Einführung
Ich möchte zunächst zugeben, dass der Titel dieses Tutorials irreführend ist. Es ist kein „How to“-Tutorial, sondern eher ein Artikel, der Sie dazu inspirieren soll, mit Farben zu experimentieren :)
Die Auswahl kräftiger und verspielter Farben für eine Illustration ist der angenehmste Teil der Kunst, insbesondere bei digitalen Kunstwerken. Sehr oft geraten wir beim Kunstschaffen ins Stocken, wenn wir versuchen, die „richtigen“ Farben zu verwenden. Obwohl meiner Meinung nach der Prozess der Erstellung farbenfroher Illustrationen nicht auf Farbtheorie ausgerichtet sein muss, ziehe ich es vor, „herumzuexperimentieren“ und Farben basierend darauf auszuwählen, was sich richtig anfühlt. Natürlich gibt es einige Grundlagen, die Ihnen dabei helfen können, herauszufinden, was richtig aussieht. Diese werde ich in diesem Tutorial erwähnen! Bevor wir beginnen, möchte ich erwähnen, dass jeder einen anderen Kunststil und andere Techniken hat und es nie eine objektiv richtige oder falsche Methode zum Erstellen von Kunst gibt. Ich lerne und verbessere mich auch immer noch. Anstatt Ihnen also Gebote und Verbote zu geben, möchte ich Sie dazu inspirieren, neue Wege auszuprobieren und spielerischer mit Farben umzugehen!
Dieses Tutorial besteht aus zwei Teilen:
Der erste Teil „Wo fange ich an?“ befasst sich mit den Grundlagen der Farben. Ich habe mein Bestes getan, um diese Grundlagen einfach zu halten, damit sie leicht zu merken sind. Bevor wir zu Farben außerhalb Ihrer Komfortzone übergehen, ist es meiner Meinung nach wichtig, zunächst zu lernen, das Beste aus Farben herauszuholen, während Sie in der Nähe Ihrer Komfortzone bleiben. Bevor Sie anfangen, leuchtendes Pink und gesättigte Blautöne zu verwenden, ist es wichtig, zunächst zu verstehen, wie Sie mit Farben arbeiten, an die Sie bereits gewöhnt sind. Einfach ausgedrückt werde ich Ihnen in diesem Teil beibringen, wie Sie neue Farben in Ihre eigenen alten Paletten integrieren. Wenn Sie damit vertraut sind, werden Sie sich beim Verwenden kräftigerer Farben natürlich sicherer fühlen.
Der zweite Teil „Verstehen mit Abbildungen“ enthält Beispiele.
Wo fange ich an?
Sie können nicht kolorieren, ohne zu wissen, wo die Farbe hin soll. Daher besteht die erste Aufgabe darin, sich dem Lieblingsteil jedes Tutorials zuzuwenden: den Formen.
Nachdem ich meine Grundfarbe aufgetragen habe, besteht der nächste Schritt normalerweise darin, Schatten und Glanzlichter hinzuzufügen. Unten, in der ersten Kugel, habe ich einfach ein dunkleres Grau in einem kreisförmigen Strich mit der Airbrush aufgetragen und dann ein helleres Grau für das Glanzlicht und ein leicht reflektiertes Licht verwendet. In diesem Tutorial werde ich die Platzierung von Licht und Schatten nicht erklären, da dies nicht unser Schwerpunkt sein wird. Dennoch möchte ich, dass Sie beim Hinzufügen von Schatten und Glanzlichtern zwei Dinge beachten:
1. Achten Sie darauf, dass Sie einen Kontrast zwischen Ihren Werten beibehalten. Einfacher ausgedrückt: Stellen Sie sicher, dass Ihr Dunkel dunkel genug und das Helle hell genug ist. Ich lege den Schwerpunkt auf diesen Kontrast, da er wichtig ist, wenn Sie mit Farben arbeiten, die hervorstechen.
2. Versuchen Sie, die Lichter und Schatten der Form des Objekts folgen zu lassen. Beispielsweise habe ich die Formen beim Vereinfachen geometrischer gestaltet, aber gleichzeitig darauf geachtet, den Fluch beizubehalten, sodass die Krümmung der Kugel noch immer zum Ausdruck kommt. (PS: Sie können Tutorials zu „Querkonturlinien“ zu Rate ziehen, um ein tieferes Verständnis dafür zu erhalten, wie Sie entlang der Krümmung von Objekten färben.)
Als Grundlagen für das Herumspielen mit Farben werde ich mit einer Kugel arbeiten, eine begrenzte Farbpalette verwenden und Farbverläufe vermeiden. Allerdings werde ich weiterhin ein Wischwerkzeug verwenden :)
Bringen Sie Farbe ins Spiel!
Beim Malen ist es mein Ziel, so viel wie möglich mit dem Farbton zu experimentieren. Wir werden uns langsam daran machen, Farbtonverschiebungen einzubauen, während wir vorankommen. Ich werde mit drei Variationen derselben Kugel arbeiten, aber mit zunehmend größeren Farbtonverschiebungen.
Im Allgemeinen wird Farbton als „reines Pigment“ definiert. Mit „reinem Pigment“ meinen wir die Farbe außerhalb ihrer Sättigung und Helligkeit. Im Farbkreis stellt das Rad die Farbtonskala dar, während das Quadrat den ausgewählten Farbton bei unterschiedlicher Sättigung und Helligkeit anzeigt. Die linke Seite des Quadrats hat den Farbton mit der geringsten Sättigung, während die untere Seite die geringste Helligkeit hat. Daher finden Sie die Farbe mit der höchsten Helligkeit und Sättigung oben rechts.
Für das erste habe ich den Farbton bei der Farbauswahl gleich gelassen (einfach ausgedrückt, ich habe mich nur innerhalb des Quadrats bewegt). Ich würde empfehlen, dass Sie sich auch dann mehr bewegen, wenn Sie innerhalb des gleichen Farbtons bleiben. Um eine hellere Palette beizubehalten, versuchen Sie, die linke und untere Seite des Quadrats zu vermeiden. Farben weiter links haben eine geringere Sättigung und können Ihre Illustration gedämpft oder matschig aussehen lassen. Wenn Sie reines Weiß und Schwarz meiden, haben Sie auch das Privileg, sie an Stellen zu verwenden, die Sie wirklich hervorheben möchten.
Zum Vergleich: Auf der rechten Seite habe ich mich nur senkrecht von der Grundfarbe wegbewegt.
Versuchen wir, uns ein ganz klein wenig mehr zu bewegen, als Sie es ursprünglich vielleicht gewohnt sind. Sehr oft wechseln Künstler zwischen kühlen und warmen Farben. Was warme und kühle Farben sind, besprechen wir im nächsten Abschnitt im Detail. In den folgenden Beispielen sind wärmere Farbtöne diejenigen, die in Richtung Gelb gehen, während kühlere Farbtöne in Richtung Blau gehen.
Im folgenden Beispiel sehen Sie, dass ich einen kühleren Farbton für die Glanzlichter und einen wärmeren Farbton für die Schatten verwendet habe. Sie müssen noch nicht zu extremen Enden übergehen; versuchen Sie einfach, sich daran zu gewöhnen, mit Farbtönen zu spielen.
Künstler verwenden möglicherweise warme Farbtöne für Glanzlichter und kühle Farbtöne für Schatten, oder Sie verwenden einfach einen warmen Farbton und einen wärmeren Farbton; das liegt ganz bei Ihnen! Wichtig ist, dass Sie versuchen, auf der Farbtonskala herumzuspielen, um die Illustration farbenfroher und lebendiger aussehen zu lassen.
In der zweiten Sphäre habe ich die Verschiebung wirklich gering gehalten, aber man kann den Unterschied zwischen den beiden Versionen trotzdem sehen (unten können Sie sie alle nebeneinander sehen).
Lassen Sie uns bei der dritten Kugel den Farbton wirklich steigern. Hier habe ich Rosa für die Glanzlichter und eine Farbe in Richtung Gelb für den Schatten verwendet. Die Kugel sieht weiterhin rot aus, ist aber bunter als die vorherigen Versionen.
Als Übung können Sie versuchen, Farbtonverschiebungen in Ihre alten Kunstwerke einzubauen, um zu sehen, was in Ihrem eigenen Stil gut aussieht.
Beispiel für eine Farbtonverschiebung
Die folgende Abbildung ist ein klareres Beispiel dafür, wie selbst leichte Farbtonverschiebungen Ihre Kunst ansprechender aussehen lassen können, insbesondere beim Kolorieren von Haut. Sie werden feststellen, dass die meisten der in beiden Abbildungen verwendeten Farben einzeln betrachtet sehr ähnlich sind, aber zusammen betrachtet sieht die rechte Seite, die Lila und Orange enthält, heller aus.
Farbauswahl-Cheat-Code (Farbmischung)
Wenn Sie Farbtonverschiebungen nicht bewältigen können, bietet Clip Studio Paint eine Farbmischoption. Gehen Sie zu Fenster > Farbmischung. Dadurch wird ein Fenster geöffnet. Mit dem vierten Werkzeug von rechts können Sie Ihre Grundfarbe und eine dunklere Farbe für den Schatten festlegen. Wählen Sie nach dem vorherigen Schritt auch eine Farbe mit einem anderen Farbton aus. Gehen Sie nun mit dem dritten Werkzeug von rechts über alle Farben, bis Sie einen gleichmäßigen Farbklecks erhalten. Sie können diese neue Farbe jetzt anstelle der ursprünglichen Farbe für den Schatten verwenden.
Wenn Sie mit kleinen Veränderungen wie dieser erst einmal vertraut sind, wird es Ihnen hoffentlich immer leichter fallen, extremere Veränderungen auszuprobieren, ohne jedes Mal die Farben mischen zu müssen.
Neben Farbtonverschiebungen können Sie auch die Farbe verwenden, die Ihrer Grundfarbe in den Schatten gegenüberliegt, um ihnen mehr Tiefe zu verleihen. Wenn die Beleuchtung noch nicht festgelegt ist oder Sie die Dinge einfach „aufpeppen“ möchten, ist die Kontrastfarbe immer eine sichere Wahl.
In vielen Fällen, beispielsweise bei jemandem, der im Sonnenlicht steht, sehen Sie möglicherweise Blau in den Schatten der Haut; hier ist Blau das reflektierte Licht vom Himmel. In vielen Fällen im wirklichen Leben sehen Sie die Farben der umgebenden Objekte in den Schatten und reflektieren das Licht. Wenn Sie dies im Hinterkopf behalten, können Sie nicht nur Farben übertreiben, sondern auch Ihren Illustrationen mehr stilisierten Realismus verleihen.
Wie Sie im letzten Bereich sehen können, kann die Farbe ohne Mischung hart wirken. Im Gegensatz dazu scheint sie im zweiten Bereich, wo sie mit einem Rundpinsel mit geringer Deckkraft verwendet wird, dem Schatten mehr Tiefe zu verleihen.
Grundlagen der Farben!
Warm und kühl
Wir haben zuvor „warme“ und „kühle“ Farben besprochen, aber wie bestimmen Sie, was warm und was kühl ist? Tatsächlich ist die Einteilung in warm und kühl eher willkürlich; sie basiert darauf, welche Farben „anregend“ erscheinen und welche Farben „ruhig“ erscheinen. Eine allgemeine Faustregel ist, dass Farben wie Gelb und Rot warm erscheinen, während Farben wie Blau und Grün kühl erscheinen. Da die Wärme und Kühle von Farben subjektiv sind, kann es keine klare Regel geben, um zu bestimmen, was warm aussieht und was nicht. Sie kennen vielleicht bereits Beiträge zur „Farbtheorie“, in denen dieselbe Farbe je nach Hintergrund anders aussieht; dasselbe Phänomen kann auf Farbtemperaturen angewendet werden. Jede Farbe kann je nach Umgebung eine bestimmte Temperatur annehmen.
Solange Sie Farben bis zu einem gewissen Grad sehen können, können Sie sich bei der Farbauswahl einfach darauf verlassen, was für Sie als Künstler richtig aussieht. Trotzdem habe ich den Farbkreis unten in „warm“ und „kühl“ unterteilt. Sie können sich beim Arbeiten an Ihren Illustrationen darauf beziehen.
Bonus-Tipp: Sonnenlicht führt normalerweise zu wärmeren Farben (wie während der „goldenen Stunde“ zu sehen). Um die Nacht darzustellen, können Sie hingegen kühlere Farben verwenden.
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Dunkel und hell
Beim Betrachten einer Illustration nehmen unsere Augen bestimmte Farben immer als dunkler und andere als heller wahr. Das ist nützlich, wenn Sie kräftige, gesättigte Farben verwenden. Um dies besser zu veranschaulichen, können Sie den Farbkreis in Schwarzweiß zu Rate ziehen. Sie werden feststellen, dass Blau viel dunkler ist als Gelb. Jede Farbe hat einen inhärenten Wert, selbst bei höchster Sättigung und Helligkeit. Bevor ich fortfahre, möchte ich erwähnen, dass ich farbenblind bin und die Farben daher möglicherweise falsch benennen kann.
Im Bild oben sehen Sie, dass ich Gelb als Highlight und Blau als Schatten für eine mintgrüne Kugel verwendet habe. Logischerweise würden Sie Blau nicht als Kernschatten für Grün verwenden, aber unsere Augen nehmen es leicht als Schatten wahr. Wenn Sie dieselbe Kugel in Schwarzweiß betrachten, können Sie sehen, dass die Werte trotz der Farbtöne richtig aussehen. Im Gegensatz dazu wird Gelb im zweiten Beispiel nicht als Schatten wahrgenommen, da es von Natur aus eine hellere Farbe ist.
Sie können diese Wertunterschiede im Hinterkopf behalten und sie in Illustrationen zu Ihrem Vorteil nutzen. Sie helfen Ihnen, die Elemente so hell und farbenfroh wie möglich aussehen zu lassen. Wenn Sie den Umgang mit dunklen Farben wie diesen üben, können Sie auch ein besseres Auge für die Farbauswahl in allgemeinen Illustrationen entwickeln.
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Kontrast
Welche der beiden folgenden Abbildungen erregt Ihrer Meinung nach mehr Aufmerksamkeit?
Hoher Kontrast in Verbindung mit Farbtonverschiebungen kann das Aussehen Ihrer Illustration komplett verändern. Der einzige Unterschied zwischen den beiden Illustrationen besteht darin, dass eine von ihnen die zuvor besprochenen Farbtonverschiebungen sowie einen höheren Kontrast aufweist.
Kontrast ist der Unterschied zwischen den Werten Ihrer Farben. Je größer dieser Unterschied ist, desto kräftiger wirken die Farben und stechen hervor. Das Verständnis der zuvor besprochenen inhärenten Werte von Farben ist für die Bestimmung des Kontrasts von entscheidender Bedeutung. Beispielsweise wäre der Kontrast zwischen Braun und dem hellsten Blau nicht mit dem Kontrast zwischen Gelb und Braun vergleichbar.
Schwarzweiß sehen
Dies im Hinterkopf zu behalten, kann wirklich schwierig sein, daher ist es immer hilfreich, eine neue Ebene zu erstellen und ihren Mischmodus auf „Farbe“ einzustellen. Füllen Sie diese neue Ebene mit reinem Schwarz. Jetzt können Sie die Sichtbarkeit dieser Ebene ganz einfach „einschalten“, wenn Sie den Kontrast Ihrer Illustration überprüfen müssen.
Ein weiterer Cheat-Code, den Sie verwenden können, ist eine Tonwertkurve. Tonwertkurven ermöglichen Ihnen, den Kontrast und die Helligkeit einer Illustration anzupassen. Sie können Tonwertkurven in Clip Studio Paint auf zwei Arten hinzufügen:
Für die erste Methode gehen Sie zu Bearbeiten > Tonwertkorrektur > Tonwertkurve. Dadurch wird ein kleines Fenster geöffnet, in dem Sie die Grafik nach Ihren Wünschen anpassen können. Normalerweise funktioniert für die meisten Illustrationen eine „S“-Kurve.
Sie können auch zu Ebenen > Neue Korrekturebene > Tonwertkurve gehen.
Diese Methode erstellt eine neue Ebene, sodass Sie jederzeit während des Zeichenvorgangs zurückgehen und die Kurve ändern können. Sie können auch die Deckkraft der Ebene ändern, sodass Sie die Stärke des Filters ändern können.
Ein weiterer Vorteil einer Korrekturebene ist, dass Sie zu Ebene > Rastern gehen können. Dadurch können Sie Teile der Korrekturebene löschen. Ich würde empfehlen, eine Airbrush als Radiergummi zu verwenden, damit es natürlicher aussieht.
Zusammenfassung von „Wo fange ich an?“
Damit ist der erste Teil dieses Tutorials abgeschlossen! Hoffentlich haben Sie jetzt ein besseres Verständnis von Werten und davon, wie Sie Ihre Kunst weniger langweilig aussehen lassen können, indem Sie den Kontrast ändern und für verschiedene Teile Ihrer Illustrationen unterschiedliche Farbtöne verwenden.
Folgendes haben wir gelernt:
✦ Wie Sie Farbtonverschiebungen nutzen, um mehr Farben einzubeziehen, und wie Sie das Farbmischwerkzeug in CSP verwenden.
✦ Kontrastfarben verwenden, um Schatten mehr Tiefe zu verleihen.
✦ Unterschied zwischen warmen und kalten Farben.
✦ Inhärente Werte verschiedener Farben.
✦ Die Bedeutung des Kontrasts in Kunstwerken und wie Sie den Kontrast durch eine Tonwertkurve erhöhen können.
Verstehen mit Illustrationen
Der Schlüssel zur Verwendung verschiedener Farben ist einfach Versuch und Irrtum. Scheuen Sie sich nicht, mit ungewöhnlichen Farbkombinationen herumzuspielen, denn im schlimmsten Fall sieht die Illustration einfach komisch aus. Beim Spielen mit Farben in der Kunst haben Sie absolut nichts zu verlieren; wenn überhaupt, bekommen Sie nur ein besseres Verständnis dafür, was Sie als einzigartiges Individuum ansprechender finden.
Praktische Anwendung grundlegender Konzepte
Die obige Illustration ist wahrscheinlich eine der farbenfrohesten, die ich gemacht habe. Sie ist ein großartiges Beispiel dafür, wie viel Spaß es machen kann, mit Farben zu spielen. Wenn Sie sich dieselbe Illustration in Schwarzweiß ansehen (siehe unten), werden Sie feststellen, dass die Werte immer noch funktionieren. Es gibt einen klaren Unterschied zwischen den Hintergrundwerten und den für den Charakter verwendeten Werten.
Lassen Sie uns anhand dieser Abbildung einige grundlegende Konzepte besprechen.
Farbtonverschiebungen/Kontrast
In dieser speziellen Abbildung habe ich die Kontrastfarbe nicht für Schatten verwendet, sondern als Highlight für das Haar, da Rot und Orange im Vergleich zu ihrer Gegenfarbe Cyan/Blau einen dunkleren Wert haben. Dieser Unterschied in den Kontrastfarben funktioniert in einigen Fällen, wie etwa bei Gelb-Blau, Cyan-Orange und Pink-Mintgrün.
Neben der Verwendung unterschiedlicher Farben für Highlights oder Schatten können Sie auch allgemein Farben mit ähnlichen Werten für Farbtonverschiebungen verwenden, wie im Hintergrund oder in den Schuhen im unten hinzugefügten Beispiel.
Wertharmonie
Der Hintergrund verwendet Gelb, Pfirsich und Rosatöne. Diese Farben sehen alle unterschiedlich aus, passen aber irgendwie trotzdem zusammen. Der Grund dafür liegt in den Werten. Die Werte all dieser Farben sind einander ähnlich, wodurch sie harmonischer aussehen als erwartet.
Diese Harmonie der Werte ist auch im Rest der Zeichnung vorhanden, wie man am Pullover und den Jeans sehen kann.
Trotz der „merkwürdigen“ Farbkombinationen wird die Grundfarbe beim Betrachten der Illustration immer noch richtig wiedergegeben; das Haar ist immer noch orangefarben, die Jeans sind blau und so weiter. Wenn Sie diese Konzepte von Kontrast und Wert anwenden, können Sie jede beliebige Farbkombination für Ihre Illustrationen verwenden. Ich hoffe, dass diese Tipps Ihnen dabei helfen, Schatten und Grundfarben genau, aber auf eine spielerischere Art wiederzugeben.
Mit Farben eine Geschichte erzählen
Das Beste an Illustrationen ist die Freiheit, die Sie bei der Farbauswahl haben. Sie können zwar Farben auswählen, die allein aufgrund der Ästhetik „hervorstechen“, aber Farben können Ihnen auch die Möglichkeit geben, eine Geschichte zu erzählen. Darüber hinaus bieten Ihnen gesättigte Farben, die nicht dem echten Leben entsprechen müssen, das Privileg, das Beste daraus zu machen.
Lassen Sie uns diese Idee anhand einer Illustration durchgehen.
Wertauswahl
Nachfolgend sehen Sie eine Abbildung, die das Gefühl des „Zuvielseins“ vermitteln soll. Die Werte dienen mir als Referenz, wenn ich anfange, die Farben auszuwählen.
Sie werden sehen, dass die Werte des Charakters dunkler sind, um ihn als anmaßend und aufmerksamkeitsheischend darzustellen. Außerdem heben sie ihn vom Hintergrund ab und machen ihn zum Mittelpunkt. Um diese Idee noch weiter voranzutreiben, beabsichtige ich, die Pfeile heller zu machen, damit die Aufmerksamkeit noch mehr auf ihn gelenkt wird. Obwohl eine helle Farbe auf einem dunkleren Hintergrund denselben Effekt erzielen würde, habe ich diesen Weg absichtlich nicht gewählt. Helle Farben würden sich positiv anfühlen und ein Gefühl vermitteln, im Rampenlicht zu stehen, was dem Thema zuwiderlaufen würde.
Obwohl diese Absichten vom Betrachter möglicherweise übersehen werden, glaube ich, dass sich die Mühe lohnt, solange Sie den dahinter stehenden Schaffensprozess genießen.
Farbauswahl
Jede Farbe auf dem Farbkreis steht für unterschiedliche Gefühle. Blau kann beispielsweise Traurigkeit oder Kälte ausdrücken, während Rot Leidenschaft und Aufregung vermitteln kann. Die Bedeutung dieser Farben hängt auch vom Kontext ab. Beispielsweise kann Blau in einem ruhigen Ozean Ruhe und Frieden ausdrücken. Sie können diese Bedeutungen leicht ausnutzen, wenn Sie mit einer verspielteren Farbpalette arbeiten.
Für meine Illustration wollte ich zwei Gefühle ausdrücken, daher habe ich zwei Varianten erstellt.
In der ersten Miniaturansicht ist die Figur rot, weil Rot Aufmerksamkeit erregt; es wird mit Stoppschildern und starken Gefühlen assoziiert. Im Gegensatz dazu wollte ich, dass der Hintergrund grün ist, weil das Ruhe vermittelt. Außerdem schafft es eine auffällige Lücke zwischen der Figur und ihrer Umgebung.
Die zweite Idee, die ich hatte, war, dass die Figur blau ist, um ihre Unzufriedenheit auszudrücken, während der Hintergrund rot und aufmerksamkeitserregend ist.
Werte prüfen
Bei der Farbauswahl kann es oft hilfreich sein, zu prüfen, ob der Kontrast noch vorhanden ist. Auf diese Weise können Sie frühzeitig Änderungen vornehmen, ohne später jede Farbe noch einmal durchgehen zu müssen.
Ich habe mich für meine Arbeit entschieden, Rot und Blau zu mischen. Obwohl das Rot viel heller ist als die beabsichtigten Werte, erscheint es immer noch deutlich zwischen dem Rot und behält den Fokus auf dem Charakter.
Farbschemata
Farbschemata sind im Grunde Farbkombinationen, die wahrscheinlich gut zusammenpassen. Farbschemata können den Farbauswahlprozess beschleunigen und gleichzeitig Ihre Arbeit harmonischer aussehen lassen. Einige meiner Lieblingsfarbschemata sind:
✦ Komplementär: Dies ist der Fall, wenn Sie entgegengesetzte Farben verwenden. Ich verwende in meiner Arbeit sehr oft kontrastierende/komplementäre Farben, wie man sie bei Haaren oder Hintergründen sieht.
✦ Triadisch: Dies ist der Fall, wenn die Farben gleichmäßig verteilt sind. Triadische Schemata bieten eine größere Farbvielfalt bei gleichzeitiger Wahrung der Harmonie.
✦ Analog: Analoge Schemata umfassen Farben, die im Farbkreis nebeneinander liegen. Sie können beruhigend wirken und kommen auch oft in der Natur vor.
Für diese Illustration habe ich vage ein triadisches Farbschema verwendet. Das Ziel war, die Pfeile gelb zu halten, sodass Rot und Gelb zusammen wie Verkehrsschilder oder Warnsymbole wirken. Da die festgelegten Farben Rot und Blau im Vordergrund sowie Rosa und Gelb im Hintergrund umfassten, habe ich die restlichen Farben unter Bezugnahme auf das triadische Schema hinzugefügt.
Versuch und Irrtum!
Auch wenn Sie sich bei der Erstellung von Farbschemata voll und ganz auf sie verlassen können, gibt es keine Garantie dafür, dass das Endprodukt immer wie beabsichtigt aussieht. Der Schlüssel liegt immer im Versuch und Irrtum. Nachdem ich mehrere Hintergrundfarben und verschiedene Farbkombinationen ausprobiert hatte, entschied ich mich schließlich für Farben, die die ursprüngliche Hintergrund-Vordergrund-Idee ignorierten.
Ich habe Orange für den Hintergrund verwendet, nicht wegen eines Farbschemas, sondern einfach, weil „es cool aussah“. In der Kunst dreht sich alles ums Experimentieren, daher ist mein wichtigster Rat, nicht zu versuchen, bereits bestehenden Regeln zu folgen, die durch Versuch und Irrtum anderer Leute entstanden sind.
Als ich schließlich mit dem Aussehen zufrieden war, überprüfte ich die Werte und war angenehm überrascht, dass der Kontrast perfekt erhalten blieb.
Zeitraffer:
Rendern mit den von Ihnen ausgewählten Farben
Das Rendern kann etwas chaotisch wirken, wenn Sie helle Farben verwenden, die sich scheinbar nicht gut mischen lassen. In diesem Abschnitt geht es um die Arbeit mit verschiedenen Farbtönen am Beispiel von rosa Haaren! Ihr Prozess wird sich höchstwahrscheinlich sehr von meinem unterscheiden, daher werde ich mich auf Teile konzentrieren, die sich leicht in Ihren Prozess übertragen lassen.
Beginnen wir mit der Skizze :)
Farbtonauswahl basierend auf Werten
Bei den Farben finde ich es hilfreich, zuerst den Hintergrund zu erstellen (der schlecht altert, weil ich ihn letztendlich nicht verwendet habe). Der Hintergrund hilft mir bei der Entscheidung, wie dunkel die Werte des Vordergrunds sein sollen.
Wenn ich ein gerendertes Stück erstelle, beginne ich mit einem beliebigen Element der Zeichnung; in diesem Fall war das die Haut. Zuerst trage ich eine Farbe auf, die dem Hautton bei normaler Beleuchtung nahe kommt. Für dieses Stück wollte ich, dass alles in Rot, Rosa und Lila ist. Also habe ich die Haut in Rot geändert. Anschließend habe ich überprüft, welcher Rosaton einen dunkleren Wert als die Haut hat, um eine „schlammig“ aussehende Zeichnung zu vermeiden.
Während des gesamten Prozesses habe ich die Werte in Schwarzweiß weiter überprüft, um sicherzustellen, dass alles richtig aussieht.
(Trotz der schlechten Qualität des GIF hoffe ich, dass der Prozess immer noch verständlich ist)
Sobald ich alle Grundfarben habe, kann ich prüfen, ob die Farben gut zusammenpassen. Während dieser Phase kann ich den Hintergrund korrigieren oder einige Farben je nach ästhetischen Vorlieben ändern.
Farben auswählen und für Schatten und Glanzlichter mischen
Ich beginne mit der Basis, die wir am Anfang erstellt haben. Als Nächstes habe ich mit einem wärmeren Farbton die dunkleren Teile und die Kopfhaut hinzugefügt.
Als Nächstes habe ich ein Minzgrün verwendet, das auf dem Farbkreis fast das Gegenteil von Pink ist. Minzgrün hat einen helleren Wert und lässt das Highlight hervorstechen, also war es die perfekte Wahl.
Obwohl ein kühles Pink eine Alternative zu Minzgrün gewesen wäre, habe ich es stattdessen verwendet, um dem Haar Helligkeit zu verleihen. Die kühlen Töne von Pink und Minzgrün helfen auch dabei, einen Kontrast zu dem überwiegend warm gefärbten Gesicht zu schaffen. Ich habe das Haar weiter gerendert, indem ich wärmere Schatten sowie kühlere Töne für Helligkeit hinzugefügt habe.
Nachdem ich alle Farben aufgetragen hatte, habe ich gelbe Striche für einen Farbtupfer hinzugefügt.
Als Nächstes habe ich die Illustration schwarzweiß gemacht und mit Blau Kontrast hinzugefügt.
Nachdem ich die Farbschicht unsichtbar gemacht hatte, habe ich die blaue Farbe mit einem warmen Rosa überzogen, um sie auszugleichen. Auf diese Weise bleiben die Schatten durchgehend warm und sind gleichzeitig dunkler als der Rest des Haares.
Ich habe den Schatten außerdem etwas Hellviolett hinzugefügt und im Rest der Illustration Gelb für Glanzlichter verwendet.
Wir haben es geschafft!
Und damit haben wir die endgültige Illustration! Die verwendeten Farben sind weder völlig schlicht noch völlig außerhalb der Komfortzone. Meiner Meinung nach ist dies die perfekte Balance zwischen den Farben, die wir normalerweise verwenden, und kräftigen Farben.
Hier ist der vollständige Zeitraffer:
Filter und Effekte
Sie können Ihrer Illustration Effekte oder Filter hinzufügen, um sie noch bunter zu gestalten. Ich werde unten zwei Dinge hinzufügen, die Sie für den letzten Schliff tun können!
Die einfachste Möglichkeit, Ihrer Illustration einen Farbtupfer hinzuzufügen, ist der Mischmodus „Überlagern“. Sie können einen Farbverlauf mit zwei Farben erstellen, zum Beispiel Blau und Rot. Ändern Sie den Mischmodus der Ebene in „Überlagern“ und verringern Sie ihre Deckkraft. Dadurch wird Ihrer Illustration nicht nur Farbe hinzugefügt, sondern das Ganze sieht auch zusammenhängender aus.
Eine weitere Filteroption ist das Hinzufügen von „Ton“ zu Ihrer Illustration. Gehen Sie zu Ebene > Neue Ebene > Ton. Dadurch wird ein Fenster geöffnet, in dem Sie die Einstellungen basierend auf Ihrer Leinwand ändern können. Die Dichte und Frequenz hängen von den Abmessungen Ihrer Leinwand ab.
Meine Frequenz war auf 85,0 und die Dichte auf 32 % eingestellt. Nach dem Hinzufügen ging ich zu Ebene > Rastern. Sobald meine Ebene keine Objektebene mehr war, konnte ich einen kleinen Abschnitt der Ebene nehmen und ihn so vergrößern, dass ich mit der Größe der Kreise zufrieden war.
Ich habe ein längeres, ausführlicheres Tutorial zu verschiedenen Filtern, die Sie über Mischmodi auf CSP hinzufügen können. Weitere Ideen finden Sie dort :)
Abschluss
Damit ist dieses Tutorial abgeschlossen! Ich hoffe, es inspiriert Sie dazu, öfter mit Farben zu spielen! Mein wichtigster Ratschlag wird immer sein, keine Angst davor zu haben, schlechte Kunst zu machen :)
Vielen Dank für Ihre Zeit. Lassen Sie uns unsere künstlerische Reise fortsetzen und dabei so viel Spaß wie möglich haben!
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