Salut !

Dans ce tutoriel, je vais vous donner des conseils qui peuvent vous aider à dessiner des poses plus dynamiques !

Voici les sujets abordés dans ce tutoriel :

 

•Brève introduction aux modèles de figures 3D :

Où le trouver et comment l'utiliser

Comment déplacer la caméra

Comment poser le modèle 3D

 

•Conseils sur la pose :

Commencer par créer un mannequin simplifié

Ligne d'action

Penser à l'exécution de l'action

Simplifier les volumes de la figure

Rendre la pose claire et lisible instantanément

Essayer de représenter le mouvement (même s'il n'existe pas)

Construire la figure en perspective

 

•Deux exemples de ces conseils en action !

 

J'utiliserai des références provenant à la fois de photos (que j'ai prises avec un ami) et d'un outil TRÈS utile présent dans toutes les versions de Clip Studio Paint : les modèles de figures 3D !

 

Et nous allons commencer notre tutoriel par une brève introduction à cet outil, et dans les sujets suivants, nous explorerons des façons de l'utiliser comme référence pour nos poses !

 

Si vous savez déjà comment l'utiliser, je vous recommande de passer directement à « •Conseils sur la pose : » et au-delà.

•Brève introduction aux modèles de figures 3D :

Où le trouver et comment l'utiliser :

Vous pouvez le trouver en cliquant sur cette icône qui ouvre un menu à côté de la fenêtre [Navigation], cliquez ensuite sur [Tous les matériaux], allez dans l'onglet 3D et cliquez sur [Type de corps].

ici nous avons 4 options de modèles :

deux corps avec des « proportions anime » (Figure de dessin 3D - Ver.2 (Homme) et Figure de dessin 3D - Ver.2 (Femme)) :

et deux avec des « proportions normales » (Figure de dessin 3D (Femme) et Figure de dessin 3D (Homme)) :

Je préfère personnellement utiliser les deux derniers car j'ai un style avec des proportions plus normales, mais le choix vous appartient ! Pour utiliser les modèles 3D, il suffit de faire glisser le modèle sur notre toile ; il crée automatiquement un calque avec le modèle et une règle affichant la perspective dans laquelle se trouve le modèle.

Comment déplacer la caméra :

Pour déplacer la caméra autour du modèle, il suffit de déplacer la souris dans n'importe quelle direction tout en maintenant le bouton GAUCHE de la souris enfoncé (ne fonctionne que si vous sélectionnez la figure comme un objet avec l'outil [Opération]).

Nous pouvons zoomer sur le modèle 3D en faisant glisser la souris vers le haut (dézoomer) ou vers le bas (zoomer) tout en maintenant le bouton DROIT de la souris enfoncé (ne fonctionne également que si vous sélectionnez la figure comme un objet avec l'outil [Opération]).

Maintenant, la chose la plus importante : comment poser le modèle !

Comment poser le modèle 3D :

En passant le curseur de la souris sur la figure, vous verrez certaines parties devenir bleues ; ce sont les articulations disponibles qui peuvent être tournées. Lorsque nous cliquons sur l'une de ces parties bleues, des axes de manipulation s'affichent. Vous pouvez manipuler le modèle en cliquant et en déplaçant ces axes, ou simplement en cliquant et en maintenant le membre pour n'importe quelle direction ; c'est assez intuitif !

Vous remarquerez qu'en fonction de l'endroit où vous cliquez, vous pouvez également accéder à un « axe central » pour tout le corps ; avec cela, vous pouvez faire pivoter ou déplacer tout le corps dans n'importe quelle direction.

Essayez de faire quelques poses pour vous habituer à manipuler ce modèle ! Vous pouvez enregistrer n'importe quelle pose que vous avez créée en cliquant sur [Enregistrer le corps entier comme matériau], puis décidez du nom du modèle et de l'emplacement de sauvegarde, et c'est fait !

Une autre façon de poser votre modèle est d'utiliser les poses par défaut de Clip Studio Paint ; l'onglet avec les poses se trouve en dessous de l'onglet où nous trouvons les modèles 3D. Tout ce que nous avons à faire pour utiliser l'une d'entre elles est de la glisser-déposer sur votre modèle !

Vous pouvez également faire glisser des poses de main sur votre modèle ; la main sur laquelle la pose de main s'applique dépend de l'endroit où vous faites glisser la pose :

 

·Lorsqu'une partie du côté droit du corps est sélectionnée, la pose sera appliquée à la main droite !

·Lorsqu'une partie du côté gauche du corps est sélectionnée, la pose sera appliquée à la main gauche !

·Lorsqu'une partie au centre du corps est sélectionnée ou que des parties spécifiques ne sont pas sélectionnées, la pose sera appliquée aux deux mains !

Et maintenant, vous savez déjà comment utiliser les modèles de figures 3D de CSP ! Je vais maintenant vous donner des astuces que vous pouvez combiner avec les modèles 3D pour créer des poses plus intéressantes !

•Conseils sur la pose :

Commencer par créer un mannequin simplifié :

Lorsque vous commencez à dessiner une figure dans une pose, il est préférable de ne pas commencer par la figure avec toute l'anatomie déjà définie. Commencer un dessin en essayant de gérer autant d'éléments en même temps est peut-être la raison pour laquelle vos poses sont rigides !

Une bonne façon de commencer à dessiner la figure humaine est d'utiliser un mannequin simplifié comme base ; en ayant peu d'éléments à prendre en compte, vous pouvez vous concentrer entièrement sur le dynamisme et la vie de la pose que vous allez dessiner !

 

Ici, nous avons déjà tout ce dont nous avons besoin pour représenter un corps humain de manière simple : nous avons le torse avec une cape qui représente les épaules et la poitrine, une colonne, des bras, des jambes, une tête et des os du bassin pour représenter la taille.

 

Ne vous inquiétez pas de dessiner le mannequin parfaitement ; l'objectif ici est de se concentrer sur le mouvement et de pouvoir réaliser de nombreuses versions de diverses poses afin de pratiquer le dynamisme de la figure et de décider laquelle sera utilisée comme base pour un dessin.

J'ai mis un exemple de la façon de dessiner ce mannequin dans le GIF ci-dessous :

Entraînez-vous à dessiner ce mannequin pour vous familiariser avec la répartition du poids dans une pose ; toutes les poses sont basées là-dessus, même une personne debout gère la répartition du poids du corps, dans ce cas, le poids est généralement concentré sur les pieds.

 

Essayez également de ressentir le « point d'équilibre » de la pose et de répartir le poids à partir de ce point ; le point d'équilibre est généralement les deux pieds.

 

Il est bon d'essayer d'éviter la symétrie pour maintenir les choses variées et intéressantes.

Essayez d'incliner et de tordre la figure pour la rendre plus dynamique !

Utilisez des photos et le modèle 3D comme référence pour entraîner les poses du mannequin, mais essayez aussi d'en dessiner sans !

Si vous avez des difficultés à comprendre une pose, il est acceptable de tracer par-dessus une photo ou le modèle 3D pour mieux la comprendre, MAIS N'OUBLIEZ PAS :

cette pratique peut nous aider à créer des bases concernant l'observation, MAIS se contenter de faire cela nous rend dépendants du traçage ET le simple fait de tracer par-dessus la référence n'est généralement pas suffisant pour obtenir un bon résultat (vous obtiendrez probablement une pose rigide, même si le personnage bouge), des modifications seront toujours nécessaires, principalement sur le modèle 3D.

Mon conseil est que même si vous obtenez un bon résultat simplement en traçant, essayez TOUJOURS de faire plus de versions sans tracer les références ; il est préférable d'utiliser des outils comme base pour vous aider à comprendre quelque chose, et non comme une béquille.

 

Très bien, nous avons maintenant une bonne façon de commencer à dessiner nos figures, mais comment les rendre plus dynamiques ?

C'est là qu'intervient la ligne d'action !

Ligne d'action :

Pensez à la ligne d'action comme une ligne imaginaire parcourant la colonne vertébrale d'un personnage, du sommet de sa tête jusqu'à la jambe qui supporte le poids du corps ; c'est une simple ligne courbe qui évoque le mouvement, elle montre la force primaire de l'action.

Toutes les parties du corps doivent se coordonner pour s'intégrer dans le flux de cette ligne OU la compléter d'une manière ou d'une autre.

 

Regardez les exemples ci-dessous, lequel montre un personnage avec une pose plus dynamique, même si le personnage est simplement debout ?

Il est tout à fait clair que c'est l'exemple de droite ! Notez que même si le personnage est simplement « immobile », il y a toujours une force projetée, simplement en laissant le corps suivre la ligne d'action.

Rappelez-vous la répartition du poids dont nous avons parlé plus tôt ; dans l'exemple de droite, même s'il est juste debout avec le poids et le point d'équilibre sur ses deux pieds, nous pouvons voir qu'il distribue le poids en inclinant son torse vers l'avant, ce qui rend la pose BEAUCOUP plus dynamique !

 

Voici d'autres exemples de poses utilisant les lignes d'action comme base :

Lorsque vous dessinez à partir d'une photo ou d'un modèle 3D de référence (comme dans l'exemple ci-dessous), essayez de trouver la ligne d'action et de construire la figure à partir de celle-ci en l'exagérant !

Pensez à l'exécution de l'action :

Si la pose que vous essayez de dessiner montre une action, essayez de réfléchir à toutes les étapes de cette action afin de trouver l'« image » qui exprime le mieux le mouvement. Généralement, cela peut être mieux exprimé si vous utilisez le début ou la fin de l'action, comme par exemple lorsqu'un joueur de football frappe un ballon, il exprime le mieux le mouvement au début ou à la fin du coup de pied,

si vous le dessiniez au moment de frapper le ballon, votre dessin aurait un mouvement rigide et peu convaincant.

En dessinant une action au début du mouvement, nous pouvons faire en sorte que le spectateur complète le mouvement.

En dessinant une action à la fin du mouvement, nous pouvons faire en sorte que le spectateur ressente le mouvement qui vient d'être achevé.

Essayez d'utiliser le mannequin pour esquisser toutes les « images » du mouvement du personnage afin de trouver celle qui correspond le mieux à l'émotion que vous souhaitez transmettre et même si cela ne révèle pas une meilleure pose, cela vous aidera sûrement au moins à trouver un moyen d'améliorer celle choisie !

 

Après vous être entraîné à dessiner le mannequin et à vous habituer à donner du dynamisme à vos poses, il est temps de lui donner du volume !

Simplifier les volumes de la figure :

Nous avons déjà créé la base de notre personnage et appris comment une ligne d'action nous aide à rendre sa pose plus dynamique ; ce que nous devons faire maintenant, c'est donner du volume à cette figure !

C'est un sujet que je trouve peu abordé lorsqu'il s'agit d'améliorer les poses ; la ligne d'action est toujours un sujet dont on parle, mais la manière dont notre figure transmet le volume dans un espace est tout aussi importante !

 

Bien représenter le volume des masses corporelles est important car cela donne à notre dessin un sens de la profondeur et aide à transmettre encore plus l'idée de répartition du poids dont nous avons parlé plus tôt, rendant ainsi nos poses plus palpables. Cela aide également beaucoup lorsque nous dessinons une figure dans une pose avec perspective, car il est plus facile de gérer les volumes du corps lorsque vous avez des formes plus simples !

 

L'objectif ici est de simplifier toutes les parties du corps en formes de base afin de pouvoir les positionner et comprendre leurs volumes plus facilement, et SEULEMENT APRÈS CELA, nous ajouterons les détails anatomiques.

Vous pouvez également dessiner de manière encore plus simplifiée avec des formes cylindriques, sphériques et rectangulaires,

n'importe laquelle, MAIS UTILISEZ DES SOLIDES GÉOMÉTRIQUES 3D (une figure avec hauteur, longueur et largeur), PAS des figures 2D,

De cette façon, il est plus facile de comprendre où chaque face du muscle est dirigée, puis, lorsque vous ajoutez les détails anatomiques à la figure, il est plus facile de savoir où chaque muscle s'intègre !

Essayez d'utiliser les poses précédentes que vous avez faites avec le mannequin comme base pour pratiquer, mais essayez également de dessiner de nouvelles poses (toujours variées) dans le but d'entraîner le volume de la figure !

 

Vous remarquerez que des ajustements dans la pose et les proportions du mannequin seront probablement nécessaires lorsque vous lui donnerez du volume ; c'est normal, c'est une chose courante. L'objectif en l'utilisant était d'obtenir une pose dynamique, pas nécessairement une pose déjà parfaite anatomiquement et proportionnellement ; le moment de se concentrer sur la correction des proportions est maintenant !

N'oubliez pas d'imaginer le torse presque aussi flexible qu'un oreiller, tordez-le pour donner du dynamisme aux mouvements !

Comme pour le mannequin, si vous avez du mal à obtenir les volumes d'une pose, vous pouvez tracer par-dessus la référence, mais je le répète : après cela, je vous recommande fortement d'essayer de faire d'autres versions de la même figure sans tracer par-dessus.

Le prochain conseil est :

Rendre la pose claire et lisible instantanément :

Lorsque nous regardons quelque chose, nous essayons généralement de penser d'abord à cette chose dans son ensemble, PUIS APRÈS de regarder les détails. Il est donc idéal que la pose soit suffisamment claire pour que n'importe qui puisse dire immédiatement ce que fait ce personnage, suffisamment claire pour que même si vous regardiez ce personnage en silhouette, vous seriez toujours capable de dire ce qu'il fait, comme dans les exemples ci-dessous.

MAIS si vous avez VRAIMENT besoin de dessiner une pose spécifique où de nombreux éléments se chevauchent, créant une silhouette désordonnée, comme dans cette pose ci-dessous,

vous devez vous concentrer sur la séparation des éléments de la figure par contraste, soit par :

 

 

contraste par l'épaisseur du trait :

vous pouvez séparer les éléments les plus importants ou les plus proches de la « caméra » des éléments moins importants ou plus éloignés

contraste par les couleurs, la lumière et l'ombre :

séparez les parties du personnage qui se chevauchent en les peignant de différentes couleurs afin que le spectateur puisse plus facilement distinguer tous les éléments ; ici, vous devez vous concentrer sur l'utilisation des ombres et des lumières pour aider à transmettre le volume de chaque partie du corps.

En faisant l'une de ces choses, vous pouvez guider le spectateur à comprendre plus facilement les éléments de la pose de votre personnage, même dans une pose avec des éléments qui se chevauchent.

Essayer de représenter le mouvement (même s'il n'existe pas) :

Il est attendu que lorsque vous dessinez votre personnage en mouvement, vous le fassiez être affecté par la force du mouvement, en faisant onduler ses cheveux, ses vêtements et ses accessoires contre le vent.

Mon conseil ici est de ne pas nous limiter à représenter la force du mouvement SEULEMENT lorsque le personnage bouge !

Si vous avez besoin de dessiner un personnage statique, faites souffler un vent aléatoire sur lui pour rendre la pose plus intéressante ; selon le personnage, cela peut donner un air épique, mystérieux ou mélancolique !

Construire la figure en perspective :

Mon dernier conseil est de construire la figure en perspective !

Oui... je sais, cela peut sembler difficile, c'est pourquoi les gens préfèrent généralement dessiner uniquement des personnages et non des scénarios, car de cette façon, vous pouvez « échapper » à l'apprentissage de la perspective, MAIS c'est quelque chose qui peut grandement améliorer nos poses !

Même si vous n'allez pas dessiner un scénario en arrière-plan, dessiner un personnage en perspective aide à transmettre son volume et donne plus de dimension à ses mouvements, et cela n'a même pas besoin d'être dans des perspectives complexes.

Avec l'aide de ce dont nous avons parlé et de la pratique dans les sujets « Commencer par créer un mannequin simplifié : », « Simplifier les volumes de la figure : », le modèle 3D et l'outil [Règle de perspective] de Clip Studio Paint, nous pouvons faire cela plus facilement !

 

 

Nous pouvons normalement déjà déplacer la caméra et le modèle 3D librement ; maintenant, pour qu'il soit affecté par la perspective, tout ce que nous devons faire est de cliquer dessus, d'aller dans le panneau des propriétés de l'outil, de cliquer sur [Paramètres d'affichage pour l'édition] et de passer de Rapide à Normal.

Maintenant, sur le côté du calque du modèle 3D, cliquez sur l'icône de la règle (appelée [Règle de perspective]), puis désactivez [Fixer le niveau des yeux] dans la propriété de l'outil de la règle,

cliquez ensuite à nouveau sur le modèle 3D, maintenant la règle et le modèle apparaissent en même temps et tout mouvement dans l'un des points de fuite affectera la perspective du modèle !

À partir de là, nous pouvons utiliser le modèle 3D comme référence pour dessiner un mannequin et les volumes de notre personnage dans la pose et la perspective que nous souhaitons !

 

Mais si vous ne voulez pas utiliser un modèle 3D et seulement la Règle de perspective comme guide, vous pouvez utiliser la [Règle de perspective] séparément en allant à :

[Calque] > [Règle/Cadre] > [Créer une Règle de perspective], puis choisissez le nombre de points de perspective que vous souhaitez utiliser. La seule chose que nous devons faire maintenant est de désactiver [Magnétiser à la règle spéciale], sinon, nous ne pourrions dessiner qu'en relation avec les points de fuite, ce qui est utile pour dessiner des scènes mais pas des personnages. Après cela, si vous le souhaitez, vous pouvez déplacer ou modifier les points de fuite.

Ma recommandation personnelle est la suivante : dans le panneau des propriétés de l'outil [Règle de perspective], activez une grille au sol pour vous guider plus facilement et désactivez l'option [Fixer le niveau des yeux] afin de pouvoir déplacer les points de fuite plus librement et créer des scènes avec des perspectives plus variées.

Des choses importantes à retenir sont que plus un objet se rapproche du point de fuite, plus il devient petit,

et les objets AU-DESSUS de la ligne d'horizon sont vus d'en bas,

tandis que les objets EN DESSOUS de la ligne d'horizon sont vus d'en haut.

Utilisez cela pour rendre la perspective de la pose plus dynamique et montrer le volume de la figure !

 

Maintenant, dans le prochain et dernier sujet, je vais vous montrer quelques exemples de dessins où j'ai utilisé la [Règle de perspective] avec un modèle 3D et des choses dont j'ai parlé dans ce tutoriel !

•Deux exemples de ces astuces en action !

Premier exemple :

Dans ce premier exemple, j'ai utilisé comme référence le modèle 3D en perspective et dans l'une des poses par défaut (la pose « grille vers le haut »). J'ai commencé le dessin, comme je le recommande, en dessinant le mannequin !

Ce n'est pas visible dans le GIF, mais j'ai tracé une ligne d'action du sommet de la tête jusqu'à la jambe avant pour essayer d'obtenir le flux de la pose. C'est généralement ainsi que je préfère procéder :

je dessine d'abord le personnage dans la pose que je souhaite, puis je trace la ligne d'action au-dessus de lui et j'essaie de corriger sa pose jusqu'à ce qu'elle corresponde au flux de la ligne.

Après avoir terminé le mannequin, j'ai donné du volume à la figure afin de mieux comprendre son positionnement en perspective.

Vous pouvez voir que, comme je l'ai mentionné dans le sujet « Simplifier les volumes de la figure : », des ajustements ont été nécessaires, dans ce cas au niveau des jambes du personnage ; sur le mannequin, elles étaient trop longues.

Après avoir donné du volume au personnage et corrigé quelques éléments de l'anatomie, j'ai commencé à dessiner ses traits. Mon idée pour ce personnage était celle d'un moine blessé mais qui veut toujours se battre, j'ai donc mis des bandages autour de sa tête et de ses bras, ce qui a contribué à donner du volume à ces zones.

J'ai fait la même chose avec le pantalon et la chemise en dessinant des poches, des plis et des marques de couture, dessiner les marques de couture est un moyen simple et facile de transmettre le volume de quelque chose, je le fais beaucoup personnellement.

Le résultat final était celui-ci !

C'est une pose simple, mais je pense que le fait que les jambes soient à des niveaux différents de la scène contribue à rendre le dessin plus intéressant.

Deuxième exemple :

Dans ce deuxième exemple, j'ai utilisé la [Règle de perspective] sans le modèle 3D.

Le personnage ici est un mage levant un bâton, comme s'il lançait un sort. Dans cet exemple, la façon dont j'utilise la ligne d'action est visible dans le GIF. Après avoir refait le mannequin en suivant le flux de cette ligne, j'ai donné du volume à la figure.

Ici, je n'ai pas fait les marques de couture sur les vêtements, mais j'ai plutôt utilisé une autre astuce pour essayer de faire ressortir le volume des vêtements et du corps : j'ai mis des motifs sur les robes du personnage !

Imaginant qu'il serait un mage de feu, j'ai mis des motifs de feu sur ses robes. Avec cela, j'ai pu transmettre le volume du tissu se courbant dans ses jambes, ses bras et son chapeau !

J'ai également fait onduler ses cheveux et le tissu sur ses bras, comme si le sort les poussait en arrière.

Le résultat final était celui-ci !

Je pense que même si c'est une pose simple, le dynamisme donné par la ligne d'action et le volume ont contribué à la rendre vivante !

Et voici mes conseils et exemples, j'espère qu'ils vous auront aidé d'une manière ou d'une autre !

Si vous avez des doutes ou des commentaires, n'hésitez pas à les laisser ci-dessous !