Hallo Clip Studio-Ersteller!

 

Ich liebe es, digitale Aquarelle in Clip Studio zu erstellen, es ist das beste Programm, das ich für Aquarelltechniken verwendet habe, und ich entdecke immer mehr erstaunliche Techniken und Funktionen.

 

HINWEIS: In diesem Tutorial geht es mehr um meinen fortgeschrittenen Prozess als um die Grundlagen, daher ist es wahrscheinlich nur leicht zu befolgen, wenn Sie bereits Erfahrung mit Clip Studio haben.

Digitales Aquarell - Was ist möglich?

Ich habe traditionelles Aquarell schon immer geliebt und es im Laufe der Jahre oft in meinen Illustrationen verwendet, ich habe sogar ein ganzes Kinderbuch in Aquarell geschrieben! Doch DIGITAL Aquarell war lange Zeit keine Option. Früher habe ich in traditionellem Aquarell gemalt, es dann in Photoshop gescannt und meine Striche darüber gemacht! Gott sei Dank sind diese Zeiten längst vorbei und wir können jetzt digitales Aquarell verwenden.

 

Was ist also möglich? Bis zu einem gewissen Grad - alles! Mit gescannten Texturen und den bereits in Clip Studio verfügbaren Tools können Sie meiner Meinung nach schnell und auf professionellem Niveau die Ergebnisse erzielen, die Ihnen wirklich gefallen. Sie müssen sich nur mit einigen Techniken vertraut machen, die speziell für Clip Studio und digitale Aquarelle geeignet sind.

 

Wenn also etwas möglich ist, schlage ich vor, dass Sie einige großartige Referenzgrafiken dafür sammeln, wohin Ihre Aquarellstücke gehen sollen – sammeln Sie Referenzen von Pinterest oder anderswo, von Aquarellkünstlern, die Sie mögen. Einige meiner Lieblings-Aquarellkünstler sind unten (bitte folgen Sie den Links, um die Arbeiten der Künstler anzuzeigen):

EDMUND DULAC

Ein Illustrator des goldenen Zeitalters. Ich liebe seine leuchtenden Farben und natürlichen Texturen. Auch die Art und Weise, wie er Farbwärme und -kühle einsetzt.

ARTHUR RACKHAM

Ein legendärer, bahnbrechender Illustrator aus dem späten 20. Jahrhundert. Ich liebe seine explosive Fantasie, seine kraftvollen Linien und seine schönen Farben.

Digitales Aquarell - Mein Aquarellstil

Jetzt weiß ich, dass jeder einen ganz anderen Stil und eine andere Herangehensweise an die Kunst hat, also werde ich mich auf meine eigenen persönlichen Techniken konzentrieren. Aber ich möchte sagen, Sie können alles, was ich in diesem Tutorial beschreibe, auf IHREN EIGENEN Kunststil anwenden - hier gibt es keine Einschränkungen, nur viele Optionen!

 

Im Folgenden können Sie einige meiner Kunstwerke sehen, die diese Techniken verwenden und Clip Studio verwenden, um Kunst in digitaler Aquarellfarbe zu erstellen:

Und das ist mein Gemälde, das ich in diesem Tutorial besprechen und durchgehen werde. Es heißt "Nachschlagen":

Diese Techniken kommen sowohl in der digitalen Anzeige als auch in traditionellen Drucken sehr gut zur Geltung. Wenn Sie also ein Aquarellgemälde erstellen, das Ihnen gefällt, empfehle ich Ihnen, es in Ihrer örtlichen Druckerei drucken zu lassen, um es möglicherweise als Druck zu verkaufen oder einfach an Ihre Wand zu hängen.

 

Sie können einige meiner Kunstwerke auf meiner Website sehen:

 

Und mein Instagram:

Prozess und Übersicht

Mein Prozess, den ich Ihnen zumindest für dieses Tutorial empfehle, umfasst also einige wichtige Schritte, bevor wir zum Aquarellmalen kommen:

 

TEIL 1

Grobe Skizze, Linien, Flächen

 

TEIL 2

Aquarellbasis

Farbige Linien

Aquarell Schatten

Höhepunkte

Auswirkungen

Grobe Zeichnung

Normalerweise entwickle ich meine besten Rohzeichnungen/Layouts als Thumbnails. Das Vereinfachen einer Seite in eine winzige Skizze hat etwas, das mir wirklich hilft, ein schönes ausgewogenes Layout zu erstellen. Außerdem ist es bei einer so kleinen Größe so schnell, Bereiche abzureiben und zu wiederholen oder einfach mit einer neuen groben Skizze zu beginnen.

 

Das habe ich in meinem traditionellen Skizzenbuch gemacht und dann ein Foto davon in meinem iPad gemacht, um es in Clip Studio zu bringen:

Diese grobe Skizze war wirklich klein, etwa 1/4 Seite meines kleinen Skizzenbuchs. Ich habe auch einige andere Skizzen gemacht, aber mich entschieden, bei dieser zu bleiben. Es hat einen schönen Fluss oder Energie. Ich meine das nicht seltsam, ich meine nur, dass die Linien und Elemente ein schönes Gefühl für Bewegung und Fokus haben, wie folgt:

Haben Sie keine Angst, Seite und Seite mit groben Skizzen zu füllen, bevor Sie eine finden, die für Ihre Illustrationsidee geeignet ist. Machen Sie sich keine Sorgen, wenn Sie viel Zeit in der Rohphase verbringen, es ist einer der wichtigsten Momente in Ihrem Prozess - Alle groben Skizzen, die Sie nicht verwenden, können Sie später jederzeit für eine andere Illustration verwenden.

 

Jetzt sind wir mit dem Rough fertig, es ist Zeit, die harten Bleistiftlinien zu machen.

Bleistiftlinien

Importieren Sie nun Ihre Rohskizze in Clip Studio und stellen Sie sicher, dass die Seitengröße mindestens A4 / Letter beträgt und dass die Auflösung auf mindestens 350 dpi eingestellt ist (600 dpi verwende ich oft).

 

Importieren Sie Ihre grobe Skizze, stellen Sie dann Ihre Deckkraft niedrig ein und beginnen Sie auf einer neuen Ebene mit der Erstellung Ihrer Lineart.

 

Einige Hinweise zur Lineart in Aquarell:

 

• Manchmal ist weniger mehr mit Lineart für Aquarellillustrationen. Wenn Sie sich die Beispiele von Edmund Dulac ansehen, die ich oben verwendet habe, können Sie sehen, dass er dünne, ziemlich gleichmäßige Linien verwendet. Aber gleichzeitig können Sie fettere Linien verwenden, Sie müssen nur herausfinden, was für Sie funktioniert.

 

• Ich verwende oft eine dünne Linie, wenn ich Aquarellillustrationen mache, und in diesem Gemälde habe ich den Standard-Tintenpinsel "Textured Pen" für eine schöne saubere, aber zahnige Linie verwendet. Ich erhöhe die Stabilisierung auf 20, um die Linien zu glätten, und stelle die Pinselgröße klein auf 0,5 ein.

 

• Etwas, das ich beim Einfärben und während des gesamten Malprozesses sehr praktisch finde, ist das Bedienfeld „Unteransicht“. Sie können grundsätzlich jedes Ihrer bevorzugten Referenzbilder laden, beispielsweise ein eingefärbtes Kunstwerk, das Ihnen wirklich gefällt, und es beim Zeichnen als Referenz verwenden:

Nachdem Sie Ihren Stift getestet haben, beginnen Sie nun, Ihre harten Linien auf der neuen Ebene zu zeichnen. Konzentrieren Sie sich auf die Umrissstruktur und überlappende Formen. Sie müssen sich keine Sorgen um Schatten machen, es sei denn, Sie möchten einen tintenstrukturierten Look - konzentrieren Sie sich einfach auf die Umrisse und die Textur der Kleidung usw.:

Denken Sie daran, Ihre Linienführung so sauber wie möglich zu halten. Dies wird dazu beitragen, ein erstklassiges Ergebnis zu erzielen. Einige Beispiele für Linien, die sich gut für Aquarellbilder eignen:

 

Ich stütze meine Linien für Aquarellillustrationen auf Referenzen wie Edmund Dulac. Um seine Linien zu analysieren, ignorieren Sie die Farbe und beobachten Sie einfach die Linien.

 

Es ist sehr sauber, klar. Beachten Sie, wie er mit seinem Aquarell Schatten entwickelt, nicht mit seiner Tusche:

Wohnungen

Das Abflachen ist ein sehr hilfreicher, aber nicht unbedingt notwendiger Schritt im digitalen Aquarellkunstprozess. Im Grunde sind Flats eine Auswahl von Farben, die wir verwenden, um unseren Aquarell-Malfluss zu steuern, sodass die Striche, die wir machen, innerhalb der Linie bleiben - es ist sehr hilfreich, um die Dinge aufgeräumt zu halten. Wenn Sie jedoch einen natürlicheren, lockereren Look wünschen, können Sie den Flats-Prozess überspringen.

 

Im Gegensatz zu vielen Comiczeichnern, die ihre flache Auswahl auf eine beliebige Farbe setzen, treffe ich meine Grundfarbenentscheidungen gerne bei meinen - im Grunde finde ich es sehr hilfreich, die Farben zu bestimmen, die ich in meinem Gemälde verwenden möchte .

 

So zuerst:

1. schalte die raue ebene aus, wir brauchen sie nicht mehr, wir haben jetzt lineart als unsere referenz beendet

2. Erstellen Sie eine Ebene unter der Liniengrafik-Ebene

3. Wählen Sie die standardmäßige weiche Sprühfarbe und beginnen Sie, Ihre Farben ganz locker zu malen - hier geht es nur um Stimmung, nicht um Genauigkeit:

Bitte sorgen Sie sich nicht darum, innerhalb der Linien zu bleiben, diese Farben sind nur Notizen an Ihr zukünftiges Ich, die Ihnen helfen, durch Ihre Farbauswahl ein "Gefühl" oder eine Emotion zu erzeugen.

 

Sobald Sie ein allgemeines Gefühl für die Farben haben, die Sie verwenden möchten, wählen Sie Ihre Linienebene aus und sperren Sie die Transparenz. Legen Sie dann die Linienebene mit dem Leuchtturmsymbol als "Referenzebene" fest:

Dadurch wird die Linie zu einer Referenz für Ihre Wohnungen, die auf einer anderen Ebene erstellt wird.

 

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Jetzt haben wir also eine grobe Vorstellung von der Farbe. Kommen wir zu den FLATS.

 

Erstellen Sie eine neue Ebene UNTER der Liniengrafik-Ebene, wählen Sie dann das Farbeimer-Werkzeug und verwenden Sie die folgenden Einstellungen:

Um nur einige der Einstellungen aufzuschlüsseln:

 

'Lücke schließen' ist sehr wichtig, da dadurch alle Lücken in Ihrem Lineart geschlossen werden, während Sie Ihre Wohnungen erstellen. Ohne sie wird selbst die kleinste Lücke dazu führen, dass Ihr Farbeimer auf andere Bereiche Ihres Kunstwerks verschüttet wird.

 

'Toleranz' setzt einen Toleranzhebel, damit Farbabweichungen (in diesem Fall jedes Grau in Ihrem Lineart) ignoriert werden können.

 

'Flächenskalierung' bedeutet, dass der Farbeimer ein wenig über die Linie hinaus gefüllt wird, was sehr hilfreich ist, um sicherzustellen, dass keine unscharfen Räume um Ihr Lineart herum entstehen.

 

"Auf mehrere verweisen" teilt Clip mit, auf welche Ebene sich beim Füllvorgang beziehen soll - in diesem Fall möchten wir, dass sich der Farbeimer auf die Lineart bezieht. Obwohl wir uns also in einer anderen Ebene unter dem Lineart befinden, werden unsere Füllungen auf die Lineart-Umrisse beschränkt.

 

Beginnen Sie nun damit, Ihre Wohnungsebene mit der "allgemeinen" Farbe jedes Objekts zu füllen. Beziehen Sie sich auf Ihre vorherige Farbskizze, indem Sie die Pipette verwenden, um Farben auszuwählen, und klicken Sie dann, um jedes Element mit einer flachen Grundfarbe zu füllen.

 

Fummeln Sie weiter und bekommen Sie Ihre Farben genau richtig. Mir hat nicht gefallen, wie niedrig der Kontrast zwischen Hintergrund und Vordergrund war, also habe ich den unteren Teil der Szene und den Hintergrund abgedunkelt:

Nun zum Malteil 'Aquarell'!

Aquarellbasis

Traditionelles Aquarell wird in Schichten von hell bis dunkel aufgebaut, und digitales Aquarell scheint gut zu funktionieren, wenn Sie dem gleichen Prozess folgen.

 

Zuallererst müssen Sie diese erstaunlichen, lebensverändernden, überwältigenden Pinsel herunterladen, die dank des großzügigen Schöpfers völlig kostenlos sind ×ェ× :

Bitte machen Sie sich auf einer leeren Seite mit diesen Pinseln vertraut. Sie sind alle sehr hilfreiche Pinsel, und ich verwende sie sehr gerne so, wie sie sind, und passe sie an meine Bedürfnisse an. Wie auch immer, den Hauptpinsel, den Sie zum Erstellen Ihres Grundaquarells benötigen, finden Sie in diesem Set hier:

 

(HINWEIS: ICH SPRECHE KEIN JAPANISCH, SO HABE ICH DAS WORT 'plain' HINZUGEFÜGT, UM MICH ZU ERINNERN, WELCHER PINSEL DIES IST)

Dieser Pinsel ist für viele Dinge sehr gut, er ist vielseitig und hat einen Aquarellrand, den Sie je nach Wunsch ein- und ausschalten können. Es mischt die Vordergrund- und Hintergrundfarbe sanft, wenn wir also Rot/Rosa als Vordergrund und Blau als Hintergrundfarbe auswählen:

Wir erhalten eine schöne sanfte Mischung der beiden Farben:

Mit dem Stiftdruck können Sie mit einer harten Kante beginnen. Wenn Sie dann eine Stelle weich machen und reiben, kann sie zu einer weichen Kante werden, genau wie bei normaler Aquarellfarbe. Beispiel unten:

Wenn Sie also mit diesem Pinsel den Dreh raus haben, gehen Sie zurück zu Ihrem Illustrationsdokument und erstellen Sie eine neue Ebene namens 'Basis' oder etwas Ähnliches, um Ihr Basis-Aquarell abzulegen.

 

Wählen Sie die Ebenenebene aus, und klicken Sie dann mit dem magischen Wollwerkzeug auf den Bereich, in dem Sie mit dem Malen beginnen möchten. Stellen Sie sicher, dass "Nur ausgewählte Ebene beziehen" auch die von Ihnen verwendete Zauberstabeinstellung ist und Ihr Zauberstabwerkzeug auf die Bereichsskalierung 0 eingestellt ist. Hier habe ich für den Anfang die große grüne Wolke ausgewählt:

Schalten Sie nun die Ebene "Ebenen" aus und beginnen Sie auf der Ebene "Basis Aquarell" vorsichtig mit dem Malen in Ihrer Aquarell-Basisschicht:

Fahren Sie mit jedem einzelnen Element fort und erstellen Sie für jedes Element eine Basis-Aquarell-Waschung. Denken Sie daran, wirklich mit den Farben zu spielen, haben Sie keine Angst, Referenzen zu verwenden, um einige schöne Farben auszuwählen, und experimentieren Sie damit, was funktioniert und was nicht. Manchmal passen die überraschendsten Farben gut zusammen.

Ich habe keine Zeitrafferaufnahme von diesem bestimmten Gemälde gemacht, hier ist jedoch ein Zeitraffer eines anderen Gemäldes, das ich kürzlich gemacht habe, bei dem ich die Grundfarben des Aquarells niedergelegt habe:

OK, manchmal funktioniert diese Technik nicht für alle Bereiche und große Farbflächen erfordern einen anderen Ansatz. Zum Beispiel wollte ich dem Hintergrund hinter dem Mädchen, das in den Himmel schaut, Textur und Tiefe verleihen.

 

Um große Flächen zu füllen, mag ich den Dreiecks-Aquarellpinsel, der in dem Set enthalten ist, das ich Ihnen zuvor empfohlen habe:

Dieser Pinsel mischt auch die Hintergrund- und Vordergrundfarbe, also stellen Sie sicher, dass Sie beide Farben auswählen, bevor Sie beginnen.

 

Um einen Bereich mit diesem Pinsel zu füllen, schlage ich vor, einige Schichten zu verwenden.

 

Ich habe eine neue Ebene erstellt und sie mit verstreuten Dreiecks- und Kreisformen mit etwas Textur gefüllt, indem ich die Streuung in den Pinseleinstellungen erhöht habe:

Ich habe dann eine neue Ebene darüber erstellt und den Hintergrund erneut sorgfältig mit dem gleichen Dreieckspinsel gemalt, bis ich eine schöne feste Farbschicht erhalten habe, wie folgt:

 

HINWEIS: Ich habe in diesem Schritt auch das Malen im Basisaquarell für die Menge und das Mädchen beendet:

Das war es auch schon für unser Basis-Aquarell - es sieht vielleicht noch nicht nach viel aus, aber vertrauen Sie dem Prozess, sobald wir unsere Schatten, Highlights und Extras eingefügt haben, wird es großartig aussehen!

Färbung Lineart

Dies ist optional und wird nicht von vielen meiner Referenzen verwendet, aber ich mag es, meine Lineart zumindest in einigen Bereichen zu färben. Ich finde, es zeigt Einheit zum Kunstwerk. Ich mache es sogar in meinen Comics!

 

Grundsätzlich müssen Sie nur die Transparenz Ihrer Lineart-Ebene sperren, damit Sie die Liniengrafik direkt einfärben können, ohne sich Sorgen machen zu müssen, dass sie Ihre Liniengrafik zerstören.

Dann wähle ich einfarbige Farben wie Rot oder Blau aus (dies ist ein sehr intuitiver Teil des Prozesses und schwer zu empfehlen) und male die verschiedenen Bereiche meiner Illustration aus. In den Bereichen um die Lichter der Bucht mache ich die Lineart fast weiß, eine leuchtend gelbe Farbe.

 

Sie müssen in diesem Teil des Prozesses wirklich Ihrem Bauchgefühl folgen. Experiment.

Einige der Objekte, wie die Sternformen, habe ich mit einer hellen Linienfarbe versehen, damit sie in der Komposition „knallen“.

 

Denken Sie daran, dass Sie einige Teile als schwarze Linie belassen können, ändern Sie einfach die Farben der Linien, die Ihrer Meinung nach am besten aussehen.

 

Sie sollten am Ende etwas zusammenhaltenderes haben, wie dieses:

Aquarell Schatten

Die Schattenebene ist in der Aquarellmalerei sehr wichtig – sieh sie dir einfach als eine weitere Farbschicht an, die du auf ein Kunstwerk aufträgst. Es bringt Tiefe, Dynamik und Fokus in Ihre Komposition.

Derzeit sollte sich Ihr Kunstwerk in diesem Stadium befinden, wobei alle Ihre Grundaquarelle in großzügigen Farbtönen aufgetragen sind:

 

WICHTIGER TIPP: Wenn Ihre Aquarellfarben nicht hell genug sind, duplizieren Sie die Ebene. Dadurch wird die Sättigung Ihres Grundaquarells verdoppelt. Sie können dann die Deckkraft der duplizierten Ebene anpassen, bis sie genau richtig ist, und dann die beiden Ebenen zusammenführen. Das ist mehr oder weniger das, was ich unten getan habe, um einige sehr lebendige, aber glatte Farbtöne zu erhalten.

Um die Schattenebene zu erstellen, bekomme ich den gleichen Rundpinsel, mit dem wir unser Grundaquarell aufgetragen haben, und wähle einen tiefen Schatten aus.

 

Ein Hinweis zur Schattenfarbe - Da die Grundfarbe meiner Illustration überwiegend Grün ist, habe ich als Schattenfarbe die Komplementärfarbe Rot gewählt. Wenn die Hauptgrundfarbe blau wäre, würde ich mich für eine orangebraune Schattenfarbe entscheiden.

 

Sie können das Farbrad verwenden. Wenn sich Ihre Hauptfarbe in Ihrer Illustration auf einer Seite befindet, wählen Sie eine Schattenfarbe von der anderen Seite des Rads, die eine Komplementärfarbe wäre.

Dies ist also die Farbe, die ich für meine Schattenfarbe gewählt habe, ein Purpurrot mit der Hintergrundfarbe von leuchtendem Rot, die sich beim Malen subtil mit der Vordergrundfarbe vermischt hat:

Ich erstelle dann eine Ebene namens "Schatten" über der Basis-Aquarellebene, aber unterhalb der Lineart. Ich habe die Deckkraft auf 61% eingestellt, aber Sie können diesen Wert anpassen, je nachdem, wie stark Ihre Schatten liegen sollen:

Dann fange ich sanft, aber selbstbewusst an, in meinen roten Schatten zu malen. Ich verwende die Auswahl aus meiner flachen Ebene, um mir zu helfen, innerhalb der Linien zu bleiben, genau wie bei der Basisebene.

Dinge, die Sie beim Malen von Schatten beachten sollten:

 

• Es gibt weiche Schatten und harte Schatten, je nachdem, wie nah oder weit jedes Objekt vom anderen entfernt ist

• Wenn ein Objekt weit vom darunter liegenden Objekt entfernt ist, ist sein Schattenwurf weiter entfernt.

• Schlagschatten helfen wirklich dabei, die Form darunter zu definieren (sehen Sie, wie sich meine Wolkenformen oben krümmen und Schlagschatten, die auf ihre Oberflächen fallen, verzerren.

Sie sollten am Ende eine echte Tiefe in Ihrem Kunstwerk aufgrund der Wechselwirkung der Schatten zeigen:

Ich habe keinen Zeitraffer dieser speziellen Illustration aufgenommen, aber unten ist ein Beispiel für eine andere meiner Illustrationen, bei der ich in der Schattenebene male:

Und dieser Zeitraffer-Clip unten zeigt, wie die Schattenebene helfen kann, die Form des Objekts in vielen Details zu definieren:

Höhepunkte

Highlights können eine Illustration wirklich hervorheben, besonders in einem so heiklen Medium wie digitalem Aquarell. Sie müssen aber auch sparsam eingesetzt werden.

 

Ich habe in der besprochenen Illustration "Nachschlagen" nicht viele Hervorhebungen verwendet, mit Ausnahme der Linien, die ich in leuchtendes Gelb oder Weiß geändert habe:

Aber ich habe eine Ebene erstellt und mit einer weißen Farbe und dem runden Aquarellpinsel einige strukturierte Glanzlichter punktiert, um eine Atmosphäre der Helligkeit in den Bereichen zu erzeugen, die sie brauchten:

Auf einer Seite aus meinem Comic The Temptations können Sie den Vorher- und Nachher-Effekt des Hinzufügens von Highlights sehen. Zuerst habe ich eine Ebene unter dem Lineart erstellt und den Standard-Texturstift ausgewählt (den wir zuvor im Tutorial verwendet haben).

Dies ist die Seite ohne die Highlights:

Dann dachte ich an ein Licht, das aus einer Richtung der Charaktere kommt, und zeichnete Lichter an den Seiten der Objekte und ein Randlicht, das die Hauptfigur in der Illustration (Jesus) vollständig umgibt:

Hier ist ein kleines Video von mir beim Malen in den Highlights:

Sie möchten, dass Ihre Highlights für Sie arbeiten, um sowohl Fokus als auch Realismus hervorzuheben. Übertreiben Sie es auch nicht!

 

In dieser Illustration habe ich den Hintergrund ausgewählt und mit dem runden Aquarellpinsel sanft ein weißes Highlight gemalt, wie Sie unten sehen können. Ich habe auch Fokuslinien verwendet, die zum Kopf des Hauptcharakters führen, um den Fokus zu lenken, sowie einen weißen Umriss, der den gesamten Charakter umgibt:

Auswirkungen

Manchmal sind Effekte der Schlüssel, um ein digitales Aquarell traditioneller aussehen zu lassen. Hier sind ein paar Tipps, die ich sehr empfehlen kann.

An diesem Punkt sah 'Look Up' gut aus, aber es brauchte in einigen Bereichen mehr Tiefe, also erstelle ich eine Ebene mit 'hartem Licht' (oder Sie können 'vivd light' verwenden, wenn Sie möchten). Ich habe auch eine weitere Ebene beim Farbbrennen erstellt, um einige Bereiche des Gemäldes abzudunkeln:

Dann habe ich jede dieser Schichten sanft mit strukturierten Waschungen bemalt, um mehr Tiefe und Kontrast zu erzeugen, und zwar mit dem gleichen Dreieck-Aquarellpinsel, den wir zuvor verwendet haben:

Einige Nahaufnahmen der Details, die ich mit grünen, blauen und roten Farben gemalt habe:

Eine weitere wichtige Technik ist eine „weiches Licht“-Ebene, bei der eine Aquarell-Texturebene verwendet wird.

 

Ich habe die folgende Textur aus meinen Dateien entwickelt und sie funktioniert gut, gebührenfrei, um sie selbst zu verwenden:

Oder, wenn Ihnen das nicht zusagt, die Datei, die im zuvor heruntergeladenen Aquarell-Set von ×ェ× enthalten ist, finden Sie hier, die Sie einfach auf Ihre Leinwand ziehen und auf „weiches Licht“ setzen können:

So sah die Illustrationsnahaufnahme vor der Textur "weiches Licht" aus:

Ich stelle die Aquarelltextur auf "weiches Licht" und spiele mit der Deckkraft auf dieser Ebene herum:

Das Ergebnis, eine subtile, aber schöne Abwechslung:

Optional können Sie weiterhin Texturen hinzufügen. Ich füge meiner Aquarellillustration gerne eine schöne Papierstruktur hinzu:

Sie finden diese Arten von Papiertexturen, oft nahtlos, bei Google oder auf der Textur-Website. Probieren Sie aus, was Ihnen gut tut!

 

Ich habe diese Ebene auf "Multiplizieren" gesetzt und die Deckkraft verringert:

Und das Endergebnis ist das folgende:

Abschluss

Das ist alles!

 

Alle oben genannten Techniken können auf Ihr spezielles Kunstwerk und Ihren Stil angewendet werden - verwenden Sie einfach die Prinzipien, die ich im Detail definiert habe, und wenden Sie sie auf Ihre Zeichnungen an.

 

Einige abschließende Anmerkungen zur Aquarellillustration:

• Verwenden Sie Referenzen für Ihre Aquarelle und für Farbe, es hilft wirklich!

• keine Angst zu experimentieren

• Verwenden Sie Overlay-Texturen, um Ihre Aquarellarbeit dynamischer zu gestalten

• Clip Studio hat viele Werkzeuge. Ich habe nur einige abgedeckt. Sie alle können zusammenkommen, um Ihnen zu helfen, bessere Kunstwerke und ein angenehmeres und lohnenderes Experiment zu erstellen. Informieren Sie sich also über alles, was Clip zu bieten hat.

 

Lass es mich gerne in den Kommentaren wissen, wenn du Fragen hast.

 

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Und schau dir meine Kunst hier an:

Vielen Dank fürs Lesen, ich wünsche Ihnen viel Spaß beim Ausprobieren dieser Techniken!