Hallo

Hallo zusammen! 🌟 Hier ist Tamil. Willkommen zu diesem Tutorial über die Erstellung einer lebendigen, farbenfrohen Illustration in Clip Studio Paint. In diesem Leitfaden tauchen wir in die Techniken und kreativen Prozesse ein, um ein von Pop-Art inspiriertes Werk voller kräftiger Farben und dynamischer Energie zum Leben zu erwecken.

 

Am Ende dieses Artikels werden Sie sehen, wie ich meine digitale Leinwand in eine beeindruckende Pop-Art-Illustration eines Mädchens verwandle. Ich hoffe, es inspiriert Sie, Ihre eigenen lebendigen Meisterwerke zu schaffen!

 

Mein Video konzentriert sich auf meinen Illustrationsprozess, aber in diesem Artikel werde ich mich stark auf die Grundlagen der Farbtheorie konzentrieren! Es wird Ihnen helfen, sich auf dynamische Farben vorzubereiten und Ihrer Kunst freien Lauf zu lassen.

Was sind Farbschemata?

Farbschemata beziehen sich auf die spezifischen Anordnungen oder Kombinationen von Farben, die im Design und in der Illustration verwendet werden. Im Design beschreiben diese Schemata typischerweise die natürlichen Farben von Objekten oder Materialien unter neutralen Lichtverhältnissen. In Illustrationen spielen Farbschemata jedoch eine entscheidende Rolle bei der Vermittlung von Stimmung oder Atmosphäre. Es ist wichtig zu beachten, dass lokale Farben in einer Illustration von den umgebenden Umgebungsfarben beeinflusst werden.

^ mein altes Gemälde, das ich mit rosa Farben für Wolken gemacht habe :)

Als digitale Künstler haben wir den Vorteil, Tausende von Farben auf Knopfdruck zur Verfügung zu haben. Außerdem werden Einstellungsebenen oft als schnelle Lösung für Farbprobleme angesehen. Obwohl es nützlich ist, diese Werkzeuge zur Effizienzsteigerung zu nutzen, gibt es bestimmte Prinzipien, die man kennen – und manchmal auch brechen – sollte. In diesem Abschnitt werde ich einige wesentliche Tipps zur Farbtheorie geben, die Ihnen helfen, effektivere Farbschemata für Ihre Kunstwerke auszuwählen.

Harmonische Farbschemata ermöglichen es uns, visuell ansprechende Farbkombinationen zu erstellen. Sie spielen auch eine Schlüsselrolle bei der Vermittlung einer bestimmten Stimmung oder eines Gefühls an den Betrachter.

Spüren Sie den Stimmungsunterschied, wenn Sie sich auf grünere Farben konzentrieren?

Farbtheorie

Die Farbtheorie hilft uns zu verstehen, wie verschiedene Farbkombinationen funktionieren und wie Farben auf den ersten Blick nicht immer so sind, wie sie scheinen.

 

Wenn Farben nebeneinander platziert werden, interagieren sie auf verschiedene Weise. Einige Farben ergänzen sich gegenseitig und heben sich dadurch hervor, während andere kollidieren können, wodurch beide stumpf wirken. Die Farbtheorie lehrt uns, dass bestimmte Anordnungen auf dem Farbkreis Harmonie erzeugen können, wenn sie in einem Kunstwerk oder Design zusammen verwendet werden. Unten ist eine bekannte Grafik, die harmonische Farbkombinationen basierend auf diesen Prinzipien veranschaulicht.

Harmonische Farbkombinationen mögen begrenzt erscheinen, mit sechs Hauptanordnungen: monochromatisch, analog, komplementär, gespalten komplementär, triadisch und tetradisch. Jede bietet eine einzigartige Möglichkeit, Farben auszugleichen und zu kontrastieren, und bildet eine solide Grundlage für die Erstellung visuell ansprechender Kunstwerke.

Verschiedene Arten von Harmonien

Komplementär – zwei Farben, die sich auf dem Farbkreis gegenüberliegen, bilden eine kontrastreiche, wirkungsvolle Kombination. Wenn sie zusammen verwendet werden, erscheinen diese Farben heller und prominenter, wodurch sie effektiv hervorstechen.

Monochromatisch – drei Schattierungen, Töne und Nuancen einer einzelnen Grundfarbe erzeugen eine subtile und konservative Kombination. Dieser vielseitige Ansatz ist in Designprojekten einfach anzuwenden und bietet ein harmonisches und ausgewogenes Erscheinungsbild.

Analog – drei Farben nebeneinander auf dem Farbkreis bilden ein analoges Farbschema. Obwohl diese Kombination vielseitig ist, kann sie überwältigend sein, wenn sie nicht ausgewogen ist. Um Harmonie zu erzielen, wählen Sie eine dominante Farbe und verwenden Sie die anderen als Akzente.

Triadisch – Drei gleichmäßig auf dem Farbkreis verteilte Farben erzeugen ein triadisches Farbschema. Es bietet einen hohen Kontrast, obwohl weniger intensiv als ein Komplementärschema, was es vielseitiger macht. Diese Kombination führt zu kräftigen, lebendigen Farbpaletten.

Tetradisch – Vier gleichmäßig auf dem Farbkreis verteilte Farben erzeugen ein tetradisches Farbschema. Diese kräftige Kombination funktioniert am besten, wenn eine Farbe dominant ist und die anderen als Akzente verwendet werden. Je mehr Farben in Ihrer Palette, desto schwieriger ist es, ein Gleichgewicht zu erreichen.

Ich habe für meine Illustration ein tetradisches Farbschema verwendet. Es half mir, die Farben begrenzt zu halten und gleichzeitig meine künstlerischen Fähigkeiten herauszufordern.

Es gibt viele Websites, die Ihnen bei der Auswahl großartiger Farben helfen, und viele davon sind kostenlos!

Ich persönlich habe Paletton verwendet, aber es ist nicht die einzige Möglichkeit, Farbkombinationen zu erstellen. Zögern Sie nicht, zu experimentieren und Ihre eigenen zu erstellen.

Denken Sie daran, Farbschemata umfassen mehr als nur Kombinationen von Farbtönen; sie beinhalten auch Variationen in Wert und Intensität. Diese drei Faktoren – Farbton, Wert und Intensität – sind als die drei Eigenschaften der Farbe bekannt.

FARBTON – bezieht sich auf die traditionellen Farbnamen, wie „Blau“ oder „Gelb“. Im Spektrum werden Farbtöne typischerweise als ROYGBIV (Rot, Orange, Gelb, Grün, Blau, Indigo, Violett) aufgeführt.

 

INTENSITÄT – auch als Sättigung oder Chroma bekannt, bezieht sich auf die Reinheit eines Farbtons. Sie bestimmt, wie lebhaft oder gedämpft die Farbe erscheint.

 

WERT – gibt die Helligkeit oder Dunkelheit einer Farbe an. Zum Beispiel erscheint ein hochweriges Rot als helles Rot oder Pink, wenn seine Intensität reduziert wird.

Beispiele für Farbkombinationen

Während diese drei Variablen eine große Bandbreite an Möglichkeiten für Farbschemata bieten, bleibt die Frage – gibt es wirklich unbegrenzte Optionen?

 

Unten sind einige Farbschemata, die ich in meiner Illustration angewendet habe, und die verschiedene harmonische Kombinationen zeigen, die von der oben gezeigten Farbtheoriegrafik inspiriert sind.

Im Allgemeinen kann sich etwas immer noch seltsam anfühlen, auch wenn die Farben den Regeln folgen. (Beispiele oben) Sie funktionieren möglicherweise nicht so effektiv, wie Sie es sich wünschen. Welche Möglichkeiten gibt es, diese Kombinationen zu verfeinern und die Gesamtwirkung zu verbessern?

1 - Obwohl optional, ordne ich mein Farbschema immer nach ihren Wertstufen an. Dieser Ansatz erleichtert das Anwenden der Farben auf eine Illustration oder ein Design. Zum Beispiel können dunkle Akzentfarben für Line Art verwendet werden, während hellere Farben gut für Glanzlichter, Himmelselemente oder Lichtquellen geeignet sind.

2 - Ich reduziere normalerweise die Sättigung von Farben, wenn sie sich zu helleren oder dunkleren Tönen verschieben. Diese Methode hilft dabei, die gesättigtsten Farben für die Mitteltöne zu behalten, um sicherzustellen, dass sie im Farbschema hervorstechen.

3 - Wenn Sie den Wert anpassen, verschieben Sie auch den Farbton (Temperatur)!

 

Zum Beispiel hier meine alten vs. neuen monochromen Farben.

Immer wenn Sie den Farbton verschieben, stellen Sie sicher, dass die Richtung von Licht und Schatten entgegengesetzt ist. Wenn Sie den Farbton für einen höheren Wert nach rechts verschieben, verschieben Sie ihn für einen niedrigeren Wert nach links und umgekehrt.

 

In diesem Fall sehen Sie, dass ich mit Grün als meinem Mittelpunkt – der grauen Farbe – begonnen habe. Dann verschob ich mich in Richtung Gelb/Rot für hellere Bildteile. Für Schattenpartien und alles Dunklere ging ich in Richtung Cyan/Blau.

 

Die Vielfalt verlieh dem Ganzen viel mehr Leben und Kontrast. Sie können immer das Gegenteil tun, wenn Sie es wirklich wollen. Gehen Sie für Helligkeit in Richtung Blau und für Schatten in Richtung Rot. Sobald Sie beginnen, stellen Sie einfach sicher, dass Sie die Idee konsequent umsetzen.

Kalt vs. Warm

Beim Arbeiten mit Farben ist es hilfreich, den Unterschied zwischen warmen und kühlen Tönen zu verstehen. Der Farbkreis ist im Allgemeinen in zwei Hälften unterteilt: warme Farben wie Rot, Orange und Gelb und kühle Farben wie Grün, Blau und Violett. Warme Farben rufen Gefühle von Hitze und Sonnenlicht hervor und erzeugen oft ein Gefühl von Energie und Wärme.

 

Im Gegensatz dazu erinnern uns kühle Farben an den Himmel, Wasser und andere kühle oder ruhige Umgebungen und vermitteln ein Gefühl von Ruhe und Gelassenheit. Warme Farben ziehen tendenziell Aufmerksamkeit auf sich und können einladender wirken, während kühle Farben oft beruhigender und entspannender sind. Das Verständnis dieser Eigenschaften ermöglicht es Ihnen, den Ton und die Stimmung Ihres Gemäldes effektiv zu bestimmen.

^ links sind kühle und rechts warme Farbtöne

Wir hatten also die Froschillustration nur mit Grün, richtig? Es ist eine monochrome Farbkombination. Mal sehen, ob wir eine Farbe hinzufügen können, um sie komplementär zu machen. Das Gegenteil von Grün auf dem Rad ist Lila und Rot. Mal sehen, welches Ergebnis wir erhalten, wenn wir es mischen.

Allein durch das Hinzufügen einer weiteren Farbe haben wir es so viel interessanter gemacht. Das Arbeiten mit begrenzten Farben hilft wirklich dabei, alles kohärent und augenschonend zu halten.

Farbverhältnis

Vermeiden Sie es, Farben (Farbtöne) in gleichen Mengen zu verwenden; wählen Sie stattdessen eine Farbe als dominanten Ton und verwenden Sie die anderen als Akzente oder Komplementärfarben. Viele Menschen machen den Fehler, Farben gleichmäßig aufzuteilen, zum Beispiel 4 Farben mit jeweils 25%, aber dies kann zu einem flachen, uninteressanten Bild führen. Das Gleiche gilt für die Komposition oder jedes andere Designprinzip – wenn alles gleich ist, wird es weniger ansprechend. Die Befolgung der „groß, mittel, klein“-Regel erzeugt mehr visuelles Interesse und Gleichgewicht.

In diesem Beispiel gibt es viele Farben, aber die Dominanz ist leicht zu erkennen. Das Orange des Kürbisses sticht als dominanteste Farbe hervor, gefolgt von der Farbe des Skeletts. Rosa wird für kleine Glanzlichter verwendet, und Grün erscheint subtil an der Oberseite des Kürbisses.

Diese ältere Skizze verdeutlicht auch, wie wichtig Sättigung sein kann. Orange und Rosa sind stark gesättigt, während die Knochenfarbe und Grün gedämpfter sind. Ich wollte den Fokus auf die Augen legen, daher habe ich dort die gesättigtste Farbe verwendet, um Aufmerksamkeit zu erregen.

Stellen Sie sich Farben als Instrumente in einem Orchester vor. Wenn jedes Instrument mit voller Lautstärke spielt, wird der Klang chaotisch. Lassen Sie stattdessen die meisten Farben sanft spielen, wobei ein oder zwei die Führung wie ein Solo übernehmen, um eine ausgewogene und harmonische Komposition zu schaffen.

Dies mag ein drastisches Beispiel sein, aber es zeigt effektiv, wie einfach es ist, das Auge des Betrachters auf das richtige Thema zu lenken. Auf der rechten Seite haben alle Formen die gleiche Sättigung, was es schwierig macht, zu wissen, worauf man sich konzentrieren soll. Auf der linken Seite gibt es drei verschiedene Sättigungsstufen, so dass sich Ihr Auge natürlich auf die prominenteste Form konzentriert, anstatt von allen dreien gleichzeitig abgelenkt zu werden.

Farbton vs. Wert

Farbton und Wert sind zwei der Kernkomponenten der Farbe, und das Verständnis des Unterschieds ist entscheidend für die Erstellung ausgewogener und effektiver Kunstwerke.

• Farbton bezieht sich auf die Farbe selbst – ob es Rot, Blau, Gelb usw. ist. Es ist das, woran wir normalerweise denken, wenn wir über „Farbe“ sprechen.

• Wert hingegen beschreibt die Helligkeit oder Dunkelheit einer Farbe. Jeder Farbton hat einen Wert, der sichtbar wird, wenn Sie das Bild in Graustufen umwandeln. Er hilft, Form, Tiefe und Kontrast innerhalb eines Werks zu definieren.

Selbst bei lebhaften oder unkonventionellen Farbtönen ist es entscheidend, starke Werte beizubehalten. Wenn alle Ihre Farben ähnliche Werte (Helligkeit oder Dunkelheit) haben, kann das Werk flach oder chaotisch wirken, da das Auge keinen klaren Fokus hat. Durch Variieren der Werte – selbst bei hellen oder „verrückten“ Farben – erzeugen Sie Kontrast und lenken das Auge des Betrachters auf die wichtigsten Bereiche des Kunstwerks.

Kurz gesagt, Sie können die wildesten Farbtöne haben, aber die Sicherstellung, dass ihre Werte zusammenwirken, verleiht Ihrem Werk Tiefe, Klarheit und eine starke visuelle Wirkung.

 

Im obigen Beispiel habe ich darauf geachtet, es während der Arbeit in Schwarz-Weiß noch einmal zu überprüfen. Das ist in Clip Studio Paint und anderer Software super einfach zu bewerkstelligen.

Hauptillustrationsprozess

Wir kommen endlich zu der Illustration, die ich für dieses Tutorial erstellt habe. Es hat viel Spaß gemacht, helle, gesättigte Farben zu verwenden. Ich habe mich dieses Mal für einen Pop-Art-Stil entschieden.

 

Die Pop-Art, die in den 1950er und 60er Jahren an Fahrt gewann, schöpfte aus alltäglichen visuellen Elementen wie Anzeigen, Comics und Konsumgütern. Bekannt für ihre kräftigen Linien und lebendigen Farben, verwandelte sie gewöhnliche Objekte in auffällige Kunst.

 

Ich werde den Zeitraffer ganz am Ende einfügen, falls Sie mehr als nur Screenshots sehen möchten.

Skizze

Ich begann damit, ihre Pose grob mit lockeren Linien zu skizzieren. Konzentrieren Sie sich darauf, die allgemeine Geste einzufangen – ihr gerader Rücken, ihre gebeugten oder gekreuzten Beine und ihr zum Betrachter gewandtes Gesicht. Halten Sie die Dinge fließend und entspannt. Skizzieren Sie als Nächstes die Grundproportionen mit einfachen Formen wie Kreisen und Ovalen, um Kopf, Rumpf und Gliedmaßen aufzubauen. Halten Sie die Linien leicht und passen Sie sie bei Bedarf an.

 

Beim Skizzieren des Gesichts markieren Sie leicht Hilfslinien, um Augen, Nase und Mund zu positionieren. Da sie geradeaus schaut, ist Symmetrie wichtig. Halten Sie Körper und Kleidung zunächst einfach und blocken Sie die Hauptbereiche ab, bevor Sie sich um Details kümmern.

 

Allgemeiner Tipp: Denken Sie nicht zu früh über Details nach – konzentrieren Sie sich auf den Gesamtfluss und die Struktur. Halten Sie Ihre Linien locker und fließend und verfeinern Sie erst, wenn die Form stimmt.

 

Für den Pinsel verwendete ich wie immer einen normalen harten runden Mischpinsel. Ich hielt ihn groß, um nicht in Details zu geraten. Außerdem begann ich mit einem grauen Hintergrund, um sicherzustellen, dass er die Augen nicht zu sehr belastet.

Als Nächstes wählte ich ein triadisches Farbschema, da es mir ermöglicht, mit nur drei Hauptfarben zu arbeiten und gleichzeitig einen großen Kontrast zu bieten. Ich entschied mich für Lila, Gelb und Cyan – klassische Farben, die oft in der Pop-Art zu sehen sind und dem Werk diesen lebendigen, kräftigen Look verleihen.

Um Farbe unter Ihre Skizzenebene in Clip Studio Paint hinzuzufügen, stellen Sie zunächst sicher, dass Ihre Skizzenebene ganz oben liegt. Erstellen Sie eine neue Ebene darunter zum Ausmalen. Wählen Sie Ihr Pinsel- oder Füllwerkzeug und beginnen Sie, Farbe auf dieser neuen Ebene aufzutragen. Die Farben erscheinen unter den Skizzierlinien, die sichtbar bleiben. Um versehentliches Zeichnen auf der Skizze zu verhindern, sperren Sie die Skizzenebene. Verfeinern Sie die Farben auf Ihrer neuen Ebene weiter, bis Sie das gewünschte Aussehen erreichen. Diese Methode ermöglicht es Ihnen, Ihre Skizze intakt zu halten, während Sie mit Farben experimentieren.

Verfeinern, Verfeinern, Verfeinern!

 

Prüfen Sie Aspekte, die Sie verbessern möchten. Überlegen Sie, was Sie am Bild schätzen und identifizieren Sie Bereiche, die möglicherweise verbessert werden müssen. Erwägen Sie das Hinzufügen von Schatten oder anderen Details, um das Kunstwerk aufzuwerten. Hier kann Ihre Kreativität wirklich glänzen. Stellen Sie sich verschiedene Fragen, um Ihren Prozess zu leiten. Ich male und passe oft weiter an, bis ich das Gefühl habe, dass das Bild besser wird.

Das Hinzufügen eines hellen Umrisses um den Charakter kann den Kontrast erheblich verbessern und dem Bild eine grafischere Qualität verleihen. Diese Technik hilft dem Charakter, sich prominenter vom Hintergrund abzuheben, schafft eine klare Unterscheidung und lenkt das Auge des Betrachters direkt auf das Motiv. Der kräftige Umriss verstärkt nicht nur die visuelle Wirkung, sondern verleiht dem Kunstwerk auch einen stilisierten, kohärenten Look, der die Form des Charakters betont.

Die Integration von Halbtonmustern kann Ihrem Bild eine beeindruckende grafische Qualität verleihen. Halbtöne verwenden Punkte oder andere Muster, um Schattierungen und Verläufe zu simulieren, was Ihrem Kunstwerk ein unverwechselbares, retro-inspiriertes Aussehen verleiht, das an klassische Comics und Printmedien erinnert. Durch das Variieren der Größe und Dichte der Punkte können Sie die Illusion von Tiefe und Textur erzeugen, während Sie ein sauberes, stilisiertes Erscheinungsbild beibehalten. Diese Technik verbessert nicht nur das grafische Gefühl, sondern fügt auch visuelles Interesse und ein Gefühl von dynamischem Kontrast hinzu, wodurch Ihr Bild sowohl auffällig als auch visuell ansprechend wird.

 

Es ist sehr einfach, dies in Clip Studio Paint hinzuzufügen! Es gibt viele Einstellungen in Clip Studio Paint, aber für diese spezielle Illustration habe ich mich für eine sehr einfache entschieden.

Um schnell Halbton-Effekte in Clip Studio Paint über die Ebeneneigenschaften hinzuzufügen, erstellen Sie zunächst eine neue Ebene über dem Bereich, in dem Sie den Halbton-Effekt anwenden möchten. Dies können Sie tun, indem Sie im oberen Menü auf Ebene klicken und Neue Ebene auswählen oder indem Sie auf das Symbol für eine neue Ebene im Ebenen-Bedienfeld klicken.

 

Wenn die neue Ebene ausgewählt ist, gehen Sie zum Ebeneneigenschaften-Bedienfeld. Falls Sie es nicht sehen, öffnen Sie es über Fenster > Ebeneneigenschaften. Suchen Sie im Ebeneneigenschaften-Bedienfeld nach der Option Effekt. Klicken Sie darauf und wählen Sie Halbton aus dem Dropdown-Menü. Dadurch wird ein Standard-Halbtonmuster auf die Ebene angewendet.

Nur damit Sie es wissen, die Verwendung eines Airbrush-Pinsels ist erstaunlich, wenn es um Halbtöne geht. Auf diese Weise können Sie steuern, wo der Halbton stark und wo er leicht sein wird.

Passen Sie den Halbton-Effekt an, indem Sie die Einstellungen im Ebeneneigenschaften-Bedienfeld anpassen. Sie können die Punktgröße, den Abstand und den Mustertyp ändern, um das gewünschte Aussehen zu erzielen. Experimentieren Sie mit diesen Einstellungen, bis Sie den Effekt erhalten, der zu Ihrem Kunstwerk passt.

 

Wie Sie sehen, erzeugt die Verwendung des Airbrush-Pinsels einen schönen Effekt, der von großen zu kleinen Punkten übergeht. Ich liebe diesen Effekt!

 

Ich habe eine Frequenz von 5 verwendet, um zu zeigen, wie die Punkte auf dem Bild aussehen, aber die Zahl hängt auch von Ihrer Leinwand und der gewünschten Größe der Punkte ab. Ich mag niedrigere Zahlen, um sie sichtbar zu halten. Ich weiß, dass andere Künstler es viel stärker zeigen möchten.

Passen Sie bei Bedarf die Deckkraft oder den Mischmodus der Ebene an, um den Halbton-Effekt nahtlos in Ihr Kunstwerk zu integrieren. Dies können Sie im Ebenen-Bedienfeld tun, indem Sie die Ebene auswählen und deren Eigenschaften ändern.

Ich habe meinen Effekt durch „Überlagern“ erzielt. Manchmal verwende ich auch gerne „Weiches Licht“ oder „Multiplizieren“. Wenn der Effekt zu stark ist, können Sie jederzeit die Deckkraft reduzieren.

In diesem Beispiel habe ich beschlossen, die Form des Charakters zu überprüfen. Das ist das Erste, was die Leute sehen und lesen. Ich hatte das Gefühl, dass die Beine zu stark ineinander übergehen, sodass es wie ein großes Bein wirkt. Sie fühlen sich nicht ausreichend getrennt an, so dass es keine klare Lesbarkeit gibt.

Indem man das Bein ein wenig verschiebt und einen kleinen Spalt in der Mitte hinzufügt, verbessert man die Lesbarkeit und die Komposition erheblich. Kleine Dinge wie diese tragen maßgeblich zur Verbesserung des Kunstwerks bei!

Ich habe auch Glanzlichter auf Kleidung und Haare gesetzt! In diesem Fall, um die Farben besser zu integrieren, habe ich blaue/cyanfarbene Glanzlichter von den Wänden hinzugefügt. Das Licht wird von der Umgebung reflektiert, also hilft es in diesem Fall auch, weil die Farben kohärenter sind :)

Fügen wir etwas Subsurface Scattering hinzu! Das ist ein sehr ausgefallener Begriff dafür, dass Licht durch Objekte dringt. Bei Haut wird das Licht aufgrund des Blutes orange und rot. Es ist ein einfacher Trick, um Ihre Illustration zum Leuchten zu bringen!

Auf der linken Seite habe ich ein schönes gesättigtes Highlight zwischen Schatten- und Lichtpartie hinzugefügt. Ich gebe zu, ich verwende es viel zu oft für meine Kunst, aber ich liebe den Effekt einfach so sehr.

Ich habe einige für Kleidung, Arme, Gesicht und einige andere Stellen hinzugefügt. Eine sehr einfache Methode dafür ist, eine neue Ebene zu erstellen. Stellen Sie sie auf den Sättigungsmodus ein und wählen Sie die hellste/gesättigtste Farbe. Auf diese Weise wirkt sich die Ebene nur auf die Sättigung aus.

 

Wenn der Effekt zu stark ist, können Sie jederzeit die Deckkraft reduzieren.

Wie bereits erwähnt, ist es wichtig, das Bild während der Erstellung in Schwarz-Weiß zu überprüfen. Das ist sehr einfach zu bewerkstelligen. Erstellen Sie einfach eine neue Ebene, stellen Sie sie auf den Farbmodus ein und fügen Sie dann eine rein schwarze oder weiße Füllung hinzu.

 

Dadurch wird Ihr Bild in Schwarz-Weiß umgewandelt und zeigt, ob Sie Kontrastprobleme haben. In diesem Fall gibt es eine gewisse Überblendung zwischen Gürtel und Rock. Aus diesem Grund habe ich die Farben ein wenig geändert und auch eine Trennlinie zwischen beiden hinzugefügt.

 

Es ist auch wichtig sicherzustellen, dass Gesicht und Haare hervorstechen! Bei der Verwendung von superhellen Farben ist das vielleicht nicht der wichtigste Teil, da sich alle Farben sowieso voneinander abgrenzen. Es ist jedoch immer noch gut, sich selbst zu überprüfen.

Einige abschließende Details für mich sind die Schärfen- und Rauschfilter.

Ich habe ein separates Tutorial zu neuen Filtern erstellt, die in Clip Studio Paint hinzugefügt wurden. Ich empfehle dringend, es sich anzusehen, falls Sie es noch nicht getan haben.

 

Die Filter sind nicht der wichtigste Teil des Gemäldes, aber sie tragen viel dazu bei, das Endergebnis so viel besser zu machen.

Auf Wiedersehen

Vielen Dank, dass Sie meine Reise verfolgt und gelesen haben. Hier ist das Zeitraffer-Video für das Gemälde;

Wenn Sie mehr sehen und meine Kunst ansehen möchten, hier ist mein Link :)