Hallo! Mein Name ist Stefani und in diesem Tutorial zeige ich dir, wie du aus deinen eigenen Fotos interessante Szenarien für deine Zeichnungen erstellen kannst > A <)/

Hier ist das Video-Tutorial:

1. Was wollen wir zeichnen?

Wir beginnen mit der Konzeptualisierung des Szenarios, was wir machen wollen, sowie mit der Planung.

 

Identifiziere, welche Idee du umsetzen möchtest und welchen Fokus du ihr geben willst.

Entweder wir haben ein Foto im Kopf, das uns gefällt und wir möchten eine Zeichnung darauf basieren, oder eine spezifische Idee und müssten dann Bilder suchen, um sie zu vervollständigen.

 

Sobald unsere Idee bereit ist, ist es Zeit, die Fotos zu suchen. Für Anfänger wäre es am besten, mit einem Hauptfoto zu beginnen und Details mit ergänzenden Fotos hinzuzufügen. Dies kannst du während des gesamten Prozesses tun.

Die Art und Weise, wie ich Fotos integriere, ist mit den Auswahlwerkzeugen und mit einer Schnittmaske.

 

Mach dir keine Sorgen, dies sehr detailliert und sauber zu machen, die Fotos dienen als eine Art Leitfaden, über den wir zeichnen werden, sodass es nicht perfekt aussehen muss.

 

Um zusätzliche Elemente in das Hauptfoto einzufügen, ist es am wichtigsten, die Perspektive zu verstehen, da es unnatürlich aussieht, wenn du das Element an einer Position platzierst, die nicht mit der Perspektive des restlichen Fotos übereinstimmt.

 

Wenn du Probleme hast, die Horizontlinie und damit die Perspektive zu lokalisieren, musst du dich daran erinnern, dass die Horizontlinie auf Augenhöhe liegt. Sobald du sie identifiziert hast, ist der Rest einfacher, denn die Regel, die du befolgen musst, lautet: Alles, was sich über der Horizontlinie befindet, sehen wir nach oben, und alles, was sich unter der Linie befindet, sehen wir nach unten. Es klingt offensichtlich, aber es ist etwas, das wir vergessen können und das einen großen Unterschied machen kann, wenn es darum geht, Elemente zu integrieren.

2. Farbe

Diese Phase ist eine der wichtigsten, da die Farbe das visuelle Werkzeug ist, das uns die Stimmung der Zeichnung vermittelt. Die Stimmung ist die Atmosphäre unserer Szene, sie vermittelt das allgemeine Gefühl unserer Zeichnung.

 

Für diesen Schritt verwenden wir den Farbkreis!

Wir können die Farben in zwei Gruppen unterteilen:

1- Warme Farben.

2- Kalte Farben.

 

Warme Farben werden oft mit warmen Dingen assoziiert, wie Sonnenlicht oder Feuer, es sind Farben, die sich fröhlich, aktiv und voller Vitalität anfühlen.

 

Kalte Farben assoziieren wir mit Himmel, Wasser, Winter usw. Diese Farben wirken entspannend, beruhigend, können aber auch Traurigkeit vermitteln.

 

Zum Beispiel habe ich in diesem Foto die Farben geändert, um den Sonnenuntergang stark zu übertreiben und eine warme Stimmung zu erzeugen, die Energie hervorruft und sich gemütlich anfühlt.

Dasselbe Foto mit dieser anderen Farbpalette sieht total anders aus, nicht wahr?

Die Farbe beeinflusst, wie wir die Stimmung des Bildes wahrnehmen.

 

Zu berücksichtigende Faktoren, die die Stimmung beeinflussen, sind: die Helligkeit und die Sättigung der Farbe.

 

♦Sättigung ist, wie lebendig die Farbe aussieht; je näher die Farbe an Grau ist, desto entsättigter ist sie.

♦Helligkeit ist im Grunde die Lichtmenge, die eine Farbe hat; je mehr Licht eine Farbe hat, desto näher ist sie an Weiß, je weniger Licht die Farbe hat, desto näher ist sie an Schwarz.

 

 

Die Farbwahrnehmung variiert vollständig je nach Sättigung und Beleuchtung. Betrachten wir zum Beispiel das folgende Foto:

Was kommt dir in den Sinn? Sieht es vielleicht matt, traurig aus? Obwohl es warme Farben sind, wirkt es nicht energisch.

 

Aber was passiert, wenn wir dasselbe Bild mit höherer Sättigung und Helligkeit sehen?

Nimmst du es genauso wahr wie das vorherige? Nicht wahr? Dieses fühlt sich lebendiger, energischer an.

 

Wenn du diese Elemente bei der Auswahl der Farben für deine Werke berücksichtigst, nutzt du die Farbwahrnehmung zu deinem Vorteil.

Wenn du mehr darüber erfahren möchtest, wie Menschen Farbe in Bezug auf Emotionen verstehen und wahrnehmen, lade ich dich ein, dich über die Farbpsychologie und Robert Plutchiks Rad der Emotionen zu informieren.

3. Farbanwendung

Jetzt, da wir bewusster wissen, welche Farben wir verwenden werden, ist es an der Zeit, zu lernen, sie mit Clip Studio zu manipulieren. Dafür verwenden wir verschiedene Tonwertkorrekturwerkzeuge. Diese kannst du direkt auf die Fotoschicht oder auf eine separate Ebene anwenden. Ich bevorzuge es, dies auf einer separaten Ebene zu tun, da man mehr Kontrolle über das Werkzeug hat.

 

 

Ich verwende normalerweise die folgenden Werkzeuge:

♦Verlaufskarte

♦Farbton/Sättigung/Helligkeit

♦Gradationskurven

♦Farbabgleich.

3.1. Verlaufskarte

Die Funktion dieses Werkzeugs besteht im Grunde darin, die ursprünglichen Farben des Bildes durch die Farben zu ersetzen, die du im Verlauf einstellst. Sie reichen von hellen zu dunklen Farben, daher funktioniert es, indem die Farben in der Reihenfolge platziert werden, in der wir sie im Bild von hell nach dunkel haben möchten.

 

 

Wir können die Pfeile, die jede Farbe anzeigen, verschieben, um zu konfigurieren, wie reduziert oder ausgedehnt jede Farbe im Bild erscheint.

 

Dieses Werkzeug hat einige voreingestellte Verläufe, und du kannst sie sogar im Materialien- und Assets-Bereich von Clip Studio Paint herunterladen. In diesem Fall habe ich diesen Verlauf verwendet:

 

3.2. Das Werkzeug Farbton/Sättigung/Helligkeit

Dieses Werkzeug hat 3 Balken, die jeweils ihren Titel (Farbton/Sättigung/Helligkeit) repräsentieren.

Der erste Balken dient dazu, die reine Farbe des Bildes zu ändern, wir können von Farbe „b“ zu Farbe „c“ wechseln.

 

Der zweite Balken kann die Farben des Bildes sättigen oder entsättigen.

Der dritte Balken kann Licht zu den Farben des Bildes hinzufügen oder entfernen.

 

Diese beiden Balken funktionieren nach Intensitäten: Die rechte Seite bedeutet höhere Intensität, also höhere Sättigung oder Helligkeit, während die linke Seite weniger Sättigung und Licht darstellt.

 

Um mit diesem Werkzeug bessere Ergebnisse zu erzielen, ist es am besten, alle Balken zu bewegen, wenn die Farben geändert werden, da sie sich gegenseitig ergänzen.

3.3. Gradationskurven

Dieses Werkzeug hilft uns, die Pixel eines Bildes aufzuhellen oder abzudunkeln, aber auf eine kontrolliertere Weise als der Helligkeitsregler im vorherigen Werkzeug. Im Allgemeinen funktioniert die Kurve wie folgt:

Ebenso repräsentiert die obere Spitze der Linie den hellsten Punkt des Bildes und die untere Spitze den dunkelsten Punkt des Bildes, wobei die Mitteltöne entlang der Linie (die wir durch Verschieben in eine Kurve verwandeln) liegen.

Wenn wir also die Werte des Bildes abdunkeln und/oder aufhellen wollen, beginnen wir, die Linie einzustellen, indem wir sie je nach Wunsch dem Licht oder der Dunkelheit nähern.

Wenn wir die dunklen Farben aufhellen wollen, bewegen wir den unteren Punkt, dies funktioniert für den Helligkeitspunkt auf die gleiche Weise.

 

3.4. Farbbalance

Dieses Werkzeug hilft uns, die Farben eines Bildes zu korrigieren oder auszugleichen, da es die in den Balken dargestellten Farben addiert oder subtrahiert. Es verfügt über 3 Balken, die auf einer Seite die Primärfarben und auf der anderen Seite die Sekundärfarben und damit deren Komplementärfarben enthalten.

Mit diesen Werkzeugen können wir die Farbtemperatur des Bildes ändern und es wärmer oder kälter machen.

Außerdem können wir interessante Farbkontraste erzeugen, da wir wählen können, ob wir die Mitteltöne, die Schatten oder die Glanzlichter ändern.

 

4. Zeit zum Zeichnen!

In dieser letzten Phase beginnen wir, auf der gerade aufgebauten Basis zu zeichnen.

Denke daran, dass du nicht alles auf dem Foto buchstabengetreu befolgen musst. Du kannst dir die Freiheit nehmen, Elemente zu ändern und/oder zu übertreiben, die du für passend hältst.

 

Ich schlage vor, in Ebenen zu malen, um die Ordnung zwischen Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund zu wahren und so kontrollierter an ihnen zu arbeiten.

 

Vergiss nicht, dass der Kontrast nicht in allen Bereichen der Zeichnung gleich ist. Je näher etwas ist, desto höher ist der Kontrast, und je weiter entfernt es ist, desto geringer ist der Kontrast.

 

Beachte außerdem, dass sich die Farben ändern, je nachdem, wie nah und wie weit sie im Bild sind. Je weiter entfernt sie sind, desto mehr verschmelzen sie mit der Umgebungsfarbe, je näher sie sind, desto reiner ist die Farbe. Im folgenden Beispiel sind alle grün, aber da sie sich in unterschiedlichen Entfernungen befinden, ändern sich die Farben.

 

Kontrast und Farbänderung in Abhängigkeit von der Entfernung der Elemente in der Zeichnung helfen, einen effektiveren Tiefeneffekt zu erzeugen.

EXTRA

 

Vielleicht möchtest du nicht über dem Foto zeichnen und deinen Arbeitsablauf beschleunigen, indem du das Foto direkt verwendest. In diesem Fall kannst du, um das Foto besser in eine Szene zu integrieren, den Effekt „Bildgestaltung“ verwenden. Dies verleiht dem Foto einen interessanten Touch, glättet Details, erzeugt einen „gemalten“ Effekt, und wenn du ihn noch stärker übertreiben möchtest, kannst du einige Retuschen mit bestimmten Pinseln vornehmen. Vergiss nicht, bei Bedarf Farbkorrekturen vorzunehmen, wie z. B. mehr Helligkeit und Sättigung hinzuzufügen oder sogar die allgemeinen Farben mit Farbbalance oder Verlaufskarte zu ändern, und schon ist es fertig! Es wird sich besser mit den Charakteren integrieren, die du hinzufügen möchtest.

 

Die Konfiguration des Effekts, die ich verwende:

Endergebnis!

Danksagungen

Damit ist das Tutorial beendet, ich hoffe, es war hilfreich! Vielen Dank fürs Zuschauen!

Ich hoffe, du traust dich, diese Ideen in deinem kreativen Prozess auszuprobieren > w <)//