Introducción
Quiero empezar admitiendo que el título de este tutorial es engañoso. No es un tutorial de "Cómo hacer", sino un artículo destinado a inspirarte a experimentar con los colores :)
Seleccionar colores atrevidos y divertidos para una ilustración es la parte más divertida de hacer arte, especialmente en el arte digital. Muy a menudo, cuando hacemos arte, nos quedamos atascados tratando de usar colores "correctos". Aunque, en mi opinión, el proceso de hacer ilustraciones coloridas no necesita centrarse en la teoría del color, en su lugar prefiero "jugar" y seleccionar colores en función de lo que me parece correcto. Por supuesto, hay algunos conceptos básicos que pueden ayudarte a encontrar lo que se ve bien, ¡los cuales mencionaré en este tutorial! Antes de comenzar, me gustaría mencionar que los estilos y técnicas artísticas de cada persona son diferentes, y nunca existe un método objetivo correcto o incorrecto para hacer arte. También sigo aprendiendo y mejorando, así que en lugar de darte consejos sobre qué hacer y qué no hacer, mi objetivo es inspirarte para que pruebes nuevas formas y seas más juguetón con los colores.
Este tutorial consta de dos partes:
La primera parte, “¿Por dónde empiezo?”, trata de los conceptos básicos de los colores. He hecho todo lo posible por mantener estos conceptos básicos simples, para que sean fáciles de recordar. Antes de pasar a los colores fuera de tu zona de confort, creo que es esencial aprender primero a aprovechar al máximo los colores sin salirte de tu zona de confort. Antes de empezar a utilizar rosas fuertes y azules saturados, es importante entender primero cómo trabajar con colores a los que ya estás acostumbrado. En pocas palabras, en esta parte te enseñaré cómo empezar a incorporar nuevos colores a tus paletas antiguas. Cuando te sientas cómodo con eso, naturalmente te sentirás más seguro al utilizar colores más atrevidos.
La segunda parte, “Entender con ilustraciones”, incluirá ejemplos.
¿Por dónde empiezo?
No puedes colorear sin saber dónde debe ir el color, así que la primera tarea es pasar a la parte favorita de todos los tutoriales: las formas.
Después de poner mi color base, el siguiente paso suele ser añadir sombras y luces. A continuación, en la primera esfera, simplemente pinté con aerógrafo un gris más oscuro en un trazo circular y luego usé un gris más claro para las luces y una luz ligeramente reflejada. En este tutorial, no explicaré la colocación de la luz y la sombra porque no será nuestro enfoque. Sin embargo, hay dos cosas que quiero que tengas en cuenta cuando añadas sombras y luces:
1. Asegúrate de mantener el contraste entre tus valores. En términos más simples, asegúrate de que el oscuro sea lo suficientemente oscuro y el claro lo suficientemente claro. Pongo énfasis en este contraste porque será importante cuando trabajes con colores que se destaquen.
2. Intenta que las luces y sombras sigan la forma del objeto. Por ejemplo, al simplificar las formas, las he hecho más geométricas, pero también me he asegurado de mantener la curvatura de la esfera. (PD: Puedes consultar los tutoriales sobre "líneas de contorno cruzadas" para obtener una comprensión más profunda de cómo colorear a lo largo de la curvatura de los objetos).
Para los conceptos básicos sobre cómo empezar a jugar con los colores, trabajaré con una esfera, utilizando una paleta de colores limitada y evitando los degradados. Aunque seguiré utilizando una herramienta para difuminar :)
¡Que entren los colores!
Al pintar, mi objetivo es jugar con el tono tanto como sea posible. A medida que avanzamos, iremos incorporando cambios de tono. Trabajaré con tres variaciones de la misma esfera, pero con cambios de tono cada vez más grandes.
En general, el tono se define como "un pigmento puro". Por "pigmento puro", nos referimos al color fuera de su saturación y brillo. En la rueda de colores, la rueda representa la escala de tonos, mientras que el cuadrado muestra el tono seleccionado con diferentes niveles de saturación y brillo. El lado izquierdo del cuadrado tiene el tono en su saturación más baja, mientras que el inferior lo tiene en su brillo más bajo. Por lo tanto, puede encontrar el color en su brillo y saturación más altos en la parte superior derecha.
Para el primero, mantuve el tono igual al seleccionar colores (en términos simples, me moví solo dentro del cuadrado). Recomendaría que, incluso cuando permanezca dentro del mismo tono, intente moverse más. Para mantener una paleta más brillante, intente evitar la parte izquierda e inferior del cuadrado. Los colores hacia la izquierda tienen una saturación más baja y pueden hacer que su ilustración se vea apagada o turbia. Mantenerse alejado del blanco y el negro puros también le dará el privilegio de usarlos en lugares que realmente desea resaltar.
Para comparar, para el lado derecho, me moví solo perpendicularmente desde el color base.
Vamos a intentar movernos un poquito más de lo que estás acostumbrado. Muy a menudo, los artistas pueden alternar entre colores fríos y cálidos. Hablaremos en detalle sobre qué son los colores cálidos y fríos en el siguiente apartado. Para los ejemplos que aparecen a continuación, los tonos más cálidos serán los que se acerquen al amarillo, mientras que los tonos más fríos serán los que se acerquen al azul.
En el ejemplo que aparece a continuación, verás que he utilizado un tono más frío para las luces y un tono más cálido para las sombras. No tienes que llegar a extremos todavía; solo intenta acostumbrarte a jugar con los tonos.
Los artistas pueden utilizar tonos cálidos para las luces y tonos fríos para las sombras, o puedes utilizar un tono cálido y un tono más cálido; ¡depende completamente de ti! Lo importante es intentar jugar con la escala de tonos para que la ilustración se vea más colorida y viva.
En la segunda esfera, mantuve el cambio muy suave, pero aún puedes ver la diferencia en las dos versiones (puedes verlas todas juntas a continuación).
Para la tercera esfera, vamos a llevar el tono al límite. Aquí, utilicé rosa para los reflejos y un color que se acercaba al tono amarillo para la sombra. La esfera sigue luciendo roja, pero más colorida que las versiones anteriores.
Como práctica, puedes intentar incorporar cambios de tono en tus obras de arte antiguas para ver qué se ve bien en tu propio estilo.
Ejemplo de cambio de tono
La siguiente ilustración es un ejemplo más claro de cómo incluso los cambios de tono más leves pueden hacer que tu arte luzca más atractivo, especialmente al colorear la piel. Notarás que, individualmente, la mayoría de los colores utilizados en ambas ilustraciones son muy similares, pero cuando se juntan, el lado derecho, que incorpora púrpura y naranja, se ve más brillante.
Código de trucos para la selección de colores (mezcla de colores)
Si los cambios de tono te resultan abrumadores, Clip Studio Paint ofrece una opción de mezcla de colores. Ve a Ventana > Mezcla de colores; esto abrirá una ventana. Con la cuarta herramienta desde la derecha, puedes colocar el color base y un color más oscuro para la sombra. Siguiendo el paso anterior, elige también un color de un tono diferente. Ahora, con la tercera herramienta desde la derecha, repasa todos los colores hasta que obtengas una mancha uniforme de pintura. Ahora puedes usar este nuevo color para la sombra en lugar del original.
Una vez que empieces a sentirte cómodo con cambios pequeños como este, es de esperar que te resulte cada vez más fácil probar cambios más extremos sin tener que mezclar colores cada vez.
Junto con los cambios de tono, también puedes usar el color opuesto a tu color base en las sombras para darle más profundidad. Cuando la iluminación no está decidida o simplemente quieres "animar las cosas", el color contrastante siempre es una opción segura.
En muchos casos, como cuando alguien está de pie bajo la luz del sol, es posible que veas azul en las sombras de su piel; en este caso, el azul es la luz reflejada del cielo. De manera similar, en muchos casos de la vida real, verás los colores de los objetos circundantes presentes en las sombras y la luz rebotada. Tener esto en cuenta te ayudará no solo a exagerar los colores, sino también a aportar un realismo más estilizado a tus ilustraciones.
Como se puede observar en la última esfera, aunque el color puede parecer duro sin ningún difuminado, en cambio en la segunda esfera, donde se utiliza con un pincel redondo de baja opacidad, parece añadir más profundidad a la sombra.
¡Conceptos básicos de colores!
Cálido y fresco
Anteriormente, hablamos de los colores "cálidos" y "fríos", pero ¿cómo se determina qué es cálido y qué es frío? En realidad, la división entre cálido y frío es algo arbitraria; se basa en qué colores "parecen" estimulantes y cuáles "parecen" calmantes. Una regla general es que colores como el amarillo y el rojo parecen cálidos, mientras que colores como el azul y el verde parecen fríos. Dado que la calidez y la frialdad de los colores son subjetivas, no puede haber una regla clara para determinar qué se verá cálido y qué no. Es posible que ya esté familiarizado con las publicaciones sobre "teoría del color" en las que el mismo color se ve diferente según el fondo; el mismo fenómeno se puede aplicar a las temperaturas de color. Cualquier color puede verse de una determinada temperatura según su entorno.
Siempre que pueda ver los colores hasta cierto punto, puede confiar en lo que le parezca adecuado, como artista, al elegir los colores. Sin embargo, he dividido la rueda de colores a continuación en "cálidos" y "fríos". Puede consultarlos cuando trabaje en sus ilustraciones.
Consejo adicional: la luz del sol suele dar lugar a colores más cálidos (como los que se ven durante la "hora dorada"). Por otro lado, para representar la noche, puedes utilizar colores más fríos.
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Oscuridad y luz
Al observar una ilustración, nuestros ojos siempre perciben ciertos colores como más oscuros y otros como más claros. Esto es algo que resulta útil cuando se utilizan colores intensos y saturados. Para visualizarlo mejor, puedes consultar la rueda de colores en blanco y negro. Notarás que el azul es mucho más oscuro que el amarillo. Cada color tiene un valor inherente, incluso cuando está en su nivel más alto de saturación y brillo. Antes de continuar, quiero mencionar que soy daltónico, por lo que es posible que nombre los colores incorrectamente.
En la imagen de arriba, verás que usé amarillo como resaltado y azul como sombra para una esfera verde menta. Lógicamente, no usarías azul como sombra principal para el verde, pero nuestros ojos lo perciben fácilmente como una sombra. Cuando ves la misma esfera en blanco y negro, puedes ver que los valores se ven bien a pesar de los matices. En cambio, el amarillo en el segundo ejemplo no se registra como una sombra porque es naturalmente un color más brillante.
Puedes tener en cuenta estas diferencias de valores y usarlas a tu favor en las ilustraciones. Te ayudarán a hacer que los elementos se vean lo más brillantes y coloridos posible. Practicar con el uso de colores oscuros como este puede ayudarte a desarrollar un mejor ojo para elegir colores en ilustraciones generales también.
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Contraste
Entre las dos ilustraciones que aparecen a continuación, ¿cuál crees que te llama más la atención?
El alto contraste combinado con cambios de tono puede cambiar por completo el aspecto de tu ilustración. La única diferencia entre las dos ilustraciones es que una de ellas tiene los cambios de tono que comentamos antes, junto con un mayor contraste.
El contraste es la diferencia entre los valores de los colores. Cuanto mayor sea esta diferencia, más llamativos y destacados se verán los colores. Comprender los valores inherentes de los colores que se comentaron anteriormente se vuelve esencial para determinar el contraste. Por ejemplo, el contraste entre el marrón y el azul más brillante no se compararía con el contraste entre el amarillo y el marrón.
Ver en blanco y negro
Tener esto en cuenta puede ser muy difícil, por lo que siempre es útil crear una nueva capa y configurar su modo de fusión en "color". Rellena esta nueva capa con negro puro. Ahora puedes activar fácilmente la visibilidad de esta capa siempre que necesites comprobar el contraste de tu ilustración.
Otro truco que puedes usar es una curva de tono. Las curvas de tono te permiten ajustar el contraste y el brillo de una ilustración. Puedes agregar curvas de tono mediante dos métodos en Clip Studio Paint:
Para el primer método, ve a Edición > Corrección tonal > Curva tonal. Esto abrirá una pequeña ventana donde puedes ajustar el gráfico según tus preferencias. Por lo general, una curva en forma de “S” funciona para la mayoría de las ilustraciones.
También puedes ir a Capas > Nueva capa de corrección > Curva tonal.
Este método crea una nueva capa, lo que te permite volver atrás y cambiar la curva en cualquier punto del proceso de dibujo. También te permite cambiar la opacidad de la capa, por lo que puedes cambiar la intensidad del filtro.
Otro beneficio de una capa de corrección es que puedes ir a Capa > Rasterizar. Esto te permitirá borrar partes de la capa de corrección. Recomendaría usar un aerógrafo como borrador para que se vea más natural.
Resumen de "¿Por dónde empiezo?"
¡Con esto concluye la primera parte de este tutorial! Esperamos que ahora comprendas mejor los valores y cómo puedes hacer que tu arte luzca menos aburrido modificando el contraste y usando diferentes tonos para distintas partes de tus ilustraciones.
Esto es lo que aprendimos:
✦ Cómo empezar a adoptar cambios de tono para ayudar a incluir más colores, además de cómo usar la herramienta de mezcla de colores en CSP.
✦ Cómo usar colores contrastantes para agregar profundidad a las sombras.
✦ Diferencia entre colores cálidos y fríos.
✦ Valores inherentes de diferentes colores.
✦ La importancia del contraste en las obras de arte y cómo aumentar el contraste a través de una curva de tonos.
Comprender con ilustraciones
La clave para usar diferentes colores es simplemente el ensayo y error. No tengas miedo de experimentar con combinaciones de colores extrañas porque, en el peor de los casos, la ilustración se verá rara. No hay absolutamente nada que perder cuando se trata de jugar con los colores en el arte; en todo caso, solo adquieres una mejor comprensión de lo que a ti, como individuo único, te resulta más atractivo.
Uso práctico de conceptos básicos
La ilustración de arriba es probablemente una de las más coloridas que he hecho. Esto la convierte en un gran ejemplo para mostrar lo divertido que puede ser jugar con los colores. Al observar la misma ilustración en blanco y negro (adjunta a continuación), notará que los valores aún funcionan. Hay una distinción clara entre los valores del fondo y los valores utilizados para el personaje.
Analicemos algunos conceptos básicos, con referencia a esta ilustración.
Cambios de tono/contraste
En esta ilustración en particular, en lugar de usar el color contrastante en las sombras, lo usé como un resaltado para el cabello porque el rojo y el naranja tienen un valor más oscuro en comparación con su color opuesto, cian/azul. Esta diferencia en los colores contrastantes funciona en algunos casos, como el amarillo-azul, el cian-naranja y el rosa-verde menta.
Además de usar diferentes colores para los reflejos o las sombras, también puedes usar colores de valores similares para los cambios de tono en general, como se usa en el fondo o en los zapatos en el ejemplo que se agrega a continuación.
Armonía de valores
El fondo usa amarillo, durazno y tonos de rosa. Todos estos colores se ven diferentes entre sí, pero de alguna manera funcionan juntos. La razón radica en los valores. Los valores de todos estos colores son similares entre sí, lo que los hace lucir más armoniosos de lo esperado.
Esta armonía en los valores también está presente en el resto del dibujo, como se ve en el suéter y los jeans.
A pesar de las combinaciones de colores “extrañas”, al observar la ilustración, el color base se transmite correctamente: el cabello sigue siendo de un color anaranjado, los jeans son azules, etc. Si aplicas estos conceptos de contraste y valor, puedes usar cualquier combinación de colores para hacer ilustraciones. Espero que estos consejos te ayuden a transmitir las sombras y los colores base con precisión, pero de una manera más divertida.
Contando una historia con los colores
Lo mejor de las ilustraciones es la libertad que te da a la hora de seleccionar los colores. Si bien puedes seleccionar colores que “resalten” basándote únicamente en la estética, los colores pueden darte la oportunidad de contar una historia. Además, los colores saturados que no necesitan ser fieles a la vida real te ofrecen el privilegio de aprovechar esto al máximo.
Analicemos esta idea con una ilustración.
Selección de valores
A continuación, se muestra una ilustración que pretende traducir la sensación de ser "demasiado". Los valores actúan como referencia para mí cuando comienzo a elegir los colores.
Verás que los valores del personaje son más oscuros para representarlo como dominante y llamativo. Además, lo distinguen del fondo, lo convierten en el centro de atención. Para impulsar esta idea aún más, tengo la intención de hacer que las flechas sean más claras, para que la atención se dirija aún más hacia él. Si bien mantenerlo de color claro sobre un fondo más oscuro lograría el mismo efecto, intencionalmente no seguí ese camino. Los colores brillantes se sentirían positivos y transmitirían una sensación de ser el centro de atención, lo que sería contrario al tema.
Si bien el espectador puede pasar por alto estas intenciones, creo que el esfuerzo vale la pena siempre y cuando disfrutes del proceso de creación que se llevó a cabo detrás.
Selección de colores
Cada color de la rueda de colores representa diferentes sentimientos. Por ejemplo, el azul puede transmitir tristeza o frialdad, mientras que el rojo puede transmitir pasión y emoción. El significado que se le atribuye a estos colores también depende del contexto; por ejemplo, el azul en un océano en calma puede mostrar tranquilidad y paz. Puedes aprovechar fácilmente estos significados cuando trabajes con una paleta de colores más lúdica.
Para mi ilustración, tenía dos sentimientos que quería mostrar, por lo que hice dos variaciones.
En la primera miniatura, el personaje es rojo porque el rojo llama la atención; se asocia con las señales de stop y los sentimientos fuertes. En cambio, quería que el fondo fuera verde porque transmite calma. Además, crea un espacio sorprendente entre el personaje y su entorno.
La segunda idea que tuve fue que el personaje estuviera vestido de azul, lo que transmite su infelicidad, mientras que el fondo es rojo y llama la atención.
Comprobación de valores
Al seleccionar colores, a menudo puede resultar útil comprobar si el contraste sigue presente. De esta manera, podrá realizar cambios desde el principio sin tener que repasar cada color más adelante.
Decidí mezclar el rojo y el azul para mi trabajo. Si bien el rojo es mucho más claro que los valores deseados, aún aparece claramente entre el rojo, lo que mantiene el foco en el personaje.
Esquemas de color
Los esquemas de color son básicamente combinaciones de colores que probablemente se verán bien juntos. Consultar esquemas de color puede acelerar el proceso de selección de colores y, al mismo tiempo, hacer que su trabajo luzca más armonioso. Algunos de mis esquemas de color favoritos incluyen:
✦ Complementario: se utiliza cuando se utilizan colores opuestos. Utilizo colores contrastantes o complementarios en mi trabajo muy a menudo, como se ve en el cabello o en los fondos.
✦ Triádico: se utiliza cuando los colores están espaciados de manera uniforme. Los esquemas triádicos brindan una diversidad más amplia de colores y, al mismo tiempo, mantienen la armonía.
✦ Análogo: los esquemas análogos incluyen colores que están uno al lado del otro en la rueda de colores. Pueden parecer calmantes y también se ven a menudo en la naturaleza.
Para esta ilustración, utilicé vagamente un esquema de colores triádico. El objetivo era mantener las flechas amarillas para que el rojo y el amarillo juntos parecieran señales de tráfico o símbolos de precaución. Dado que los colores elegidos incluían rojo y azul en primer plano, junto con rosa y amarillo en el fondo, agregué el resto de los colores con referencia al esquema triádico.
¡Prueba y error!
Si bien puedes confiar completamente en la creación de esquemas de colores, no hay garantía de que el producto final siempre se vea como lo esperabas. La clave es siempre la prueba y el error. Después de probar varios colores de fondo y diferentes combinaciones de colores, finalmente me decidí por colores que ignoraban la idea original de fondo-primer plano.
Usé naranja para el fondo, no por ningún esquema de colores, sino simplemente porque "se veía genial". El arte se trata de experimentación, por lo que mi mayor consejo es no quedarse estancado en tratar de seguir reglas preexistentes que surgieron a través de prueba y error de otras personas.
Finalmente, cuando estuve satisfecho con el aspecto que tenía todo, revisé los valores y me llevé una grata sorpresa al ver que el contraste se mantenía perfectamente.
Lapso de tiempo:
Representación usando los colores que seleccionaste
La representación puede parecer un poco desordenada cuando se utilizan colores brillantes que no parecen combinarse bien. En esta sección, nos ocuparemos de trabajar con diferentes tonalidades, a través del ejemplo del cabello rosa. Es muy probable que tu proceso sea muy diferente al mío, por lo que me centraré en las partes que se pueden trasladar fácilmente a tu proceso.
Empecemos con el boceto :)
Selección de tono basada en valores
Para los colores, me resulta útil hacer primero el fondo (que envejecerá mal porque terminé sin usarlo). El fondo me ayuda a decidir qué tan oscuros quiero que sean los valores del primer plano.
Al hacer una pieza renderizada, empiezo por cualquier elemento del dibujo; en este caso, esa fue la piel. Primero, puse un color que se acercara al tono de la piel con una iluminación normal. Para esta pieza, quería que todo fuera rojo, rosa y violeta. Entonces, cambié la piel a rojo. Después de esto, verifiqué qué tono de rosa tiene un valor más oscuro que la piel para evitar un dibujo de aspecto "turbio".
Durante todo el proceso, seguí verificando los valores en blanco y negro para asegurarme de que todo se viera bien.
(A pesar de la baja calidad del gif, espero que el proceso aún sea comprensible)
Una vez que tengo todos los colores base, puedo comprobar si los colores se ven bien juntos. Durante esta etapa, puedo arreglar el fondo o cambiar algunos colores según mis preferencias estéticas.
Selección de colores y combinación de ellos para sombras y reflejos
Empiezo con la base que hicimos al principio. A continuación, con un tono más cálido, agregué las partes más oscuras y el cuero cabelludo.
A continuación, utilicé un verde menta, que es casi lo opuesto al rosa en la rueda de colores. El verde menta tiene un tono más claro y hace que los reflejos se destaquen, por lo que fue la elección perfecta.
Si bien un rosa frío podría haber sido una alternativa al verde menta, en su lugar lo utilicé para agregar brillo al cabello. Los tonos fríos del rosa y el verde menta también ayudan a crear contraste con el rostro de color predominantemente cálido. Continué representando el cabello agregando sombras más cálidas junto con tonos más fríos para darle brillo.
Una vez que tuve todos los colores establecidos, agregué trazos amarillos para agregar un toque de color.
A continuación, hice la ilustración en blanco y negro y agregué contraste usando azul.
Una vez que hice invisible la capa de color, apliqué sobre el color azul un rosa cálido para equilibrarlo. De esta manera, las sombras se mantienen cálidas de manera uniforme y, al mismo tiempo, son más oscuras que el resto del cabello.
También agregué un poco de violeta claro en las sombras y usé amarillo en el resto de la ilustración para los reflejos.
¡Lo hemos logrado!
¡Y con esto, tenemos la ilustración final! Los colores utilizados no son ni completamente básicos ni totalmente fuera de la zona de confort. En mi opinión, este es el equilibrio perfecto entre los colores que usamos generalmente y los colores atrevidos.
Aquí está el time-lapse completo:
Filtros y efectos
Puedes añadir efectos o filtros a tu ilustración para que sea aún más colorida. ¡A continuación, añadiré dos cosas que puedes hacer para darle los toques finales!
La forma más sencilla de añadir un toque de color a tu ilustración es mediante el modo de fusión “superposición”. Puedes crear un degradado con dos colores, por ejemplo, azul y rojo. Cambia el modo de fusión de la capa a “superposición” y disminuye su opacidad. Esto no solo añadirá color a tu ilustración, sino que también hará que la pieza parezca más unida.
Otra opción de filtro es agregar “tono” a tu ilustración. Ve a Capa > Nueva capa > Tono. Esto abrirá una ventana donde puedes cambiar la configuración según tu lienzo. La densidad y la frecuencia dependerán de las dimensiones de tu lienzo.
Mi frecuencia se estableció en 85.0 y la densidad en 32%. Una vez agregada, fui a Capa > Rasterizar. Una vez que mi capa ya no era una capa de objeto, pude tomar una pequeña sección de la capa y transformarla para que fuera más grande hasta que estuviera satisfecho con el tamaño de los círculos.
Tengo un tutorial más extenso y elaborado sobre los diferentes filtros que puedes agregar a través de los modos de fusión en CSP. Puedes consultarlo para obtener más ideas :)
Conclusión
¡Con esto termina este tutorial! ¡Espero que te sirva de inspiración para empezar a jugar con los colores más a menudo! Mi consejo principal siempre será que no tengas miedo de hacer un mal trabajo artístico :)
Gracias por tu tiempo. ¡Sigamos con nuestro viaje artístico mientras nos divertimos lo más posible!
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