Idées à essayer pour ce style

Je vais utiliser ce thème pour dessiner quelque chose que je voulais essayer depuis un bon moment : un dessin d'intérieur en perspective à un point avec beaucoup de détails. Je n'ai jamais fait quelque chose comme ça avant et je voulais profiter de cette occasion pour me lancer un petit défi.

 

Voici d'autres idées avec lesquelles j'ai joué et qui devraient très bien fonctionner pour une illustration comme celle-ci :

 

-objets orthographiques (vous pouvez trouver une grille en ligne et l'utiliser comme ligne directrice)

-illustration d'un seul personnage (pas de fond)

-design extérieur (en perspective mais l'orthographique fonctionnerait aussi très bien)

 

 

Mettre en place une grille de perspective

La façon la plus simple de mettre en place une grille de perspective dans CSP est de l'ajouter via le "Menu Calque" dans la barre supérieure : allez dans "Calque" - "Règle/Cadre" - "Créer une règle de perspective..." comme montré dans l'image ci-dessous.

Une fenêtre comme celle-ci devrait apparaître :

Pour l'instant, j'ai besoin de la grille à un point. De plus, je garde la case "Créer un nouveau calque" cochée, car je n'aime pas dessiner sur le calque de la grille.

Votre toile devrait ressembler à ceci maintenant (j'utilise une toile de 2000x2000px) :

 

Par défaut, la grille apparaîtra au milieu de votre toile, plaçant également le point de fuite au milieu. La ligne bleue traversant ce point est la ligne d'horizon.

Si vous n'êtes pas satisfait du placement de votre grille, vous pouvez sélectionner l'outil objet (montré ci-dessous) et cliquer sur les lignes de votre grille. De petites poignées apparaîtront, que vous pourrez utiliser pour ajuster la grille à votre convenance.

 

Dès que vous ajoutez une grille de perspective, les lignes devraient s'y accrocher automatiquement lorsque vous dessinez. Vous pouvez désactiver cela en masquant votre calque de grille, c'est pourquoi je ne dessine pas sur ce calque. Alternativement, vous pouvez le désactiver en allant dans "affichage" dans la barre supérieure et désactiver "accrochage à la règle spéciale". S'il n'y a pas de coche à côté, vous devriez pouvoir dessiner librement sur la toile.

Si vous préférez désactiver l'accrochage (mais garder le calque de grille visible), il pourrait être judicieux d'ajouter d'autres lignes directrices. Si vous sélectionnez la règle de perspective et allez dans les propriétés de l'outil, vous trouverez le menu de processus. Lorsque vous sélectionnez "ajouter un guide" (comme montré ci-dessous), vous pouvez ajouter des lignes directrices qui suivent automatiquement votre point de fuite. Vous les ajoutez en cliquant et en glissant.

 

 

Si cela ne fonctionne pas pour une raison quelconque, vous pouvez simplement dessiner des lignes directrices à la main et garder l'accrochage activé pendant que vous faites cela.

Je vais garder l'accrochage activé pour l'instant, cela rendra mon processus d'esquisse plus rapide et plus facile.

Disposer les objets de base

Je pars sur un intérieur simple vu de dessus, donc je commence par un rectangle comme sol et quatre lignes suivant le point de fuite vers l'extérieur depuis chaque coin. Connectez les nouvelles lignes avec un autre rectangle et dessinez-en un autre, plus grand, juste autour et nous avons une pièce :

Maintenant, nous bloquons tous les objets plus grands que nous voulons dans cette pièce, une fenêtre, une porte, quelques meubles de base - rien de trop détaillé pour l'instant et je ne vais pas être super soigné à ce sujet.

Cette étape sert à trouver une bonne disposition pour cette pièce.

Ajuster les objets à la grille

Cette étape peut sembler un peu compliquée au début, mais comme nous connaissons déjà les dimensions de base des objets, ce n'est en fait pas très difficile à faire et je ferai de mon mieux pour expliquer le processus.

 

Nous allons commencer par un objet simple comme la fenêtre :

Nous avons déjà la forme et la perspective de base.

Comme nous regardons la fenêtre de dessus, nous pouvons voir la partie inférieure de l'encastrement du mur et au moins un côté.

Vous pouvez suivre ces étapes comme indiqué dans l'image ci-dessous.

Nous commençons par ajouter le rebord de fenêtre (étape 1). C'est une surface que nous regardons directement de dessus, elle n'est donc pas affectée par la perspective - avec toutes les surfaces de ce type, nous n'utilisons que des lignes horizontales et verticales.

Nous terminons l'encastrement en reliant les coins extérieurs à la partie supérieure de la fenêtre en suivant la grille de perspective (étape 2).

De notre point de vue, nous ne pouvons pas voir l'encastrement supérieur de la fenêtre, ce qui signifie que vous avez pratiquement terminé.

Je sais que cela peut sembler compliqué au début, mais plus vous pratiquez, plus cela devient facile.

 

Maintenant, vous pouvez ajouter des détails en suivant les trois ou quatre mêmes étapes :

1. esquisser les détails avec des lignes simples (étape 3)

2. dessiner les surfaces que vous pouvez regarder directement de dessus (étape 4)

3. relier les nouveaux coins à la ligne supérieure qui bloque votre vue (étape 5)

4. effacer les lignes inutiles (mais gardez à l'esprit ce que vous voyez et ce que vous ne voyez pas)

Bien sûr, ce n'est pas le résultat le plus net, mais cela devrait suffire comme exemple.

Après avoir nettoyé certaines des lignes restantes ou qui se croisent, cela devrait ressembler à ceci :

 

Le fauteuil va être un peu plus difficile (le grand bloc devant la fenêtre). Gardant à l'esprit que je vise une touche vintage dans cette illustration, ce "premier blocage de perspective" de la chaise aura besoin de quelques ajustements plus tard.

Voici comment j'ai abordé l'ajustement de la chaise à la grille :

 

J'ai commencé par le dossier de la chaise, la surface la plus haute en premier, puis j'ai tiré vers le bas les lignes de l'avant (1). J'ai dessiné les surfaces supérieures des deux accoudoirs reliant ces deux lignes (2). Pour l'assise, j'ai dessiné des lignes de perspective partant des coins intérieurs des accoudoirs et les ai reliées par des lignes horizontales droites (3). Les coins extérieurs des accoudoirs mènent à l'extrémité inférieure de la chaise (4).

J'ai marqué les surfaces orientées vers le haut dans l'image ci-dessous, afin qu'il n'y ait pas de confusion sur les points à relier.

Gardez à l'esprit qu'avec cette étape, vous pouvez déjà ajouter quelques détails qui seront utiles pour l'esquisse réelle. Soyez prudent cependant de ne pas surcharger initialement votre dessin avec beaucoup de détails, il peut être difficile de s'y retrouver à un moment donné. Il peut être utile de dézoomer régulièrement et de vérifier.

J'ai apporté quelques modifications à mon premier ajustement de perspective en cours de route, mais le processus reste le même.

Voici quelques conseils qui pourraient être utiles :

 

-n'ayez pas peur d'utiliser de nombreux calques si cela vous aide à suivre toutes vos lignes

-n'ayez pas peur d'utiliser de nombreuses lignes (désordonnées), vous pouvez toujours les effacer plus tard

-si vous voulez mesurer des distances dans la pièce, vous devriez utiliser le plancher pour le faire - c'est la seule unité dans cette pièce qui n'est pas déformée par la perspective

-commencez par la pièce d'abord, ajoutez des détails à la pièce et ENSUITE passez aux meubles

 

Voici à quoi ressemblait l'esquisse avant que je ne la nettoie :

Ajouter des détails

Les petites choses n'ont pas besoin de s'adapter parfaitement à la grille. Les cadres au mur peuvent être tordus par exemple, j'ajouterai aussi des piles de livres et des rideaux.

Les petits détails aident à rompre la monotonie d'un design parfaitement ajusté.

Bien sûr, vous êtes libre d'utiliser la grille de perspective pour ces petits détails aussi. Personnellement, j'aime mélanger le dessin à main levée et la perspective.

 

Certains objets tridimensionnels comme les planches de bois peuvent être tordus, alors je les ai juste ajoutés comme je l'ai jugé bon et j'ai ajusté l'ajustement à la grille de manière libre. Des objets comme les piles de livres, je veux qu'ils s'adaptent à la grille, alors je dessinerai des lignes directrices pour eux sur un calque différent :

C'est aussi le bon moment pour ajuster les meubles bloqués. Pour le fauteuil, j'ai juste arrondi certains des bords en gardant à l'esprit quelles surfaces sont orientées vers le haut.

Quand je suis satisfait de l'intérieur, je nettoie à nouveau l'esquisse - je ne veux pas perdre le fil de ce que je fais.

 

Ajouter des personnages

Quand j'ai imaginé l'illustration finale pour la première fois, je n'y ai pas pensé de personnages, sinon je les aurais ajoutés plus tôt dans le processus. Cependant, je pense maintenant que des personnages iraient bien et je vais rendre cela beaucoup plus facile en utilisant l'outil 3D pour faire glisser et déposer les personnages et les poses que vous aimez (bien sûr, vous pouvez aussi utiliser cet outil pour tracer des meubles ou configurer toute la pièce).

Voici à quoi ressemble la barre de matériel 3D. Par défaut, tous les éléments, personnages et poses préinstallés devraient être stockés dans l'onglet 3D.

Assurez-vous que votre personnage s'adapte à votre environnement et que le placement de votre caméra correspond à votre point de vue. Avec votre objet 3D sélectionné, une variété d'icônes devrait apparaître en haut de celui-ci, avec lesquelles vous pouvez manipuler le placement de la caméra, la rotation et la distance.

Un peu comme ça :

Voici mon esquisse finale :

N'hésitez pas à rendre votre esquisse plus détaillée si vous ne voulez pas improviser beaucoup les contours réels plus tard. À propos de ça...

Lineart

Une fois que vous êtes satisfait de votre esquisse, il est temps de passer au lineart.

Avant de faire cela, je déplace tous mes calques dans un dossier, le sélectionne et redimensionne mon esquisse pour mieux l'adapter à la toile. Cliquez sur l'icône montrée ci-dessous et un cadre avec des poignées à l'extérieur devrait apparaître autour de votre objet. Cliquez et faites glisser les poignées dans chaque coin pour redimensionner votre esquisse.

Maintenant, tracez les lignes que vous aimez et, si votre esquisse, comme la mienne, n'est pas trop détaillée, ajoutez quelques détails.

Ce que j'aime vraiment dans ce type d'illustration, c'est que l'exécution de vos contours n'a pas vraiment d'importance. Vos traits peuvent être droits et confiants ou tremblants, épais ou fins - cela fonctionnera bien.

Vous pouvez utiliser le style que vous préférez ou essayer quelque chose de nouveau.

Pour les illustrations en couleurs plates, vous n'avez pas nécessairement besoin de contours, les ignorer et passer directement à la coloration (ou supprimer les contours plus tard) peut donner des résultats vraiment cool.

Si vous voulez dessiner des contours, il peut être judicieux de les faire proprement et méticuleusement.

Dans la plupart de mes dessins, je nettoie à peine mon esquisse et je peins par-dessus la majeure partie, mais avec des illustrations en couleurs plates, cela ne fonctionnera pas très bien.

Corriger certaines extrémités lâches et combler quelques trous dans votre dessin au trait peut rendre votre processus de coloration tellement plus facile ! (bonne chance pour trouver tous les trous, cependant...)

Point focal

Cela devrait être clair en regardant le nom, mais le point focal est le centre d'intérêt de l'illustration. C'est là que vous voulez que le spectateur regarde.

Il pourrait s'agir d'un certain aspect que vous souhaitez mettre en évidence ou, pour des illustrations plus grandes, d'une partie spécifique d'un paysage ou d'une scène qui se déroule.

 

Voici quelques moyens très simples de diriger le regard de vos spectateurs :

-le pointer du doigt (littéralement ou figurativement)

-l'encadrer

c'est en partie la raison pour laquelle j'ai changé la fenêtre derrière le personnage que je veux mettre en évidence. Les montants verticaux de la fenêtre pointent vers mon personnage principal, et comme j'ai redimensionné la fenêtre, cela fonctionne un peu comme un cadre. Il existe différents types de compositions qui intègrent le cadrage comme élément majeur dans leur configuration.

 

-mettre en évidence avec du contraste

Théoriquement, cela pourrait signifier toutes sortes de contrastes, de détails, de couleurs ou d'éclairages, etc.

Bien sûr, avec une illustration en couleurs plates, nous ne pouvons pas simplement utiliser un ombrage dramatique pour mettre notre élément principal au point et comme je vise un look plutôt monochrome et détaillé pour correspondre au style vintage, mes options sont un peu limitées.

Nous allons nous en occuper après avoir choisi les couleurs.

Choisir vos couleurs

Si vous n'êtes pas sûr de choisir une palette de couleurs, voici quelques astuces utiles que vous pouvez essayer :

 

Astuce 1 : choisissez trois couleurs de base que vous souhaitez utiliser. L'une d'elles sera votre couleur forte (ne l'utilisez pas trop)

Vous pouvez voir dans l'exemple ci-dessous comment j'ai commencé à utiliser les couleurs, à les ajuster et à les mélanger.

Astuce 2 : il existe de nombreuses palettes de couleurs gratuites en ligne et je pense qu'elles sont excellentes pour avoir une idée des couleurs qui fonctionnent bien ensemble.

J'utilise l'une de mes propres palettes de couleurs dans cet exemple mais le principe reste le même.

Astuce 2.1 : Il existe de nombreux outils en ligne que vous pouvez utiliser pour générer une palette de couleurs, soit à partir de photos, de manière aléatoire ou avec une entrée partielle. Ces outils sont un excellent point de départ pour votre palette de couleurs ou simplement pour avoir une idée de l'ambiance colorée qui pourrait fonctionner avec votre illustration.

Voici quelques palettes que j'ai créées et qui, je pense, conviendraient à mon illustration :

Astuce 3 : utilisez les couleurs que vous aimez, qu'elles fonctionnent bien ensemble ou non, et ajustez-les après. Je pense que la façon la plus simple d'ajuster les couleurs si vous êtes débutant est d'ajouter un nouveau calque, de le remplir avec une couleur de votre choix, de changer le mode de calque ("couleur" ou "teinte" fonctionnent bien) et d'ajuster l'opacité.

J'ai essayé de visualiser cela :

Comme vous le voyez dans l'exemple ci-dessus, j'ai choisi la couleur de la chemise pour faire mes ajustements. Cela rapprochera toutes les couleurs que vous avez utilisées de la couleur que vous avez utilisée et cela rendra les couleurs plus harmonieuses. Gardez à l'esprit cependant que, selon la couleur que vous utilisez, cette méthode va atténuer vos couleurs.

Si vous visez de forts contrastes de teinte ou de saturation, vous voudrez peut-être utiliser cette méthode plus modérément.

Coloration

Comme je vise un look vintage et une atmosphère un peu sombre dans mon illustration, je vais utiliser des couleurs terreuses et sourdes en souvenir des années 70.

Quant aux méthodes, j'utilise un mélange de certaines des précédentes.

Je commence par un calque de couleur unique dans un violet de ton moyen, par-dessus j'ajoute le calque de coloration réel mais je réduis l'opacité à 70% afin que le violet transparaître un peu. C'est étroitement lié à l'astuce 3.

J'ai décidé d'utiliser la palette de couleurs que j'ai montrée dans l'astuce 2 "Distributeur automatique des années 70". Comme le titre l'indique, j'ai été inspiré par les années 1970 pour cette palette, elle correspond donc déjà au thème.

J'ajoute quelques couleurs aléatoires entre les deux pour rendre les personnages reconnaissables (OCs) et je mélange certaines des couleurs mais surtout je m'en tiens à la palette sans changements majeurs.

Je pense également qu'il est utile d'ajuster la luminosité pour attirer l'attention sur le point focal que vous avez choisi.

Nous pourrions bien sûr y parvenir en ajoutant de l'ombrage, mais une "vignette" fonctionnera bien et poussera les parties moins importantes de votre dessin à l'arrière-plan.

 

Ajoutez d'abord un nouveau calque. Avec une couleur foncée de votre choix et un pinceau doux, passez sur ces zones, estompez un peu la couleur jusqu'à ce qu'elle soit lisse. Effacez les parties qui cachent des éléments importants de votre composition (avec une gomme douce).

Enfin, ajustez votre mode de calque sur "luminosité". De cette façon, vos couleurs originales ne seront affectées par le nouveau calque que dans leur luminosité, pas dans leur teinte ou leur saturation. Ajustez l'opacité du calque si nécessaire.

Plus de détails

Cette partie est plutôt chronophage mais je pense que c'est très amusant. Ajouter des détails à vos objets, mais seulement avec des couleurs. Ces détails sont sans importance pour la composition, donc je n'utiliserai pas de lineart pour attirer une attention supplémentaire sur eux, mais je pense qu'ils ajoutent beaucoup de charme à une illustration et impliquent une histoire de ce qui s'est passé dans votre scène.

Détails que j'ajouterai :

-détails muraux (papier peint, fissures, taches et autres signes d'usure)

-peintures pour les cadres au mur

-détails du sol (planches de parquet, taches, empreintes de pas)

-détails du tapis (motifs, signes d'usure)

-détails des tissus (motifs sur les rideaux et les vêtements)

-couvertures de livres et détails sur le papier éparpillé

 

Pour ce niveau de détail, il est bon de se demander "que s'est-il passé ici ?", "qui vit ici ?", "comment cet endroit est-il traité ?"

 

Conseils pour la coloration

L'outil pot de peinture :

-si votre lineart est propre, vous pouvez dupliquer le calque de lineart et remplir les espaces vides avec l'outil pot de peinture

-si votre lineart n'est pas propre, vous pouvez toujours utiliser l'outil pot de peinture, il vous suffit de dessiner d'abord le contour de la forme que vous voulez colorier

 

Par défaut, le pot de peinture ne devrait modifier que le calque que vous avez actuellement sélectionné. Si ce n'est pas le cas, assurez-vous que votre sous-outil est réglé sur "référer uniquement au calque d'édition".

Lorsque vous utilisez l'outil pot de peinture, assurez-vous de cocher la case "appliquer uniquement aux pixels connectés", sinon vous recoloriez toutes les zones de cette couleur. Utilisez également uniquement l'outil pot de peinture de la barre d'outils pour cela. Celui de votre barre de fichiers va remplir tout votre calque.

L'outil de sélection :

-si vous décidez de ne pas utiliser de dessin au trait dans votre illustration, l'outil de sélection peut être un excellent moyen de gagner du temps dans votre processus de coloration

-bien sûr, c'est aussi un excellent outil si vous avez du lineart dans votre œuvre

Il existe différentes formes par défaut que vous pouvez utiliser en cliquant et en glissant. Pour des formes plus complexes, vous pouvez utiliser l'outil "lasso" ou "polyligne". Généralement, l'icône de l'outil de sélection représente le sous-outil que vous avez utilisé en dernier.

Votre illustration fonctionne-t-elle en noir et blanc ?

C'est un excellent moyen de vérifier si votre point focal attire l'attention que vous souhaitez. Voir votre illustration en noir et blanc vous permet de vous concentrer sur votre composition sans être distrait par les couleurs.

Il existe un moyen simple d'y parvenir sans ajuster de manière permanente les couleurs via des filtres ou une correction tonale :

Ajoutez un nouveau calque et remplissez-le en noir ou en blanc, assurez-vous que ce calque est au-dessus de tous les autres. Maintenant, définissez le mode du calque sur "couleur" et c'est fait.

Cette astuce est très utile lorsque vous voulez vérifier régulièrement votre composition pendant la coloration car vous pouvez simplement activer et désactiver le calque.

Coloration du lineart

J'aime colorer mon lineart mais c'est plus une préférence personnelle qu'un choix stylistique. Cela rendra votre illustration plus douce, alors gardez cela à l'esprit.

 

Voici quelques variations de coloration de lineart que j'ai envisagées pour cette illustration :

-lineart monochrome (peut-être une couleur de votre palette, les couleurs plus foncées fonctionnent généralement mieux car l'effet de lineart ne se perd pas)

-lineart juste un peu plus foncé que l'objet qu'il entoure (une sensation plus douce pour le lineart)

-même couleur que l'objet qu'il entoure (pour un effet sans lineart). Cela ne fonctionnera probablement pas avec toutes les œuvres et un lineart propre est un avantage si vous décidez d'utiliser cette méthode. Selon le niveau de détail, vous pourriez avoir à retoucher et recolorer le lineart à certains endroits (comme le visage).

-pas de lineart. Cela peut avoir l'air super cool, mais il faudra probablement un peu de nettoyage si vous décidez de supprimer le dessin au trait plus tard.

-lineart noir (c'est toujours une option aussi)

La façon la plus simple de colorer le lineart est de "verrouiller les pixels transparents"

Lorsque vous activez cette option pour un calque, vous ne pourrez dessiner que sur les pixels déjà peints - avec votre calque de lineart, cela signifie uniquement sur la zone du lineart. Si vous utilisez un gros pinceau pour tout couvrir d'un coup, la recoloration peut être une question de secondes.

J'ai décidé d'utiliser un violet foncé mais saturé pour mon lineart - cela reflète ma couleur de base

Ajustements finaux

J'ai déjà quelques idées en tête pour finaliser cette illustration :

-flouter le lineart

-quelques ajustements de couleurs finaux

-aberration chromatique

-un effet de bruit

 

Commençons par le lineart flou. Dupliquez votre calque de lineart, avec le calque inférieur sélectionné, allez dans "filtre" - "flou" - "flou gaussien" (assurez-vous que "verrouiller les pixels transparents est à nouveau désactivé).

 

Une fenêtre comme celle que vous voyez ci-dessus devrait apparaître. Une force de 5 est acceptable pour nos objectifs, nous ne voulons pas perdre le lineart après tout, juste le rendre un peu plus doux). Cliquez sur OK lorsque vous êtes satisfait du flou.

Vous pourriez ne pas voir l'effet instantanément, voici donc l'effet en gros plan :

Gardez à l'esprit que j'ai les deux calques de lineart visibles pour cela.

Voici à quoi ressemble l'illustration entière avec les contours flous. Ce n'est pas un effet très prononcé mais cela ajoutera à l'ambiance vintage en combinaison avec le filtre de bruit et l'aberration chromatique.

En parlant d'aberration chromatique, certains outils de dessin ont un filtre pour cela, autant que je sache CSP ne l'a pas mais imiter cet effet n'est pas difficile.

Encore une fois, nous commençons par dupliquer le calque de lineart deux fois cette fois, assurez-vous de ne pas utiliser celui qui est flou.

Les deux nouveaux calques de lineart vont nécessiter une correction tonale, allez dans "édition" - "correction tonale" - "balance des couleurs".

 

Une fenêtre va apparaître où vous pourrez ajuster les couleurs de votre calque. L'un d'eux devrait avoir des ajustements comme ceux-ci :

Et l'autre devrait avoir des ajustements comme ceux-ci :

Vous devriez maintenant avoir ces trois calques de lineart :

Vous devez changer le mode de calque des deux calques corrigés en couleur (rouge et bleu) en "écran".

Maintenant, sélectionnez "échelle/rotation" dans l'une des barres d'outils supérieures.

 

Déplacez l'un des deux calques légèrement vers la gauche et vers le haut, et l'autre légèrement vers la droite et vers le bas. Vous voyez ce que je veux dire dans ce gros plan :

Comme vous pouvez le voir, j'ai essayé de garder le lineart original et ceux corrigés en couleur se touchant, j'ai également réduit l'opacité des deux nouveaux calques à 25 pour cent.

Pour les derniers ajustements de couleurs dans cette illustration, je vais ajouter un nouveau calque et le remplir avec un dégradé préinstallé.

Lorsque vous cliquez sur l'outil dégradé, la barre de sous-outils vous proposera une variété de schémas de couleurs préinstallés parmi lesquels choisir.

J'ai choisi "ciel de midi" - blanc à bleu.

Vous ajoutez le dégradé en cliquant et en glissant dans la direction que vous voulez que le dégradé suive. Dans ce cas, j'ai glissé vers le haut.

Après cela, j'ai mis le mode de calque sur "densité couleur" et ajusté l'opacité jusqu'à ce que les changements soient plus subtils.

Ajoutons enfin le filtre de bruit maintenant.

Cette étape va imiter la qualité d'image des matériaux vintage authentiques, c'est un filtre important pour les illustrations de style vintage.

Ajoutez un nouveau calque. Allez dans "filtre" dans la barre supérieure et sélectionnez "rendu" - "bruit de Perlin..."

Une fenêtre comme celle-ci va apparaître où vous pourrez ajuster les détails de votre filtre de bruit généré.

Vous voyez mes ajustements ci-dessus, j'ai essayé de le faire ressembler à du bruit blanc mais plus petit. Lorsque vous cliquez sur "OK", votre nouveau calque devrait ressembler à ceci :

Baissez l'opacité à 20 pour cent et mettez le mode de calque sur "incrustation", votre illustration devrait maintenant avoir un léger effet de bruit.

Mais puisque l'illustration est plutôt grande, nous allons ajouter un autre calque et répéter le processus, seulement cette fois réglez le curseur "échelle" de la fenêtre de bruit de Perlin à 5.00.

Sélectionnez à nouveau "incrustation" pour le mode de calque et ajustez l'opacité à 10 pour cent.

Voici un gros plan de l'effet final pour que vous puissiez réellement le voir dans ce post :

Et nous avons terminé !

Merci de m'avoir suivi jusqu'à la fin.

J'espère que vous avez trouvé cela utile et que vous avez appris quelque chose de nouveau :3

Bonne création !