Una guía completa de Manny Guevarra

Introducción

 

¡Muchas gracias por ver mi primer tutorial de Clip Studio Paint! Este es un tutorial paso a paso para principiantes sobre cómo dibujar fondos llamativos. Sin embargo, hay varios "trucos" avanzados que pueden ser útiles para usuarios intermedios y avanzados que buscan mejorar el arte de sus personajes mejorando sus fondos. Así que no importa su experiencia con Clip Studio Paint, siéntase libre de seguirlo. Si está buscando comenzar o mejorar sus fondos, ¡este tutorial es para usted!

 

Los fondos a menudo pueden "hacer o deshacer" las ilustraciones. Un fondo bien ejecutado no solo puede enfatizar sino mejorar su sujeto, guiando los ojos de sus espectadores hacia donde deben ir y mejorando la experiencia visual general. En este tutorial, aprenderemos varios consejos y trucos en Clip Studio Paint que podemos usar durante la preproducción, la producción y la publicación para mejorar nuestros fondos y hacer que el arte de nuestro personaje "resalte".

 

¡Así que pasemos directamente a #BoostingBackgrounds!

Crear contraste con la composición

Incluso antes de comenzar a dibujar o pintar, hay varios consejos y trucos de composición que podemos usar en las primeras etapas de nuestra ilustración para prepararnos para el éxito. Vamos a crear varios bocetos en miniatura para bloquear formas y valores básicos para nuestro futuro fondo y asegurarnos de que dirija la atención hacia nuestro sujeto. Al crear miniaturas, tenga en cuenta lo siguiente:

 

LA REGLA DE LOS TERCIOS

 

La regla de los tercios establece que, cuando un lienzo se divide en tercios, se debe colocar un tema a lo largo de la intersección de esos tercios.

 

Si el sujeto se coloca demasiado a la izquierda o a la derecha del lienzo, es posible que los ojos de los espectadores no se sientan atraídos hacia él de inmediato. Por el contrario, si el sujeto se coloca directamente en el centro, la composición puede parecer poco natural. Al colocar nuestro sujeto estratégicamente contra el fondo usando la regla de los tercios, creamos yuxtaposición y establecemos un punto focal solo por posición.

 

También tenga en cuenta que el espacio negativo puede usarse para implicar movimiento; en este caso, nuestros personajes se colocan a la derecha del centro para mostrar el movimiento implícito del personaje A que viene del lado izquierdo del lienzo y salta a los brazos del personaje B.

 

SUGERENCIA: puede usar las opciones [Cuadrícula] y [Barra de regla] en Clip Studio Paint para ayudar a dividir su lienzo en cuadrantes. Para abrir la Cuadrícula, simplemente seleccione el menú [Ver] > [Cuadrícula]. Para abrir la Barra de reglas, presione Ctrl + R en su teclado o seleccione el menú [Ver] > [Barra de reglas].

 

Puede alternar el punto de inicio, el ancho, la altura, el espacio y el número de divisiones para cualquiera de las herramientas seleccionando el menú [Ver] > [Configuración de la barra de cuadrícula/regla].

 

La regla de los tercios es un principio de la fotografía y, al aplicarla a nuestras ilustraciones, podemos crear composiciones de aspecto más natural.

 

ENCUADRE CON LÍNEAS PRINCIPALES

 

Otra forma en que podemos dirigir la atención a nuestros sujetos es mediante el uso de elementos de fondo para enmarcar el primer plano. En el caso de este fondo temático de la naturaleza, podemos usar el sendero para caminar y la línea de árboles para crear Líneas principales, que apuntan los ojos de los espectadores en la dirección de nuestro sujeto. Observe cómo el follaje también enmarca a nuestros sujetos en la segunda y tercera miniaturas.

 

Además de enmarcar el tema, agregar Leading Lines puede transformar la naturaleza estática de las líneas que de otro modo no tendrían un objetivo para crear una pieza más dinámica.

 

LENGUAJE DE LA FORMA

 

Una tercera forma de crear contraste entre el fondo y el primer plano es romper el lenguaje de formas de nuestra composición. Si el lenguaje de formas de la silueta de tu personaje es suave y redondeado, intenta crear formas nítidas y empinadas con los elementos del fondo. Si la silueta es alta y delgada, intenta hacer lo contrario.

 

En el caso de nuestros personajes aquí, dividamos el lenguaje de formas de su silueta erguida con líneas curvas que representan con mayor precisión la naturaleza salvaje de los elementos orgánicos como el follaje. De lo contrario, la composición puede parecer rígida y nuestros personajes no se destacarán tanto.

 

¡Mucho mejor! Siempre podemos modificar los elementos compositivos más tarde, pero comenzar con un buen boceto en miniatura nos ahorra la molestia de tener que hacer ediciones sustanciales más adelante.

Crear contraste con el color

Ahora que tenemos nuestra futura ilustración trazada, ¡dibujemos! A lo largo del proceso de dibujo, tenemos varias oportunidades más para crear contraste entre nuestro sujeto y el fondo. Podemos hacer esto simplemente usando Color y sus diversas propiedades:

 

VALOR

 

Una forma en que podemos distinguir nuestro primer plano del fondo es mediante el uso de Valor, o la relativa "claridad" u "oscuridad" de un Color. La forma más sencilla de ver el Valor de una capa es navegar a [Color de expresión] en la pestaña [Propiedad de la capa] y cambiar el menú desplegable de [Color] > [Gris], que convierte toda la capa a escala de grises. Esta práctica propiedad de capa se puede alternar entre [Gris] > [Color] en cualquier momento.

 

Para distinguir su primer plano de su fondo, use Valores contrastantes; puede pintar su primer plano con un tinte "más claro" y su fondo con un tono "más oscuro", o hacer lo contrario si el fondo está más cerca de su fuente de luz. Si el Valor de su fondo es demasiado similar a su primer plano, su sujeto puede ser difícil de distinguir como en la primera miniatura a continuación.

 

CONSEJO: Muchos artistas pintan únicamente en escala de grises al principio, luego agregan color más adelante en su proceso de pintura después de que se hayan establecido los valores adecuados. Si tiene problemas para controlar el valor de su composición, ¡pruebe este truco!

 

MATIZ

 

Hue es probablemente lo que imaginamos cuando pensamos en "Color". Hue es Color en su forma más pura sin agregar blanco, negro o gris. El uso de paletas de colores con tonos contrastantes de diferentes áreas de una rueda de colores es otra forma de crear contraste en su ilustración.

 

SUGERENCIA: una vez que haya seleccionado una paleta de colores que le gustaría usar, puede guardarla en la pestaña [Conjunto de colores] haciendo clic con el botón derecho en cualquier celda y seleccionando [Agregar color]. Desde aquí, puede soltar fácilmente los colores guardados en cualquier momento durante el proceso de ilustración simplemente haciendo clic en ellos.

 

SATURACIÓN

 

Una vez que hayamos establecido nuestra paleta de colores y hayamos comenzado a pintar nuestro fondo, una forma en que podemos crear más contraste para enfatizar nuestro sujeto es bajando la Saturación de nuestro fondo. Esto se puede hacer durante el proceso de pintura eligiendo colores en el rango anterior dentro de los espacios de color HSV y HLS.

 

Sin embargo, esto también se puede hacer en posproducción seleccionando [Capa] > [Nueva capa de corrección (J)] > [Tono/Saturación/Luminosidad] y ajustando el control deslizante Saturación. Esto creará una capa de corrección que se puede recortar a cualquier otra capa o carpeta.

 

Reducir la saturación de su fondo por un pequeño margen ayuda a que su sujeto parezca más colorido y vívido, destacándose así de los elementos circundantes.

Iluminación y tipos de capas

Muy bien, ¡ahora viene la parte divertida! Una de las mejores maneras de hacer que el arte de tu personaje se destaque es a través de una iluminación inteligente y decidida que enmarque aún más al sujeto. Hay un sinfín de formas de colocar la fuente de luz e iluminar el sujeto, pero una de las mejores formas de separar el primer plano del fondo es mediante el uso de la retroiluminación.

 

CONTRALUZ

 

La retroiluminación puede ser una forma excelente de acentuar la silueta del sujeto. Para lograr este efecto, coloque su fuente de luz detrás de su sujeto. También puede usar la ubicación de su fuente de luz para llamar aún más la atención sobre su sujeto, como la ubicación del sol aquí:

 

A continuación, debemos crear al menos dos capas de iluminación separadas: una para aplicar como una máscara de recorte a nuestro arte de personajes y otra para colocarla debajo de nuestro arte de personajes.

 

Los dos principales modos de fusión de iluminación utilizados en la ilustración anterior son [Sobreexponer brillo] y [Agregar brillo]. De los dos, el modo de fusión [Glow Dodge] creará un brillo que conservará más del color elegido, mientras que una capa [Add Glow] creará un efecto más brillante y descolorido.

 

DODGE BRILLANTE

 

Para la capa de iluminación superior recortada a nuestro arte de personaje, usemos el modo de capa [Glow Dodge]. Al trabajar en colores saturados, de alto valor y cálidos (más cercanos al amarillo que al azul), podemos crear un Rim Light encantador para acentuar las siluetas de nuestros personajes.

 

SUGERENCIA: Para mayor precisión, dibuje la luz del borde con la herramienta [Plumilla] y desenfoque los bordes manualmente con la herramienta [Fusionar] configurada en Propiedad de la herramienta [Desenfoque].

 

Para intensificar el brillo, duplique la capa Rim Light y desenfoque uniformemente mediante el menú [Filtro] > [Desenfoque] > [Desenfoque gaussiano].

 

SUGERENCIA: Otro método para crear un halo de luz uniforme alrededor de la ilustración de tu personaje es navegar a la capa o carpeta de la ilustración y seleccionar el área alrededor de la ilustración con la herramienta [Varita mágica] usando la configuración que se muestra a continuación. Luego, cree una nueva capa [Glow Dodge] sobre la capa o carpeta de arte del personaje y recórtela en la capa de abajo. A continuación, complete su selección con color y desenfoque utilizando el filtro [Desenfoque gaussiano] especificado anteriormente. Cuanto más fuerte sea el desenfoque, más se filtrará la luz sobre el arte de tu personaje desde los bordes.

 

AGREGAR BRILLO

 

Al iluminar el fondo, puede usar una capa opaca [Agregar brillo] para producir una luz más difuminada que no distraiga la atención del primer plano. Mantén los reflejos y otros detalles al mínimo cuanto más lejos esté un elemento del sujeto, usando herramientas como [Airbush] o [Brush] para obtener trazos más sueltos y menos definidos.

 

Sin embargo, un área a la que podemos agregar detalles es alrededor de la fuente de luz, particularmente donde envuelve a nuestro sujeto. Si su fuente de luz es visible en su composición, intente agregar elementos como destellos de lente o motas de polvo flotantes. La herramienta [Aerógrafo] es útil para crear estos elementos, especialmente cuando se configura en las propiedades de herramienta [Aerosol] y [Gota].

 

Expondremos estos elementos en la siguiente sección, "Uso de la perspectiva atmosférica: efectos de desenfoque".

 

DE COMBUSTIÓN LINEAL

 

Se puede lograr una sombra de apariencia natural utilizando colores fríos (más cercanos al azul que al amarillo) desaturados, de bajo valor en el modo de capa [Subexposición lineal].

 

SUGERENCIA: Para crear una apariencia dinámica en su pieza y aumentar aún más la separación entre el primer plano y el fondo, intente usar la herramienta [Degradado] con la propiedad [Primer plano a transparente] para crear una sombra que se desvanece y se extiende desde el primer plano hasta el fondo. En este caso, ayuda a colocar a nuestros sujetos debajo de los árboles de arriba y enfatizar las sombras del follaje.

Creación de una perspectiva atmosférica con efectos de desenfoque

PERSPECTIVA ATMOSFÉRICA

 

Ahora que el sol se filtra a través del follaje y elimina algunos de los elementos del fondo en la distancia, comenzamos a crear algo llamado Perspectiva atmosférica.

 

La Perspectiva Atmosférica es el principio simple de que, cuanto más lejos está un objeto de nuestro punto de vista, más difícil es verlo. Esto se debe a los componentes de la atmósfera, como el polvo, la lluvia, la neblina y la neblina, que nublan nuestra vista a medida que aumentan con la distancia. Inclinarse hacia la perspectiva atmosférica es quizás la mejor manera de distinguir el sujeto del fondo y hacer que el arte de tu personaje "resalte".

 

Este efecto se puede lograr de muchas maneras diferentes, por ejemplo, colocando elementos como niebla, neblina o neblina lluviosa entre capas, como se puede ver a continuación:

 

DESENFOQUE RADIAL

 

En nuestro caso, vamos a utilizar el menú [Filtro] > los efectos [Desenfoque] en los elementos de medio plano y de fondo para llamar la atención sobre el primer plano y simplificar un fondo recargado.

 

Primero, comencemos usando el menú [Filtro] > [Desenfoque] > [Desenfoque radial] en la capa con nuestra luz solar y destellos de lentes para enfatizar que emanan justo detrás de la silueta de nuestros personajes. El uso de [Desenfoque radial] en una capa atrae la atención de los espectadores hacia el centro de origen; en este caso, si los ojos de un espectador captan uno de los rayos de luz, pueden seguirlo hasta el arte de nuestro personaje.

 

Arrastra y coloca la "X" roja en tu fuente de luz, o donde quieras que irradie el desenfoque.

 

DESENFOQUE DE MOVIMIENTO

 

A continuación, aplicaremos un [Desenfoque de movimiento] a las motas de polvo en el medio seleccionando el menú [Filtro] > [Desenfoque] > [Desenfoque de movimiento]. Colocaremos el desenfoque a la derecha del lienzo para seguir el movimiento implícito de la escena (es decir, el personaje A saltando a los brazos del personaje B). Esto ayuda a enfatizar el movimiento, así como a dirigir más los ojos de los espectadores hacia el sujeto.

 

DESENFOQUE GAUSSIANO

 

Finalmente, usemos el menú [Filtro] > [Desenfoque] > [Desenfoque gaussiano] en nuestros elementos de fondo para apoyarnos realmente en la perspectiva atmosférica. Esto desenfocará uniformemente todos los elementos de fondo en la capa seleccionada.

 

Si no está seguro de qué fuerza usar con la herramienta [Desenfoque gaussiano], piense en su ilustración como una toma cinematográfica. Por lo general, en cinematografía, cuanto más se acerca la cámara al sujeto enfocado, más borroso se vuelve el fondo. Estos son algunos ejemplos de tomas "cinematográficas" con diferentes niveles de desenfoque:

 

Un "plano largo medio" representa sujetos de rodillas para arriba. En tomas más largas, los fondos pueden estar ligeramente desenfocados, pero la mayoría de los detalles aún son perceptibles.

 

Un "plano medio" muestra sujetos de cintura para arriba. En planos medios, los fondos comienzan a desdibujarse a medida que cambiamos más el enfoque hacia el primer plano.

 

Un "Primer plano medio" representa sujetos desde el pecho o los hombros hacia arriba. En tomas de primer plano, los fondos se vuelven muy borrosos ya que el sujeto en primer plano exige más enfoque.

 

Un "primer plano" llena la pantalla con uno o unos pocos elementos, como las caras de los sujetos. Dado que el sujeto ocupa la mayor parte del espacio de enfoque y de la pantalla, los primeros planos y los primeros planos extremos dejan los fondos extremadamente borrosos.

 

Con nuestro fondo borroso, hemos consolidado la yuxtaposición entre nuestros sujetos en primer plano y el bosque que los rodea. Simplificar su fondo, ya sea a través de herramientas de desenfoque, trabajo de línea simplificado o cualquier otra cosa, también permite a los espectadores descansar sus ojos alrededor del arte de su personaje que ahora salta de la página.

Para un toque final, agreguemos algunas hojas que caen para reforzar el movimiento en la pieza y empleemos un último truco para guiar los ojos de los espectadores al primer plano. Cuando agregue elementos como hojas, nieve o lluvia, recuerde pensar en su sujeto en un espacio 3D y coloque partículas delante y detrás de él. Esto no solo se ve más natural, sino que acentúa el objeto en el centro: el arte de tu personaje.

BONIFICACIÓN: Consejos para usar pinceles

Como puede ver, ¡hay innumerables formas de acercarse a los fondos! A lo largo del proceso de ilustración de este tutorial, se utilizaron varios pinceles de follaje para crear esta idílica escena otoñal. Ya sea que pintemos un paisaje forestal o dibujemos la escena de una ciudad, muchos dibujantes de cómics, ilustradores y otros creativos usan activos prefabricados como pinceles, sellos y modelos 3D para acelerar y mejorar nuestro flujo de trabajo artístico.

 

Y "Clip Studio Assets" tiene miles de pinceles, bolígrafos, modelos 3D, patrones y otros recursos disponibles para descargar, ¡muchos de ellos gratis! Se pueden comprar otros activos usando Clip Studio "GOLD" o mediante puntos "Clippy" que se pueden ganar de forma gratuita a través de eventos o cargando materiales propios.

 

 

A continuación se incluyen algunos consejos para utilizar pinceles y otros recursos descargables disponibles en "Clip Studio Assets".

 

INSTALACIÓN

 

Para instalar un activo deseado en Clip Studio Paint, simplemente haga clic en el botón "Descargar" en la parte superior derecha de la lista de activos; esto comenzará automáticamente el proceso de descarga e instalación de activos en su aplicación Clip Studio. Luego puede acceder a este material a través de su carpeta [Descargas] en la aplicación de dibujo Clip Studio Paint, donde puede arrastrarlo y soltarlo en una herramienta secundaria de su elección. (Si no ve su activo descargado, intente reiniciar su programa Paint).

 

EFECTO FRONTERA

 

SUGERENCIA: cuando trabaje con cualquier pincel, puede usar el menú [Propiedad de capa] > [Efecto de borde] para crear un borde uniforme alrededor de todos los trazos de pincel dentro de la capa seleccionada. En el espacio de trabajo "Predeterminado", este efecto se puede encontrar debajo del [Navegador] y encima del menú [Capa]. (Para alternar los espacios de trabajo, vaya al menú [Ventana] > [Espacio de trabajo]).

 

El "Grosor de los bordes" y el "Color del borde" se pueden alternar fácilmente, y este efecto se puede activar o desactivar en cualquier momento.

 

Al cambiar el tamaño de las capas con el [Efecto de borde] activado, el borde permanecerá con el grosor especificado. Para cambiar esto y transformar uniformemente el borde con el contenido de la capa, simplemente rasterice la capa haciendo clic derecho en la capa deseada y seleccionando [Rasterizar]. Esto también evitará que los bordes de la imagen transformada se pixelen demasiado, lo que afectará negativamente la apariencia del borde.

 

Este efecto puede ser extremadamente útil cuando se trabaja con activos como pinceles de follaje. ¿Recuerdas Perspectiva Atmosférica? Una forma de lograr ese efecto es simplemente dibujar elementos con menos detalle cuanto más lejos estén. En este caso, la propiedad de capa [Efecto de borde] también puede ser una excelente opción para crear una silueta simple para objetos distantes, evitando así que los elementos de fondo sean demasiado detallados y distraigan de nuestro primer plano.

 

Además, aplicar el [Efecto de borde] a la capa que contiene el primer plano puede ayudar a que se destaque del fondo, si es estilísticamente apropiado.

 

EXTRACCIÓN DE ARTE LINEAL

 

Es posible que sea necesario editar algunos de los pinceles, sellos y activos importados más estilizados, como los modelos 3D, para que se ajusten a la calidad de la línea y la paleta de colores de la ilustración. La herramienta [Efecto de borde] puede ser útil para crear líneas de arte que bordeen el contenido de cualquier capa, pero otra herramienta útil en la pestaña [Propiedad de capa] es la herramienta [Extraer línea], ubicada justo al lado de [Efecto de borde]. Esta herramienta extrae el arte lineal de toda la capa, como se ve a continuación:

 

 

Esto puede ser útil para activos importados, como modelos 3D cuyo arte lineal puede necesitar refuerzo, o si necesita el arte lineal aislado de una capa por cualquier motivo. Para usar el arte lineal aislado y hacer que las áreas blancas sean transparentes, simplemente rasterice la capa seleccionada y navegue hasta el menú [Editar] > [Convertir brillo en opacidad].

 

Tenga en cuenta que, si bien la herramienta [Extraer línea] inalterada se puede activar y desactivar, los efectos [Rasterizar] y [Convertir brillo en opacidad] no pueden. Como alternativa, puede establecer el modo de fusión de la capa en [Multiplicar] o [Subexposición lineal] para variar los niveles de contraste.

 

Una vez que se extrae el arte lineal, se puede colocar sobre una copia de la capa original para reforzar la calidad de la línea, o se puede usar como arte lineal para colorear dentro de la paleta deseada. Esto es mejor para los objetos en primer plano cuyos detalles en negrita los harán resaltar aún más.

Independientemente del nivel, la experiencia o el estilo artístico, ¡seguro que hay pinceles útiles que pueden ayudarte en tu viaje artístico! ¡No tengas miedo de experimentar y ver qué funciona mejor para tu estilo único!

Conclusión

¡Y eso es una envoltura!

 

¡Gracias de nuevo por ver mi primer tutorial! Espero que te hayas divertido y hayas podido aprender uno o dos trucos útiles en el camino. Si disfrutó de este tutorial y le gustaría ver más, ¡no dude en hacérmelo saber y sugerir temas en los comentarios!

 

Si desea ver más de estos personajes, no dude en consultar mi WEBTOON a continuación.

 

 

Saludos y Feliz Otoño!