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Digital vs Traditionnel

Bonjour ! 🌟 C'est du tamoul.

 

Parlons d'un sujet sur lequel tous les artistes ont une opinion : l'art traditionnel ou l'art numérique. Honnêtement, les deux ont leurs points forts. Lorsqu'il s'agit de dessin traditionnel, rien de tel que de tenir un crayon ou un marqueur dans la main. Vous pouvez sentir le flux de la ligne et obtenir cette belle variété naturelle de traits que l'art numérique ne parvient pas à capturer tout à fait de la même manière. De plus, c'est parfois bien plus amusant ! Mais il y a aussi la peinture numérique : le mélange de couleurs, la possibilité infinie de défaire et la liberté d'expérimenter sans gaspiller de matériaux coûteux.

 

Alors pourquoi choisir l'un ou l'autre ? Combinez le meilleur des deux mondes.

Je vais utiliser comme exemple un croquis de créature marine que j’ai fait dans mon carnet de croquis aux tons moyens. Si vous me suivez, vous pouvez numériser votre propre œuvre d’art traditionnelle, et pour cela, vous avez deux outils principaux : un scanner ou un appareil photo. Je recommande vivement un scanner. Ils sont faciles à utiliser et vous pouvez trouver des options bon marché si vous ne voulez pas vous ruiner. J’en ai acheté un pour seulement 20 $ l’année dernière, d’occasion, et il fonctionne toujours à merveille.

 

N’hésitez pas à télécharger mon croquis et à me suivre. C’est gratuit pour un usage personnel :)

Balayage

La plupart des scanners fonctionnent à peu près de la même manière en termes de qualité, alors ne vous inquiétez pas pour acheter le dernier modèle. Quel est le problème, alors ? Eh bien, c'est surtout une question de taille. Le scanner standard est conçu pour le papier au format A4. Si vous n'êtes pas sûr de ce que cela signifie, A4 mesure environ 8,3 x 11,7 pouces (ou 210 x 297 mm si vous êtes un fan du système métrique). Tout ce qui est plus grand que le A4 va coûter cher, car les scanners plus grands sont industriels et chers. Mais avez-vous vraiment besoin d'un plus grand ? Pour la plupart des artistes (comme 90 % d'entre nous), c'est impossible. À moins que vous n'essayiez de faire des impressions massives de la taille d'un mur, vous vous en sortirez très bien avec un scanner A4 ordinaire.

Paramètres du scanner (super simple)

Ce petit gars m'aide à emprunter son scanner quand j'en ai besoin hehe.

Numérisation, impression, dimensionnement numérique… tout cela peut paraître compliqué, mais simplifions les choses. Vous verrez quelque chose appelé dpi ou ppi (points par pouce ou pixels par pouce). Chaque scanner peut faire au moins 300 dpi, ce qui est largement suffisant pour la plupart des images. Si vous n’avez pas besoin d’impressions de qualité panneau d’affichage, restez simplement sur 300. C’est le nombre magique :)

Mais que signifie réellement 300 ppp ? Laissez-moi vous expliquer : imaginez un carré de 1 pouce. Avec 300 ppp, il y a 300 petits points dans ce carré. Donc, pour le format A4 (là encore, environ 8.3 x 11,7 pouces)

 

8.3*300 ≈ 2500

11.7*300 ≈ 3500

Voici un exemple concret de ce à quoi ressemble 1 pouce. (Oui, j'ai fait de mon mieux pour dessiner un carré et j'ai échoué haha). Au total, cela fera 300 pixels si vous utilisez la bonne résolution.

Clip Studio Paint dispose également d'un curseur de résolution. Si vous prévoyez d'imprimer, maintenez-le à 300. Cela n'a d'importance que si vous créez votre toile en pouces ou en cm. Comme vous pouvez le voir, la largeur et la hauteur sont en pixels, donc cela n'affectera pas la qualité, mais si jamais vous passez aux pouces, il utilisera le numéro de résolution pour traduire en pouces.

 

Dans l'ensemble, si cela semble toujours confus, maintenez simplement le scanner à 300 et vous serez prêt à partir ! :)

JPG et PNG

Maintenant, parlons des formats de fichiers. Lorsque vous numérisez votre œuvre, votre scanner vous proposera probablement deux options : JPG et PNG.

 

Voici le problème : JPG est léger, mais il compresse un peu votre image, ce qui signifie une qualité inférieure. PNG est plus lourd, mais il conserve la qualité de l’image intacte. Donc, si vous vous contentez de cataloguer une tonne d’œuvres d’art anciennes, restez au format JPG pour économiser de l’espace. Mais si vous numérisez quelque chose que vous souhaitez partager ou imprimer de manière élégante, PNG est la voie à suivre.

L’un n’est pas meilleur que l’autre. Ils ont juste des cas d’utilisation différents ! J’aime d’abord exporter au format PNG. Si je télécharge mes œuvres, j’essaie d’utiliser le format PNG pour stocker des éléments sur le cloud, mais après cela, je compresse toutes mes images. J’ai des œuvres d’art datant d’il y a 10 ans. C’est si difficile de tout conserver de partout, alors je convertis simplement en JPG plus tard.

Pas de scanner ? Pas de problème

Il est préférable d’utiliser un scanner, mais que faire si vous n’en avez pas sous la main ? Pas de soucis ! Il existe des options. Les bibliothèques locales disposent généralement d’imprimantes et de scanners que vous pouvez utiliser. Si ce n’est pas possible, votre dernier recours est d’utiliser un appareil photo ou votre téléphone. Mais, pour être honnête, je ne le recommanderais pas à moins que vous n’ayez pas d’autre choix. La qualité varie énormément en fonction de l’éclairage et de la qualité de votre appareil photo.

Si vous optez pour le téléphone, voici un conseil de pro : L’éclairage intérieur est bien plus faible que vous ne le pensez et l’appareil photo de votre téléphone ne capturera pas votre art aussi bien que vous l’espériez. Il existe deux options pour l’extérieur :

 

Prenez votre photo à l’extérieur par temps nuageux. Les jours nuageux vous offrent cette lumière douce parfaite, rien de trop dur.

 

Si le soleil est toujours dur chez vous, alors prenez une journée très ensoleillée, mais trouvez-vous à l’ombre sous un arbre ou un bâtiment. Il devrait y avoir suffisamment de lumière réfléchie pour remplir l’image.

Si vous devez prendre des photos en intérieur, assurez-vous d'avoir plusieurs sources de lumière. Elles ne doivent pas être directes. Et assurez-vous qu'il y en ait BEAUCOUP. Nos yeux sont très doués pour s'adapter aux environnements sombres, mais les appareils photo ont beaucoup de mal avec ça.

Les bons réglages d'appareil photo sont un sujet à part entière qui peut prendre des heures à expliquer si vous n'avez jamais utilisé d'appareil photo. Un conseil général serait d'utiliser un objectif 35 mm pour réduire la distorsion. Réglez le diaphragme plus près de 8 pour que tout soit net. Réglez l'ISO aussi bas que possible en fonction de la lumière.

Assurez-vous que la caméra est bien parallèle à votre œuvre pour éviter toute distorsion. Plus sérieusement, vérifiez que votre œuvre ne se trouve pas sous un angle étrange par rapport à la caméra. Cela vous évitera bien des maux de tête plus tard.

Prenez simplement une photo au-dessus de l’œuvre. Assurez-vous de ne pas bloquer la lumière ! C’est l’un des défis liés à la prise de photos avec un appareil photo. Souvent, vous pouvez accrocher votre œuvre au mur et prendre une photo de cette façon, mais il est difficile de le faire à l’extérieur.

 

Il est difficile d’installer une lumière douce à l’intérieur de la pièce sans équipement approprié. Une lampe puissante créera des points lumineux étranges dans votre œuvre. Vous devrez utiliser une lumière diffuse ou une boîte à lumière, ce qui peut devenir très cher très rapidement.

Importation dans Clip Studio Paint

Bon, vous avez maintenant votre numérisation ou votre photo. Comment l’importer dans Clip Studio Paint ? C’est très simple. J’utilise un iPad, alors voici comment procéder : allez dans Fichier → Créer un nouveau fichier à partir de la photothèque et sélectionnez simplement l’image souhaitée.

Voilà ! Si vous souhaitez ajouter l’image à une toile existante, assurez-vous simplement que votre toile est plus grande que le scan pour éviter toute perte de qualité. Par exemple, s’il s’agit d’un scan A4, passez au-dessus de 2500 et 3500 au cas où. Vous pourrez toujours le recadrer plus tard. Vous me remercierez plus tard lorsque votre image ne sera pas floue.

Réglage du scan – Optimisons le contraste !

Maintenant, nous avons le graphisme ! Mais parfois, il peut paraître un peu plat, alors corrigeons cela. La première chose que je fais toujours est d'ajuster le contraste : assurez-vous que vos tons sombres sont sombres et vos blancs sont blancs. Pour conserver l'original intact, vous pouvez créer un calque de réglage par-dessus.

En général, quand il s’agit de contraste, j’aime utiliser la Correction de niveau. Elle est très simple à utiliser. Allez dans Calque → Nouveau calque de correction → Niveaux. Cet outil possède trois curseurs.

Le point de gauche contrôle le (1)point noir (la partie la plus sombre de l'image), et le point de droite contrôle le (3)point blanc. (2) Le point médian contrôle les tons moyens, mais je ne l'utilise pas autant. Déplacez-les jusqu'à ce que vous soyez satisfait du contraste, mais n'en faites pas trop. Aller trop loin peut entraîner un « écrêtage », ce qui signifie perdre certains détails de l'image.

 

Dans ce cas, vous pouvez voir que le noir est prêt à être utilisé. Il touche le mur et semble solide. Sur le côté droit cependant, il y a beaucoup d'espace vide entre le dernier point (rouge) et le mur. Cela signifie que toutes ces informations sont très probablement vides. Ce qui signifie que nous pouvons simplement pousser le curseur droit vers la gauche pour l'ajuster.

Voici mon réglage final des niveaux. Vous pouvez en faire un peu plus et toucher la partie noire si vous le souhaitez vraiment. Cela renforcera vraiment le contraste, mais vous commencerez à manquer de détails et d'informations.

Avant et après. Et nous n'avons perdu aucun détail, ce qui est une erreur courante. C'est pourquoi vous devez regarder le graphique. Augmentez simplement le contraste.

 

Cela peut ne pas sembler important, mais de petits changements comme celui-ci améliorent l'art de 10 %. Ensuite, si nous connaissons 10 techniques comme celles-ci, nous améliorons l'art de 100 % :0

Le meilleur est que l'utilisation de calques réglables vous permettra de conserver l'original au cas où vous souhaiteriez apporter des modifications différentes.

Comment utiliser l'art numérisé dans la coloration numérique

Très bien, votre numérisation est désormais nette. Et maintenant ? Voyons comment colorer numériquement votre œuvre numérisée. Il existe plusieurs façons de procéder, et je vais passer en revue quelques méthodes parmi lesquelles vous pouvez choisir.

Convertir la luminosité en opacité

La méthode la plus simple dans Clip Studio Paint est la fonction Convertir la luminosité en opacité. Accédez à Edition → Convertir la luminosité en opacité. Cette fonction permet de rendre les parties blanches de votre numérisation transparentes tout en gardant les parties sombres opaques. Elle est idéale pour les dessins à l'encre ou les croquis sur du papier blanc.

Pour mon croquis de créature marine (qui a été fait sur du papier de couleur moyenne), cela va être un peu difficile à cause de la couleur du papier. Cela fonctionne toujours avec quelques ajustements. Si cela ne fonctionne pas parfaitement pour vous, revenez au réglage Niveaux et rendez les blancs plus brillants pour que l'outil fonctionne plus efficacement.

Une fois que vous avez appuyé sur le bouton, vous verrez la grille transparente derrière votre dessin. (si vous avez désactivé la couleur d’arrière-plan bien sûr)

Créez maintenant un nouveau calque sous les lignes et vous pouvez commencer à colorier derrière elles. C'est tout simplement magique ! C'est idéal pour les bandes dessinées ou tout dessin à l'encre que vous souhaitez colorier numériquement.

Extraire des lignes avec le mode simple

Le mode simple est un excellent moyen de dessiner rapidement dans Clip Studio Paint. J'ai déjà écrit un article sur son utilisation :

Pour passer en mode simple, allez dans la fenêtre et allez sur passer en mode simple. ( pour les versions tablettes )

Ici, nous pouvons ajouter des images au calque.

Une fois la couche importée, il vous sera demandé si vous souhaitez extraire la ligne. Vous pouvez cliquer sur Oui pour cette étape.

Il sera automatiquement importé avec le filtre et donnera l'effet de ligne d'extraction. Cela nous permettra de le modifier si nous le souhaitons. Et si vous souhaitez l'appliquer plus tard ?

Sur le côté gauche, vous pouvez trouver le panneau des effets. Il y aura une ligne d'extraction à l'intérieur. Il est disponible avec les dernières versions de Clip Studio Paint, donc si vous ne le trouvez pas, vous devrez peut-être le mettre à jour.

Mode Multiplier – L’astuce à l’ancienne

Il existe une autre façon de colorier sous une œuvre d’art à l’encre. C’est une méthode à l’ancienne pour ajouter de la couleur à votre dessin au trait. C’est génial de l’utiliser si vous utilisez un programme que vous ne connaissez pas.

 

Effectuez le même processus que précédemment avec les niveaux de contraste. Cette fois, vous devrez peut-être le couper davantage et le rendre encore plus dur. Ensuite, poussez le calque du dessus et définissez votre calque d’art numérisé sur le mode Multiplier. La multiplication conserve les lignes noires et supprime le fond blanc.

Jouer avec les choix stylistiques

Maintenant, si vous êtes comme moi et que vous aimez expérimenter avec différents styles, cette partie est pour vous. Personnellement, j’aime utiliser des filtres en demi-teintes sur mes croquis numérisés. Cela donne une sensation cool et vintage. Pour ce faire, accédez à l’onglet Propriétés du calque et cliquez sur le bouton demi-teinte (c’est le deuxième).

Vous pouvez ajuster la taille des points en modifiant le curseur de fréquence. J'aime opter pour des points plus gros, en particulier pour un look graphique et audacieux. L'ombrage se traduira par des points plus petits et les lignes noires épaisses obtiendront de gros points, ce qui crée une texture vraiment intéressante.

Comme nous avons utilisé un crayon et qu'il y avait des parties esquissées, il crée des motifs étonnants et variés avec la taille des points. Vous pouvez utiliser la même technique que précédemment pour le colorier. Créez un calque en dessous et dessinez. Vous pouvez également utiliser l'option de mélange de luminosité et d'opacité ou de multiplication :)

Quels pinceaux utiliser ?

Dans mon illustration finale, j'ai simplement utilisé des pinceaux aquarelle. Parfois, je les règle sur des modes de fusion de multiplication ou de superposition. Les pinceaux aquarelle sont très utiles car ils ne vous permettent pas de colorier avec des couleurs numériques parfaites. La plupart du temps, ils préservent la texture du papier et ajoutent une touche traditionnelle à votre œuvre.

Résultat final

Et voilà, le résultat final ! Après avoir mélangé le dessin traditionnel avec la coloration numérique, j’ai terminé ma peinture de créatures marines et je suis vraiment content du résultat. J’ai ajouté des couleurs et un contour blanc au résultat final. J’ai simplement utilisé un simple pinceau à encre et j’ai essayé de le garder clair.

 

En commençant avec un crayon et de l’encre sur du papier de tons moyens, j’ai pu conserver la sensation brute et tactile de l’art traditionnel tout en utilisant Clip Studio Paint pour l’améliorer numériquement. Cette approche vous donne la flexibilité et la liberté d’expérimenter avec les couleurs et les effets sans perdre le charme de votre travail original dessiné à la main.

 

Ainsi, que vous soyez un artiste numérique cherchant à incorporer des éléments plus traditionnels ou un artiste traditionnel prêt à plonger ses orteils dans le monde numérique, la combinaison de ces techniques ouvre des possibilités infinies. Essayez-le par vous-même et n’ayez pas peur d’explorer !

Si vous voulez en voir plus et découvrir mon art, voici mes liens :)