Introducción
Quiero empezar admitiendo que el título de este tutorial es engañoso. No es un tutorial de "cómo hacer", sino más bien un artículo destinado a inspirarte para que experimentes con los colores :)
Seleccionar colores atrevidos y divertidos para una ilustración es la parte más agradable de hacer arte, especialmente en el arte digital. Muy a menudo, al crear arte, nos quedamos atascados tratando de usar los colores "correctos". Aunque, en mi opinión, el proceso de hacer ilustraciones coloridas no necesita centrarse en la teoría del color; en su lugar, prefiero "jugar" y seleccionar colores basándome en lo que se siente bien. Por supuesto, ¡hay algunos conceptos básicos que pueden ayudarte a encontrar lo que se ve bien, que mencionaré en este tutorial! Antes de empezar, me gustaría mencionar que los estilos y técnicas artísticas de cada uno son diferentes, y nunca hay un método objetivamente correcto o incorrecto para hacer arte. Yo también sigo aprendiendo y mejorando, así que, en lugar de dar consejos de lo que se debe y no se debe hacer, mi objetivo es inspirarte a probar nuevas formas y a ser más juguetón con los colores.
Este tutorial consta de dos partes:
La primera parte, “¿Por dónde empiezo?”, trata sobre los conceptos básicos de los colores. He hecho todo lo posible para que estos conceptos básicos sean sencillos, para que sean fáciles de recordar. Antes de pasar a los colores fuera de tu zona de confort, creo que es esencial aprender primero a sacar el máximo partido a los colores sin alejarte demasiado de tu zona de confort. Antes de empezar a usar rosas fucsias y azules saturados, es importante entender primero cómo trabajar con los colores a los que ya estás acostumbrado. En pocas palabras, en esta parte te enseñaré cómo empezar a incorporar nuevos colores a tus paletas antiguas. Cuando te sientas cómodo con eso, te sentirás naturalmente más seguro al usar colores más atrevidos.
La segunda parte, "Comprendiendo con ilustraciones”, incluirá ejemplos.
¿Por dónde empiezo?
No puedes colorear sin saber dónde debe ir el color, así que la primera tarea es pasar a la parte favorita de todo tutorial: las formas.
Después de aplicar mi color base, el siguiente paso suele ser añadir sombras e iluminaciones. Abajo, en la primera esfera, simplemente aerografié un gris más oscuro con un trazo circular y luego usé un gris más claro para la iluminación y una ligera luz de rebote. En este tutorial, no explicaré la colocación de la luz y la sombra porque ese no será nuestro enfoque. No obstante, hay dos cosas que quiero que tengas en cuenta cuando añadas sombras e iluminaciones:
1. Asegúrate de mantener el contraste entre tus valores. En términos más sencillos, asegúrate de que tu oscuridad sea lo suficientemente oscura y tu luz lo suficientemente clara. Hago hincapié en este contraste porque será importante al trabajar con colores que "destaquen".
2. Intenta que las luces y sombras sigan la forma del objeto. Por ejemplo, al simplificar las formas, las he hecho más geométricas, pero también me he asegurado de mantener la curva para que la curvatura de la esfera siga transmitiéndose. (PD: Puedes consultar tutoriales sobre "líneas de contorno cruzado" para una comprensión más profunda de cómo colorear a lo largo de la curvatura de los objetos).
Para los conceptos básicos de cómo empezar a jugar con los colores, trabajaré con una esfera, usando una paleta de colores limitada y evitando los degradados. Aunque seguiré usando una herramienta de difuminado :)
¡Añade los colores!
Cuando pinto, mi objetivo es jugar con el matiz tanto como sea posible. Poco a poco avanzaremos hacia la incorporación de cambios de matiz. Trabajaré con tres variaciones de la misma esfera, pero con cambios de matiz progresivamente mayores.
Generalmente, el matiz se define como "un pigmento puro". Por "pigmento puro", nos referimos al color fuera de su saturación y brillo. En la rueda de colores, la rueda representa la escala de matices, mientras que el cuadrado muestra el matiz seleccionado con diferentes saturaciones y brillos. El lado izquierdo del cuadrado tiene el matiz en su saturación más baja, mientras que la parte inferior lo tiene en su brillo más bajo. Por lo tanto, puedes encontrar el color en su brillo y saturación más altos en la parte superior derecha.
Para el primero, mantuve el mismo matiz al seleccionar colores (en términos sencillos, me moví solo dentro del cuadrado). Recomendaría que, incluso cuando te mantengas dentro del mismo matiz, intentes moverte más. Para mantener una paleta más brillante, intenta evitar la parte izquierda e inferior del cuadrado. Los colores hacia la izquierda tienen una saturación más baja y pueden hacer que tu ilustración se vea apagada o embarrada. Mantenerte alejado del blanco y negro puros también te dará el privilegio de usarlos en los lugares que realmente quieras resaltar.
Para comparar, en el lado derecho, me moví solo perpendicularmente desde el color base.
Intentemos movernos un poquito más de lo que podrías estar acostumbrado. Muy a menudo, los artistas pueden alternar entre colores fríos y colores cálidos. Discutiremos en detalle qué son los colores cálidos y fríos en el siguiente encabezado. Para los ejemplos siguientes, los tonos más cálidos serán los que tiendan al amarillo, mientras que los tonos más fríos tenderán al azul.
En el ejemplo siguiente, verás que he usado un tono más frío para los reflejos y un tono más cálido para las sombras. No tienes que ir a los extremos todavía; solo intenta acostumbrarte a jugar con los tonos.
Los artistas pueden usar tonos cálidos para los reflejos y tonos fríos para las sombras, o simplemente puedes usar un tono cálido y uno más cálido; ¡depende completamente de ti! La parte importante es intentar jugar con la escala de tonos para que la ilustración se vea más colorida y viva.
En la segunda esfera, mantuve el cambio muy suave, pero aún puedes ver la diferencia entre las dos versiones (puedes verlas todas juntas a continuación).
Para la tercera esfera, vamos a forzar realmente el matiz. Aquí, usé rosa para los reflejos y un color con tendencia al matiz amarillo para la sombra. La esfera sigue pareciendo roja, pero más colorida que las versiones anteriores.
Como práctica, puedes intentar incorporar cambios de matiz en tus obras de arte antiguas para ver qué funciona bien en tu propio estilo.
Ejemplo de cambio de matiz
La ilustración de abajo es un ejemplo más claro de cómo incluso pequeños cambios de matiz pueden hacer que tu arte sea más atractivo, especialmente al colorear la piel. Notarás que, individualmente, la mayoría de los colores utilizados en ambas ilustraciones son muy similares, pero al unirlos, el lado derecho que incorpora morado y naranja se ve más brillante.
Truco para la selección de colores (mezcla de colores)
Si los cambios de matiz te parecen intimidantes, Clip Studio Paint ofrece una opción de mezcla de colores. Ve a Ventana > Mezcla de colores; esto abrirá una ventana. Usando la 4ª herramienta desde la derecha, puedes colocar tu color base y un color más oscuro para la sombra. Siguiendo el paso anterior, elige también un color de un matiz diferente. Ahora, usando la 3ª herramienta desde la derecha, pasa por todos los colores hasta obtener una mancha de pintura uniforme. Ahora puedes usar este nuevo color para la sombra en lugar del original.
Una vez que empieces a sentirte cómodo con pequeños cambios como este, con suerte te resultará cada vez más fácil probar cambios más extremos sin tener que mezclar colores cada vez.
Junto con los cambios de matiz, también puedes usar el color opuesto a tu color base en las sombras para darle más profundidad. Cuando la iluminación no está decidida o simplemente quieres "darle un toque especial", el color contrastante es siempre una opción segura.
En muchos casos, como alguien de pie bajo la luz del sol, podrías ver azul en las sombras de su piel; aquí el azul es la luz reflejada del cielo. De manera similar, en muchos casos de la vida real, verás los colores de los objetos circundantes presentes en las sombras y la luz rebotada. Tener esto en cuenta te ayudará no solo a exagerar los colores, sino también a aportar un realismo más estilizado a tus ilustraciones.
Como puedes ver en la última esfera, aunque el color puede parecer áspero sin ninguna mezcla. En contraste, en la segunda esfera donde se usa con un pincel redondo de baja opacidad, parece añadir más profundidad a la sombra.
¡Conceptos básicos de los colores!
Cálido y Frío
Anteriormente hablamos de colores "cálidos" y "fríos", pero ¿cómo se determina qué es cálido y qué es frío? En realidad, la división entre cálido y frío es algo arbitraria; se basa en qué colores "parecen" estimulantes frente a qué colores "parecen" calmados. Una regla general es que los colores como el amarillo y el rojo parecen cálidos, mientras que los colores como el azul y el verde parecen fríos. Dado que la calidez y la frialdad de los colores son subjetivas, no puede haber una regla clara para determinar qué se verá cálido y qué no. Es posible que ya estés familiarizado con publicaciones de "teoría del color" donde el mismo color se ve diferente según el fondo; el mismo fenómeno se puede aplicar a las temperaturas de color. Cualquier color puede parecer de cierta temperatura según su entorno.
Siempre que puedas ver los colores hasta cierto punto, puedes simplemente confiar en lo que te parezca correcto, como artista, al elegir los colores. No obstante, he dividido la rueda de colores a continuación en "cálidos" y "fríos". Puedes consultarla al trabajar en tus ilustraciones.
Consejo adicional: La luz solar suele dar lugar a colores más cálidos (como se ve durante la 'hora dorada'). Por otro lado, para mostrar la noche, puedes usar colores más fríos.
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Oscuro y Claro
Al ver una ilustración, nuestros ojos siempre perciben ciertos colores como más oscuros y otros como más claros. Esto es algo útil cuando usas colores llamativos y saturados. Para visualizarlo mejor, puedes consultar la rueda de colores en blanco y negro. Notarás que el azul es mucho más oscuro que el amarillo. Cada color tiene un valor inherente, incluso en su máxima saturación y brillo. Antes de continuar, quiero mencionar que soy daltónico, por lo que podría nombrar los colores incorrectamente.
En la imagen de arriba, verás que usé amarillo como resaltado y azul como sombra para una esfera verde menta. Lógicamente, no usarías azul como sombra principal para el verde, pero nuestros ojos lo perciben fácilmente como una sombra. Cuando ves la misma esfera en blanco y negro, puedes ver que los valores se ven correctos a pesar de los matices. En contraste, el amarillo en el segundo ejemplo no se registra como sombra porque es naturalmente un color más brillante.
Puedes tener en cuenta estas diferencias de valor y usarlas a tu favor en las ilustraciones. Te ayudarán a que los elementos se vean lo más brillantes y coloridos posible. Practicar con colores oscuros como este puede ayudarte a desarrollar un mejor ojo para elegir colores en ilustraciones generales también.
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Contraste
Entre las dos ilustraciones de abajo, ¿cuál crees que llama más tu atención?
El alto contraste combinado con los cambios de matiz puede cambiar completamente el aspecto de tu ilustración. La única diferencia entre las dos ilustraciones es que una de ellas tiene los cambios de matiz que discutimos anteriormente, junto con un contraste más alto.
El contraste es la diferencia entre los valores de tus colores. Cuanto mayor sea esta brecha, más atrevidos y llamativos se verán los colores. Comprender los valores inherentes de los colores que se discutieron anteriormente se vuelve esencial para determinar el contraste. Por ejemplo, el contraste entre el marrón y el azul más brillante no se compararía con el contraste entre el amarillo y el marrón.
Ver en blanco y negro
Tener esto en cuenta puede ser realmente difícil, por lo que siempre ayuda crear una nueva capa y establecer su modo de fusión en "color". Rellena esta nueva capa con negro puro. Ahora puedes activar fácilmente la visibilidad de esta capa cuando necesites verificar el contraste de tu ilustración.
Otro truco que puedes usar es una curva de tono. Las curvas de tono te permiten ajustar el contraste y el brillo de una ilustración. Puedes añadir curvas de tono mediante dos métodos en Clip Studio Paint:
Para el primer método, ve a Edición > Corrección tonal > Curva de tono. Esto abrirá una pequeña ventana donde podrás ajustar el gráfico según tus preferencias. Comúnmente, una curva en "S" funciona para la mayoría de las ilustraciones.
También puedes ir a Capas > Nueva capa de corrección > Curva de tono.
Este método crea una nueva capa, lo que te permite volver atrás y cambiar la curva en cualquier punto del proceso de dibujo. También te permite cambiar la opacidad de la capa, para que puedas cambiar la fuerza del filtro.
Otro beneficio de una capa de corrección es que puedes ir a Capa > Rasterizar. Esto te permitirá borrar partes de la capa de corrección. Recomendaría usar un aerógrafo como borrador para que se vea más natural.
Resumen de "¿Por dónde empiezo?"
¡Esto concluye la primera parte de este tutorial! Con suerte, ahora habrás adquirido una mejor comprensión de los valores y de cómo puedes hacer que tu arte parezca menos monótono cambiando el contraste y usando diferentes matices para diferentes partes de tus ilustraciones.
Esto es lo que aprendimos:
✦ Cómo empezar a adoptar los cambios de matiz para incluir más colores, junto con cómo usar la herramienta de mezcla de colores en CSP.
✦ Usar colores contrastantes para añadir profundidad a las sombras.
✦ Diferencia entre colores cálidos y fríos.
✦ Valores inherentes de los diferentes colores.
✦ La importancia del contraste en las obras de arte y cómo aumentarlo a través de una curva de tono.
Comprendiendo con ilustraciones
La clave para usar diferentes colores es simplemente prueba y error. No tengas miedo de experimentar con combinaciones de colores extrañas porque el peor escenario es solo una ilustración que se ve rara. No hay absolutamente nada que perder cuando se trata de jugar con los colores en el arte; si acaso, solo obtienes una mejor comprensión de lo que tú, como individuo único, encuentras más atractivo.
Uso práctico de conceptos básicos
La ilustración de arriba es probablemente una de las más coloridas que he hecho. Esto la convierte en un gran ejemplo para mostrar lo divertido que puede ser jugar con los colores. Al observar la misma ilustración en blanco y negro (adjunta a continuación), notarás que los valores siguen funcionando. Hay una clara distinción entre los valores de fondo y los valores utilizados para el personaje.
Analicemos algunos conceptos básicos, con referencia a esta ilustración.
Cambios de Matiz/Contraste
En esta ilustración en particular, en lugar de usar el color contrastante en las sombras, lo usé como un realce para el cabello porque tanto el rojo como el naranja tienen un valor más oscuro en comparación con su color opuesto, el cian/azul. Esta diferencia en los colores contrastantes funciona en algunos casos, como amarillo-azul, cian-naranja y rosa-verde menta.
Además de usar diferentes colores para los realces o las sombras, también puedes usar colores de valores similares para los cambios de matiz en general, como se usa en el fondo o en los zapatos en el ejemplo que se agrega a continuación.
Armonía de Valores
El fondo utiliza amarillo, melocotón y tonos de rosa. Todos estos colores se ven diferentes entre sí, pero de alguna manera siguen funcionando juntos. La razón reside en los valores. Los valores de todos estos colores son similares entre sí, lo que los hace parecer más armoniosos de lo esperado.
Esta armonía de valores también está presente en el resto del dibujo, como se ve en el suéter y los pantalones vaqueros.
A pesar de las combinaciones de colores "extrañas", al observar la ilustración, el color base se sigue transmitiendo correctamente; el cabello sigue siendo de un color anaranjado, los pantalones vaqueros son azules, y así sucesivamente. Si aplicas estos conceptos de contraste y valor, puedes usar cualquier combinación de colores para crear ilustraciones. Espero que estos consejos te ayuden a transmitir las sombras y los colores base con precisión, pero de una manera más divertida.
Contando una historia con los colores
La mejor parte de las ilustraciones es la libertad que obtienes al seleccionar colores. Si bien puedes seleccionar colores que "resalten" basándote completamente en la estética, los colores pueden darte la oportunidad de contar una historia. Además, los colores saturados que no necesitan ser fieles a la vida real te ofrecen el privilegio de aprovechar esto al máximo.
Recorramos esta idea con una ilustración.
Selección de Valores
A continuación se muestra una ilustración que pretende traducir la sensación de ser “demasiado”. Los valores actúan como referencia para mí cuando empiezo a elegir los colores.
Verás que los valores del personaje son más oscuros para representarlo como autoritario y llamativo. Además, lo separan del fondo, convirtiéndolo en el centro de atención. Para impulsar aún más esta idea, tengo la intención de hacer las flechas más claras, para que la atención se dirija aún más hacia él. Si bien mantenerlo de color claro sobre un fondo más oscuro lograría el mismo efecto, intencionalmente no seguí ese camino. Los colores brillantes se sentirían positivos y transmitirían una sensación de estar en el centro de atención, lo cual sería contrario al tema.
Si bien estas intenciones podrían pasar desapercibidas para el espectador, creo que el esfuerzo vale la pena siempre y cuando disfrutes del proceso creativo que lo respalda.
Selección de color
Cada color en la rueda de colores representa diferentes sentimientos. Por ejemplo, el azul puede transmitir tristeza o frialdad, mientras que el rojo puede transmitir pasión y emoción. El significado asociado a estos colores también depende del contexto; por ejemplo, el azul en un océano tranquilo puede mostrar tranquilidad y paz. Puedes aprovechar fácilmente estos significados al trabajar con una paleta de colores más juguetona.
Para mi ilustración, tenía dos sentimientos que quería mostrar, por lo tanto, hice dos variaciones.
En la primera miniatura, el personaje es rojo porque el rojo llama la atención; se asocia con señales de alto y sentimientos fuertes. En contraste, quería que el fondo fuera verde porque eso transmite calma. Además, crea una sorprendente brecha entre el personaje y su entorno.
La segunda idea que tuve fue que el personaje estuviera en azul, transmitiendo su infelicidad, mientras que el fondo es rojo y llama la atención.
Comprobación de valores
Al seleccionar colores, a menudo puede ayudar verificar si el contraste sigue presente. De esta manera, podrás realizar cambios al principio sin tener que repasar todos los colores más adelante.
Me decidí por mezclar el rojo y el azul para mi trabajo. Aunque el rojo es mucho más claro que los valores previstos, sigue apareciendo de forma distintiva entre el rojo, manteniendo el enfoque en el personaje.
Esquemas de color
Los esquemas de color son básicamente combinaciones de colores que probablemente se vean bien juntos. Consultar esquemas de color puede acelerar el proceso de selección de colores al mismo tiempo que hace que tu trabajo se vea más armonioso. Algunos de mis esquemas de color favoritos incluyen:
✦ Complementarios: Es cuando usas colores opuestos. Utilizo colores contrastantes/complementarios en mi trabajo muy a menudo, como se ve en el cabello o los fondos.
✦ Triádicos: Es cuando los colores están espaciados uniformemente. Los esquemas triádicos ofrecen una mayor diversidad de colores manteniendo la armonía.
✦ Análogos: Los esquemas análogos incluyen colores que están uno al lado del otro en la rueda de colores. Pueden parecer calmantes y a menudo también se ven en la naturaleza.
Para esta ilustración, he usado vagamente un esquema de color triádico. El objetivo era mantener las flechas amarillas para que el rojo y el amarillo juntos se asemejaran a señales de tráfico o símbolos de precaución. Como los colores decididos incluían rojo y azul en primer plano, junto con rosa y amarillo en el fondo, añadí el resto de los colores con referencia al esquema triádico.
¡Prueba y error!
Aunque puedes confiar completamente en la creación de esquemas de color, no hay garantía de que el producto final siempre se vea como se pretende. La clave siempre es la prueba y el error. Después de probar múltiples colores de fondo y diferentes combinaciones de colores, finalmente me decidí por colores que ignoraban la idea original de fondo-primer plano.
Usé naranja para el fondo, no por ningún esquema de color, sino simplemente porque "se veía genial". El arte se trata de experimentación, así que mi mayor consejo es no quedarse atascado tratando de seguir reglas preexistentes que surgieron a través de la prueba y el error de otras personas.
Finalmente, cuando estuve satisfecho con el aspecto de todo, verifiqué los valores y me sorprendió gratamente ver que el contraste se mantenía perfectamente.
Lapso de tiempo:
Renderizado usando los colores seleccionados
El renderizado puede parecer un poco desordenado cuando usas colores brillantes que aparentemente no se mezclan bien. ¡Esta sección tratará sobre cómo trabajar con diferentes tonos, a través del ejemplo del cabello rosa! Tu proceso probablemente será muy diferente al mío, así que me centraré en las partes que se puedan traducir fácilmente a tu proceso.
Empecemos con el boceto :)
Selección de Tono Basada en Valores
Para los colores, me resulta útil hacer primero el fondo (que envejecerá mal porque terminé no usándolo). El fondo me ayuda a decidir qué tan oscuros quiero que sean los valores del primer plano.
Al hacer una pieza renderizada, empiezo por cualquier elemento del dibujo; en este caso, fue la piel. Primero, apliqué un color cercano al tono de piel con iluminación normal. Para esta pieza, quería que todo fuera en rojo, rosa y morado. Así que, cambié la piel a rojo. Después de esto, verifiqué qué tono de rosa tiene un valor más oscuro que la piel para evitar un dibujo con aspecto "fangoso".
Durante todo el proceso, seguí comprobando los valores en blanco y negro para asegurarme de que todo se viera bien.
(A pesar de la baja calidad del gif, espero que el proceso siga siendo comprensible)
Una vez que tengo todos los colores base, puedo verificar si los colores se ven bien juntos. Durante esta etapa, podría arreglar el fondo o cambiar algunos colores según mis preferencias estéticas.
Selección y Mezcla de Colores para Sombras e Iluminaciones
Empiezo con la base que hicimos al principio. Luego, usando un tono más cálido, añadí las partes más oscuras y el cuero cabelludo.
Después, usé un verde menta, que es casi opuesto al rosa en la rueda de colores. El verde menta tiene un valor más claro y hace que el reflejo destaque, así que fue la elección perfecta.
Si bien un rosa frío podría haber sido una alternativa al verde menta, lo usé en su lugar para añadir brillo al cabello. Los tonos fríos del rosa y el verde menta también ayudan a crear contraste con el rostro predominantemente de colores cálidos. Continué renderizando el cabello añadiendo sombras más cálidas junto con tonos más fríos para el brillo.
Una vez que tuve todos los colores aplicados, añadí trazos amarillos para un toque de color.
Luego, hice la ilustración en blanco y negro y añadí contraste usando azul.
Una vez que hice invisible la capa de color, pasé sobre el color azul con un rosa cálido para equilibrarlo. De esta manera, las sombras se mantienen cálidas de forma consistente, siendo al mismo tiempo más oscuras que el resto del cabello.
También añadí un poco de morado claro a las sombras y usé amarillo en el resto de la ilustración para los reflejos.
¡Lo logramos!
¡Y con esto, tenemos la ilustración final! Los colores utilizados no son ni completamente básicos ni completamente fuera de la zona de confort de uno. Según yo, este es el equilibrio perfecto entre los colores que generalmente usamos y los colores atrevidos.
Aquí está el timelapse completo:
Filtros y efectos
Puedes añadir efectos o filtros a tu ilustración para hacerla aún más colorida. A continuación, añadiré dos cosas que puedes hacer para los toques finales.
La forma más sencilla de añadir un toque de color a tu ilustración es a través del modo de fusión "superponer". Puedes crear un degradado con dos colores, por ejemplo, azul y rojo. Cambia el modo de fusión de la capa a "superponer" y disminuye su opacidad. Esto no solo añadirá color a tu ilustración, sino que también hará que la pieza parezca más cohesionada.
Otra opción de filtro es añadir "tono" a tu ilustración. Ve a Capa > Nueva capa > Tono. Esto abrirá una ventana donde podrás cambiar la configuración según tu lienzo. La densidad y la frecuencia dependerán de las dimensiones de tu lienzo.
Mi frecuencia se estableció en 85.0 y la densidad en 32%. Una vez añadido, fui a Capa > Rasterizar. Una vez que mi capa dejó de ser una capa de objeto, pude tomar una pequeña sección de la capa y transformarla para que fuera más grande hasta que estuviera satisfecho con el tamaño de los círculos.
Tengo un tutorial más largo y elaborado sobre diferentes filtros que puedes añadir a través de los modos de fusión en CSP. Puedes consultarlo para obtener más ideas :)
Conclusión
¡Esto concluye este tutorial! ¡Espero que te inspire a empezar a jugar con los colores más a menudo! Mi principal consejo siempre será que no tengas miedo de hacer arte "malo" :)
Gracias por tu tiempo. ¡Continuemos en nuestro viaje artístico divirtiéndonos lo más posible!
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