Hallo! Ich bin LibertyFreedom.

Haben Sie sich schon einmal gefragt, wie Sie mit Clip Studio Paint atemberaubende Ölgemälde erstellen können?

In diesem Tutorial-Artikel führe ich Sie durch die wichtigen Kenntnisse, die Sie als Anfänger benötigen, um loszulegen.

In diesem Ölmalerei-Tutorial verwende ich nur drei Ölmalerei-Pinsel: den „Ölfarbenpinsel“, einen duplizierten „Ölfarbenpinsel“, aber mit anderen Textureinstellungen, und den „Echten Ölpinsel“, eine maßgeschneiderte Alternative, die ich von Clip Studio Asset heruntergeladen habe.

Sie finden beide Pinsel über die folgenden Links:

Wichtige Einstellungen und Funktionen digitaler Ölpinsel in Clip Studio Paint verstehen

Textur (Nasspinsel und Trockenpinsel)

Im Bereich der traditionellen Ölmalerei spielt die Textur eine entscheidende Rolle. Die beiden am häufigsten verwendeten Techniken sind die Nasspinselmethode, die weniger Textur ergibt, und die Trockenpinselmethode, die mehr Textur bietet.

Bei einer Nasspinseltechnik werden Pigmente mit einer größeren Menge an Verdünnungsmitteln wie Wasser gemischt. Diese Zusammensetzung führt zu einer glatteren Farbe, die beim Auftragen weniger Textur ergibt. Bei der Trockenpinseltechnik hingegen werden den Pigmenten weniger Verdünnungsmittel zugesetzt. Folglich ist der Farbauftrag rauer, was einen strukturierteren visuellen Effekt erzeugt. Um diese Methoden in die digitale Malerei mit Clip Studio Paint umzusetzen, müssen die Ölpinsel verwendet werden, die in der Kategorie „Dicke Farbe“ zu finden sind.

Jeder Pinsel dieser Klasse besitzt einzigartige Texturen, die im Abschnitt „Textur“ des Detailfensters des Unterwerkzeugs sichtbar sind. Clip Studio Paint gibt Ihnen die Freiheit, diese Textur zu ändern, indem Sie verschiedene Papiermaterialtexturen anwenden.

Gehen Sie einfach zum Fenster [Material], geben Sie „Leinwand“ oder „Öl“ in das Suchfeld ein und Sie können verschiedene Papiertexturen finden, die Ihnen zur Verfügung stehen. Darüber hinaus bietet Clip Studio Assets mehr Variationen herunterladbarer neuer Papiertexturen.

Wichtig sind die Einstellungen für Texturdichte und Skalierungsverhältnis.

Um einen trockenen Farbeffekt digital nachzuahmen, verbessern Sie die Textur, indem Sie den Wert für Skalierungsverhältnis und Texturdichte erhöhen.Um einen nassen Farbeffekt digital nachzuahmen, halten Sie den Wert für Skalierungsverhältnis und Texturdichte niedrig.

Standardmäßig ist der „Ölfarbenpinsel“ ein nasserer Pinsel (weniger strukturiert). Wenn Sie eine trockenere Version desselben Pinsels (mehr strukturiert) wünschen, können Sie das Unterwerkzeug duplizieren und die Textureinstellung anpassen.

In diesem Tutorial wähle ich den Pinsel „Ölfarbe“ (mit seiner Standardeinstellung) als meinen Nasspinsel der Wahl. Als Trockenpinsel verwende ich denselben „Ölfarbe“-Pinsel, jedoch mit einem höheren Texturdichtewert. Zusätzlich verwende ich auch den Pinsel „Echtes Öl“ (heruntergeladen von Clip Studio Asset) als meinen zweiten Trockenpinsel.

Abgesehen vom Texturunterschied besteht das Besondere am Pinsel „Echtes Öl“ darin, dass, wenn Sie die Vordergrundfarbe verwenden, die Hintergrundfarbe einige Strähnen und Linien erzeugt, die einem echten Ölpinsel ähneln. Dies ist gut für die Detaillierung des Gemäldes. Wählen Sie einen ähnlich dunkleren Ton für die Hintergrundfarbe, damit die Strähnen natürlich wirken, andernfalls heben sie sich deutlich ab.

Wenn Sie andererseits die Hintergrundfarbe zum Malen wählen, ist es nur ein normaler Texturpinsel ohne das Zusammenspiel mit der Vordergrundfarbe (keine Strähnen).

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Der Pinsel „Echtes Öl“ ist ein fortgeschrittener Pinsel und daher möglicherweise nicht für Anfänger geeignet, da Sie zum Malen zwei geeignete Farben auswählen müssen.

In diesem Tutorial benötigen wir nur die Textur. Wählen Sie also unbedingt die Hintergrundfarbe zum Malen aus.

Farbmischung

Beachten Sie, dass „Farbmischen“ nur die Farbe auf derselben Ebene beeinflusst.

Diese Funktion verbessert das Vermischen und Mischen von Farben erheblich und imitiert den Effekt traditioneller dicker Farbe oder „Impasto“ in einer digitalen Umgebung.

Wenn Sie mit derselben Farbe die ersten paar Pinselstriche leicht auf eine andere Farbe auf Ihrer Leinwand auftragen, wird der resultierende Farbton zu einer entsättigten und helleren Version Ihrer ausgewählten Farbe. Dieser Effekt erzeugt die subtile Mischung, die auftritt, wenn Ölfarben auf einer echten Palette oder Leinwand gemischt werden.

Die Stärke dieser Funktion liegt in ihrer Kontrolltiefe. Wenn Sie weiterhin mehrere Pinselstriche auf denselben Bereich auftragen, wird die Farbe allmählich intensiver und nähert sich Ihrem ursprünglich ausgewählten Farbton an. Dieses Verhalten repliziert auf einzigartige Weise die Schichteigenschaften dicker Ölfarbe und ermöglicht ein müheloses Mischerlebnis.

 

 

Sie finden diese Funktion unter dem Bedienfeld „Tinte“ in den Einstellungen für „Unterwerkzeugdetails“. Das Anpassen dieser Parameter wirkt sich direkt auf das Erscheinungsbild Ihrer gemalten Farbe aus. Wenn Sie beispielsweise diese Werte verringern, erscheint Ihre Farbe heller und entsättigter. Dies bedeutet, dass Sie die Stelle mehrmals neu streichen müssen, um die Intensität oder Sättigung zu erhöhen, wenn Sie den ursprünglichen Farbton anstreben.

Andererseits wird durch Erhöhen dieser Werte die Mindestgrenze des Sättigungswerts und der Helligkeit angehoben. Dies bedeutet, dass die Verwendung einer höheren Dichte oder einer größeren Farbmenge eine Farbmischung ergibt, die näher an Ihrer ursprünglichen Farbwahl liegt, ohne dass dieselbe Stelle mehrmals gemalt werden muss, was wir bei der Ölmalerei eigentlich nicht brauchen.

Das liegt daran, dass die Ölmalerei eine Form der dicken Malerei für realistische Malerei ist. Sie beinhaltet viele entsättigte Töne (Grautöne) und Formen, die miteinander kommunizieren. Sie müssen also Zeit damit verbringen, viele Pinselstriche zu malen, um die Bilder realistisch oder zumindest glaubwürdig zu machen.

 

 

Farbmischübung

Hier ist eine vereinfachte Übung, die Sie mit der „Farbmischung“ beim digitalen Malen mit dicken Pinseln vertraut machen soll. Ich werde Ihnen sechs wichtige Punkte nennen, die Sie beim Einsatz der „Farbmischung“-Technik beachten sollten. Für diese Übung verwende ich „Ölfarbe“, einen nassen Pinsel, um eine Kugel mit nur zwei Farbtönen zu malen – einem dunkleren und einem helleren.

1. Beginnen Sie, indem Sie die Kugel mit dem dunkleren Ton formen. Es ist wichtig zu verstehen, dass die aufgetragene Farbe beim Malen auf der Leinwand 100 % Intensität aufweist. Jeder Strich behält die ursprüngliche Farbe bei, bis er mit einer anderen Farbe überlappt. Denken Sie daran, dass Farbmischung nur dann gilt, wenn eine Farbe über eine andere gemalt wird, und diese Interaktion findet nur innerhalb derselben Ebene statt. Daher erleichtert das Malen auf mehreren Ebenen die Farbmischung nicht.

2. Wählen Sie nun einen helleren Ton, um das Licht auf der Kugel darzustellen. Standardmäßig ist die Farbmenge auf 61 % eingestellt, was bedeutet, dass die maximale Sichtbarkeit Ihres ersten Strichs 61 % beträgt, während die Sichtbarkeit der darunterliegenden Farbe 49 % beträgt. Die Intensität korreliert auch mit dem Stiftdruck – leichter Druck führt zu weniger als 61 % Deckkraft, während mehr Druck eine Deckkraft von fast 61 % ergibt. Sie können jedoch keine 100 % Deckkraft erreichen, da das Maximum auf 61 % eingestellt ist.

Daher ist Ihr erster Strich immer eine entsättigte und dunklere Variante Ihrer gewählten Farbe, da er mit der darunterliegenden Farbe verschmilzt.

3. Wenn Sie die gewählte Farbe pur und ohne Mischen auftragen möchten, streichen Sie einfach mehrmals über dieselbe Fläche. In diesem Fall müssen wir dieselbe Fläche mehrmals streichen, da der helle Farbton hervorstechen soll.

4.Nehmen wir an, wir möchten den Mittelton der Kugel erhalten. Um den Mittelton zwischen Licht und Schatten zu erhalten, verwenden Sie einfach den hellen Ton, um den Schattenbereich ein paar Mal zu übermalen, um den gewünschten Mittelton zu erhalten. Ein Strich tendiert zum dunklen Ton und mehrere Striche bringen Sie näher an die Originalfarbe heran. Achten Sie darauf, nicht zu viel zu malen, sonst erhalten Sie den ursprünglichen hellen Ton.

 

 

5.Sobald der Mittelton erreicht ist, drücken Sie einfach die Alt-Taste, um ihn auszuwählen. Anschließend können Sie damit die Form oder die Pinselstriche verfeinern.

 

 

Sie können dieselben Schritte wiederholen, um beliebig viele Zwischentöne zu erstellen.

6. Wenn Sie glatte Kanten wünschen, können Sie die Kanten mit dem Werkzeug „Malerischer Blender“ verwischen. Bei Ölgemälden müssen Sie jedoch nicht zu viel verwischen, da sonst die Textur, die Pinselstriche und die Formensprache Ihres Gemäldes verwaschen werden und es eher wie ein Aquarell wirkt.

Wenn Sie sich mit dem Mischen von Farben vertraut machen, können Sie mehrere Zwischentöne für detailliertere Schattierungen erstellen und die Formen oder Pinselstriche feinabstimmen. Das direkte Auswählen und Mischen von Farben aus dem Farbkreis kann zu ähnlichen Ergebnissen führen. Die Farbmischmethode bietet jedoch eine bessere Kontrolle über die Farbsättigung und den Strichauftrag. Außerdem wird der Malprozess rationalisiert, da Sie nicht ständig die Werkzeuge wechseln oder neue Farben auswählen müssen, was das Gesamterlebnis reibungsloser macht.

Kanten

Um weichere Kanten und einen sanften Farbverlaufseffekt zu erzielen, verwenden Sie das Unterwerkzeug „Malerischer Blender“. Dies funktioniert wie ein Wischwerkzeug, mit dem Sie Farben nahtlos verschmelzen und so die Kanten Ihres Gemäldes weicher machen können.

Um verlorene Kanten zu vermeiden, bei denen die Grenzen zwischen Elementen undeutlich werden, verwenden Sie das Unterwerkzeug „Weichzeichnen“, um die Kanten zu verwischen.

Um eine scharfe Kante zu erhalten, bei der die Grenzen zwischen Elementen klar definiert sind, verwenden Sie das Lasso-Werkzeug, um eine Auswahl dieses Bereichs zu treffen.

Nachdem der Bereich ausgewählt ist, malen Sie einfach innerhalb der Auswahl, um eine präzise, scharfe Kante zu erhalten.

Farbzittern

Um naturgetreue Farben und Realismus in Ihren Ölgemälden zu erzielen, müssen Sie innerhalb jedes Werts einige nuancierte Farbvariationen hinzufügen. Die Welt präsentiert uns eine Unzahl verschiedener Farben. Wenn Sie also nur eine Farbe für jeden Wert verwenden, wird Ihr Werk monochromatisch und grafisch aussehen.

 

In Clip Studio Paint können Sie die Funktion „Farbschwankungen“, die über das Bedienfeld „Sub-Tool-Details“ zugänglich ist, verwenden, um diese nuancierten Farbvariationen einzuführen.

 

 

„Farbschwankungen“ können Farbton, Sättigung und Helligkeit für jeden Strich zufällig festlegen. Wenn Sie beispielsweise den Farbtonwert auf etwa 6–10 erhöhen und dabei den Sättigungswert und die Helligkeit niedrig halten, werden Sie subtile Farbverschiebungen feststellen. Sie können sehen, dass sich einige gräuliche Farben verschieben, wenn Sie mit derselben Farbe malen.

Auf dem Bild oben werden Sie feststellen, dass trotz des Malens mit demselben gräulichen Blau Untertöne von Grün und Lila auftreten, die die Illusion kühler und warmer Graunuancen in den Blautönen erzeugen. Diese Funktion ist unglaublich nützlich und praktisch, da sie das ständige manuelle Mischen von Farben zum Erfassen dieser Farbnuancen überflüssig macht.

Wenn Sie diese Grautöne lieber durch manuelles Mischen von Farben entdecken möchten, können Sie „Farbschwankungen“ ausschalten.

 

 

Behalten Sie für Sättigung und Helligkeit immer niedrige Werte bei, um einen konsistenten Wertebereich beizubehalten. Sollten sich Sättigung und Helligkeit drastisch ändern, kann der Wert aus dem Gleichgewicht geraten, was zu einem chaotischen Gemälde führen kann, bei dem die Helligkeits- und Schattenaspekte ihre Kohärenz verlieren.

Bei meiner persönlichen Vorgehensweise stelle ich den Farbtonwert normalerweise so ein, dass er im Bereich zwischen 6 und 10 liegt (die Standardeinstellung ist 4), während ich die Sättigungs- und Helligkeitsindizes bei 1 bis 3 behalte.

 

Nachdem wir nun die wichtigsten Einstellungen für digitale Ölpinsel behandelt, uns mit der Verwendung des „Farbmischmodus“ befasst und Kanten mit den Misch- und Lasso-Tools kontrolliert haben, sind wir bereit, diese Fähigkeiten in die Praxis umzusetzen. Wenden wir unser neu erworbenes Wissen an, um einen einfachen Apfel zu erstellen, der in Clip Studio Paint im Stil eines Ölgemäldes gerendert wird.

 

 

Digitales Ölgemälde: Apfel

Schritt 1: Skizze

Sie können zum Zeichnen der Skizze jeden beliebigen Pinsel verwenden, es ist jedoch wichtig, dass die Linien weniger undurchsichtig sind. Versuchen Sie, einfache, weniger undurchsichtige Linien ohne zu viele detaillierte Linien zu zeichnen, da diese Skizze schließlich mit Farbe überzogen wird. Solange Ihre Skizze klar genug ist, um als verständliche Anleitung für das endgültige Gemälde zu dienen, können Sie mit dem nächsten Schritt fortfahren.

Die Verwendung eines typischen Stiftwerkzeugs mit scharfen Kanten und vollem Schwarz kann dazu führen, dass die Skizze zu endgültig wirkt. Um einen flüssigeren Ansatz beizubehalten, empfehle ich die Verwendung eines weicheren Werkzeugs wie des Unterwerkzeugs „Airbrush“, kombiniert mit einem gräulichen Ton für die Skizzierphase.

Sobald Ihre Skizze fertig ist, können Sie das Werkzeug „Verflüssigen“ verwenden, um die Silhouette und Proportionen anzupassen. In meinem Fall war ich mit meiner ersten Skizze nicht ganz zufrieden, aber anstatt sie zu löschen und neu zu beginnen, habe ich einfach den „Push“-Modus des Werkzeugs „Verflüssigen“ verwendet, um die Silhouette des zentralen Apfels zu erweitern. Dann konnte ich durch Umschalten in den Modus „Erweitern“ die Blätter problemlos vergrößern. Dieser Ansatz gibt Ihnen die Flexibilität, Ihr anfängliches Konzept zu verfeinern, ohne jedes Mal von vorne beginnen zu müssen.

Schritt 2: Konturlinien kreuzen

Eine wertvolle Übung für Anfänger, um Objekte in 3D-Form zu visualisieren, ist das Zeichnen von „Querkonturlinien“. Diese Technik hilft Ihnen, die 3D-Struktur von Objekten zu verstehen, und ermöglicht es Ihnen, zu bestimmen, wo Sie Licht und Schatten richtig malen müssen, sobald die Richtung der Lichtquelle festgelegt ist.

 

 

Versuchen Sie außerdem, beim späteren Malen des Apfels Ihre Pinselstriche in Richtung der Konturlinien auszurichten. Diese Technik verstärkt den Eindruck von Form und Tiefe in Ihrem Kunstwerk.

Schritt 3: Hintergrund

Beginnen Sie damit, zuerst den Hintergrund zu malen. Obwohl wir in einem digitalen Medium arbeiten und das Füllwerkzeug verwenden könnten, möchten wir traditionelle Methoden verwenden, um ein flaches Erscheinungsbild zu vermeiden.

Beginnen Sie mit einem feuchteren Pinsel (geringere Texturdichte), um die Grundfarbe zu erstellen und die Richtung der Pinselstriche für den Hintergrund festzulegen. In diesem Beispiel verwende ich einen „Ölfarbenpinsel“, um schräg mit einem mittleren Cyan-Ton in der Mitte zu malen. Dann male ich einen wärmeren Schatten und einen kühleren, dunkleren Ton um den mittleren Cyan-Ton herum.

 

 

Mischen Sie als Nächstes die Farben, indem Sie eine Seite der Farben auswählen und die andere Seite ausmalen, um die gemischten Farben zu erhalten. Sie können versuchen, den Hintergrund in verschiedene Richtungen zu malen, aber in diesem Beispiel möchte ich, dass alle meine Pinselstriche in derselben Richtung verlaufen.

Sie können bei Bedarf auch andere Farben zum Mischen hinzufügen. In diesem Fall mische ich eine entsättigte grünliche und orange Farbe mit dem Cyan.

Wenn Sie mit den Farben zufrieden sind, wechseln Sie zu Trockenpinseln, um weitere Details hinzuzufügen und verschiedene Texturen und Kantenhärten zu erzeugen.

In meinem Fall habe ich zwei Trockenpinsel verwendet. Einer ist der duplizierte „Ölfarbenpinsel“, den ich zuvor mit höherer Texturdichte und Skalierungsverhältniswert erstellt habe, und der andere ist der „echte Ölpinsel“, den ich von Clip Studio Asset heruntergeladen habe. Sie können bei Bedarf auch andere Texturen von Trockenpinseln verwenden.

Variieren Sie beim Malen die Größe des Pinsels, sodass manche Striche groß, manche mittelgroß und manche klein sind.

Verwenden Sie außerdem das Unterwerkzeug „Malerische Überblendung“, um einige der harten Kanten zu verwischen.

Schritt 4: Lichtrichtung und Farbpalette

Vor dem Malen müssen wir entscheiden, woher das Licht kommt. In diesem Fall habe ich gewählt, dass das Licht von leicht rechts und nicht geradeaus kommt.

Sobald die Lichtrichtung festgelegt ist, erstellen Sie eine Farbpalette, damit Sie sich später keine Gedanken über die Farbauswahl machen müssen.

Es ist wichtig, die Umgebungsfarbe und die Lichtfarbe in der Szene zu verstehen, da sie den lokalen Ton der Objekte beeinflussen. Hier ist die Umgebungsfarbe ein leicht warmes Rötlich und das Licht ein normales Weiß.

Erstellen Sie eine neue Ebene und suchen Sie zunächst die Schattenfarbe, dann den Mittelton und den hellen Ton für den Apfel, die Blätter und die Tischdecke.

Obwohl Sie im Bedienfeld „Farbmischung“ (zu finden im Menü „Fenster“) eine Farbpalette erstellen können, empfehle ich, dies auf einer neuen Ebene zu tun.

Auf diese Weise können Sie die Farben bequem mit [Farbton/Sättigung/Leuchtkraft] und [Farbbalance] (Strg+U oder Strg+B) anpassen.

Wenn Sie sich beispielsweise bei der Farbwahl für die Tischdecke nicht sicher sind, verwenden Sie das Lasso-Werkzeug, um die Tischdeckenfarben auszuwählen, drücken Sie dann Strg+U und passen Sie die Schieberegler an, um verschiedene Möglichkeiten auszuprobieren.

Auf ähnliche Weise können Sie beispielsweise den grünen Mittelton und den Schattenton auswählen, Strg+B (Farbbalance) drücken und den Schieberegler in Richtung Rot bewegen, um etwas Rot in die Schattengrüntöne zu mischen und so die rötliche Umgebungsfarbe widerzuspiegeln.

Wenn Sie mit den Farben in der Palette zufrieden sind, können Sie mit dem Malen der Objekte beginnen. Ich persönlich mische die Farben lieber, um mehr Zwischentöne in meiner Palette zu erzeugen, sodass ich mit einer reichhaltigeren Farbpalette arbeiten kann.

 

 

Schritt 5: Schatten, dunklerer Schatten und Mittelton

Legen Sie die Skizzenebene oben auf, stellen Sie den Ebenenmodus auf „Multiplizieren“ und reduzieren Sie die Deckkraft auf ein geeignetes Niveau. Es gibt zwei Herangehensweisen beim Malen: Beginnen Sie mit weichen Kanten und helleren Tönen oder beginnen Sie mit harten Kanten und dunkleren Tönen. Ich beginne lieber mit harten Kanten und dunkleren Tönen.

Schatten blockieren:

-Erstellen Sie zwei neue Ebenen über der Hintergrundebene: eine für die Tischdecke und eine für die Äpfel.

 

-Verwenden Sie einen nassen Pinsel, beispielsweise den „Ölfarbenpinsel“ oder einen beliebigen nassen Pinsel Ihrer Wahl, um die Schattenfarbe jedes Objekts zu blockieren.

 

-Denken Sie daran, den Schattenton aus der Farbpalette auszuwählen, die wir zuvor erstellt haben.

 

 

Mitteltöne:

Sobald die Schatten blockiert sind, sperren Sie die Pixelebenen und beginnen Sie, die Mitteltöne auf derselben Ebene zu malen, damit die Farbmischung funktionieren kann.

-Tischdecke: Wählen Sie den Mittelton aus der Palette und malen Sie die obere Oberfläche.

Äpfel:

-Wählen Sie den Mittelton aus der Palette und malen Sie auf der rechten Seite, da sich die Lichtquelle rechts befindet.

Blätter:

-Wählen Sie den Mittelton aus der Palette und malen Sie zuerst einen flachen Mittelton, um anzuzeigen, wo das Licht auf das Blatt trifft.

Achten Sie darauf, dass Ihre Pinselstriche der Richtung der Konturlinien folgen, um dem Apfel eine gewisse Form zu verleihen.

 

 

Dunklerer Schatten:

- Um die Apfelhöhle zu bemalen, wählen Sie einen dunkleren roten Schattenton.

- Um harte Kanten zu erzielen, verwenden Sie das Lasso-Werkzeug, um eine Auswahl zu treffen, und malen Sie dann innerhalb des

Dunkleren Mitteltons:

- Verwenden Sie einen dunkleren Mittelton, um die Blattoberfläche zu bemalen.

- Stellen Sie sicher, dass der dunklere Mitteltonwert nicht dunkler ist als der Schattenton.

- Beachten Sie, dass meine Pinselstriche die Richtung des Blattwachstums nachahmen und sich vom Stiel in Richtung der Spitzen erstrecken.

 

 

Sättigung hinzufügen:

-Wählen Sie einen etwas helleren und gesättigteren roten Mittelton aus der Palette.

-Malen Sie ihn über den vorherigen Mittelton, um den Äpfeln mehr Sättigung zu verleihen.

-Der linke Apfel bleibt im Schatten, vermeiden Sie daher dort die Verwendung gesättigter Farben.

 

Schritt 6: Schlagschatten, Kernschatten und reflektiertes Licht

Schlagschatten des Blattes:

-Wählen Sie den dunkelsten Rotton aus der Palette.

-Zeichnen Sie mit dem Lasso-Werkzeug den Schlagschatten des Blattes und füllen Sie ihn mit dem dunkelsten Rotton aus.

Schlagschatten des Apfels:

Wiederholen Sie die gleichen Schritte wie zuvor.

-Malen Sie auf der Tischtuchebene den Schlagschatten des Apfels mit dem dunkelsten Rotton.

-Zeichnen Sie mit dem Lasso-Werkzeug die Schlagschattenauswahl. Da das Licht von links kommt, sollte der Schlagschatten nach links ausgedehnt werden.

 

 

- Beachten Sie, dass die Kante des Schlagschattens nicht immer hart ist, da der Apfel eine abgerundete Form hat.

- Heben Sie die Auswahl auf und verwenden Sie das „Weichzeichnen“-Werkzeug, um den unteren Teil der Kanten weicher zu machen und so das abgerundete Erscheinungsbild zu verbessern.

- Verwischen Sie die linke Seite des Schlagschattens, um zu zeigen, dass er weiter von der Lichtquelle entfernt ist. (Je weiter der Schlagschatten vom Objekt entfernt ist, desto unschärfer wird er.)

Kernschatten:

-Wählen Sie den zweiten dunkelroten Ton aus der Palette und malen Sie den Kernschatten des Apfels. -Folgen Sie der Konturlinie, um Ihre Pinselstriche zu malen.

Reflektiertes Licht:

-Verwenden Sie einen dunkleren Mittelton, um das reflektierte Licht um die linke Unterseite des Schattens zu malen.

Schritt 7: Heller Ton und Hervorhebung

Apfel:

Heller Ton:

-Wählen Sie den hellen orangenen Ton aus der Palette, um den Mitteltonbereich auszumalen.

-Wählen Sie den helleren gelblichen Ton aus der Palette, um den hellen orangenen Bereich auszumalen.

- Halten Sie den Kontrast für den rechten Apfel niedriger, da er nicht der Mittelpunkt ist.

 

 

Hervorhebung:

- Fügen Sie dem hellgelben Bereich etwas Hervorhebung hinzu.

- Verwenden Sie das Unterwerkzeug „Weichzeichnen“, um die Kanten sanft zu verblenden.

- Vermeiden Sie Hervorhebungen beim rechten Apfel, um einen geringeren Kontrastwert beizubehalten, da dieser nicht im Mittelpunkt steht.

- Auf den linken Apfel müssen Sie keinen hellen Ton oder keine Hervorhebung anwenden, da er im Schatten verborgen ist.

Vermeiden Sie den übermäßigen Einsatz von Mischwerkzeugen, da sonst der Pinselstrich und die Struktur verwaschen wirken und das Gemälde wie ein Aquarell aussieht. Lassen Sie die meisten Kanten zunächst relativ hart, einige der harten Kanten werden wir später glätten.

 

 

Blätter:

Helligkeitsanpassung

-In meinem Fall möchte ich vorhandene Pinselstriche beibehalten, ohne erneut helle Töne darüber zu malen. Daher erstelle ich eine Ebene und ändere den Ebenenmodus auf „Farbe abwedeln“.

-Auf die darunterliegende Ebene schneiden und hineinmalen, um das rechte Blatt und einen Teil des linken Blattes aufzuhellen.

-Wenn der Effekt zu hell ist, können Sie Strg+U drücken, um die Leuchtkraft/Helligkeit zu verringern. Alternativ können Sie auch den Wert der Ebenendeckkraft verringern.

-Wenn Sie mit dem Ergebnis zufrieden sind, fügen Sie die Ebenen zusammen, damit die Farbmischung funktioniert, wenn Sie darübermalen.

 

 

-Um zu zeigen, dass es näher an der Lichtquelle ist, malen Sie das rechte Blatt in einem helleren Ton.

 

 

Brunch:

-Für den Ast müssen wir nicht viele Farbtöne verwenden, da er klein ist. Es reicht aus, ihn in einem hellen Farbton zu malen, um einige Änderungen in den Ebenen der Form anzuzeigen.

Tischdecke:

- Streichen Sie die rechte Seite der Tischdeckenoberfläche mit einem hellen Farbton.

 

 

- Damit der Tisch aussieht, als wäre er mit einem dünnen Tuch bedeckt, verwenden Sie das Unterwerkzeug „Malerische Mischung“, um die helleren Bereiche in die Schattenbereiche zu verwischen.

- Um die Verwischung länger zu halten, erhöhen Sie die Werte für Farbdehnung und Pinseldichte in den Werkzeugeigenschaft.

-Wählen Sie die Farben aus dem Übergangsbereich und andere Töne aus, um die Tischtuchfalten zu verfeinern.

 

 

-Verwenden Sie das Lasso-Werkzeug erneut, um Auswahlen zu treffen und sicherzustellen, dass die harten Kanten des Schlagschattens unverändert bleiben.

 

-Malen Sie abschließend in helleren Tönen, um anzuzeigen, wo das Licht auftrifft.

 

 

Schritt 8: Den Brennpunkt detaillieren und weitere Farbvariationen hinzufügen

Jetzt konzentrieren wir uns darauf, dem Gemälde mehr Details hinzuzufügen. Wir müssen die Details nicht im gesamten Gemälde malen, wir müssen nur mehr Details im Brennpunkt malen, damit ein Kontrast zwischen dem Brennpunkt und den entspannten Bereichen entsteht. In diesem Gemälde sind die entspannten Bereiche die kleineren Äpfel und der Schattenbereich des mittleren Apfels. Der Brennpunkt ist dort, wo das Licht auf den mittleren Apfel und das rechte Blatt trifft.

 

 

Wenn ich von „Details“ spreche, meine ich die Verwendung einer Trocknerbürste, um strukturiertere Details einzubringen, verschiedene gesättigte Farben einzubeziehen und härtere Kanten im Brennpunkt hervorzuheben.

Manchmal können Detailarbeiten das Gemälde ruinieren oder zu etwas führen, das wir nicht wirklich wollen. Um das zu vermeiden, duplizieren Sie am besten dieselbe Ebene noch einmal als Backup.

 

Denken Sie daran, dass das Erstellen einer neuen Ebene und das Malen darauf nicht funktioniert, da „Farbmischung“ nur für Farben auf derselben Ebene gilt.

Für die Detailarbeit verwende ich den Trockenpinsel „Real Oil“.

- Auf die Leinwand zoomen

- Pinselgröße reduzieren

- Helle Farbtöne auswählen

- Kleinere Pinselstriche auftragen, um die hellen Bereiche mit mehr Struktur und Pinselstrichen hervorzuheben.

 

 

Aus ästhetischen Gründen sollten Sie neben dem Rotton des Apfels selbst auch Umgebungsfarben wie die des Hintergrunds und der Blätter in den Apfel einarbeiten.

• Ich mische einige gesättigte Grün- und Blautöne in den hellen Brennpunkt.

 

 

-Für Schatten und Schlagschatten mische ich einige entsättigte grünliche und bläuliche Grautöne hinzu.

 

 

Schritt 9: Abschließende Kontrolle und Verwischen harter Kanten

Überprüfen Sie das gesamte Bild noch einmal und prüfen Sie, ob etwas fehlt oder ob Sie es verbessern können.

In meinem Fall fiel mir auf, dass ich vergessen hatte, den Schlagschatten des Astes zu malen, also fügte ich ihn hinzu. Ich hatte auch das Gefühl, dass dem Apfel ein gesättigteres Rot guttun würde, war mir aber nicht ganz sicher. Vorsichtshalber duplizierte ich die Ebene und experimentierte mit dem Hinzufügen von stark gesättigten Rottönen zu den Mitteltönen. Das Ergebnis war zufriedenstellend.

Wenn Sie mit dem Bild zufrieden sind, können Sie einige der harten Kanten weicher machen. Duplizieren Sie die Ebene also erneut zur Sicherung, blenden Sie die Sicherungsebene aus und verwenden Sie das Werkzeug „Weichzeichnen“, um die harten Kanten in den Schattenbereichen weichzuzeichnen.

Schritt 10: Textur überlagern

Um dem Gemälde ein traditionelleres Gefühl zu verleihen, können wir eine Texturebene darüberlegen.

-Öffnen Sie das Bedienfeld [Material]

-Gehen Sie zu „Monochromatisches Muster“

-Geben Sie „Öl“ oder „Leinwand“ in die Suchleiste ein.

-Wählen Sie eines der Öltexturmuster aus, das Ihren Wünschen entspricht, ziehen Sie es auf die Leinwand.

-Passen Sie seine Größe an die Leinwandabmessungen an.

 

 

- Navigieren Sie zum Bedienfeld „Ebeneneigenschaft“ und wählen Sie „Textur überlagern“ aus.

-Wenn die Textur zu schwer ist, können Sie die Deckkraft der Ebene oder die Texturstärke im Bedienfeld „Ebeneneigenschaft“ verringern.

 

 

-Wenn Sie einen Teil der Textur lieber löschen möchten, verwenden Sie eine Ebenenmaskierung.

-Verwenden Sie das „weiche“ Radiergummi-Werkzeug, um einige Teile, deren Texturintensität Sie reduzieren möchten, vorsichtig zu löschen.

- Sollten während dieses Vorgangs Fehler auftreten, wechseln Sie einfach zu einem „weichen Airbrush“ und malen Sie, um die Textur nach Bedarf wiederherzustellen.

Danke fürs Einschalten! Ich hoffe, die Tipps, die ich geteilt habe, sind hilfreich für Ihre künstlerische Reise.

Wir sehen uns beim nächsten Tipp.