Una guía completa de Manny Guevarra

Introducción

¿Alguna vez has querido crear una escena de fantasía épica que cuente una historia completa incluso con una sola mirada? ¡Crear un fondo épico para tu ilustración, cómic o animación es mucho más fácil de lo que piensas!

Para este tutorial, quería recrear la escena de mi video musical animado anterior como una ilustración más dinámica que cuenta una historia más clara, incluso sin la música o la animación. ¡Desglosaremos el fondo de la ilustración de fantasía resultante y usaremos esa información para pintar un mundo fantástico para que lo exploren tus personajes!

¡Todos los personajes y escenarios en este tutorial son de mi serie webcomic, EARTHEATERS! Si te interesa, ¡puedes leerlo a continuación!

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Elementos de fantasía

En primer lugar, exploremos algunos elementos para incluir en su ilustración que significarán inmediatamente un escenario de fantasía para su audiencia. Algunos elementos de fantasía divertidos para probar son:

 

MEGAFLORA🌸

 

Megaflora son plantas de gran tamaño. Los ejemplos de megaflora de la vida real incluyen bosques de secuoyas y, de hecho, pararse debajo de ellos se siente mágico. Para capturar este sentimiento mágico, intente empujar la perspectiva de las plantas que puede encontrar aquí en la Tierra. ¡En las obras de fantasía, puedes transformar un objeto que normalmente cabría en la palma de tu mano en algo gigantesco que empequeñece a tus personajes!

Esto funciona bien no solo con flores, sino también con otras plantas y hongos como árboles y hongos: ¡las posibilidades son infinitas!

MEGAFAUNA Y CRIATURAS MÍTICAS 🐉

 

Al igual que la megaflora, la megafauna es de gran tamaño, ¡pero esta vez estamos hablando de nuestros amigos animales! El término "megafauna" normalmente se refiere a grandes animales terrestres que pesan más de una tonelada (1000 kilos/2205 libras). Los ejemplos de megafauna de la vida real incluyen jirafas, elefantes e hipopótamos.

 

Agregar megafauna puede agregar instantáneamente gracia, majestuosidad y extravagancia a su ilustración, especialmente si se trata de una especie que no puede encontrar aquí en la Tierra. ¡Puntos de bonificación para criaturas mágicas como nuestro amigo escamoso a continuación!

ESTRUCTURAS Y RUINAS 🏛

 

Agregar estructuras magníficas, o las ruinas de las caídas, que se elevan sobre tus personajes puede crear una gran sensación de asombro y contar en silencio una historia sobre las personas y las criaturas que habitan tu mundo.

CUERPOS CELESTES 🌙

 

Agregar cuerpos celestes como planetas de gran tamaño, varias lunas y estrellas brillantes a lo largo del horizonte no solo agrega belleza a su ilustración; ayudan a ubicar tu historia en un nuevo mundo mágico: ¡un planeta alienígena, un reino alternativo u otro escenario fantástico!

▶ CONSEJO: Recuerda que nuestro objetivo aquí es contar una historia a través de una mirada. Antes de comenzar a dibujar, piense en lo que quiere que sea esa historia: el significado detrás de estos elementos fantásticos y su entorno general. ¿Quién es tu personaje? ¿Qué están buscando? ¿Dónde están buscando? ¿Cumplirán su destino y completarán su búsqueda?

 

¿Vivirán para contarlo?

Composición 101: La regla de los tercios

A continuación, ¡vamos a sumergirnos en el dibujo de nuestra pieza! Aquí hay algunos consejos de composición a considerar, comenzando con la Regla de los tercios, que nos ayudará a ubicar a nuestro(s) personaje(s) y los elementos de fondo que buscarán a lo largo del horizonte.

 

REGLA DE TERCIOS 1️⃣2️⃣3️⃣

 

La regla de los tercios es un principio de la fotografía que se puede aplicar a las ilustraciones para crear equilibrio y narración en nuestras composiciones. Establece que cuando un lienzo se divide en tercios, nuestro tema y otros elementos importantes de nuestra composición deben colocarse a lo largo de la intersección de esos tercios.

▶ CONSEJO: ¡Puede usar las funciones [Cuadrícula] y [Barra de regla] en Clip Studio Paint para ayudar a dividir su lienzo en cuadrantes! Para mostrar la barra de reglas, simplemente presione (Ctrl + R) en su teclado o seleccione el menú [Ver] > [Barra de reglas]. Para abrir la Cuadrícula, simplemente seleccione el menú [Ver] > [Cuadrícula]:

Puede alternar el punto de inicio, el ancho, la altura, el espacio y el número de divisiones para cualquiera de las herramientas seleccionando el menú [Ver] > [Configuración de la barra de cuadrícula/regla]:

 

En el caso de nuestra ilustración de fantasía, nuestro(s) sujeto(s) son los personajes que se asoman al mundo fantástico que construiremos para ellos. Usemos la regla de los tercios para decirles a nuestros espectadores que nuestros personajes se están preparando para aventurarse en este mundo.

 

No queremos colocar a nuestros personajes en los bordes o en el centro del lienzo, ya que la composición se verá poco natural. En su lugar, coloque su sujeto a lo largo de una de las intersecciones, asegurándose de dejar un espacio negativo en la dirección en la que miran para implicar un movimiento futuro hacia su destino. (En la siguiente sección, usaremos las Líneas principales para reforzar esta sensación de movimiento).

A continuación, coloquemos nuestros elementos de fondo a lo largo de estas líneas para llamar la atención sobre ellos. Los dos elementos de fantasía prominentes que elegí para mi ilustración fueron megafauna y megaflora. La flor de loto gigante es el punto focal del fondo, ya que es el destino final de mi sujeto. Para llamar la atención, lo coloqué justo a la izquierda del centro y a lo largo de la línea superior, siguiendo directamente las miradas de mis personajes.

Con eso, ¡aquí está la primera iteración de nuestro boceto aproximado! Como puede ver, estamos comenzando a contar nuestra historia solo a través de la composición básica: ¡un dragón y sus jinetes están inspeccionando las tierras ante ellos, preparándose para un vuelo hacia el loto gigante en la distancia!

Composición 101: Líneas principales

Otro truco compositivo que podemos utilizar para reforzar la sensación implícita de movimiento hacia el destino de nuestros personajes es enmarcar la composición con líneas principales.

 

LÍNEAS LÍDERES 📈

 

Las líneas principales son otro principio de la fotografía. Son líneas que se forman a través del lenguaje de formas de su composición que llevan los ojos de su espectador en un viaje "a través" de su dibujo y los dirigen hacia un tema deseado.

Además de enmarcar nuestra composición, agregar Líneas principales con propósito puede transformar la naturaleza estática del lenguaje de formas que de otro modo no tendría un objetivo para crear una dinámica fluida. Para asegurarse de que estas líneas funcionen juntas en un flujo coherente, asegúrese de agregarlas en el primer plano, en el medio y en el fondo. Esto ayudará a unir estas tres áreas. (¡También hablaremos más sobre los tres en las siguientes secciones!)

Aquí he agregado más dragones volando hacia el destino en el punto focal; el vuelo hacia el loto gigante es una misión de rescate para los personajes atrapados en su interior, y nuestros jinetes de dragones han traído refuerzos. La adición de estos sujetos no solo agrega claridad, sino que también refuerza el movimiento implícito de la pieza y ayuda a llenar parte del espacio negativo entre nuestros sujetos en primer plano y la línea del horizonte.

Composición 101: Evite fusiones

Al agregar personajes u otros elementos en iteraciones posteriores de su boceto, asegúrese de no abarrotar su composición original; deje suficiente espacio para respirar para asegurarse de que el camino frente a cada personaje esté despejado.

Además, esté atento a las fusiones, ¡y evítelas si puede!

 

FUSIONES ❌

 

Una fusión ocurre cuando dos objetos en una composición parecen estar "fusionándose". Por ejemplo, observe cómo los contornos de los dragones y las montañas parecen fusionarse a continuación:

Esto no solo se ve incómodo, sino que también elimina parte de la profundidad que podríamos crear si los superpusiéramos para reforzar aún más la sensación tridimensional de la pieza. Al colocar cualquier personaje o tema clave en una composición, intente (a) superponerlos o (b) separarlos de las líneas existentes.

Teniendo esto en cuenta, el boceto de la derecha muestra una ubicación mucho mejor para nuestros amigos:

lenguaje de formas

Otro concepto importante a tener en cuenta al esbozar su pieza es el lenguaje de formas.

 

LENGUAJE DE LA FORMA 🔺 🟡🟦

 

El lenguaje de formas es el uso de formas familiares como triángulos, círculos y cuadrados para comunicar el significado. Por ejemplo, echemos otro vistazo a esta ilustración anterior, que representa un límite de territorio entre tierras humanas y Drakken en mi webcomic, EARTHEATERS:

¿Notas alguna diferencia entre los dos lados de la ilustración?

 

Aunque los acantilados tienen la misma altura, el lado izquierdo parece más empinado y siniestro; no solo es más oscuro, sino más puro en su geometría y desprovisto de las grandes tallas de Drakken a la derecha. De hecho, todo en el lado "humano" de la ilustración es rígido y geométrico, desde el acantilado hasta el acueducto construido por humanos, la figura humana en la cima de la colina e incluso los troncos de los árboles.

Por el contrario, el lado "Drakken" de la ilustración está lleno de un lenguaje de formas que tiene una curvatura orgánica que a menudo se encuentra en la naturaleza. Además, todas las formas tienen una conexión suelta, que fluye desde la silueta curva del Drakken que vuela por encima, a través de la talla del acantilado y luego por la ladera, todo paralelo a la cascada que fluye por el centro, en lugar de cortarla por la mitad. como lo hace el acueducto construido por el hombre.

La combinación de estas formas yuxtapuestas crea un equilibrio en la pieza y cuenta la historia de dos tribus en guerra que buscan encontrar la armonía:

Debido a que el género de fantasía generalmente se desarrolla al aire libre, verá mucho follaje y otros elementos naturales. Al pintar estas formas, es mejor usar el lenguaje de formas orgánicas y curvas discutido anteriormente que consiste en círculos, espirales y las líneas tangenciales a ellos.

 

De hecho, la mayoría de los patrones en la naturaleza siguen la "proporción áurea" o la "secuencia de Fibonacci" que se muestra a continuación, desde las espirales de las conchas de Nautilus hasta los patrones de vuelo de las aves rapaces e incluso los brazos de las galaxias espirales:

 

▶ CONSEJO: cuando desee que un elemento destaque, intente utilizar un lenguaje de formas más nítidas, como la forma triangular de la montaña de abajo. Cuando desee que algo parezca confiable y resistente, intente usar un lenguaje de formas rectangulares, como el acantilado en primer plano. Cuando desee que algo se mezcle y se sienta modesto y accesible, intente usar un lenguaje de formas circulares como la ladera en el medio:

¡Y con eso, tenemos una composición sólida para nuestra ilustración de fantasía épica que nos permitirá contar una historia incluso con un solo vistazo! ¡Ahora, comencemos a pintar!

Primer plano, medio plano y fondo

Como puede ver, hemos comenzado a dividir nuestro artículo en tres secciones generales. Estas secciones son el primer plano, el plano medio y el fondo:

El primer plano es el área de nuestra composición más cercana a la "cámara" que normalmente contiene nuestro sujeto. El fondo es lo más alejado de la cámara y el plano medio es el área entre los dos. Para separar estas áreas, vamos a querer pintar usando Valores contrastantes.

 

VALOR 💡

 

El valor es la relativa "luminosidad" u "oscuridad" de un color. En Clip Studio, puede verificar fácilmente el Valor de cualquier capa navegando a [Color de expresión] en la pestaña [Propiedad de capa].

A continuación, seleccione el siguiente menú desplegable y cambie la propiedad de [Color] > [Gris]. Esto convierte toda la capa a escala de grises. Esta práctica propiedad de capa se puede alternar entre [Gris] > [Color] en cualquier momento.

Cuando pinte, intente usar valores contrastantes para distinguir el primer plano, el medio y el fondo. Puede haber algunas secciones que se sumerjan en valores similares a otras, pero mantener el valor general de cada área relativamente uniforme ayuda a compartimentar estas áreas y se suma a la sensación tridimensional de la pieza.

Pinte su primer plano con un tono más oscuro, moviéndose hacia tonos más claros a medida que se acerca a los objetos más alejados del fondo o, en algunos casos, puede hacer lo contrario si el fondo está más lejos de su fuente de luz:

La clave aquí es esa fuente de luz. En nuestra ilustración actual, tendría mucho más sentido que el sol iluminara una vasta cadena montañosa abierta y que nuestros sujetos estuvieran cubiertos por el follaje de los árboles que proyectaban sombras detrás de la cámara:

▶ CONSEJO: Muchos artistas pintan únicamente en escala de grises al principio, luego agregan color más adelante en su proceso de pintura. Si quieres concentrarte en establecer valores primero antes de preocuparte por el color, ¡prueba este truco!

Paletas de colores

Los colores que usa en su ilustración pueden tener un gran impacto en el estado de ánimo general de la escena que pretende representar. Por ejemplo, usar azules claros y violetas puede crear una ilustración etérea y de ensueño. Tal vez tu personaje se esté aventurando en un reino flotante, suspendido en el cielo y rodeado de tenues nubes.

Los azules de arriba están más cerca del púrpura que del verde en la rueda de colores. Por el contrario, los siguientes azules están más cerca del verde para crear diferentes tonos de verde azulado. Un esquema de color como este sería adecuado para escenas submarinas con castillos hundidos y misteriosas criaturas marinas:

Los rojos y amarillos suelen sentirse un poco más atrevidos y pueden representar peligro. ¡Quizás tu personaje se está preparando para caminar por el camino escarpado y traicionero que conduce a un gran volcán!

Algunos de los colores anteriores también pueden considerarse "tonos tierra". De hecho, la naturaleza es poderosa y formidable, pero también puede ser relajante y nutritiva. Combinar verdes con cremas y rosas también puede crear una escena cálida y hermosa:

Para esta ilustración, he combinado varias de estas paletas:

Cuando haya elegido la paleta de colores deseada, puede guardarla en Clip Studio en el menú [Conjunto de colores] que se muestra a continuación:

Si no ve el menú [Conjunto de colores], vaya al menú [Ventana] en la barra de herramientas superior y seleccione [Conjunto de colores] en el menú desplegable:

Para agregar colores a su [Conjunto de colores], simplemente haga clic derecho en cualquier cuadrado y seleccione [Reemplazar color]. Luego puede elegir el color de cada muestra simplemente haciendo clic en ella; la herramienta [Cuentagotas] aparecerá automáticamente al pasar el cursor sobre ella.

cepillos

Otra característica útil de Clip Studio Paint es la amplia selección de pinceles, sellos y modelos 3D que ofrece para ayudar a agilizar el proceso de pintura y mejorar el flujo de trabajo artístico.

A continuación se muestran tres de los pinceles más útiles que se usaron en esta ilustración: ¡todos ellos son pinceles predeterminados de Clip Studio Paint!

Para esta ilustración, usé el pincel del medio para pintar montañas en el medio y el fondo, superponiendo los sellos con varios colores diferentes para crear una apariencia de bosque exuberante a lo largo de las crestas de las montañas:

Si desea probar algo nuevo, la tienda Clip Studio Assets tiene miles de pinceles, bolígrafos, modelos 3D, patrones y otros recursos disponibles para descargar, ¡muchos de ellos gratis! Se pueden comprar otros activos utilizando Clip Studio GOLD o puntos Clippy que se pueden ganar de forma gratuita a través de eventos o cargando materiales propios.

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Para instalar un activo deseado en Clip Studio Paint, simplemente haga clic en el botón "Descargar" en la parte superior derecha de la lista de activos; esto comenzará automáticamente el proceso de descarga e instalación de activos.

 

Luego puede acceder a este material a través del menú [Material] > carpeta [Descargas], donde puede arrastrarlo y soltarlo en una subherramienta de su elección. (Si no ve su activo descargado, intente reiniciar la aplicación).

Últimos retoques

¡Y ahora algunos toques finales!

 

Como se especificó anteriormente, el pincel [Acuarela de borde de color continuo] tiene una textura similar a una nube. Este pincel es útil no solo para pintar nubes reales, sino también para crear niebla para separar aún más el primer plano, el medio plano y el fondo usando algo llamado Perspectiva atmosférica.

PERSPECTIVA ATMOSFÉRICA ⛅

 

Al mirar fotografías, o simplemente al mirar la naturaleza a través de sus propios ojos, puede notar que los elementos lejanos, como las cadenas montañosas lejanas, se vuelven más difíciles de ver cuanto más lejos están del punto de vista de la cámara. Esto se debe a los componentes de la atmósfera como el polvo, la lluvia, la neblina y la neblina que nublan nuestra vista a medida que se combinan con la distancia, creando lo que se conoce como Perspectiva Atmosférica.

 

Para imitar este efecto en nuestra ilustración, podemos colocar elementos como niebla, neblina o neblina lluviosa entre capas, como se ve a continuación:

Para usar el pincel [Acuarela de borde de color continuo], vaya a la herramienta [Pincel] > subherramienta [Acuarela] y selecciónelo. También puede acceder al menú de la herramienta [Pincel] presionando (B) una vez en su teclado.

Usando el pincel [Acuarela de borde de color continuo], elegí azules desaturados de alto valor para la niebla en esta ilustración:

Luego pinté sobre una capa opaca en el modo [Normal] para crear la niebla entre los picos de las montañas y los bosques. ¡Este efecto también funciona bien en el modo de capa [Pantalla]!

▶ CONSEJO: A lo largo del proceso de pintura, también puede usar cualquier pincel como borrador presionando (X) en su teclado o seleccionando la opción de pincel transparente en la parte inferior izquierda de su rueda de color como se muestra a continuación:

También tenga en cuenta que, debido al efecto de Perspectiva atmosférica, los objetos en la distancia pueden parecer no solo más claros sino también más desaturados en color.

▶ CONSEJO: siempre puede ajustar la saturación, así como el tono y la luminosidad, de una selección presionando (Ctrl + U) en su teclado para que aparezca el control deslizante Tono/Saturación/Luminosidad. Si desea crear una capa de ajuste recortable que se pueda activar y desactivar, simplemente vaya al menú [Capa] > [Nueva capa de corrección (J)] > [Tono/Saturación/Luminosidad].

Conclusión

¡Y eso es una envoltura! ✨

 

Espero que estos consejos te hayan sido útiles. Si lo fueron, por favor deja un "❤" y hazme saber cuál fue el consejo más útil. También siéntase libre de revisar mis otros tutoriales en esta serie. Y si terminas creando una ilustración de fantasía épica, ¡etiquétame en las redes sociales @mannygart para que pueda verlo! Muchas Gracias Por Leer!