[1] Introduction

Lorsque l’on regarde une illustration, celle-ci doit en quelques secondes nous plonger dans un univers et une histoire particulière. Pour que la magie opère, la composition doit être lisible et efficace pour focaliser le regard sur ce qui est vraiment important.

Dans ce tutoriel, nous allons voir plusieurs techniques et astuces pour vous permettre d’augmenter l’immersion dans une image tant sur la composition que sur la gestion des lumières ou encore lors de la mise en couleurs !

[2] Composition de votre scène

Commençons donc par définir un nouvel espace de travail dans le logiciel

[Fichier] > [Nouveau]

Pour réaliser votre scène, vous allez devoir identifier le meilleur point de vue pour mettre le sujet principal en valeur. Imaginez que vous êtes aux commandes de la caméra qui filme la scène. Vous allez pouvoir la positionner dans l’espace pour obtenir votre composition idéale.

 

■ Créer de la perspective

 

En plaçant la caméra en plongée au dessus du sujet, vous obtenez une vision d’ensemble de la scène en apportant une sensation d’écrasement. En plaçant la caméra en contre-plongée au dessous du sujet, celle-ci donne de la présence aux éléments représentés dans l’image.

Le choix de représenter votre scène en plongée ou en contre-plongée, va apporter de la perspective à votre image. Les éléments que vous allez représenter vont donc changer de taille en fonction de la proximité avec la caméra. N’hésitez pas à ponctuer votre image par des objets récurrents qui seront utilisé à différents emplacements (personnages, éléments architecturaux comme des piliers, des portes ou encore éléments naturels tels que des arbres, rochers...). Ils donnent une indication d’échelle au spectateur.

 

Dans l’exemple, ce sont les fleurs qui vont renforcer la perspective.

■ Mettre des éléments en hors champs

 

Notre cerveau est capable d’imaginer ce qui est exprimé en dehors du cadre à partir du moment où une partie reste visible dans l’image. Cette astuce donne l’impression au spectateur que la scène représentée s’inscrit dans un ensemble encore plus vaste.

En plaçant un élément au premier plan de l’image, nous donnons un nouveau repère au spectateur qui appréhende plus facilement sa position dans la scène. Même si il n’existe pas, nous allons devoir trouver un élément à positionner au premier plan (feuillage, tronc d’arbre, jambes d’un personnage... ou tout autre objet pertinent de la scène)

 

■ Décentrer l’image

 

Vous devez éviter les compositions strictement horizontales qui manquent de dynamisme. La solution consiste à incliner légèrement votre scène pour décentrer le sujet et donner du rythme à la composition. Cette simple astuce change immédiatement la perception que l’on a de l’image.

Au cours de cette étape, il est possible de modifier le format final de l’illustration pour l’adapter aux besoins de la composition. Pour cela, sélectionnez [Édition] > [Changer la taille de la toile]. Vous pouvez ainsi redimensionner votre toile manuellement où en changeant directement les dimensions dans la fenêtre.

[3] Gestion de la lumière et des ombres

Une fois votre composition finalisée, vous allez pouvoir travailler l’éclairage de la scène. Celui-ci doit vous permettre de créer du contraste entre les différents plans de l’image.

 

■ Positionner les ombres par rapport à la source lumineuse

 

Dans l’exemple présenté, nous allons imaginer que la lumière est placée au dessus des personnages, légèrement devant eux, à droite. Les fleurs du premier plan se retrouvent plongées dans l’obscurité puisqu’elles sont orientées face au spectateur.

■ Ajuster la luminosité /contraste des plans de l’image

 

Afin de faciliter le travail des différents plans, il est préférable de créer des calques différents pour chacun d’eux dans le Panneau de [Calques].

A présent, nous allons pouvoir ajuster indépendamment la luminosité et le contraste de chacun des plans grâce à la commande [Édition] > [Correction de teinte] > [Luminosité / contraste].

Les plans proches sont plus sombres et contrastés tandis que les plans éloignés seront plus lumineux et moins contrastés. Il faut donc jouer simultanément sur les paramètres [Luminosité] et [Contraste] en opposition.

 

■ Épaisseur et opacité du tracé

 

Une autre astuce peut être utilisée pour renforcer la profondeur de champs en ajustant l’opacité et l’épaisseur de tracé de votre illustration.

 

Plus les éléments de l’image sont éloignés et plus le tracé sera fin avec une opacité réduite. Pour modifier l’opacité d’un Calque, vous devez le sélectionner dans la [Palette de Calques] et déplacer le curseur d’opacité situé en haut de la palette.

[4] Contrastes de couleur

Maintenant que nous avons une vision d’ensemble de l’éclairage de la scène, il est temps de passer à la mise en couleur de celle-ci. Ce travail doit non seulement permettre de créer une ambiance spécifique mais il doit aussi renforcer la profondeur.

 

■ Ajuster la couleur ambiante

 

Après une première mise en couleur de l’ensemble de l’illustration, nous allons pouvoir appliquer les calques d’Ombres réalisés précédemment en mode [Produit] au dessus des calques de couleur.

Ces ombres travaillées en niveaux de gris doivent refléter l’ambiance globale de la scène, à savoir la couleur du ciel. Pour modifier les ombres nous allons utiliser la commande [Édition] > [Correction de teinte] > [Balance des couleurs].

 

Enfin, nous pouvons diminuer l’opacité des calques pour une meilleure intégration des ombres dans l’illustration.

■ Utilisation de teintes opposées

 

Nous allons à présent créer 2 calques en incrustation au dessus de l’image.

Dans la Palette d’outils, cliquez sur l’icône [Dégradé] puis choisissez [Premier plan au transparent] afin de réaliser un dégradé de couleur sur chacun des calques. Vous pouvez aussi utiliser un pinceau à faible dureté pour créer un halo de couleur.

 

Les teintes choisies vont marquer encore la différence entre le premier plan et l’arrière-plan. Servez-vous du cercle chromatique du sélecteur de couleurs pour choisir des teintes diamétralement opposées.

Une fois vos calques en dégradé réalisés, vous avez toujours la possibilité de ré-ajuster vos couleurs grâce à la commande [Édition] > [Correction de teinte] > [Teinte / Saturation / Luminosité].

[5] Effets atmosphériques

La dernière étape consiste à ajouter différents effets atmosphériques et lumineux pour donner du volume à l’illustration.

 

■ Ajout de calques d’atmosphère

 

Dans un paysage, plus un élément est éloigné, plus il s’estompe et se confond avec la couleur du ciel. Afin de produire cet effet, nous allons sélectionner la couleur de notre ciel grâce à l’outil [Pipette].

Il suffit ensuite de créer un nouveau calque et utiliser un dégradé remontant à partir de la couleur du ciel. Pour les éléments les plus proches vous pouvez estomper l’opacité du calque de façon progressive.

■ Halos lumineux en incrustation

 

L’ajout de halos de lumière sur des zones clef de l’image va apporter de la densité à l’illustration. Cela va permettre notamment de faire ressortir des éléments de l’image qui ne sont pas impactés par ces effets, comme ici les personnages.

■ Flou sur le premier plan

 

Pour finir, nous allons ajouter du flou sur les éléments de premier plan à partir du menu [Filtre] > [Flou] > [Flou gaussien]

L’illustration est terminée !

N'hésitez pas à partager vos créations en commentaire de ce tutoriel ;)

À propos de l’auteur

Je m'appelle Axendre et je suis créateur de la bande dessinée dynamique et interactive « Eden, la seconde aube » que vous pouvez découvrir en lecture gratuite !

Sur le site vous pouvez également participer à l'élaboration de votre propre histoire dans l'univers d'Eden en profitant de nombreuses ressources à disposition.

 

Mon objectif est de transformer la vision de la bande dessinée en permettant à chacun de créer des expériences de lecture nouvelles, quel que soit son niveau !