1. Théorie des Lumières !

La théorie de l'éclairage dans l'art est un élément fondamental qui influence la perception et la représentation des objets et des corps au sein d'une œuvre. La façon dont la lumière interagit avec les surfaces crée une gamme d’effets visuels, déterminant l’apparence des couleurs et la profondeur des formes.

Réflexion et réfraction.

La lumière, lorsqu’elle arrive sur un objet, peut se propager de différentes manières. La réflexion est le phénomène par lequel la lumière frappe une surface et rebondit, atteignant ainsi nos yeux. Cette réflexion est ce qui nous permet de percevoir les couleurs et les textures des objets. De plus, la réfraction, qui se produit lorsque la lumière traverse un milieu et change de direction, joue également un rôle crucial dans la perception visuelle.

Propagation.

Concernant la diffusion et le reflet des couleurs, il est essentiel de comprendre que les objets n’ont pas de couleurs intrinsèques ; au contraire, ils absorbent certaines longueurs d’onde de la lumière et en réfléchissent d’autres. Un corps rouge, par exemple, absorbe la majeure partie de la lumière, à l’exception des longueurs d’onde rouges, qui sont réfléchies et perçues par nos yeux.

Éclat.

L’éclat d’un corps dans une œuvre d’art est lié à différents facteurs. La texture de la surface, la quantité de lumière incidente et l’interaction entre les matériaux peuvent influencer le niveau de brillance. Les corps qui ont des surfaces plus réfléchissantes ont tendance à briller davantage, car ils réfléchissent une plus grande quantité de lumière vers le spectateur.

2. Plantez le décor !

Lors de la préparation d’une scène pour une illustration, la gestion de l’éclairage et des reflets est essentielle pour créer une représentation saisissante et réaliste. Tout d'abord, il est crucial d'identifier la source de lumière dans votre scène, qu'il s'agisse de la lumière naturelle du soleil, d'une lampe ou de toute autre source. La direction et l’intensité de la lumière influenceront la disposition des ombres et l’ambiance générale de la composition.

 

Vous pouvez choisir entre plusieurs façons de mettre en scène une scène, en fonction de l'histoire que vous souhaitez raconter ou de l'ambiance que vous souhaitez transmettre. Donner le ton dès le début guidera vos décisions en matière d’éclairage et de couleurs.

Premier exemple.

Dans cet exemple, je vais illustrer comment l'éclairage entre par une fenêtre, baignant la pièce et créant une scène riche en détails visuels. La lumière incidente est réfractée lorsqu'elle traverse la vitre, générant un spectre de couleurs qui danse sur les surfaces. Ce phénomène est dû à la déviation que subissent les rayons lumineux lorsqu'ils passent d'un milieu transparent, comme le verre, à un autre, en l'occurrence de l'air au verre et vice versa.

 

En entrant dans la pièce, la lumière traverse le milieu, passant de l’air au verre, se réfractant ainsi. De même, en quittant la fenêtre, la lumière passe du verre à l’air, subissant à nouveau un changement de direction. Ce jeu de réfraction crée un prisme de couleurs, mettant en valeur des nuances spécifiques en fonction de l'environnement de la pièce.

 

C'est ainsi que l'éclairage, en interagissant avec l'environnement à travers le verre, éclaircit différentes couleurs, donnant vie à la scène. Les rouges, jaunes et autres teintes se révèlent et s'affichent dans l'espace, conférant à la pièce une atmosphère unique pleine d'expression visuelle.

Deuxième exemple.

Une autre solution consiste à créer un laboratoire avec des lumières subtiles qui ne mettent pas en valeur les couleurs vives et sont davantage en niveaux de gris. Comme le bleu grisâtre, spécial pour cet éclairage provenant des machines scientifiques. L'atmosphère peut être très froide mais elle procure une bonne impression au spectateur.

 

Je souligne également que de nombreux reflets peuvent apparaître grâce à l'éclairage des lumières, ajoutant ainsi des détails aux objets tels que des tubes, des flacons, des béchers, des entonnoirs en verre, etc.

Troisième exemple.

Vous pouvez également créer une scène de prise de vue dans un café, sous un éclairage intense, de jour comme de nuit. La lumière, qui se propage grâce aux rayons du soleil passant par les fenêtres, se reflète sur les verres et même sur les boissons, intensifiant les couleurs et ajoutant de la luminosité à la scène.

 

Les couleurs de l’environnement peuvent adopter des tons chauds ou froids, et parfois une combinaison des deux. La nuit, les reflets du clair de lune sur les fenêtres ajoutent une tonalité douce et froide à la scène. Pendant ce temps, à l’intérieur de l’enceinte, la lumière artificielle génère un éclairage chaleureux, créant un équilibre harmonieux entre les différentes températures de couleur.

Du matériel qui pourrait vous aider.

Ci-dessous, je vous propose quelques éléments que vous pouvez intégrer à votre illustration pour la rendre plus attrayante pour les spectateurs. Ces éléments peuvent ajouter des détails visuels intéressants et enrichir l’expérience visuelle de l’œuvre.

3. Modes combinés.

Après avoir abordé la théorie ci-dessus, nous plongerons dans les modes de fusion, un outil essentiel pour nos illustrations lors de la création de l'illusion de lumière et d'ombres. Dans ce contexte, nous explorerons ces modes de fusion que j'intègre fréquemment dans mes dessins. Le bon choix de ces modes influence non seulement l’intensité de la lumière et des ombres, mais façonne également l’atmosphère générale de l’œuvre. Tout au long de cette exploration, je soulignerai comment chaque mode de fusion peut contribuer au récit visuel et comment leur mise en œuvre peut être essentielle pour obtenir des visuels captivants.

Multiplier : Créez des ombres et de la profondeur.

 

Luminosité : Ajustez la luminosité d'un calque.

 

Lumière dure : Ajoutez des reflets lumineux sur les surfaces exposées à une forte source de lumière.

 

Lumière intense : Semblable au mode Lumière forte, mais avec un effet plus doux.

 

Assombrir : Améliorez les ombres et diminuez l'intensité des zones plus claires.

 

Exclusion : Créez des effets de contraste et de couleur intéressants ou ajoutez une tonalité de couleur complémentaire pour rehausser certains éléments.

 

Différence : Mettez en évidence les différences entre les calques ou mettez en évidence les détails ou les changements de texture.

 

Lumière douce : Adoucissez ou éclaircissez les zones sans éliminer les détails ou ajoutez une douce touche de lumière ambiante pour réchauffer une scène.

 

Ajouter (Luminosité) : Intensifiez les zones lumineuses sans affecter les couleurs sombres.

 

Superposition (luminosité) : Augmentez le contraste et les détails ou améliorez les détails fins et mettez en surbrillance les caractéristiques d'une illustration.

4. Processus d’illustration !

Je vais maintenant me lancer dans la création de ma propre illustration, en appliquant les concepts que nous avons étudiés sur la théorie de l'éclairage. Je tiens à souligner que les exemples précédents n'étaient que des exercices pratiques et que, à titre expérimental, j'ai extrait des idées d'images pour les appliquer ensuite dans mon propre travail. Ces processus particuliers ont pris environ 15 minutes.

Unir les idées.

Dans mon processus d’organisation créative, j’ai tendance à regrouper mes idées dans plusieurs cases. Chaque fois qu’une idée me vient à l’esprit, je la capture immédiatement dans l’un de ces cadres, dont le nombre peut varier en fonction de la complexité de l’inspiration. Cette approche est devenue un outil précieux pour développer ma créativité lors de la création de scènes ou d'illustrations complexes.

 

En attribuant à chaque idée son propre espace visuel, j'arrive à maintenir un flux constant d'inspiration et à éviter la perte de pensées précieuses. Cette méthode organise non seulement mes pensées, mais me donne également une perspective visuelle de la façon dont les idées se connectent et se complètent.

Après avoir organisé un ensemble d'idées dans différentes cases, ma prochaine étape consiste à unifier toutes ces pièces en une seule illustration. Ce processus consiste à ajouter les détails et objets spécifiques de chaque tableau, créant ainsi un dessin cohérent et complet.

 

En intégrant chaque élément, j'évite de laisser des zones vides dans la composition finale et j'obtiens une illustration qui est non seulement visuellement riche, mais qui préserve également l'essence de chaque idée individuelle. Cette méthode simplifie non seulement le processus créatif, mais garantit également que chaque élément contribue à l'ensemble de la manière la plus harmonieuse possible, aboutissant à une œuvre finale qui raconte une histoire unique et complexe.

Mes idées peuvent parfois sembler limitées lorsqu'elles sont exprimées en peintures. Avec l'envie d'être plus créatif, j'ai découvert qu'en essayant de mélanger des éléments d'idées différentes et en ajoutant un peu de chacune, j'arrive à trouver une harmonie qui enrichit la composition finale.

Esquisser.

Pour le croquis, je me suis plongé dans l'exploration visuelle en utilisant de nombreuses références de villes et de passants. Ces références, qui comprenaient des photographies de diverses villes et situations quotidiennes, ont servi de base sur laquelle j'ai construit mon illustration. J'ai adapté et fusionné des éléments de ces références pour donner vie à la scène que j'avais en tête. Même si le croquis peut paraître un peu sale, son objectif principal est de communiquer l’essence de l’illustration finale.

J'ai commencé la création du personnage principal, Argy Sánchez, un personnage original. Ce personnage sera positionné comme le « centre d'attention » du spectateur, assis sur l'une des colonnes d'une maison ou d'une cabane (je ne sais pas trop comment le décrire). En plus de cela, j'ai également modifié la posture, car je la trouve inconfortable et il m'est difficile de la dessiner.

Couleurs.

Après avoir dessiné, j'ai commencé par les bases, en appliquant des couleurs chaudes et froides comme guide pour la coloration, les ombres et l'éclairage. Dans ce cas, l'arrière-plan sera orange (chaud), tandis que ce qui se trouve au premier plan aura un ton bleu foncé (froid). Je fais cela pour maintenir la cohérence dans la théorie des couleurs et prendre en compte ce que je veux représenter dans ce travail.

Lorsque j'applique les couleurs de base à l'arrière-plan et au premier plan, je réduis l'opacité de celles-ci, ainsi que des couleurs déjà placées. Au lieu d'ajouter un autre calque avec le mode multiplication, qui parfois ne va pas de manière idéale, je préfère utiliser cette technique que j'ai découverte récemment.

 

De plus, cette technique d'ajustement de l'opacité des calques permet une plus grande flexibilité dans le mélange des couleurs, puisque je peux réaliser des transitions douces entre les différentes nuances. J'ai également remarqué que procéder ainsi me donne plus de contrôle sur l'intensité des ombres et des hautes lumières, me permettant ainsi d'ajuster plus précisément l'atmosphère de l'illustration. Cette pratique, bien que simple, s’est avérée efficace pour obtenir des résultats plus harmonieux et équilibrés dans mes œuvres.

Par la suite, pour intensifier l'éclairage de la façade, j'incorpore une combinaison de modes de fusion, utilisant principalement le mode "Ajouter" (luminosité), et j'ajuste soigneusement l'opacité pour obtenir l'effet souhaité. De plus, pour ajouter de la profondeur et du réalisme, j'applique un dégradé bleu moyen désaturé en haut de la composition, là où davantage d'ombres sont visibles. J'ai réglé ce dégradé en mode sombre pour augmenter le contraste et donner une plus grande impression de volume à la scène. Ces petits ajustements contribuent à la cohérence globale et à la profondeur de l'illustration, soulignant l'importance de prendre en compte à la fois la lumière et l'ombre dans la création de compositions visuellement saisissantes.

 

Il ne reste plus qu'à ajouter des ombres et un éclairage plus brillant à l'illustration. Pour y parvenir, j'utilise l'outil lasso pour remplir plus facilement des zones plus petites. Bien qu'il ne soit pas nécessaire de viser l'extrême perfection, puisqu'il s'agit d'un croquis, j'aime rendre de cette façon pour obtenir un style similaire au linéaire avec coloration. Cette approche me donne la flexibilité de le recouvrir de détails plus propres et plus raffinés à la fin du processus, apportant ainsi une plus grande définition et une plus grande finition au travail final.

(c'est l'outil qui me facilite la tâche)

Esquisse presque prête pour la phase de raffinement et la prochaine étape de rendu, dans le but d'obtenir une représentation plus soignée et détaillée. À ce stade, je me concentrerai sur la mise en valeur d'éléments spécifiques, tels que les textures des planches des cabanes ou des maisons, pour ajouter un niveau de réalisme et de profondeur à la scène. Cette attention aux détails enrichira non seulement visuellement la composition, mais évitera également que l'illustration soit perçue comme trop simple ou basique. En incluant ces éléments structurels, je cherche à offrir au spectateur une expérience plus immersive, lui permettant d'imaginer un environnement vraiment « merveilleux », plein de nuances et de charme.

 

Dans ma recherche d'authenticité et de détails, je me suis plongé dans l'étude des designs caractéristiques des cabines chinoises. Ces dessins, riches en symbolisme et en tradition, ont été soigneusement intégrés à mon illustration, apportant ainsi une authenticité culturelle à la scène. En incorporant ces structures supplémentaires issues de conceptions spécifiques, j'ai enrichi le récit visuel, donnant une touche distinctive à la composition. Il ne reste plus qu'à perfectionner ces zones pour garantir cohérence et harmonie visuelle, laissant le travail prêt pour la prochaine étape : le rendu, où je pourrai peaufiner chaque détail avec plus de précision.

(Désolé pour la qualité)

Le résultat, après de minutieux ajouts et ajustements visant à créer une harmonie visuelle plus complexe, est enfin devant vous. J'ai consacré une attention particulière à chaque détail, de la palette de couleurs à la disposition des éléments, en recherchant une intégration harmonieuse qui évoque une sensation plus profonde et captivante.

(désolé pour la qualité)

Le rendu.

Nous passons à la phase de rendu, un point critique où nous commençons à affiner et nettoyer l'ensemble de l'illustration pour obtenir une finition soignée. Il est crucial à ce stade d'éviter de donner l'impression que le travail est inachevé ou bâclé, ce qui pourrait conduire à des impressions du type « est-ce toujours en cours ? ou "l'artiste n'a-t-il pas fait assez d'efforts ?" (même si cela n'arrive pas tout le temps).

 

Garder les détails dans leurs couleurs correspondantes et faire preuve de patience jusqu'à ce que le dessin soit terminé garantira non seulement un résultat visuellement attrayant, mais donnera également lieu à une pratique précieuse appliquée à la théorie que nous avons explorée jusqu'à présent.

 

À ce stade du processus, il n'y a pas grand chose à détailler, je me concentrerai donc sur la présentation du résultat final une fois que j'aurai terminé de nettoyer et d'affiner le dessin. L'objectif est de montrer comment les techniques et théories appliquées se matérialisent dans une œuvre finie et soignée.

J'ai flouté toute la partie arrière-plan afin d'attirer l'attention sur mon personnage principal. Ce n'est pas comme ça ? Par conséquent, je me suis concentré uniquement sur le rendu de la partie avant, mettant ainsi en valeur la figure centrale et créant un effet de profondeur qui souligne l'importance du personnage dans la composition.

 

Il ne reste plus qu'à ajouter des effets spéciaux, comme augmenter l'éclairage des lampes jusqu'à ce qu'il atteigne le personnage. Pour ce faire, je vais créer plusieurs calques qui me permettront d'incorporer des détails clairs et éclatants. Comment fait-on ça? C'est assez simple : j'utilise des modes de fusion comme Saturation et Ajouter (Luminosité), entre autres. Ces modes m'aident à mettre en valeur certaines zones, ajoutant une touche de réalisme et de dimension à la scène. Par exemple, avec le mode Ajouter (Luminosité), je peux intensifier la lumière des lampes, créant ainsi un effet d'éclairage plus réaliste. De plus, j'ajusterai la saturation pour donner plus de vie aux couleurs et mettre en valeur les textures de la scène, enrichissant ainsi le contraste visuel et l'ambiance générale de l'illustration.

5. Résultat !

Ceci conclut mon processus créatif avec ce dessin. J'apprécie sincèrement le temps que vous avez passé à lire ce tutoriel sur la façon d'éclairer votre illustration avec la théorie nécessaire. Je tiens à préciser que, même si ce tutoriel ne s'adresse pas exclusivement aux débutants, tout le monde peut le lire et y trouver l'inspiration.

 

De plus, cela faisait un bon moment que je n'avais pas travaillé sur une illustration aussi complexe. Au cours de ce processus, je me suis mis au défi et je me suis entraîné pour améliorer mes propres techniques. Cet exercice m'a non seulement permis de perfectionner mes compétences, mais m'a également appris de précieuses leçons à appliquer dans de futurs projets.

 

J'espère que vous avez trouvé ce tutoriel utile et qu'il vous a inspiré dans votre propre parcours artistique. Rendez-vous dans les prochains tutoriels et je vous souhaite de joyeuses fêtes de Noël et de bonnes vacances bien méritées !