¡Hola! Mi nombre es Manu Mercurial.

En este tutorial, te mostraré cómo pintar cualquier ilustración de personaje en solo seis pasos, pensando en la iluminación como una herramienta para contar una historia.

Antes de pasar a la pintura, tenemos que hablar de LUZ. Hay dos cosas que siempre hay que tener en cuenta: de dónde viene la luz y con qué intensidad. También es importante que intente 'empujar sus valores' en sus ilustraciones, utilizando toda la gama, desde la oscuridad absoluta hasta el blanco puro, y no quedarse solo en tonos grises.

Quería crear una ilustración de mi personaje original, Xeraphine. Así que esta es la línea de arte que colorearé.

Paso 1: Colores locales (colores planos)

Con esta línea de arte como guía, podemos comenzar a llenar los colores planos, también conocidos como colores locales. Son los colores reales que tiene el objeto sin preocuparnos en absoluto por la iluminación. Es importante que lo hagas limpiamente porque estos planos de color también se duplicarán como selecciones que podemos usar cuando rendericemos cada parte del personaje.

 

Recomiendo esta configuración en su herramienta de llenado o cubeta. Use la función de cerrar espacios para que el color no se derrame y también la escala del área. De esa manera, tus sensaciones se desangrarán un poco debajo de la línea. Solo tienes que pintar tus pisos de color en diferentes capas dependiendo de qué parte sea.

 

Por ejemplo, separé la piel en una capa, el cabello en otra, su ropa y sus pequeños detalles.

 

Puede usar las diferentes capas no solo como selecciones, sino también como máscaras de recorte. Puede crear una nueva capa y colocarla encima de la capa que desea usar como máscara.

 

Luego haga clic en el botón 'recortar a la capa de abajo'. Ahora puedo dibujar un solo trazo de color azul claro y verás que solo se mostrará en la parte superior de donde está el cabello rosado. Esto es realmente útil para crear el degradado en su cabello sin preocuparse por pintarlo con cuidado.

 

Paso 2: Integración de color

 

Este pase de integración es lo que me permite usar cualquier color que quiera y aun así hacer que se sienta creíble. Su objetivo es “contaminar” los colores locales con los tonos del entorno, para que el personaje se sienta como si estuviera de pie en la escena.

 

En el caso de nuestra ilustración, lo que haremos será tomar toda la carpeta donde estoy colocando los planos de color y hacer clic con el botón izquierdo mientras mantengo presionada la tecla CTRL. Y esto creará una selección. Rellenaré todo con un color azul y de la misma manera coloreé mi animación.

 

Usaré el modo de fusión 'Multiplicar' y reduciré la opacidad de este azul para que el personaje se sienta como si estuviera parado en medio de ese fondo. ¿Ves cómo contamina todos los colores locales? Y de nuevo, todavía no me preocupo por la iluminación. Solo haciéndola sentir integrada a ese lugar. En este caso, un pequeño detalle que guardaré es agarrar la capa para el relleno de color de ojos rojos y moverla encima de todo porque no quiero que se vea afectado.

Paso 3: Destacados

 

Esta es una de las partes más divertidas del proceso donde, de nuevo, solo piensas dónde está tu luz y qué tan intensa es y luego la aplicas a tu personaje.

 

En este caso, si la fuente de luz son las letras que están detrás de ella, crearé una luz en el borde, que es un punto culminante alrededor de su silueta. Eso crea mucho contraste y también la separa del fondo.

 

Si dejara este borde claro y comenzara a pintar sombras, todo el personaje sería tremendamente oscuro. Es por eso que decidí agregar una luz de relleno que viene desde abajo. Con el control presionado, haré clic izquierdo en la vista previa de la capa de color plano de mi piel.

 

Al igual que con las carpetas, al hacer clic en esta pequeña vista previa se creará una selección que usaré para pintar esta luz de relleno. Las luces de relleno no son tan nítidas como las luces del borde, así que usaré un pincel más suave y lo pintaré con una gran cadencia.

 

Por eso hablamos de la dirección de la luz y su intensidad, porque no es lo mismo tener una luz muy brillante justo detrás de ti que una luz más tenue debajo de ti. Y lo bueno del arte es que realmente no tienes que ser realista mientras sea creíble. ¡Así que experimenta!

Una de las mejores cosas de esta canalización es que tenemos todo en capas separadas. Si en algún momento siento que alguno de los colores no funciona, puedo ir a la capa y presionar control + U para activar el ajuste de tono y saturación y simplemente modificarlo a mi gusto.

Paso 4: Sombras

 

Es importante usar color en tus sombras, incluso si está muy desaturado. Nunca quieres pintar con negro porque entonces pierdes la habilidad de jugar con eso. Después de esto, cambiaré el modo de fusión a 'Multiplicar' para que oscurezcan mi personaje.

 

La clave de las sombras es no pensar en ellas como algo que pintas sobre el sujeto, sino que en realidad es la ausencia de luz lo que provoca una sombra. Así que serán las luces las que te indiquen dónde debe estar una sombra.

 

 

Hay tres tipos de sombras. Este es un dibujo antiguo de 2017, pero tiene un ejemplo perfecto para los dos primeros.

 

El primero es Cast Shadows. Siempre que haya un obstáculo entre la fuente de luz y el sujeto, se proyectará una sombra sobre él, y se caracterizan por sus bordes afilados.

En contraste con esto, tenemos Form Shadows, que son las sombras que ocurren cuando la superficie del objeto se aleja de la fuente de luz y se caracterizan por un borde suave.

 

Un ejemplo de esto será la cadencia en su vientre, que en realidad es mucho más suave que este borde afilado, que es una sombra proyectada por el brazo. Tienes que tener esto en cuenta al pintar sombras en un personaje.

 

El tercer tipo de sombra son las Sombras de Contacto, también conocidas como Oclusión. Estas son sombras que existen donde dos superficies hacen contacto, y están allí independientemente de la fuente de luz. Esta es una pasada importante porque es la que le da volumen al objeto. Para esta ilustración, este es nuestro pase de oclusión y puede ver que es más fuerte cuando hay dos superficies que se tocan.

Si añadimos nuestros destacados, podéis ver cuánto ya lleva el peso de la ilustración. Si encendemos nuestros colores locales, ya está ahí. Solo falta que nuestra integración pase más fuerte. Y parece que el personaje está justo ahí.

Paso 5: Representación de materiales

 

Vamos a ir más allá con nuestro paso cinco, el pase de renderizado de material donde básicamente entramos y hacemos que todo se sienta como de lo que está hecho.

 

Entonces, hacer piel, pareciendo piel agregando algo de dispersión debajo de la superficie. Puedes ver los rojos que estoy agregando aquí. También un poco en sus párpados. Para el cabello voy a agregar reflejos y textura. Agregue un poco de brillo con el modo de fusión Agregar brillo a la luz de su pecho.

 

Este es un juego de paciencia, pero también un juego de usar referencias. Si no está seguro de cómo pintar alguno de estos materiales o partes, le recomiendo que busque un arte o fotografía similar e intente imitar lo que está viendo.

 

 

Paso 6: Postproducción

 

La posproducción consiste básicamente en hacer que la imagen se vea lo mejor posible. Estos son cambios amplios como degradados encima de todo usando modos de fusión como Agregar brillo para hacerlo más claro, Superponer para hacerlo más saturado o Multiplicar para hacerlo más oscuro. Depende de usted decidir cuál es el efecto que desea.

 

Ahora, el verdadero aspecto clave para su éxito en la pintura y la ilustración no está realmente en la pintura, sino en el uso de referencias. Tantos como puedas. Tómese su tiempo para buscar realmente las cosas que le gustan, no solo en la iluminación y el color, sino también en el dibujo, la pose, el fondo e incluso la historia. ¡Todos los artistas profesionales usan referencias!

Y recuerda:

 

“Cada línea que dibujas, estás una línea más cerca de tu sueño”.

 

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