes, aber sie tragen viel dazu bei, das Endergebnis viel besser zu machen.

Auf Wiedersehen

Vielen Dank, dass Sie meine Reise gelesen und verfolgt haben. Hier ist das Zeitraffervideo des Gemäldes;

Wenn Sie mehr sehen und sich meine Kunst ansehen möchten, hier sind meine Links :)