Bonjour ! Je suis Jess, et dans ce tutoriel, je vais vous guider à travers le processus qui m'a permis de passer du croquis de ma chienne adoptée Dottie à l'illustration couleur finale, en partageant quelques astuces et éléments que je garde à l'esprit lors de la création d'un arrière-plan pour sublimer mes personnages.

Pinceaux

Pour cette illustration, je voulais mettre l'accent sur l'éclairage et l'ambiance avec beaucoup d'éléments flous. J'ai donc choisi d'utiliser des pinceaux préfabriqués de Devin Elle Kurtz, disponibles ci-dessous gratuitement ou avec un don facultatif.

 

Elle propose également une variété d'autres packs de pinceaux qui valent vraiment le coup d'œil, ou vous pouvez également parcourir les ressources de Clip Studio Paint pour trouver ceux qui répondent à vos besoins.

Pour ajouter des détails plus fins (comme les détails du visage ou la lumière de jante sur la fourrure), j'utilise un pinceau crayon texturé appelé Opaque 1 qui se trouve dans le pack ci-dessous. Alternativement, vous pouvez utiliser un crayon inclus dans Clip Studio Paint ; tout dépend de vos préférences et de la sensation des pinceaux.

Pour mon croquis initial, j'ai utilisé le pinceau rond dur fourni avec Clip Studio Paint et je me suis assurée que la pression de mon stylet était activée afin que le trait ne soit pas trop dur, car je garde mes croquis assez lâches et les utilise comme guide.

Croquis

Pour cette œuvre, je voulais illustrer l'une de mes chiennes adoptées, Dottie. Lors du croquis, je voulais que certaines choses soient le point central : ses marques faciales distinctives et ses taches sur le ventre, ses oreilles qui se dressent quand elle est excitée et sa langue pendante.

Sa pose et le croquis n'ont pas beaucoup d'importance car elle sera partiellement cachée par les plantes et le feuillage. Le croquis sera aussi baissé en opacité pendant que je travaille, puis masqué. Je peux donc me concentrer ici sur les formes plutôt que de rendre mon croquis ou mon encrage parfait.

Recherche et théorie des couleurs

Pour cette illustration, j'ai commencé par rechercher différentes ambiances lumineuses et lieux, tout en gardant à l'esprit la théorie des couleurs et les différentes humeurs/sentiments normalement attribués à chaque couleur et ce qu'elles peuvent véhiculer. Vous êtes libre d'associer vos propres attributs à chaque côté de la roue chromatique, mais voici quelques idées que j'y associe et qui m'aident à décider des palettes de couleurs de mes illustrations.

 

Ex:

 

Tons froids

• Menacant

• Froid

• Nuit/Crépuscule

• Négatif

• Tristesse

 

Tons chauds

• Passion

• Confortable

• Soleil/Coucher de soleil

• Positif

• Bonheur

Ayant décidé de m'en tenir à une palette de couleurs chaudes, j'ai choisi un champ de blé herbeux pour mon illustration et un éclairage d'ambiance coucher de soleil/heure dorée, afin d'apporter des tons dorés chaleureux et d'adoucir les taches noires prononcées de mon chien.

Établir un point focal et les plans

Je m'avance un peu, mais ci-dessous se trouve un bloc de couleur grossier pour montrer quelques éléments que je garde à l'esprit pendant que je travaille : l'avant-plan (AP, le noir)), le plan moyen (PM, le gris foncé) et l'arrière-plan (AR, le gris plus clair), tout en gardant un œil sur le point focal de l'illustration, pour laquelle je veux que l'arrière-plan mette en valeur mon personnage et attire l'attention sur lui.

 

Numérotés ci-dessous sont les endroits où votre œil sera attiré dans l'ordre, vos yeux se dirigeant instantanément vers le point de plus grand contraste.

Pour m'assurer que je suis ces valeurs et que mon point focal reste clair, je crée une carte de dégradé en noir et blanc (que l'on trouve sous Calque > Nouveau calque de correction > Carte de dégradé) que je peux activer/désactiver pendant que je travaille.

 

Finalement, établir vos AP, PM, AR et points focaux deviendra une seconde nature et ce sera quelque chose que vous garderez à l'esprit inconsciemment. Mais en gardant ces éléments à l'esprit, vous pouvez instantanément sublimer vos illustrations et éviter qu'elles n'aient l'air plates, car une profondeur de champ sera établie.

Colorisation du personnage

Reprenant mon croquis, j'ai verrouillé les pixels transparents et peint un brun de ton moyen pour qu'il ne soit pas un noir dur. J'ai également baissé l'opacité du calque et l'ai réglé en mode multiplication afin de pouvoir facilement bloquer mon personnage (à l'aide de l'outil lasso et remplissage) comme indiqué au point 1. J'ai ensuite écrêté mon calque de croquis sur le calque de blocage. Pour la couleur de base, j'ai choisi un taupe (car ma chienne Dottie est noire et blanche) pour conserver la chaleur de l'illustration et rendre la lumière de jante attrayante. Mon objectif principal sera les deux tiers supérieurs du personnage, car le bas sera couvert par les éléments de premier plan à l'avenir.

 

Pour les points 2 et 3, j'ai pris mon pinceau Opaque 1, créé un nouveau calque et l'ai également écrêté sur mon calque de forme bloqué par couleur. En utilisant du noir, j'ai commencé à dessiner certains détails de son visage. Pour colorer sa langue, j'ai créé un nouveau calque en dessous et utilisé un rose de ton moyen pour bloquer sa langue.

 

En créant un nouveau calque (encore une fois également écrêté sur mon calque de forme bloqué) et en prenant un jaune doux, j'ai esquissé des détails de fourrure bruts pour montrer où la lumière se poserait et aussi pour accentuer sa longue texture de fourrure comme indiqué en 4. Cela sera ajouté plus tard, après avoir travaillé un peu sur l'arrière-plan, afin de voir quelles parties nécessitent un éclaircissement supplémentaire.

Maintenant que les petits détails ont été tracés, nous pouvons passer au blocage de ses taches. Pour cela, j'ai choisi un brun très foncé. Pour adoucir la couleur foncée et dure, j'ai créé un nouveau calque et l'ai écrêté sur les autres. À l'aide d'un grand aérographe doux fourni avec CSP, j'ai réglé le mode de calque sur « Couleur plus claire » et peint doucement autour des bords afin qu'elle s'intègre mieux à l'arrière-plan et ait l'air à sa place, donnant une douceur au personnage au lieu de conserver la dureté des couleurs sombres.

L'arrière-plan

J'ai peint l'arrière-plan de cette illustration de manière intuitive la plupart du temps, mais pour renforcer davantage le point focal (comme détaillé dans ma photo de blocage en niveaux de gris montrée ci-dessus), j'ai gardé l'AP flou et la partie la plus sombre de l'illustration, le PM plus net en peignant avec des tons plus clairs tels que des crèmes ou des jaunes, et pour l'AR, j'ai commencé par utiliser des éléments semi-flous dans des tons plus foncés, qui devenaient plus clairs et plus flous à mesure qu'ils s'éloignaient. Je vais décomposer les sections suivantes en AP, PM, AR afin que vous puissiez voir quels pinceaux j'ai utilisés et quel a été mon processus de réflexion pour chaque section.

Arrière-plan

Pour l'arrière-plan, je voulais que la majeure partie soit très floue, vous donnant une idée vague de ce qui s'y trouve. Mon objectif pour cette partie est moins sur les formes et les pinceaux, et plus sur les couleurs et l'idée d'espace.

 

J'ai choisi que le ciel soit d'une couleur pastel claire tout en gardant les aspects du sol herbeux dans une palette de couleurs dorées plus saturées et en les élevant assez haut pour donner l'idée que le champ s'étend, et pour que le ciel n'ait aucun contact avec le personnage afin que le point focal soit maintenu.

 

Pour le ciel, les arbres et la couleur de base du sol doré, j'ai choisi des pinceaux de la section « Arbres à feuilles caduques » du pack de pinceaux de Devin mentionné ci-dessus et je les ai floutés (reportez-vous à la section AP ci-dessous pour les réglages et les détails). Les tiges plus foncées proviennent du pinceau « Plantes sauvages 1 » et ont été floutées, puis en choisissant la couleur du ciel, je suis passé au pinceau « Fleurs sauvages 2 » et je l'ai laissé non flou.

Maintenant que l'arrière-plan de base est établi, au lieu de flouter chaque élément, j'ai laissé chaque partie non floue et j'ai plutôt expérimenté différents modes de calque. L'objectif de cette partie est de donner autant de variation de couleur que possible et de donner l'idée d'un arrière-plan dense rempli de plantes. Vous n'avez pas à vous soucier trop de sa perfection car cette partie inférieure sera partiellement couverte par les éléments du PM et de l'AP, c'est juste pour que la ligne de séparation de chaque section (AP, PM, AR) soit adoucie.

Pour remplir cette zone inférieure, j'ai utilisé certains des pinceaux d'herbe et d'herbe haute douce et réglé les calques sur Ajouter, Lumière douce et Incrustation pour donner un aspect lumineux comme si la lumière capturait l'herbe, et j'ai ramené le pinceau de fleurs sauvages et utilisé une couleur rose pour rompre les teintes dorées.

Plan moyen

Passons au plan moyen, qui était la partie la plus facile. J'ai créé un nouveau calque et j'ai pris une couleur brun foncé chaud, puis j'ai choisi l'un des pinceaux d'herbe douce du pack de Devin et j'ai bloqué une herbe rugueuse. L'objectif est de couvrir la majeure partie de la couleur claire et brillante au bas de la toile et de nous donner plus de variation de couleur afin que lorsque nous ferons nos éléments de premier plan, nous puissions avoir différentes tonalités qui transparaissent entre le feuillage.

Une fois le brun bloqué, j'ai utilisé le pinceau « herbe haute » pour bloquer de l'herbe claire et foncée en utilisant un brun clair et un brun de ton moyen. C'est une autre section qui sera principalement couverte, vous n'avez donc pas à vous soucier de sa perfection, c'est juste pour donner l'idée que le personnage est assis dans un grand champ d'herbe luxuriante.

À ce stade, j'ai également peint quelques éléments de lumière de jante supplémentaires sur le chien, tout en ajoutant des détails de collier et en changeant la position de la queue, de sorte que, bien que peu perceptible, cela ajoute à la sensation de bonheur de l'illustration.

Avant-plan

Pour l'AP, j'ai principalement utilisé les pinceaux « tige » et « plantes sauvages » du pack de pinceaux de Devin mentionné ci-dessus, et bien que cette section soit floue, vous pourrez toujours en distinguer vaguement les formes.

Pour l'AP, j'ai suivi deux règles : 1) plus l'élément était proche de mon personnage, plus sa teinte brune était claire, et 2) plus l'élément était éloigné de mon personnage, plus je le rendais flou. Cela aide à créer facilement une profondeur de champ dans votre illustration et donne une sensation plus forte d'éclairage et d'ambiance. Pour établir davantage mon point focal, j'ai flouté de nombreux éléments de cette illustration tout en gardant mon personnage net pour renforcer cela et attirer le regard sur lui, l'arrière-plan devenant un détail de soutien secondaire qui mettra en valeur et complétera mon personnage.

Pour le flou, j'ai utilisé le Flou gaussien (que l'on trouve sous Filtre > Flou > Flou gaussien). Je veux aussi qu'il soit assez perceptible, donc je reste dans les deux chiffres sur l'échelle d'intensité comme indiqué ci-dessous, mais vous pouvez opter pour une valeur inférieure pour un effet plus subtil, tout dépend de vos préférences.

 

Le Flou de mouvement est également un autre flou que vous pouvez expérimenter dans vos arrière-plans, il peut être particulièrement efficace pour les choses en mouvement comme les véhicules ou les animaux en mouvement. Amusez-vous à expérimenter !

Ajouter du bruit

L'une des dernières choses que j'ajoute à mes illustrations est un calque de filtre de bruit. Créez donc un nouveau calque et allez au filtre de bruit, que l'on trouve sous Filtre > Rendu > Bruit de Perlin. Ci-dessous, vous pouvez voir mes réglages. Je ne m'en tiens jamais à ces réglages, alors ne vous inquiétez pas de les retenir exactement, amusez-vous à expérimenter et voyez ce qui fonctionne pour vous ! J'aime un filtre de bruit assez fort pour donner un aspect granuleux prononcé.

 

Une fois que vous êtes satisfait de vos réglages, cliquez sur OK et vous pourrez alors expérimenter avec les modes de calque. Cette fois-ci, j'ai opté pour Incrustation à 49 % d'opacité.

Ci-dessous, vous pouvez voir côte à côte une version avec le filtre de bruit et une version sans. J'adore ajouter un filtre de bruit à mes illustrations car cela donne à votre travail une sensation de photographie cinématographique, l'aidant à ne pas paraître si numérique et plat en ajoutant du grain et de la texture, tandis que la variation de couleur dans le bruit crée plus d'harmonie de couleur à votre dessin.

Au lieu du bruit, vous pouvez également expérimenter avec des PNG de texture qui se trouvent également sur la page des ressources de CSP. En voici quelques-uns ci-dessous avec lesquels vous pouvez expérimenter et utiliser pour explorer les différentes propriétés de calque offertes par Clip Studio Paint (Éclaircir, Lumière douce et Incrustation sont quelques-uns de mes modes préférés). Amusez-vous !

Terminé !

Et voilà ! Vous avez terminé !

 

Les modes de fusion, les modes de calque et les pinceaux préfabriqués peuvent devenir vos meilleurs amis si vous expérimentez et découvrez ce qui fonctionne pour vous. Ce sont des moyens fantastiques d'optimiser votre temps afin que vous puissiez vous concentrer sur l'éclairage, l'ambiance et le personnage dans votre illustration. J'espère que vous avez apprécié de me suivre, amusez-vous à créer !