Hola a todos, en este tips del mes les explicaré todo acerca de cómo crear una ilustración de fantasía (para ser precisos un fondo de fantasía, tal y como lo dice el titulo 🙂) de inicio a fin, además de dar algunos consejos que pueden aplicar para su propio estilo, espero que les guste 😀.

Características principales de los fondos de fantasía

¿Alguna vez te has preguntado qué es lo que hace lucir a un fondo de fantasía como uno? Pues si es así, acompáñame a revisar algunas características que los distinguen y cómo crear esa atmósfera misteriosa que hay en ellos.

Para empezar algo que noté en muchas ilustraciones de fantasía (o que según el buscador encajaban con esta descripción) solían tener estos elementos:

-Naturaleza: casi siempre hay una gran cantidad de plantas que han invadido ruinas de alguna misteriosa civilización antigua, un exuberante y espeso bosque, o un páramo lleno de pastos y flores. En las escasas ilustraciones que no contienen árboles, flores o plantas de algún tipo o simplemente estas parecen estar carentes de vida es porque se quiere retratar una fantasía más oscura o se retrata un mundo destruido o corrompido.

-Ruinas de una civilización antigua o construcciones gigantes: este elemento está muy presente en muchas de las ilustraciones de fantasía,probablemente debido a que no sabemos qué ha sucedido ahí, por lo que lo desconocido lo asociamos al misterio, y así mismo, el misterio lo asociamos a la magia. Por otro lado, las construcciones que siguen habitadas o en uso suelen ser: enormes ciudades mágicas, grandes templos o monumentos enormes.

-Luz “mágica”: esta puede provenir del cielo o de otros objetos o elementos además que no se encuentra en todas las ilustraciones, pero es un punto a destacar debido a que esta luz es blanca o dorada y proviene del cielo da la sensación de estar ante algo importante o casi divino o puro, al igual si proviene de algún personaje o elemento dentro de la obra. Igualmente si proviene del cielo y está iluminando unas ruinas, puede dar la sensación de estar descubriendo algo misterioso.

-Elementos fantásticos: estos elementos son objetos o criaturas difíciles o imposibles de observar en nuestro mundo o cotidianidad, dentro de esta categoría pueden entrar muchos elementos, desde el relieve, una criatura, la arquitectura u otros. como el clima y objetos del entorno.

Aunque puedes incluir todos los elementos aquí descritos en tu trabajo, no es necesario que lo hagas, ya que con uno o dos elementos que incluyas puede dar la apariencia de estar relacionado con la fantasía.

Algo que suele caracterizar a los fondos (no sólo a las ilustraciones de fantasía), es que no suelen hacer un acercamiento hacia el personaje, ya que lo que se busca es observar el entorno o parte del entorno, así que tu personaje aunque puede ser el foco principal, también debe dejar espacio para formar parte del entorno.

 

Elegir el mensaje que queremos transmitir

Esto a primera vista puede no ser muy importante, o a veces lo dejamos en segundo plano y solo dibujamos por dibujar, y no me malentiendan puede que para practicar o para distraernos esté bien hacer esto, pero si haces esto continuamente con todas tus ilustraciones puede que en algún momento llegues a bloquearte o no encuentres la forma en que esa ilustración llegue a un final satisfactorio. El punto es que debes encontrar qué es lo que estás dibujando, porque lo estás dibujando y “a quién va dirigido el dibujo”, además de la pregunta más importante: “¿qué es lo que quiero transmitir?”. Una vez que lo hayas pensado debes tener en cuenta que el mensaje debe ser lo más corto posible, para que así el mensaje tenga mucha más fuerza.

¿Cómo transmitir nuestro mensaje?

Si bien podemos decir que debemos masterizar nuestra técnica en todo sentido para que el mensaje sea más claro y legible, podemos atribuirle a dos características principales el cómo percibimos una obra, y estas son: la composición y el color.

 

-Composición:

Bueno iniciaremos con el “cuerpo” (por llamarlo de una manera) de nuestra ilustración, ya que la composición es la forma en que colocamos los objetos dentro de nuestro lienzo, es decir cuando colocamos cualquier elemento dentro de nuestra ilustración estamos componiendo, sin embargo, eso no significa que sea una buena composición, por lo que para lograr una buena composición debemos conocer algunas reglas y elementos básicos.

 

-ELEMENTOS BÁSICOS:

Podemos encontrar 4 elementos básicos en todas las composiciones (o por lo menos en la mayoría), y estos son: el punto focal o centro de atención, los elementos de apoyo, espacio negativo y línea de horizonte.

• El punto focal hace referencia a el elemento dentro de nuestra ilustración al cual queremos que vayan las miradas, es decir, el elemento que protagoniza la ilustración.

-Los elementos de apoyo son todos esos elementos que usamos para darle un mayor interés a la imagen, además de darle un mayor énfasis a nuestro centro de interés debido a que nos pueden ayudar a dirigir la mirada del espectador hacia el mismo.

-El espacio negativo se puede decir que es otro objeto o elemento dentro de nuestra imagen, pero es un poco distinto debido a que hace referencia a los espacios en “blanco” o que “carecen” de otros elementos, sirven para no saturar al espectador, pues si no hay espacios en “blanco” no sabremos a qué debemos poner atención.

-Por último, la línea de horizonte nos ayuda a saber la altura en la que colocamos el objeto y saber la altura que estamos viendo la escena, una línea de horizonte alta significa que estamos viendo desde arriba, mientras que una línea baja significa que vemos desde abajo (es decir, estamos más cerca del suelo), mientras que si un objeto se encuentra arriba de la línea de horizonte significa que está flotando, pero si está dentro de ella el objeto está en el suelo.

 

-REGLAS DE LA COMPOSICIÓN:

Ahora que conocemos estos elementos, presentaré tres reglas básicas que nos ayudarán a crear una buena composición (aunque debo de decir que existen más de tres reglas, pero con las que presentaré a continuación bastan) y estas son: mantener el equilibrio, crear contraste y crear un flujo en la imagen.

-Mantener el equilibrio: a la mayoría de personas nos gusta ver las cosas organizadas y bien balanceadas, el desbalance nos causa cierto malestar y esto también sucede con lo que vemos, sin embargo no significa que sea necesario que todos los objetos tengan el mismo tamaño o la misma forma porque eso lo haría aburrido, puedes obtener balance a través del: contraste.

-Contraste: puedes crear contraste de distintas formas: la luz, las formas, el tamaño y el color son las distintas formas de hacerlo, por ejemplo: si tienes un elemento muy grande y uno muy pequeño puedes hacer resaltar al pequeño con un color distinto al del fondo y al objeto grande que su color vaya en sintonía con el del fondo, eso es crear contraste manteniendo el equilibrio, el elemento grande resalta por su tamaño, pero el pequeño por su color.

-Flujo: como anteriormente mencioné, los elementos de apoyo sirven para crear un flujo en la imagen, algo similar a crear un camino que debe recorrer la mirada para llegar a nuestro protagonista o para ir de regreso a la realidad, además luce más elaborado aunque sean trazos sencillos.

 

-GUÍAS DE COMPOSICIÓN SENCILLAS:

Bien, ahora que ya hemos visto los conceptos básicos de la composición y algunas reglas, les mostraré 4 guías de composición fáciles de seguir: forma en L, regla de los tercios, buscando simetrías y el triángulo.

 

-Forma en L-

-La primera que veremos es la forma en L o simplemente L la cual consiste en colocar un objeto alto y los demás objetos deben ser pequeños y estar cerca del suelo. En esta composición hay mucho espacio negativo que podemos llenar con objetos en el fondo que luzcan como tenues siluetas o nubes. Para crear un equilibrio podemos añadir un pequeño elemento de un color llamativo dentro de nuestra selección de colores.

 

-Regla de los Tercios-

-Regla de los tercios, esta es la guía de composición más usada por ilustradores, fotógrafos y cineastas y consiste en partir en tres columnas y tres filas a tu lienzo, y en las intersecciones que surgen colocar (puedes colocarlo solo en una intersección o en varias) nuestro o nuestros puntos focales. Hay otra guía similar a esta, pero no sé mucho acerca de ella así que no la puedo explicar.

-Simetría -

-Simetría o buscando simetrías, en esta debes partir por mitad a lo largo del lienzo (igualmente puedes hacerlo a lo ancho pero no es necesario, dependerá de la ilustración), además en ambos lados deben haber elementos similares con un tamaño y forma similares. La simetría suele usarse en imágenes relacionadas con lo divino, aunque no siempre es así.

 

-Triángulo-

-Para formar una composición en forma de triángulo debes dibujar un triángulo isósceles o un triángulo equilátero en el centro de tu lienzo y colocar los elementos siguiendo las líneas del triángulo, la línea de horizonte puede seguir o no la línea de la base del triángulo.

 

Por último un consejo referente a el punto de vista que tenemos de un objeto o personaje, cuando lo vemos desde abajo parece un elemento imponente, cuando lo vemos de frente parece un objeto que está a nuestro nivel por lo que podemos decir que le tenemos “respeto” o da esa apariencia, mientras tanto, si lo ves desde arriba parece indefenso, estas reglas no siempre son aplicadas o tienen este significado, ya que cuando las conoces a profundidad y las entiendes las puedes moldear a como mejor te parezca, pero es importante conocerlas para después moldearlas.

 

-Color

Si la composición es el “cuerpo” de nuestra imagen, el color es el “alma” (tal vez no sean las mejores analogías, perdonen), ya que una buena composición podrá lucir bien sin color pero si colocas los colores incorrectos puede llegar a dar un mensaje equivocado o distinto al que querías transmitir. Para siempre colocar los colores que enfatizan nuestro mensaje es necesario conocer las características del color, la psicología del color y la teoría del color.

-CARACTERÍSTICAS DEL COLOR

Debemos de tener en cuenta que para aplicar color primero debemos estar familiarizados con las características del mismo tal y como debíamos estar familiarizados con los elementos de la composición y sus reglas, estas características son: matiz, saturación y valor.

 

-El matiz (también conocido como tono o tonalidad) es lo que podríamos llamar el “estado puro” del color debido a que no se agrega blanco ni negro y son los colores tal y como los vemos en el arcoiris. Es decir, al tener el círculo cromático, sin añadir blanco o negro , y desplazarnos a través de él, es el matiz o el tono lo que vamos a obtener.

-La saturación es la intensidad del matiz o tono, se podría decir que cuando un color es muy saturado es porque está más alejado del gris y es más intenso, mientras que si es poco saturado significa que es más gris (aunque en clip studio podemos encontrar una barra de saturación con el color blanco en lugar de gris, lo cual me parece más práctico).

 

-El valor o brillo es la cantidad de luz que tiene el color, se utiliza el blanco y el negro para definir si tiene mayor o menor luz, entre más cerca esté del blanco tendrá más luz, mientras que, entre más cerca esté del negro tendrá menos luz.

-PSICOLOGÍA DEL COLOR

Siempre que hablamos de color como dibujantes en lo primero que pensamos es en la teoría del color y como mezclar los colores, pero la teoría del color puede caer a pedazos si no conocemos los significados de los colores primero, por esta razón me gustaría hablar antes de la psicología del color. Si bien la psicología del color es distinta en cada país o región, es importante conocerla, debido a que nos produce distintas sensaciones observar los colores y sus combinaciones, la psicología del color es la que nos ayudará a transmitir la idea que tenemos en mente.Como dije antes la psicología del color es distinta en cada región del mundo, por lo que yo estaré hablando de los significados que le damos normalmente a los colores en occidente. Para empezar, los colores ae dividen en dos categorías: los colores cálidos y los colores fríos.

-Colores cálidos-

Bien, comencemos con los colores cálidos, pero antes de eso hay que hacernos la pregunta, ¿por qué les llamamos colores cálidos? La respuesta corta a esto es por la sensación que nos produce verlos, pero realmente nos produce una sensación de calidez debido a que estos colores son los que solemos observar con mayor frecuencia en las zonas cálidas además de encontrarse en objetos que al tacto nos dan esa sensación, como ejemplo tenemos al amarillo con la luz del sol, el rojo y el naranja con el fuego, etcétera.

La gama de colores cálidos usualmente abarca desde el rojo hasta el amarillo en el círculo cromático, hay otros diagramas que parten por mitad al círculo cromático, y otros diagramas incluyen tonos de violeta o verde dentro de los colores cálidos así que decidí guiarme por estos diagramas para mostrar los colores cálidos que van desde el magenta hasta el verde amarillo.

Aquí una lista de colores cálidos, para tener una idea más exacta de cuáles son:

-Magenta

-Rojo

-Rojo-Naranja

-Naranja

-Naranja-Amarillo

-Amarillo

-Verde-Amarillo

-Significado de los colores cálidos-

Los colores cálidos suelen estar asociados con: la energía, la pasión, el dinamismo, la cercanía, la alegría e incluso el amor, pero a veces tienen connotaciones negativas como el peligro (tanto el color amarillo como el rojo suelen usarse para las señales de advertencia) o la violencia y la sangre (en el caso del color rojo). Aquí dejaré una lista de lo que suelen representar algunos colores cálidos en occidente.

-Rojo: para empezar el rojo lo podemos encontrar en diversos lugares en la naturaleza, por ejemplo en el fuego y en la sangre, por lo que suele dar una fuerte impresión cuando lo vemos. Suele ser asociado con cosas intensas como: el amor, la pasión, la violencia, el poder, fuerza, vitalidad, sensualidad, tiende a dar una sensación de alerta. Además la combinación de rojo y negro tiene que ver con la agresividad.

-Naranja: lo solemos asociar con: el calor, la juventud, la amistad, el exotismo y la diversión.

-Amarillo: este color lo encontramos en la luz del sol, el oro, pero tambien en algunos animales ponzoñosos, por lo que le solemos dar tanto significados positivos como negativos (al igual que todos los colores, tiene significados positivos y negativos). Sus significados van desde: el optimismo, la felicidad, la riqueza y la abundancia, hasta la excentricidad, la locura, la mentira, la bilis y el ácido.

-Rosa: este color está relacionado con: el encanto, la amabilidad, la gentileza, lo dulce, la inocencia y un amor puro. También hay un estereotipo del rosa relacionado con lo femenino.

Y estos son los principales colores cálidos que usarán hay otros como el café que tiene que ver con lo anticuado, lo marchito, el otoño y lo casero, o como el color oro o dorado que tiene que ver de nuevo con la riqueza, pero quise hablar de los más comunes para que no fuera más confuso.

 

-Colores Fríos-

Al igual que los colores cálidos,se les denomina colores fríos a aquellos que nos dan esa sensación por los lugares donde los solemos observar, es decir en lugares con mucha humedad o con cuerpos de agua, en días nublados, en lugares fríos o con nieve, etcétera.

 

-Colores Fríos-

Al igual que los colores cálidos,se les denomina colores fríos a aquellos que nos dan esa sensación por los lugares donde los solemos observar, es decir en lugares con mucha humedad o con cuerpos de agua, en días nublados, en lugares fríos o con nieve, etcétera.

En el caso de los colores fríos podemos decir que van desde el violeta hasta el verde, aunque tal y como pasaba con los colores cálidos esto lo manejan de diversas formas en distintos diagramas.

Aquí una lista de colores fríos:

-Violeta

-Violeta Azulado

-Azul

-Cian

-Verde

 

-Significado de los colores fríos-

Los colores fríos suelen ser asociados a la lejanía y a lo inmenso, probablemente debido al color azul que si vemos bien la mayor parte de los colores fríos son mezclas el azul con el verde o el violeta y el azul lo solemos ver en objetos inmensos,también nos suelen transmitir calma y bienestar, pero al mismo tiempo tristeza y nostalgia. A continuación una lista de los colores fríos más usados y sus significados:

-Violeta o Morado: suele ser asociado con la fantasía (debido a que es un color difícil de observar y conseguir en la naturaleza), lo imperial (debido a su escasez en el pasado), misterio, espiritualidad, erotismo, magia y misterio.

-Azul: como antes decía, el azul se encuentra en dos elementos inmensos y desconocidos, el cielo y el mar, por lo que de alguna forma nos parece un color de lo inmenso, de lo lejano y lo profundo, al igual que un color que transmite cierta frescura, calma y tranquilidad, además de tristeza y melancolía. Puede asociarse igualmente a lo divino y a la fantasía.

-Verde: el verde es el color de la naturaleza pues lo encontramos en todas partes, hay insectos verdes, aves verdes, anfibios y reptiles verdes, pero aún más importante que eso, es el color de las plantas, debido a esto sus significados van desde: la vida, la naturaleza, el crecimiento la fertilidad, lo sano y la esperanza, pero esto es cuando lo usamos en paisajes y en plantas, porque también tiene connotaciones muy negativas como: ser un color asociado al veneno, a lo corrupto, a lo malo, y al igual que el amarillo se le asocia con la mentira, estos significados igual se dan en combinaciones especificas, como al combinar morado y verde suele dar el significado de algo venennoso, o en situaciones especificas, como la iluminación verde suele dar este efecto de que algo malo está pasando.

Ya para terminar con esta sección, me gustaría hablar del color blanco y el color negro y las como interactuán con los demás colores, esto se aplica a la cultura occidental vuelvo a repetir.

-Empecemos por el color negro, bien el negro es el color de la noche y la oscuridad, y aunque lo llamemos color, realmente es la ausencia de color. Al estar relacionado con cosas tan misteriosas y que pueden llegar a darnos miedo, cosas como el vacío y la oscuridad, se le suele asociar con la muerte, el final, la destrucción, lo malo y el misterio, igualmente puede asociarse a la elegancia. Cuando hacemos combinaciones entre el color negro y otros colores (verde, avul, morado, rojo, etcétera) suelen ser asociados estos colores a un significado negativo.

-El blanco es el color con menos significados negativos o tal vez nulos. Se le suele asociar a la perfección, la pureza, lo divino, la paz, limpieza, rendición (por la bandera blanca en las guerras).

-TEORÍA DEL COLOR-

La teoría del color es un conjunto de diversas reglas que nos sirven como parámetros para combinar colores y crear armonías de colores que funcionen para transmitir nuestra idea. Existen diversas guías o parámetros para crear armonías, pero yo solo les voy a hablar de tres de ellas, debido a que son las más sencillas de entender.

 

-Armonía Monocromática-

De todas las armonías esta puede ser la más sencilla debido a que es un solo matiz al cual debes de modificar la saturación y el valor para conseguir una variedad de tonos o colores.

 

Si quieres empezar a hacer tus propias paletas de color, te recomendaría empezar con esta armonía, otra ventaja que tiene es que te ayudará a familiarizarte con el concepto de matiz, saturación y valor. Si es que la usas te recomiendo usar la herramienta de “espacio de color HSV”, es muy sencillo variar en esta la saturación y el valor.

-Armonía de colores análogos-

Esta armonía suele estar conformada por tres matices cercanos, el matiz que se encuentra entre los otros dos suele ser el color principal de la composición, mientras que los otros dos colores enriquecen la composición.

Se podría decir que estas armonías son el siguiente nivel de complejidad en lo que se refiere a armar paletas de colores. Suelen encontrarse en la naturaleza.

-Armonía de colores complementarios-

Consiste en tomar dos matices que se encuentran en extremos opuestos del círculo cromático.De las tres esta puede ser la más compleja de poner en práctica, debido al contraste que generan, aunque igualmente esa es su gran virtud.

A diferencia de los anteriores, aquí puedo agregar algunas combinaciones muy usadas, como lo serían el naranja y el azul, el rojo y el verde, el amarillo y el azul purpúreo, tal vez debido al contraste que generan se quedan muy grabadas.

Procedimiento

Bien, ahora que ya tenemos las bases de cómo componer y colorear, pasaremos a ver el procedimiento el cual lo divido en los siguientes pasos: crear el concepto de la ilustración, primer boceto, segundo boceto, lineart, mapa de grises, elección de colores, coloreado base, luces y sombras, detalles y ambiente. Pero antes de ver el procedimiento, veremos los materiales que usaremos (o por lo menos los que yo utilizo, puedes cambiar o variar algunos dependiendo de tu estilo).

Aquí dejo un video del procedimiento, es solo para que puedan ver como hice el dibujo. No está muy editado porque quería hacer gifs pero eran muy pesados para subirlos, una disculpa por lo aburrido que es.

Aquí dejo un video del procedimiento, es solo para que puedan ver como hice el dibujo. No está muy editado porque quería hacer gifs pero eran muy pesados para subirlos, una disculpa por lo aburrido que es.

-MATERIALES-

El software que estaré utilizando es Clip Studio Paint, por lo que hablaré de algunas características y herramientas que tal vez no estén en otros programas, por lo que si no lo tienes tendrás que adaptarte a las herramientas que tienes en tu software de dibujo.

Un detalle que debemos tener en cuenta es que me basaré en como viene por defecto el programa para decir donde se ubica cada herramienta o sub herramienta.

-Para iniciar veremos la ventana de capas, donde se encuentran los dos tipos de capas que tenemos en el programa además de características y herramientas de capa.

-Como antes dije, existen dos tipos de capas que podemos crear: la capa raster y la capa vectorial, la capa raster la usaremos para el coloreado y agregar sombras debido a que es más fácil mezclar colores en ella, mientras que la capa vectorial la usaremos para el lineart debido a la facilidad con la que podemos modificar las líneas con “operación” y por la herramienta “goma” que puede ser modificada a “goma de vectores”.

-Otra herramienta que utilizaremos es el “Folder”, este nos permite agrupar un conjunto de capas para tenerlas más organizadas, realmente es muy útil ya que nos permite aplicar efectos solamente a las capas que estén dentro del mismo o mantener ordenadas nuestras capas.

-“Recortar a la capa de abajo” (traducción literal de google traductor :P ) es la siguiente herramienta que veremos, esta herramienta es la que suelo utilizar para poner sombras y algunos detalles cuando he terminado con el color base de la ilustración, lo que hace es que cuando utilizas una capa y das clic a esta función (“Recortar a la capa de abajo”), solo se podrá ver lo que esté por encima de los pixeles o vectores coloreados en la capa de abajo, es decir si no está coloreado algo por debajo de la capa donde estés trabajando con esta función, entonces no se podrá ver en la capa en la que estás trabajando con “Recortar a la capa de abajo”.

-La característica de “Opacidad” será importante en casi todo el proceso de dibujos, ya que nos permite controlar la transparencia de la capa, particularmente útil en la aplicación de luces y sombras.

-“Bloquear píxeles transparentes”, nos servirá para agregar algunos detalles dentro de la misma capa del color base, sin tener que preocuparnos de salir del área previamente coloreada. Esta opción no se puede usar en capas vectoriales.

-“Cambiar el color de la capa” es otra herramienta que no pasa mucho si no la usas, solamente la utilizaremos para cambiar el color de la capa o capas del boceto, para que nos sea fácil diferenciarla del lineart.

Ahora veremos las herramientas del lado izquierdo que utilizaremos:

1-”Operación” por si necesitamos modificar algún vector.

2-”Área de selección” para cortar o modificar algún imperfecto, o cambiar de capa a algunos trazos.

3-”Cuentagotas” para seleccionar colores.

4-Distintos pinceles de nuestra preferencia, para conseguir distintos acabados cambiaremos algunas configuraciones de nuestros pinceles.

5-”Goma” y “Goma de vectores” para borrar trazos.

6-”Rellenar” nos ayudará a colocar el color base.

7-”Degradado” lo usaremos para crear mayor atmósfera y para dar brillo o sombra a algunos elementos.

8-”Figura U” si necesitamos hacer alguna figura o línea prolija pero no tenemos el mejor trazo, es bueno usar esta herramienta.

9-”Regla” lo mismo que la anterior.

Ahora veremos las herramientas de color que tenemos, están del lado inferior izquierdo donde podemos ver el circulo cromático. Arriba del círculo cromático podemos encontrar algo similar a un pequeño panel con distintos iconos, al pulsar cada uno nos despliega una herramienta de color distinta.

1-Círculo cromático: nos facilitará la creación de paletas al momento de seleccionar colores, en caso de usar una paleta de colores análogos o complementarios, pero si usamos una paleta monocromática es mejor utilizar otra herramienta.

2-Paleta de colores: nos ayudará a organizar los colores que hemos seleccionado para nuestra ilustración además de mantenerlos guardados.

3-Espacio de color HSV: para empezar las siglas vienen del inglés y significan H es el matiz, S es saturación y V significa valor, es decir las 3 caracteristicas del color. Esta función es ideal si quieres hacer paletas monocromáticas debido a que se puede permanecer en el mismo matiz pero cambiar con facilidad la saturación y el valor.

4-Mezclador de colores: tal y como su nombre lo indica, esta función es para mezclar colores, por ejemplo: tienes dos tonos que te gustan, pero consideras que un tono intermedio entre estos dos tonos sería mejor para tu dibujo, por lo que puedes usar al mezclador para no hacerlo directamente en el lienzo.

5-Historial de colores: nos permite ver todos los colores que hemos utilizado de un tiempo atrás hasta la fecha.

Aquí los dos pinceles que utilizo, el primero usualmente es para colorear, agregar detalles y algunos efectos como niebla, mientras que el de abajo suele ser para el lineart.

-CREAR EL CONCEPTO DE LA ILUSTRACIÓN-

Bueno esta parte es solo preguntarte qué es lo que vas a dibujar, el porqué y para qué, puedes hacer una lluvia de ideas y hacer distintos bocetos para representar lo que te has imaginado.

-BOCETO-

 

-Primer Boceto-

Materiales que usaremos:

-Capa raster

-Folder

-Figura U o Regla

-nuestro pincel de preferencia

Una vez que ya tenemos una idea clara de que es lo que vamos a dibujar, empezamos con el primer boceto aquí agregaremos los detalles más básicos de nuestra imagen, es decir la línea de horizonte, la guía de composición y nuestro punto focal.

-Primero abrimos las capas raster que vayamos a necesitar, en mi caso abrí tres capas.

-Ahora abrimos un folder para meterlas y mantener el espacio ordenado

-Usamos la herramienta de “figura U” o “una regla guía” para crear nuestra línea de horizonte, y dependiendo de la composición que hayamos elegido añadimos la guía, en mi caso elegí una composición simétrica por lo que añadí una línea en el centro.

-Después de esto añadiremos nuestro punto focal (o nuestros puntos focales), creando una figura geométrica que nos sirva de guía para la siguiente fase de boceto, o si no somos tan principiantes dibujando directamente con nuestro pincel o pluma de nuestra preferencia.

 

-Segundo Boceto-

Materiales que usaremos:

-Capa raster

-Folder

-Pincel de nuestra preferencia

-Opacidad de capa

-Figura U: Elipse

Realmente esta parte del proceso podría ir con la anterior y con la siguiente, pero el boceto lo suelo trabajar por partes para agregar mayores detalles y tener una idea mucho más clara de como hacer el lineart. Continuando con la descripción de la etapa, en esta parte definimos qué es lo que habrá alrededor de nuestro punto focal, es decir, nuestros elementos de apoyo además de colocar algunos contrastes (luces y sombras) para tener una idea más clara de la imagen final.

-Lo primero que hice fue agregar capas para bocetar elementos en cada una para definir cuáles serían mis elementos de apoyo finales, probé con árboles, piedras y ruinas hasta que me decidí por unas ruinas inundadas con un altar circular corroído por el tiempo que hice con un la sub herramienta “círculo” de la herramienta “figura U”, lo demás lo hice con el pincel de lineart que descargué.

-Después de eso, bajé la opacidad de la capa donde se encontraba el triángulo que hice con anterioridad, agregué una nueva capa raster para así bocetar, con el mismo pincel de antes, a una diosa que reza o medita, no agregué grandes detalles ya que eso lo iba a hacer después.

-Abrí otra capa raster, esta vez para agregar algunas sombras para imaginar un poco mejor cómo iba a terminar el dibujo, además de eso, abrí otra capa para agregar luces.

-Para finalizar abrí un folder nuevo para organizar de nuevo mi espacio de trabajo.

 

-Boceto final-

Materiales que usaremos:

-Capa raster

-Folder

-Cambiar color de capa

-Opacidad

-Figura U: Elipse y Rectángulo.

-Pincel de nuestra preferencia

-Seleccionar Área: Lasso

Tal y como el nombre lo dice, esta es la etapa final del boceto, donde terminé de colocar los detalles para pasar al lineart y sea más fácil de hacer el mismo.

-Primeramente cambiamos el color y bajamos la opacidad de las capas del segundo boceto para diferenciarlas de las nuevas capas que abriremos.

-Una vez hecho esto, abrimos una nueva capa raster y usamos el pincel de nuestra preferencia para dibujar los detalles de nuestro boceto. Y si lo necesitamos, podemos usar la herramienta de “figura u”, yo utilicé la sub herramienta de: “elipse” para dibujar el arco del altar, y la sub herramienta: “rectángulo” para los escalones del altar.

-Si es que tienes elementos iguales en ambos lados de la ilustración, como en mi caso las antorchas apagadas de las escaleras, puedes usar la herramienta de “seleccionar área” para copiar los elementos o usar la “regla simétrica” para ahorrar trabajo, en mi caso utilicé la herramienta de “seleccionar área” para copiar y pegar las antorchas.

 

-LINEART-

 

Materiales que usaremos:

-Capa vectorial

-Folder

-FIgura U: Elipse

-Pincel de nuestra preferencia

-Regla: Guía

Básicamente, lo que haremos en este paso será copiar lo que hemos dibujado en el paso anterior, trazando en una (o varias) capa vector que se encontrarán arriba de nuestro folder de boceto.

-Lo primero que haremos es cambiar el color de las capas dentro del folder, por un color que diferenciemos de nuestro lineart, y bajaremos la opacidad para que nos sea más fácil visualizar nuestros trazos.

-Después de eso, abrimos una capa vector y creamos un nuevo folder para el lineart, lo ubicamos arriba del folder de boceto, y en la capa vector que abrimos, empezamos a dibujar nuestro lineart con nuestro pincel preferido. Ten en cuenta que podrás abrir las capas que consideres necesarias para facilitar el proceso.

-Para dibujar el arco, utilicé dos círculos creados con la herramienta “figura U” y con la sub herramienta de elipse, para hacer un círculo perfecto con esta sub herramienta debes presionar la tecla “shift” o marcar la casilla “Aspect type” (no supe traducir, perdonen).

-En la parte de las escaleras usé la herramienta de “regla”, con la sub herramienta “guía”, esta sub herramienta lo que hace es abrir una capa distinta donde coloca todas las líneas guía (por defecto son de color azul), por lo que deben de regresar a la capa donde estaban dibujando y una vez en la capa vectorial pasamos nuestro pincel por encima de las líneas guía y recorrer la línea con el pincel.

-Para dibujar las antorchas utilice una referencia que vi en pinterest, y dibujé una antorcha en una capa vectorial aparte de todo el lineart, después con la herramienta de “área de selección” la seleccioné, la copie y pegue, hice esto tres veces dejando a cada antorcha en una capa distinta, para luego modificar el tamaño y posición de cada una facilitando así el proceso. Una vez que estaban en la posición correcta, junté todas las antorchas en una misma capa, y con la misma herramienta de selección, seleccioné a las antorchas para copiarlas y pegarlas en otra capa, después las modifiqué a modo que se vieran bien.

-Agregué algunas modificaciones a las escaleras para que lucieran más corroídas además de corregir algunos detalles del lineart.

-Todas las capas de lineart las guardé en un folder, o bueno en dos folders, pero después tuve que guardarlas en uno solo.

-MAPA DE GRISES-

 

Materiales que usaremos:

-Capa raster

-Folder

-Pincel de nuestra preferencia

-Espacio de color HSV

-Rellenar

-Bloquear píxeles transparentes

Esta etapa es para organizar los colores que utilizaré por el valor. Lo que hago es colorear en escala de grises para así observar los contrastes que se darán entre valores, de esta forma me aseguro que el contraste sea llamativo y ningún valor de un color se confunda con el de otro.

-Lo primero que suelo hacer es abrir una capa raster y con la herramienta de “rellenar” le doy color al fondo, en este caso lo coloreó de un gris oscuro debido a que mi punto focal (es decir la diosa meditando) será de un color muy claro (casi blanco).

Debido a que solo nos estaremos moviendo en la escala de grises, utilizaremos la herramienta de “espacio de color HSV” pues es más fácil controlar el valor y la saturación en esta herramienta que en el circulo cromatico.

-Dependiendo de qué tan grande sea la superficie para colorear, utilizaremos la herramienta de pincel o la de “rellenar”, además en algunos momentos usaremos el “cuentagotas” para seleccionar colores y el mezclador de colores para obtener algunos tonos intermedios.

-Una vez he terminado de colocar todos los colores y me convence el contraste, además de colocar algunas luces, meto todas las capas que utilicé para el mapa de grises en un folder nuevo (cabe aclarar que el folder debe quedar debajo del folder del lineart).

 

-CREAR LA PALETA DE COLORES-

 

Materiales que usaremos:

-Capa raster

-Pincel de nuestra preferencia

-Mezclador de Colores

-Gotero

-Círculo cromático

-Espacio de color HSV

-Paleta de colores

En esta parte del proceso decidiremos la armonía de colores que vamos a utilizar, en mi caso decidí usar una paleta monocromática azul purpúreo con rojo en una pequeña área para crear un contraste un poco más interesante, además de guardar un set de colores para evitar que los colores que elegimos se pierdan en el historial de colores.

-Para empezar abrimos una nueva capa raster, elegimos un color que consideremos adecuado para un área de nuestra ilustración y que tenga un valor similar al del color gris de la misma área (esto lo haremos cambiando la capa a escala de grises), si es que no concuerda con el valor o no nos gusta el color, podemos tomar otro color y compararlos dentro de la capa. Si es que ambos colores nos gustan y además son cercanos al valor, podemos usar la herramienta de mezclador de colores para obtener un color intermedio.

-Cuando hayamos decidido cuales colores usaremos, vamos a la herramienta de “paleta de colores” y damos click a una opción llamada: ”Editar conjunto de colores”(1) nos aparecerá un mini menú el cual tendrá una opción llamada: “crear nuevo conjunto”, la cual pulsaremos, nos pedirá que lo nombremos (paso que podemos omitir) y simplemente damos en “ok”, después de eso aparecerá un nuevo conjunto de colores en blanco (sin color), para añadir colores debemos ir a la opción llamada “Añadir color”(2). “Editar conjunto de colores” y “Añadir color” podemos observar los iconos en la imagen de la parte superior siendo “Editar conjunto de colores” el número 1 y “Añadir color” el número 2.

-COLOREADO BASE-

 

Materiales que usaremos:

-Capa raster

-Rellenar

-Conjunto de colores

-Pincel de nuestra preferencia (con opacidad al 100%)

Tal y como su nombre lo dice en esta sección del proceso aplicaremos el color base, utilizaremos varias capas para que sea más fácil aplicar sombras, luces y otros detalles.

 

-Para empezar (al igual que en todos los pasos) abrimos una nueva capa, en este caso una capa raster, y la colocamos donde tenemos nuestro lineart para ocupar una sub herramienta de “Rellenar” llamada “Encerrar y llenar” vamos a las propiedades de la sub herramienta de “Referirse a varias capas” y aquí activamos la opción de “Capa en folder” y tomará como referencia las líneas de nuestro lineart. (La imagen de arriba nos muestra dónde está la sub herramienta “Encerrar y llenar” y donde se encuentra la opción “Capa en folder”)

Para seleccionar un color de nuestra paleta de colores, vamos a: “conjunto de colores" y simplemente seleccionamos el color que necesitamos.

Una vez terminamos de colocar el color base, colocamos las capas en otro folder distinto al del lineart.

-LUCES Y SOMBRAS-

 

Materiales que usaremos:

-Capa raster

-Recortar a la capa de abajo

-Opacidad de capa

-Pincel de nuestra preferencia

-Cuentagotas

-Conjunto de colores

 

-Abrimos una nueva capa raster, activamos la opción de “Recortar a la capa de abajo” (la imagen de arriba nos muestra el icono para activar esta opción) y con nuestro pincel empezamos a colocar las sombras.

-Necesitaremos abrir distintas capas para sombras dependiendo de cuantas capas de coloreado tengamos, además para algunos objetos se necesitarán sombras más oscuras, por lo que constantemente cambiaremos los colores con los que estamos trabajando.

• Cuando terminemos de colocar las sombras base, reduciremos la opacidad de las capas, con la función: “Bloquear píxeles transparentes” bloquearemos nuestro coloreado para colocar un tono más claro y cálido en algunas áreas de nuestras sombras con nuestro pincel con una opacidad reducida. (Si no recuerdas cual es la función para controlar la opacidad de nuestra capa, encontrarás en la parte superior de párrafo una imagen donde muestra su ubicación en el programa, mientras que en la parte inferior encontrarás una imagen con la función de bloquear píxeles transparentes)

-Para colocar las luces abriremos nuevas capas por encima de cada capa de sombras y con el pincel con baja opacidad pintaremos las luces, y a igual que las capas de las sombras usaremos la opción de “Recortar a la capa de abajo” lo cuál hará que se adapte a la capa del color base, y también bajaremos la opacidad de nuestras capas de luz.

 

 

 

-DETALLES-

 

Materiales que usaremos:

-Capa raster

-Recortar a la capa de abajo

-Opacidad de capa

-Pincel de nuestra preferencia

Los detalles que hice en este dibujo fue cambiar el color del lineart con una capa raster, la función: recortar a la capa de abajo y con un pincel con baja opacidad.

Coloqué la capa raster por encima del folder del lineart y al activar la función “Recortar a la capa de abajo” cuando comencé a colorear se ajustó al lineart mi coloreado.

Después coloqué una capa más, por encima de la otra capa y con el mismo pincel agregué unas luces, y bajé la opacidad.

En la parte de atrás del dibujo añadí un poco de relieve con el mismo pincel y bajé la opacidad, esta capa debe de ir detrás de casi todo el coloreado base exceptuando el color del fondo.

Además en una capa distinta por encima de las demás agregué unas luciérnagas y partículas que hice con el mismo pincel, y un pequeño brillo que hice con la herramienta de degradado en forma de elipse.

 

-AMBIENTE-

 

Materiales que usaremos:

-Degradado

-Capa raster

-Pincel con muy baja opacidad (cerca de 10% de opacidad)

Abrimos una capa nueva por encima de las demás, con la herramienta de degradado formamos un elipse inverso (es decir el degradado viene de fuera en lugar de venir de adentro) con un color similar al del fondo pero más claro y más violeta, quedarán coloreadas algunas partes que no deben quedar coloreadas, para solucionar esto, simplemente borramos.

por último con una capa nueva y el pincel con 10% de opacidad, colocamos un poco de niebla, esta capa debe ir debajo de la anterior.

 

Y con esto finalizamos, espero que les sea de ayuda y de nuevo una disculpa por no agregar gifs y más imágenes.