Introduction
Lorsque je conçois des hybrides, je m’inspire souvent de l’histoire et de la mythologie. La mythologie dispose d'un grand nombre de personnages dont s'inspirer, en particulier dans le domaine des hybrides homme-animal. Dans ce tutoriel, je veux vous montrer comment je m'inspire de figures de légende, comme le Minotaure de Crète, les harpies de l'Odyssée ou le puissant Sphinx, et comment nous pouvons les interpréter à notre manière.
Recherche et collecte de références
J'aime commencer mon processus de conception par un peu de recherche. Même lorsqu’il s’agit de créatures populaires que je pense connaître très bien, j’aime me contrôler en lisant un peu sur elles. On ne sait jamais ce que l’on pourrait apprendre en cherchant !
Je pense qu’il est utile de creuser un peu plus au-delà de ce que nous savons de la culture pop. Apprendre les origines d’une créature, ses légendes, sa place dans l’histoire et les cultures qui lui ont donné naissance est un excellent moyen de s’inspirer et une bonne première étape pour créer un personnage convaincant.
La deuxième partie de mes préparatifs est la collecte de références. Après avoir fait mes recherches sur le mythe, il est temps de me tourner vers le monde naturel comme référence.
Bien que ces personnages ne soient pas eux-mêmes réels, les éléments qui les composent le sont. C’est important, notamment en raison du caractère farfelu de ces mélanges. En ancrant autant que possible chaque partie dans la réalité, nous améliorons l’ensemble, donnant au spectateur l’espace nécessaire pour suspendre son incrédulité.
Je pars avec un minotaure pour cette démonstration, je rassemble donc des photos de référence de vaches.
- 📌 Avertissement : pour les besoins de ce tutoriel, j'ai dessiné des dessins fictifs à la place des images de référence afin de pouvoir illustrer comment je les utilise.*
Où trouver des références
Vous pouvez trouver des références partout sur Internet avec une simple recherche. Cependant, si vous recherchez des images de haute qualité que vous pouvez utiliser librement, voici quelques sources que je peux vous recommander :
Pour la mythologie, vous pouvez trouver des tonnes de références perspicaces en ligne dans les musées et les bibliothèques, recherchez simplement les collections « en libre accès » sur votre moteur de recherche.
Vous trouverez ci-dessous un article du Museum of Many Artists qui rassemble plusieurs sources d'images du domaine public que vous pouvez utiliser dans votre art :
En ce qui concerne les photographies, j'ai obtenu mes références sur Wikimedia Commons, mais il existe de nombreux sites Web contenant des images du domaine public ou des licences Creative Commons que vous pouvez explorer.
📌 N'oubliez pas que toutes les images d'un site Creative Commons ne sont pas libres d'utilisation de la même manière ! Il existe plusieurs types différents avec différents niveaux de restrictions, et la plupart de ces sites Web vous permettent de filtrer selon le type que vous recherchez.
Par exemple, la Marque du Domaine Public ou la licence CC0 permettent d'utiliser librement l'œuvre. Mais si vous voyez un BY, cela signifie que vous devez donner du crédit au créateur, et NC signifie non commercial, et vous ne pouvez pas en tirer profit. Vous pouvez en apprendre davantage sur les différents types de licences ci-dessous.
Vous pouvez également parcourir le Clip Studio Asset Store pour trouver des images, mais là où il brille vraiment, ce sont les modèles 3D. Nous y reviendrons davantage dans les sections suivantes... ;)
Utilisation de la sous-vue pour les références
La Sous-vue est l'une de mes fonctionnalités préférées de Clip Studio Paint. Avant de l'utiliser, les références étaient ouvertes sur mon téléphone, calées sur le côté de mon écran ! Pire encore, ils étaient parfois ouverts sur mon PC, occupant la moitié de la surface de mon écran ! 😖
J'aime utiliser la sous-vue de deux manières. Lorsque j'ai besoin de références pour des éléments techniques tels que des poses, l'anatomie ou des motifs, j'aime les importer directement dans la fenêtre Sous-vue afin de pouvoir me concentrer sur les détails.
Vous pouvez le trouver sous [Fenêtre] > [Sub View].
Cliquez simplement sur le symbole [Importer] et recherchez l'emplacement où vous avez stocké vos références. Maj+Cliquez sur tous ceux que vous souhaitez ajouter et appuyez sur Entrée ! Une fois qu'elles ont été téléchargées, vous pouvez cliquer sur les flèches pour naviguer entre les références.
La deuxième façon dont j'aime utiliser Sub View est comme tableau visuel pour la conception des personnages. Un tableau visuel est parfois appelé tableau de vision ou tableau d'humeur, et dans la conception de personnages, il sert de lieu pour conserver vos concepts, votre inspiration et vos références pour vous guider tout au long du processus. Il existe de nombreuses applications tierces qui font des choses similaires, mais avec Sub View, nous pouvons tout faire dans Clip Studio Paint.
Je commence avec une nouvelle toile et colle des images qui composent le concept de mon personnage. Cette fois, il s’agit davantage de la personnalité et du sentiment du personnage que je veux créer et cela me servira à la fois de guide et d’inspiration pendant que je crée mon personnage.
Pour ma démonstration de minotaure, je souhaite explorer l'idée d'un personnage doux par opposition à la bête violente de la mythologie. Pour capturer cela, j’ai choisi des images de vaches paissant au soleil, de champs de fleurs et de bovins des hautes terres pour leur aspect doux et moelleux.
Une fois que je suis satisfait des visuels que j'ai choisis, j'enregistre le document et l'ouvre dans Sub View, et nous sommes prêts à commencer !
L'une des choses que je préfère dans l'utilisation de cette méthode est que je peux continuer à modifier le tableau visuel chaque fois que j'ai de nouvelles inspirations ou références. Par exemple, si je décide d'une palette de couleurs que je souhaite utiliser, je l'ajoute au fichier pour pouvoir choisir la couleur plus tard.
Pour ce faire, cliquez sur le bouton [Ouvrir l'image sur toile], et cela ouvrira le fichier original dans une nouvelle fenêtre. Puisque vous pouvez utiliser des fichiers .clip dans la sous-vue, vous pouvez facilement ajouter ou supprimer des éléments en les conservant sur différents calques et les modifier comme vous le feriez pour n'importe quel fichier .clip.
Extraction de palettes de couleurs
En parlant de palettes de couleurs, c’est une bonne idée de les garder à l’esprit lorsque vous rassemblez vos références. Personnellement, j'aime beaucoup utiliser des palettes de couleurs issues de la nature, car cela permet de réifier les personnages et les créatures que je crée.
Je commence par une photo de bonne qualité, bien éclairée, en lumière naturelle. Pour cette démonstration, nous allons observer cette jolie vache de couleur claire. Vous remarquerez qu’il y a une légère variation dans les couleurs de sa fourrure et cela pourrait être écrasant. Pour nous donner des contraintes, je choisis la couleur la plus claire (le blanc du nez) et la couleur la plus foncée (le marron des joues). Après cela, je choisis les couleurs intermédiaires.
Cela demande un peu de pratique, mais ce que je peux vous recommander, c'est de plisser les yeux ou de croiser les yeux et de voir où se trouvent de grosses taches de couleur. Ensuite, je prends un gros pinceau solide et je peins ma propre goutte de couleur sur la zone, et j'ajuste la couleur petit à petit jusqu'à ce que j'obtienne la bonne réponse.
Vous pouvez voir ici où les échantillons correspondent aux couleurs de ma palette :
📌 Vous remarquerez peut-être que les parties claires sont très bleues et grises ! C’est parce que le blanc reflète le plus de couleurs. Dans ce cas, cela reflète la couleur du ciel. Vous pouvez jouer avec cela en tonifiant légèrement vos couleurs blanches et claires pour correspondre à la scène que vous dessinez.
C'est une bonne formation pour identifier les couleurs, mais vous pouvez aussi simplement utiliser le sélecteur de couleurs ! Habituellement, la réponse n'est pas parfaite au pixel près, car nos yeux sont flous et font la moyenne des couleurs ensemble, vous devrez donc toujours effectuer quelques ajustements lorsque vous utilisez le compte-gouttes.
Parfois, chercher une couleur est un combat ! La zone du nez m'a donné du fil à retordre car il y avait tellement de couleurs différentes et je voulais quelque chose de plus simple pour mon personnage. Dans des cas comme ceux-là, je me tourne vers [Filtres] pour me faciliter la tâche. J'aime utiliser [Mosaic] car il est facile de choisir une couleur, mais vous pouvez également utiliser [Flou].
Vous pouvez également utiliser le filtre [Flou] au lieu de plisser les yeux pour vous aider à voir les zones de couleur parmi lesquelles choisir.
Je choisis toujours plus de couleurs que nécessaire parce que j’aime avoir beaucoup d’options, mais c’est tout à fait bien de les réduire si vous préférez une palette plus limitée !
Combiner l'anatomie humaine et animale
Concevoir des personnages hybrides présente le défi unique de devoir fusionner l'anatomie de deux créatures très différentes. Une bonne approche pour résoudre ce problème consiste à se concentrer sur les similitudes dans la composition physique. Cela nous permet de mélanger des fonctionnalités qui, logiquement, ne correspondent pas.
Pour cet exemple, prenons la harpie, mi-humaine, mi-oiseau, de la mythologie grecque. Ils sont souvent décrits comme ayant un corps d’oiseau et un visage de femme. La plupart des premières interprétations choisissent de coller une tête humaine sur le corps d'un oiseau.
Bousculons cela. Nous commencerons par le corps d’une jeune femme et transformerons ses bras en ailes d’aigle. Pourquoi un aigle ? Les aigles ont une très grande envergure, ce qui en fait la proportion parfaite pour se greffer sur notre harpie.
Cela peut sembler plus complexe de procéder de cette façon, plutôt que de simplement coller une tête humaine sur un oiseau, mais la transition de l'épaule à l'aile est une transition fonctionnelle forte qui semble crédible ! Et ce n’est pas aussi difficile qu’il y paraît quand on regarde les os…
Aussi différents que nous soyons des autres animaux, nous sommes également très semblables. Presque tous les animaux partagent un ancêtre commun. Cela signifie que même si notre structure et nos caractéristiques osseuses ont divergé il y a des millénaires, le nombre et la fonction générale des os restent étonnamment similaires ! C'est ce qu'on appelle l'homologie, et vous pouvez la voir partout dans la nature.
En tant que créateurs de personnages, nous pouvons utiliser cela à notre avantage.
Les ailes peuvent fonctionner différemment des bras, mais lors de la conception d'hybrides, nous pouvons utiliser notre licence artistique pour leur permettre d'être un peu des deux.
Essentiellement, afin de combiner des créatures de manière crédible, il est utile d'étudier l'animal que vous souhaitez fusionner et de voir où et comment certaines parties correspondent à l'anatomie humaine. Cela n’a pas besoin d’être scientifiquement exact, je veux dire que ce sont des créatures fantastiques après tout. Il faut juste que cela se sente bien, et utiliser ces analogies est un moyen rapide et sale de donner l’impression qu’un design est « réel ».
Bien entendu, ce n’est pas une règle absolue. La mythologie compte de nombreux personnages déroutants qui sont littéralement des « moitiés ». Les centaures, par exemple, sont mi-homme mi-cheval, soigneusement collés à la taille. Ou des anges, qui sont des humains avec des ailes épinglées sur le dos. Anatomiquement, cela n’a aucun sens. C'est là que la magie entre en jeu.
Alors, comment pouvons-nous, en tant qu'artistes, faire en sorte que cela fonctionne ? C’est pareil, en fait. Bon, d’accord, ce n’est pas de la magie en soi, mais il s’agit avant tout d’aligner l’anatomie. Si vous regardez un centaure, vous remarquerez que dans la plupart des représentations, la moitié humaine se termine au bassin. Dans l’illustration ci-dessous, j’ai mis en évidence deux parties du corps humain : les muscles obliques externes et la crête iliaque. C’est la partie de votre bassin que vous ressentez lorsque vous placez vos mains sur vos hanches. Vos muscles obliques externes reposent juste dessus.
Ce n’est pas une leçon de sciences, donc les noms n’ont pas d’importance. Ce que j'essaie vraiment de comprendre, c'est que un centaure n'y aurait pas de hanches. D'après l'approche que j'ai décrite ci-dessus, ce serait la poitrine et les épaules d'un cheval. Mais ils ressemblent suffisamment à la forme formée par la crête iliaque, pour que l'on puisse y poser les mêmes muscles et qu'ils se mélangent naturellement.
Anatomiquement, nous savons que cela ne fonctionne pas ainsi. Mais ça a l'air correct. En fait, ils semblaient suffisamment crédibles pour que les gens de l'époque pensaient qu'ils avaient réellement existé…
Les anges sont quelque peu similaires. Les ailes sont souvent représentées comme se connectant près des omoplates. Et cela semble normal car, comme les bras humains, les ailes font également partie de la structure des épaules. La seule différence est que les bras humains tombent sur les côtés et que les ailes des oiseaux poussent de l'arrière. Si vous y réfléchissez bien, c’est comme si vous donniez une deuxième paire de bras au personnage.
Utiliser l'anatomie humaine comme base
Créer un personnage empathique est l'un des principaux objectifs lors de la conception d'un personnage. Je veux que le spectateur ressente ce que ressent ce personnage, je veux qu’il comprenne de quoi il parle.
Utiliser les humains comme base pour la conception de personnages hybrides est toujours une stratégie utile pour y parvenir, car en tant qu’humains nous-mêmes, c’est ce que nous trouvons pertinent. Un personnage qui a un visage humain ou un corps humain peut exprimer des expressions humaines ou utiliser un langage corporel que nous pouvons comprendre et envers lequel nous pouvons ressentir de l'empathie.
Au contraire, il est plus difficile de transmettre la personnalité d’un personnage sans ces points de référence humains auxquels on peut s’identifier. Par exemple, personne ne sait à quoi pense une cocatrix.
Utiliser des modèles 3D
La manière la plus littérale d’utiliser l’anatomie humaine comme base consiste à utiliser des modèles 3D. Cela nous permet également d’adapter l’anatomie animale autour des muscles et du squelette humain. Revenons à l’exemple du minotaure : si je devais coller une tête de taureau sur le corps d’un homme, cela semblerait comiquement déséquilibré, car les taureaux sont bien plus musclés que les humains. Il est impossible qu’un cou humain soit capable de supporter un tel poids. Je l'adapte donc au corps en donnant au personnage des muscles plus gros autour du cou et des épaules, et je renforce généralement le personnage car les taureaux sont larges.
Parlant encore du langage corporel pertinent, en utilisant des modèles 3D, je peux d'abord poser la figure humaine, puis dessiner les parties animales autour d'elle. Je vais le démontrer ici en utilisant le tableau visuel de plus tôt comme référence.
Je veux montrer un langage corporel doux, alors je lui demanderai de tenir un bouquet de fleurs sauvages. La pose n’est ni voyante ni confiante, mais il regarde vers le bas et ses épaules sont arrondies.
📌 Astuce : J'ai utilisé ici un modèle plus grand pour ne pas avoir à trop ajuster la masse corporelle. Lorsque vous travaillez en 3D, je recommanderais d'utiliser un modèle aussi proche des proportions souhaitées, car cela affecte la façon dont les formes interagissent les unes avec les autres. Vous pouvez également ajuster les modèles par défaut dans une certaine mesure
Je suis sûr que je n'ai pas besoin de vous le dire, mais vous pouvez trouver de nombreux modèles et poses de différents types de corps dans le Clip Studio Asset Store.
C'est le modèle particulier que j'ai utilisé pour cela, mais je vous encourage à expérimenter et explorer les atouts disponibles !
D'ACCORD! Alors maintenant que la pose est prête, je baisse l'opacité et verrouille le calque. (Je ne veux pas le déplacer par accident !) Et puis je commence à dessiner mon personnage sur le modèle 3D.
Pendant que je dessine, j'essaie de me rappeler de faire les ajustements dont nous avons parlé précédemment : des muscles du cou plus gros, des épaules plus larges. Mais je prends également en compte la caractérisation. Puisque je veux qu’il soit doux et paisible, je lui donne plus de graisse corporelle, rendant ses traits plus ronds et plus doux. Il est probablement encore fort, c’est un minotaure après tout, mais il n’a pas le corps d’un combattant.
Les modèles 3D sont très rigides et précis, il est donc important de penser à redonner de la « douceur » à votre image. Essayez d’imaginer comment les muscles et la graisse s’étirent et s’écrasent. Regardez les photos et référez-vous à votre propre corps pour référence.
Maintenant, finissons-en avec la palette de couleurs que j’ai choisie plus tôt !
Je commence par colorer le tout avec un ton moyen à partir des couleurs que j'ai extraites. (N'ayez pas peur d'essayer différentes couleurs ou d'ajuster celles que vous avez choisies !) J'ai également remarqué dans mes images de référence que les cheveux sur le dessus de leur tête sont d'une teinte plus claire, avec des pointes plus claires, j'ai donc ajouté que avec certaines des couleurs les plus claires de ma palette. J'ai également utilisé la même teinte claire autour des yeux. J'ai utilisé un peu de couleurs plus foncées avec un pinceau doux sur les mains et la poitrine, et je me suis assuré qu'elles se fondaient doucement avec le reste de sa fourrure.
N'oubliez pas que la palette est destinée à vous guider et non à vous limiter ! Je n'ai pas fini par utiliser toutes les couleurs que j'avais choisies et j'ai découvert que je préférais une palette plus limitée pour ce personnage. J'aurais également pu utiliser le ton le plus clair pour les reflets, mais comme je voulais une lumière de jante plus forte, j'ai choisi le brun le plus foncé à la place et j'ai réglé le mode de fusion sur Ajouter (Glow). Je vous encourage fortement à expérimenter une fois que vous avez défini vos couleurs de base. Il est beaucoup plus facile d’explorer des combinaisons de couleurs et de procéder à des ajustements une fois que vous disposez d’une palette de base solide.
Personnalisez-le
Dans cette section, je souhaite parler des façons dont vous pouvez vous éloigner des designs classiques et créer quelque chose d'unique à votre propre style et esthétique.
Mélanger les traits des animaux
En tant qu'artistes, lorsque nous souhaitons effectuer des transitions douces, nous utilisons des dégradés, ou un tramage, ou nous mélangeons doucement les couleurs. La même chose peut être envisagée lors du dessin d’hybrides pour une fusion plus naturelle des espèces.
On peut notamment considérer cela lorsque les deux sont coupés en « moitiés » apparentes en introduisant davantage d’éléments animaux dans la moitié humaine ou vice versa. Par exemple, on peut donner des yeux à un oiseau harpie pour un aspect encore plus saisissant.
Conception basée sur la nature
J’ai mentionné plus tôt que se tourner vers la nature peut être une source d’inspiration précieuse. Vous pouvez trouver de nombreux traits intéressants pour vos personnages simplement en étudiant les animaux sur lesquels sont basés ces hybrides.
Nous pouvons revisiter les minotaures à titre d'exemple. J'aime les vaches. Mais quand je pense au Minotaure classique, c’est toujours une espèce de taureau similaire. Quand je pense à toutes les races de vaches, je peux imaginer tant de minotaures d’apparence différente avec des personnalités différentes, des histoires différentes et des modes de vie différents.
Anthropomorphisme est ce qu'on appelle lorsque nous percevons les animaux comme ayant des caractéristiques ou des traits semblables à ceux des humains. Et même si ce n’est pas ainsi que fonctionnent les animaux, c’est un excellent outil à utiliser lors de la conception de personnages présentant des traits d’animaux. Un exemple notable de ceci est lorsqu’un chimpanzé « sourit ». Ce que nous considérons comme un visage rayonnant et heureux 😁, c'est en fait la façon dont un chimpanzé exprime sa peur.
C’est une chose naturelle que font les humains ! À bien des égards, il en dit plus sur nous que sur les animaux que nous observons, et c’est ce qui en fait un bon outil pour stimuler l’empathie du spectateur.
Certaines vaches peuvent paraître douces, d’autres vaches coriaces, mais je ne les connais pas personnellement ! Nous pouvons nous inspirer de ces observations, les renverser ou
Conception basée sur la culture et l'histoire
Il n’y a pas de mythologie sans culture. En faisant nos recherches, nous en apprenons davantage sur l’époque et le lieu où ces êtres sont censés exister, ainsi que sur les histoires et les traditions qui les entourent.
Nous pouvons rendre hommage à cette riche histoire dans nos créations. Cela peut être aussi simple que de dessiner un personnage dont le style correspond à l’époque et au lieu qui existaient, ou même une interprétation contemporaine de ses pouvoirs et capacités.
Utiliser le comportement animal comme point d’intérêt
Un autre endroit amusant pour s’inspirer est le comportement animal. Nous avons parlé d’utiliser l’anatomie humaine comme base parce qu’elle est pertinente, mais il y a aussi des aspects du comportement animal que nous comprenons. Quiconque possède un animal de compagnie peut facilement en témoigner.
Qu'il s'agisse de voir un chat se frotter contre votre jambe ou de le voir siffler et dresser ses poils, le comportement animal peut être aussi charmant qu'effrayant. Et comme toujours, nous pouvons nous appuyer sur ces comportements pour donner un intérêt supplémentaire à nos conceptions.
Les Lions sont merveilleusement et obstinément indolents. Je peux emprunter à avoir observé des lions au repos pour dessiner mon sphinx…
Regarder des vidéos d'animaux, visiter des zoos ou simplement observer votre animal de compagnie ou les animaux de votre quartier pourra vous donner de nombreuses informations sur la façon dont un animal bouge ou agit et vous pourrez en injecter un peu dans la conception de votre personnage.
Conclusion
Et c'est tout ce qu'elle a écrit ! Si vous êtes arrivé jusqu'ici, merci ! Je m'appelle ANIVI. J'ai toujours voulu commencer à créer des tutoriels et j'ai pensé que ce serait un thème vraiment amusant à essayer. Plutôt qu'un processus étape par étape, je voulais créer un guide qui montre ma façon de penser lorsque je conçois ce genre de personnages. Mon objectif était de vous donner quelques outils pour créer un personnage hybride avec votre propre touche unique, et, je l'espère, de vous inciter à l'essayer vous-mêmes !
Comme je l'ai dit, c'est la première fois que j'essaie de faire un tutoriel, donc si vous avez des questions ou des retours, n'hésitez pas à laisser un commentaire ! J'aimerais également connaître les personnages que vous souhaitez essayer de créer ! ✨
À la prochaine!
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