Bonjour

Bonjour ! 🌟 C'est du tamoul. Bienvenue dans ce tutoriel sur la création d'une illustration vibrante et colorée dans Clip Studio Paint. Dans ce guide, nous allons nous plonger dans les techniques et les processus créatifs pour donner vie à une œuvre inspirée du pop art, pleine de couleurs vives et d'énergie dynamique.

 

À la fin de cet article, vous verrez comment je transforme ma toile numérique en une illustration pop art saisissante d'une fille. J'espère que cela vous inspirera pour créer vos propres chefs-d'œuvre vibrants !

 

Ma vidéo se concentre sur mon processus d'illustration, mais dans cet article, je me concentrerai sur de nombreux principes fondamentaux de la théorie des couleurs ! Cela vous aidera à vous préparer aux couleurs dynamiques et à vous déchaîner avec votre art.

Que sont les schémas de couleurs ?

Les schémas de couleurs font référence aux agencements ou combinaisons spécifiques de couleurs utilisés dans la conception et l'illustration. En conception, ces schémas décrivent généralement les couleurs naturelles des objets ou des matériaux dans des conditions d'éclairage neutres. Cependant, dans les illustrations, les schémas de couleurs jouent un rôle crucial pour transmettre l'ambiance. Il est important de noter que les couleurs locales d'une illustration sont influencées par les couleurs ambiantes environnantes.

^ mon ancien tableau que j'ai fait avec des couleurs roses pour les nuages :)

En tant qu’artistes numériques, nous avons l’avantage d’avoir des milliers de couleurs à portée de main, en un seul clic. De plus, les calques de réglage sont souvent considérés comme une solution rapide à tout problème de coloration. Bien qu’il soit utile d’exploiter ces outils pour plus d’efficacité, il existe certains principes que vous devez connaître, et parfois enfreindre. Dans cette section, je partagerai quelques conseils essentiels sur la théorie des couleurs pour vous aider à choisir des schémas de couleurs plus efficaces pour votre œuvre.

Les combinaisons de couleurs harmonieuses permettent de créer des combinaisons de couleurs visuellement agréables. Elles jouent également un rôle essentiel dans la transmission d'une humeur ou d'un sentiment spécifique au spectateur.

Ressentez-vous une différence d’humeur lorsque vous regardez des couleurs plus axées sur le vert ?

Théorie des couleurs

La théorie des couleurs nous aide à comprendre le fonctionnement des différentes combinaisons de couleurs et pourquoi les couleurs ne sont pas toujours ce qu’elles semblent être à première vue.

 

Lorsque les couleurs sont placées les unes à côté des autres, elles interagissent de diverses manières. Certaines couleurs se complètent et se démarquent, tandis que d’autres peuvent s’opposer et les rendre toutes deux ternes. La théorie des couleurs nous enseigne que certaines dispositions sur le cercle chromatique peuvent créer une harmonie lorsqu’elles sont utilisées ensemble dans une œuvre d’art ou un design. Vous trouverez ci-dessous un graphique bien connu qui illustre des combinaisons de couleurs harmonieuses basées sur ces principes.

Les combinaisons de couleurs harmonieuses peuvent sembler limitées, avec six arrangements principaux : monochrome, analogue, complémentaire, complémentaire divisé, triadique et tétradique. Chacune offre une manière unique d'équilibrer et de contraster les couleurs, offrant une base solide pour créer des œuvres d'art visuellement agréables.

Différents types d'harmonies

Complémentaire : deux couleurs opposées sur le cercle chromatique créent une combinaison à fort contraste et à fort impact. Lorsqu'elles sont utilisées ensemble, ces couleurs paraissent plus lumineuses et plus marquantes, ce qui leur permet de se démarquer efficacement.

Monochrome - trois nuances, tons et teintes d'une seule couleur de base créent une combinaison subtile et conservatrice. Cette approche polyvalente est facile à appliquer dans les projets de design, offrant un aspect harmonieux et équilibré.

Analogie – trois couleurs côte à côte sur le cercle chromatique forment une palette de couleurs analogues. Bien que cette combinaison soit polyvalente, elle peut être écrasante si elle n'est pas équilibrée. Pour obtenir une harmonie, sélectionnez une couleur dominante et utilisez les autres comme accents.

Triadique - Trois couleurs uniformément espacées sur le cercle chromatique créent un schéma de couleurs triadique. Il offre un contraste élevé, bien que moins intense qu'un schéma complémentaire, ce qui le rend plus polyvalent. Cette combinaison donne lieu à des palettes de couleurs vives et audacieuses.

Tétradique - Quatre couleurs uniformément espacées sur le cercle chromatique créent une palette de couleurs tétradique. Cette combinaison audacieuse fonctionne mieux lorsqu'une couleur est dominante, les autres étant utilisées comme accents. Plus il y a de couleurs dans votre palette, plus il est difficile d'atteindre l'équilibre.

J'ai utilisé une palette de couleurs tétradique pour mon illustration. Cela m'a aidé à limiter les couleurs tout en mettant mes compétences artistiques à l'épreuve.

Il existe de nombreux sites Web pour vous aider à choisir de belles couleurs, et beaucoup d’entre eux sont gratuits !

J’ai personnellement utilisé Paletton, mais ce n’est pas la seule façon de réaliser des combinaisons de couleurs. N’hésitez pas à expérimenter et à créer vos propres combinaisons.

N’oubliez pas que les combinaisons de couleurs ne se résument pas à de simples combinaisons de teintes ; elles incluent également des variations de valeur et d’intensité. Ces trois facteurs (teinte, valeur et intensité) sont connus comme les trois propriétés de la couleur.

TEINTE - fait référence aux noms de couleurs traditionnels, comme « bleu » ou « jaune ». Dans le spectre, les teintes sont généralement répertoriées sous la forme ROYGBIV (rouge, orange, jaune, vert, bleu, indigo, violet).

 

INTENSITÉ - également connue sous le nom de saturation ou de chrominance, fait référence à la pureté d'une teinte. Elle détermine à quel point la couleur apparaît vive ou atténuée.

 

VALEUR - indique la clarté ou l'obscurité d'une couleur. Par exemple, un rouge de valeur élevée apparaît comme un rouge vif ou un rose lorsque son intensité est réduite.

Exemples de combinaisons de couleurs

Bien que ces trois variables offrent une vaste gamme de possibilités de combinaisons de couleurs, la question demeure : existe-t-il vraiment des options illimitées ?

 

Vous trouverez ci-dessous quelques combinaisons de couleurs que j'ai appliquées dans mon illustration, mettant en valeur diverses combinaisons harmonieuses inspirées du graphique de la théorie des couleurs ci-dessus.

En règle générale, il peut arriver que certaines couleurs ne soient pas cohérentes, même si elles respectent les règles (exemples ci-dessus). Elles ne fonctionnent peut-être pas aussi efficacement que vous le souhaiteriez. Quelles sont les façons d'affiner ces combinaisons et d'améliorer l'impact global ?

1 - Bien que ce soit facultatif, j'organise toujours ma palette de couleurs en fonction de leurs niveaux de valeur. Cette approche facilite l'application des couleurs à une illustration ou à un dessin. Par exemple, les couleurs d'accent sombres peuvent être utilisées pour les dessins au trait, tandis que les couleurs plus claires fonctionnent bien pour les reflets, les éléments du ciel ou les sources de lumière.

2 - Je diminue généralement la saturation des couleurs lorsqu'elles évoluent vers des tons plus clairs ou plus foncés. Cette méthode permet de conserver les couleurs les plus saturées pour les tons moyens, garantissant ainsi qu'elles ressortent dans la palette de couleurs.

3 - Lorsque vous ajustez la valeur, modifiez également la teinte (température) !

 

Par exemple, voici mes anciennes et nouvelles couleurs monochromes.

Chaque fois que vous modifiez la teinte, assurez-vous que la direction de la lumière et de l'ombre sont opposées. Si vous déplacez la teinte vers la droite pour une valeur plus élevée, déplacez-la vers la gauche pour une valeur plus basse, et vice versa.

 

Dans ce cas, vous pouvez voir que j'ai commencé avec le vert comme point médian - couleur grise. Puis je suis passé au jaune/rouge pour les parties plus claires de l'image. Je suis allé vers le cyan/bleu pour les parties d'ombre et tout ce qui est plus sombre.

 

La variété lui a donné beaucoup plus de vie et de contraste. Vous pouvez toujours faire l'inverse si vous le souhaitez vraiment. Allez vers le bleu pour la luminosité et allez vers le rouge pour les ombres. Une fois que vous avez commencé, assurez-vous simplement de suivre l'idée.

Froid vs chaud

Lorsque vous travaillez avec des couleurs, il est utile de comprendre la distinction entre les tons chauds et froids. Le cercle chromatique est généralement divisé en deux moitiés : les couleurs chaudes comme le rouge, l'orange et le jaune, et les couleurs froides comme le vert, le bleu et le violet. Les couleurs chaudes évoquent des sensations de chaleur et de soleil, créant souvent une sensation d'énergie et de chaleur.

 

En revanche, les couleurs froides nous rappellent le ciel, l'eau et d'autres environnements frais ou sereins, apportant une sensation de calme et de tranquillité. Les couleurs chaudes ont tendance à attirer l'attention et peuvent sembler plus accueillantes, tandis que les couleurs froides sont souvent plus apaisantes et reposantes. Comprendre ces caractéristiques vous permet de définir efficacement le ton et l'ambiance de votre peinture.

^ à gauche, les tons froids et à droite, les tons chauds

Nous avons donc l'illustration de la grenouille avec uniquement du vert, n'est-ce pas ? Il s'agit d'une combinaison de couleurs monochromes. Voyons si nous pouvons ajouter une couleur pour la rendre complémentaire. L'opposé du vert sur la roue est le violet et le rouge. Voyons quel résultat nous obtenons si nous les mélangeons.

En ajoutant simplement une couleur supplémentaire, nous avons rendu le tout beaucoup plus intéressant à regarder. Travailler avec des couleurs limitées aide vraiment à garder l'ensemble cohérent et agréable à l'œil.

Rapport de couleurs

Évitez d'utiliser des couleurs (teintes) en quantités égales. Choisissez plutôt une couleur comme ton dominant et utilisez les autres comme accents ou couleurs complémentaires. De nombreuses personnes font l'erreur de diviser les couleurs de manière égale, par exemple en utilisant 4 couleurs à 25 % chacune, mais cela peut donner une image plate et sans intérêt. Il en va de même pour la composition ou tout autre principe de conception : lorsque tout est égal, cela devient moins attrayant. Suivre la règle « grand, moyen, petit » crée plus d'intérêt visuel et d'équilibre.

Dans cet exemple, les couleurs sont nombreuses, mais il est facile de repérer la dominance. L'orange de la citrouille ressort comme la couleur la plus dominante, suivie de la couleur du squelette. Le rose est utilisé pour les petits reflets, et le vert apparaît subtilement au sommet de la citrouille.

Ce croquis plus ancien met également en évidence l'importance de la saturation. L'orange et le rose sont très saturés, tandis que la couleur des os et le vert sont plus atténués. Je voulais que l'accent soit mis sur les yeux, j'ai donc utilisé la couleur la plus saturée pour attirer l'attention.

Imaginez les couleurs comme des instruments dans un orchestre. Si tous les instruments jouent à plein volume, le son devient chaotique. Laissez plutôt la plupart des couleurs jouer doucement, avec une ou deux d'entre elles prenant la tête comme un solo, créant ainsi une composition équilibrée et harmonieuse.

Cet exemple est peut-être brutal, mais il montre efficacement à quel point il est simple de guider l'œil du spectateur vers le bon sujet. Sur le côté droit, toutes les formes ont la même saturation, ce qui rend difficile de savoir où se concentrer. Sur le côté gauche, il existe trois niveaux de saturation distincts, ce qui permet à votre œil de se poser naturellement sur la forme la plus proéminente au lieu d'être distrait par les trois à la fois.

Teinte vs valeur

La teinte et la valeur sont deux des composantes essentielles de la couleur, et comprendre la différence est essentiel pour créer une œuvre d'art équilibrée et efficace.

• La teinte fait référence à la couleur elle-même, qu'elle soit rouge, bleue, jaune, etc. C'est ce à quoi nous pensons généralement lorsque nous parlons de « couleur ».

• La valeur, quant à elle, décrit la clarté ou l'obscurité d'une couleur. Chaque teinte a une valeur qui peut être vue lorsque vous convertissez l'image en niveaux de gris. Elle permet de définir la forme, la profondeur et le contraste d'une pièce.

Même avec des teintes vives ou non conventionnelles, il est essentiel de conserver des valeurs fortes. Si toutes vos couleurs ont des valeurs similaires (clair ou foncé), l'œuvre peut paraître plate ou chaotique, car l'œil n'a pas de mise au point claire. En variant les valeurs, même dans des couleurs vives ou « folles », vous créez du contraste et guidez l'œil du spectateur vers les zones les plus importantes de l'œuvre.

En bref, vous pouvez avoir les teintes les plus folles, mais en veillant à ce que leurs valeurs fonctionnent ensemble, vous donnerez à votre œuvre de la profondeur, de la clarté et un fort impact visuel.

 

Dans l'exemple ci-dessus, j'ai pris soin de vérifier deux fois avec le noir et le blanc lorsque je travaillais dessus. C'est très facile à faire dans Clip Studio Paint et d'autres logiciels.

Processus d'illustration principal

Nous arrivons enfin à l'illustration que j'ai réalisée pour ce tutoriel. C'était très amusant d'utiliser des couleurs vives et saturées. J'ai décidé d'opter pour un style pop art pour celui-ci.

 

Le pop art, qui a pris de l'ampleur dans les années 1950 et 1960, s'inspirait d'éléments visuels du quotidien comme les publicités, les bandes dessinées et les biens de consommation. Connu pour ses lignes audacieuses et ses couleurs vives, il transformait des objets ordinaires en œuvres d'art accrocheuses.

 

Je mettrai le timelapse à la toute fin si vous vouliez plus que de simples captures d'écran.

Esquisser

J'ai commencé par dessiner grossièrement sa pose avec des lignes lâches. Concentrez-vous sur la capture du geste global : son dos droit, ses jambes pliées ou croisées et son visage tourné vers le spectateur. Gardez les choses fluides et détendues. Ensuite, esquissez les proportions de base en utilisant des formes simples comme des cercles et des ovales pour construire la tête, le torse et les membres. Gardez les lignes légères et ajustez-les si nécessaire.

 

Lorsque vous dessinez le visage, marquez légèrement des lignes directrices pour aider à placer les yeux, le nez et la bouche. Comme elle regarde droit devant, la symétrie est importante. Gardez le corps et les vêtements simples au début, en bloquant les zones principales avant de vous soucier des détails.

 

Conseil général : ne réfléchissez pas trop aux détails dès le début : concentrez-vous sur le flux et la structure globaux. Gardez vos lignes lâches et fluides, et ne peaufinez qu'une fois que la forme vous semble correcte.

 

Pour le pinceau, comme toujours, j'ai utilisé un pinceau mélangeur rond dur ordinaire. Je l'ai gardé grand pour ne pas entrer dans les détails. J'ai également commencé avec un fond gris pour m'assurer qu'il n'est pas trop fort sur les yeux.

Ensuite, j’ai choisi une palette de couleurs triadique, car elle me permet de travailler avec seulement trois couleurs principales tout en offrant un excellent contraste. J’ai opté pour le violet, le jaune et le cyan, des couleurs classiques souvent vues dans le Pop Art, qui donnent vraiment à l’œuvre un aspect vibrant et audacieux.

Pour ajouter de la couleur sous votre calque d'esquisse dans Clip Studio Paint, commencez par vous assurer que votre calque d'esquisse est au-dessus. Créez un nouveau calque en dessous pour la coloration. Sélectionnez votre outil de pinceau ou de remplissage et commencez à appliquer la couleur sur ce nouveau calque. Les couleurs apparaîtront sous les lignes d'esquisse, qui restent visibles. Pour éviter de dessiner accidentellement sur l'esquisse, verrouillez le calque d'esquisse. Continuez à affiner les couleurs de votre nouveau calque jusqu'à obtenir l'aspect souhaité. Cette méthode vous permet de conserver votre esquisse intacte tout en expérimentant avec les couleurs.

Affiner Affiner Affiner !

 

Examinez les aspects que vous souhaitez améliorer. Réfléchissez à ce que vous appréciez dans l'image et identifiez les domaines qui pourraient nécessiter des améliorations. Pensez à ajouter des ombres ou d'autres détails pour rehausser l'œuvre d'art. C'est là que votre créativité peut vraiment briller. Posez-vous diverses questions pour guider votre processus. Je continue souvent à peindre et à ajuster jusqu'à ce que je sente que l'image s'améliore.

L'ajout d'un contour clair autour du personnage peut améliorer considérablement le contraste et donner à l'image une qualité plus graphique. Cette technique permet au personnage de se démarquer davantage de l'arrière-plan, créant une distinction claire et attirant directement l'œil du spectateur sur le sujet. Le contour audacieux renforce non seulement l'impact visuel, mais ajoute également un aspect stylisé et cohérent à l'œuvre d'art, soulignant la forme et la silhouette du personnage.

L'incorporation de motifs en demi-teintes peut ajouter une qualité graphique saisissante à votre image. Les demi-teintes utilisent des points ou d'autres motifs pour simuler des ombres et des dégradés, donnant à votre illustration un aspect distinctif d'inspiration rétro rappelant les bandes dessinées classiques et les médias imprimés. En variant la taille et la densité des points, vous pouvez créer l'illusion de profondeur et de texture tout en conservant une apparence propre et stylisée. Cette technique améliore non seulement la sensation graphique, mais ajoute également un intérêt visuel et un sens du contraste dynamique, rendant votre image à la fois accrocheuse et visuellement attrayante.

 

Il est très facile de l'ajouter dans Clip Studio Paint ! Il existe de nombreux paramètres dans Clip Studio Paint, mais pour cette illustration spécifique, j'ai décidé d'en utiliser un très simple.

Pour ajouter rapidement des effets de demi-teintes dans Clip Studio Paint à l’aide des propriétés de calque, commencez par créer un nouveau calque au-dessus de la zone où vous souhaitez appliquer l’effet de demi-teintes. Pour ce faire, sélectionnez Calque dans le menu supérieur et choisissez Nouveau calque ou cliquez sur l’icône de nouveau calque dans le panneau Calques.

 

Une fois le nouveau calque sélectionné, accédez au panneau Propriétés du calque. Si vous ne le voyez pas, ouvrez-le à partir de Fenêtre > Propriétés du calque. Dans le panneau Propriétés du calque, recherchez l’option intitulée Effet. Cliquez dessus et sélectionnez Demi-teintes dans le menu déroulant. Cela appliquera un motif de demi-teintes par défaut au calque.

Juste pour vous dire que l'utilisation de l'aérographe est incroyable pour les demi-tons. De cette façon, vous pouvez contrôler où les demi-tons seront forts et où ils seront clairs.

Personnalisez l'effet de demi-teintes en ajustant les paramètres dans le panneau Propriétés du calque. Vous pouvez modifier la taille des points, l'espacement et le type de motif pour obtenir l'aspect souhaité. Expérimentez avec ces paramètres jusqu'à obtenir l'effet qui convient à votre illustration.

 

Comme vous pouvez le voir, l'utilisation d'un aérographe donne un bel effet allant des gros points aux petits. J'adore cet effet !

 

J'ai utilisé une fréquence de 5 pour montrer comment les points apparaissent sur l'image, mais le nombre dépendra également de votre toile et de la taille que vous souhaitez leur donner. J'aime les nombres plus faibles pour qu'ils restent visibles. Je sais que d'autres artistes aiment le montrer beaucoup plus.

Si nécessaire, ajustez l’opacité ou le mode de fusion du calque pour intégrer l’effet de demi-teintes de manière transparente dans votre illustration. Vous pouvez le faire dans le panneau Calques en sélectionnant le calque et en modifiant ses propriétés.

J'ai obtenu cet effet par superposition. Parfois, j'aime aussi utiliser une lumière douce ou une multiplication. Si l'effet est trop fort, vous pouvez toujours réduire l'opacité.

Dans cet exemple, j'ai décidé de vérifier la forme du personnage. C'est la première chose que les gens voient et lisent. J'ai eu l'impression que les jambes se fondent trop, ce qui donne l'impression qu'il s'agit d'une seule grande jambe. Elles ne semblent pas suffisamment séparées, ce qui ne permet pas une lecture claire.

En décalant un peu la jambe et en ajoutant un petit espace au centre, cela donne plus de puissance à la lisibilité et améliore la composition. De petites choses comme ça contribuent grandement à améliorer l'œuvre d'art !

J'ai également ajouté des reflets aux vêtements et aux cheveux ! Dans ce cas, pour mieux mettre en œuvre les couleurs, j'ai ajouté des reflets bleu/cyan provenant des murs. La lumière se reflétera sur l'environnement, donc dans ce cas, cela aide aussi car les couleurs sont plus cohérentes :)

Ajoutons un peu de diffusion sous la surface ! C’est un terme très sophistiqué pour désigner la lumière qui traverse les objets. S’il s’agit de peau, la lumière deviendra orange et rouge à cause du sang. C’est une astuce simple pour faire ressortir votre illustration !

Sur le côté gauche, j'ai ajouté un joli surligneur saturé entre la partie ombre et la partie lumière. Je l'avoue, je l'utilise beaucoup trop pour mon art, mais j'aime tellement l'effet.

J'en ai ajouté pour les vêtements, les bras, le visage et quelques autres endroits. Une façon très simple de procéder consiste à créer un nouveau calque. Réglez-le en mode saturation et choisissez la couleur la plus vive/saturée. De cette façon, le calque n'affectera que la saturation.

 

Si l'effet est trop fort, vous pouvez toujours simplement réduire l'opacité.

Comme mentionné précédemment, il est important de vérifier l'image en noir et blanc lors de la création de l'illustration. C'est très simple à faire. Il suffit de créer un nouveau calque, de le régler sur le mode Couleur, puis d'ajouter un remplissage noir ou blanc pur.

 

Cela transformera votre image en noir et blanc et montrera si vous avez des problèmes de contraste. Dans ce cas, il y a un mélange entre la ceinture et la jupe. J'ai légèrement modifié les couleurs et j'ai également ajouté une ligne de séparation entre les deux pour cette raison.

 

Il est également important de s'assurer que le visage et les cheveux ressortent ! Lorsque vous utilisez des couleurs très vives, ce n'est peut-être pas la partie la plus importante car toutes les couleurs se sépareront de toute façon. Cependant, il est toujours bon de vérifier par vous-même.

Quelques touches finales pour moi sont les filtres Netteté et Bruit.

J'ai réalisé un tutoriel séparé sur les nouveaux filtres ajoutés dans Clip Studio Paint. Je vous recommande vivement de le consulter si vous ne l'avez pas déjà fait.

 

Les filtres ne sont pas la partie la plus importante de la peinture, mais ils contribuent grandement à améliorer le résultat final.

Au revoir

Merci beaucoup d'avoir lu et suivi mon parcours. Voici la vidéo accélérée du tableau ;

Si vous voulez en voir plus et découvrir mon art, voici mes liens :)