Video de Youtube

Este video ofrece un resumen MUY rápido de lo que se describe en este artículo. Está pensado para ser más entretenido, mientras que este artículo es (con suerte) más informativo.

Introducción

Hola a todos, soy Linco con mi primer tutorial de Clip Studio Paint. Hoy vamos a aprender algunas técnicas para pintar flores.

 

Las flores y las plantas pueden ser un tema muy difícil de dibujar porque es muy fácil perderse en la gran cantidad de patrones repetitivos y formas complejas. ¡No te preocupes! Es extremadamente común perderse y no saber adónde se va al dibujar cualquier cosa, especialmente plantas y flores. En este tutorial, presentaré formas de estudiar el dibujo de flores y plantas, conocimientos útiles sobre la estructura de muchas flores y plantas, y algunos consejos específicos en Clip Studio Paint para ayudar a dibujar flores y plantas digitalmente.

 

¡Vamos!

Resumen de Lecciones Aprendidas de Estudios de Plantas

En este tutorial de CONSEJOS, repaso tres estudios que hice para aprender más sobre cómo dibujar plantas y flores. Cada estudio obtuvo nueva información, y al principio resumiré lo que aprendí en forma de consejos aplicables para dibujar y pintar flores. Para aquellos interesados, lean más sobre cómo cada estudio influyó en mi práctica.

 

1. Muchas flores y plantas son delicadas; para dibujarlas o pintarlas, utiliza curvas en S y en C.

 

2. Pintar flores y plantas se trata mucho de las gradaciones. Muchas flores cambian de color desde su interior hacia los bordes de sus pétalos. Incluso las hojas tienen gradaciones sutiles, y diferentes áreas de una planta (generalmente cerca de la base) pueden parecer más viejas y tener un matiz diferente, usualmente amarillo.

 

3. Relacionado con el punto anterior, muchas flores tienen pétalos translúcidos que "captan la luz" creando bordes casi blancos. Las gradaciones suelen ir de un valor más oscuro en el centro a un valor más claro cerca de los bordes.

 

4. ¡Las hojas de color verde oscuro como fondo para contrastar las flores, que suelen ser brillantes y vibrantes, hacen que las flores resalten! No tienen que ser hojas en particular, pero son una opción de fondo muy natural.

 

5. Presta atención no solo a la forma de las plantas y flores, sino también al espacio negativo, los huecos entre plantas, o el hueco entre pétalos, los huecos entre ramas de un árbol. Centrarse en estos espacios negativos puede hacer que el diseño de tu pintura sea más creíble, y también puede hacer que pintar y dibujar sea mucho más fácil.

 

Te animo a que hagas tus propios estudios de plantas y flores, o de cualquier tema que te interese. Ponte como objetivo observar y aprender todo sobre tu tema. Puedes usar herramientas tradicionales como la acuarela, o incluso ser portátil con una tableta o iPad usando la aplicación Clip Studio Paint.

 

Si quieres ver mis estudios de plantas y flores, ¡continúa! De lo contrario, para ver estos consejos en acción, consulta la sección Ejemplo Ilustrado (Peonías).

 

Estudio de Plantas y Flores

Una de las posibles razones por las que algunas personas se desaniman de dibujar plantas y flores es porque eligen temas muy difíciles para estudiar desde el principio. Es extremadamente difícil, por ejemplo, estudiar los detalles de un bosque. Diferentes tipos de árboles se superponen, las ramas se cruzan, toda una cacofonía de formas complejas que llevarán a muchos a simplemente frustrarse, pintar o dibujar trazos aleatorios, o usar algunas técnicas como atajo y darlo por terminado.

 

¡No me malinterpreten! Creo que los atajos y la simplificación son muy útiles al pintar. Pero para mí, cuando estudio un tema, el objetivo es aprender sobre él. Me propongo aprender sobre las formas y la disposición de valores de las flores y plantas, cosas a las que puedo prestar mucha atención durante mis estudios y que creo que me ayudarán a convertirme en un artista mejor y más intencional.

 

Si quieres estudiar las formas de plantas y flores, ¡empieza con algo mucho más sencillo y aprenderás muchas cosas! Permítanme compartir con ustedes algunas cosas que he aprendido de algunos estudios.

Este es un estudio rápido que hice de una planta de hoja grande y de aspecto divertido que vi en un jardín botánico. Realizado en Clip Studio Paint con la herramienta predeterminada de lápiz negro "Lápiz más claro" y la herramienta predeterminada "Borrador maleable".

 

Pensé en qué me hizo sentir que esta planta desprendía una especie de vibración tonta. Observando A, el contorno de la hoja principal está formado por muchas curvas en S y en C unidas, creando un contorno muy "ondulado". Creo que esto ayudó a cómo expresé la planta y también es evidente en el punto C, la hoja más pequeña.

 

El sombreado en el punto B se usó para intentar dar el efecto de que el contorno de la hoja no es lo único que se mueve de un lado a otro, sino también que hay secciones de la hoja en sombra, insinuando que la hoja también se mueve hacia y lejos del espectador.

 

Otra cosa que aprendí de este estudio es que las curvas en S y en C se usan a menudo para describir plantas y flores, muy rara vez se usan líneas rectas. Las curvas en S y en C dan una sensación de delicadeza. Esto también es evidente en el tallo en el punto D, a pesar de que en la vida real el tallo es más recto, exageré la curva aquí con la idea de dar a la hoja superior más peso o rebote.

 

Entonces, si queremos dibujar flores y plantas que se sientan frágiles, delicadas, temporales, asegúrate de usar muchas curvas en S y en C. Por otro lado, si estuvieras tratando de representar la corteza áspera de un árbol, ese sería un momento perfecto para utilizar líneas rectas dentadas.

Este segundo estudio es de una pequeña agrupación de flores brotando del suelo en un centro botánico local, nuevamente realizado con las herramientas "Lápiz más claro" y "Borrador maleable" en Clip Studio Paint.

 

Estas flores captaron mi interés debido a la gran cantidad de superposición, creando una estructura similar a una pirámide. El punto A señala la parte superior de una de estas estructuras. Algo que fue muy reconocible al estudiar esto es que, para muchas flores, el centro de la flor se gradúa hacia afuera en un color diferente cerca de los bordes. No hice este estudio en color, sin embargo, para esta flor en particular, el centro era de un magenta oscuro y profundo en comparación con los bordes de color rosa claro. Muchas flores "captan la luz" con los bordes de sus pétalos translúcidos, haciéndolos más claros en el exterior. Aumentando el tamaño de la herramienta Lápiz más claro, simplemente punteé el centro en el punto A y otras flores para mostrar esta gradación.

 

El punto B muestra una sombra proyectada de un pétalo de una capa superior a una capa inferior, lo que ayudó a definir la forma de este grupo de flores; en la vida real, esto no parecía demasiado oscuro, quizás porque los pétalos transmitían algo de luz. Finalmente, el punto C muestra una hoja; noto que tener las flores, que suelen ser brillantes, contrastadas con hojas de color verde oscuro y otro follaje, realmente hace que las flores resalten.

Este estudio final muestra un método para intentar estudiar flores, plantas y árboles con formas más complejas. Una buena idea es dibujar el sujeto en silueta, olvidándose de la profundidad del sujeto pero centrándose en las formas. Puedes evaluar tu estudio viendo si el sujeto sigue siendo reconocible solo con una silueta rellena... En mi estudio, no creo que esto pasaría como tan reconocible.

 

Al siluetear, es importante no solo mirar lo que está relleno, sino también lo que se deja fuera. Esto puede ayudar enormemente en el dibujo de plantas y flores para obtener formas que se sientan seguras y diseñadas a propósito. En el punto B, observé el espacio entre las dos ramas y dibujé mi forma con la herramienta "Borrador duro".

 

Esto se hizo en Clip Studio Paint con las herramientas "Plumilla G" y "Bote de pintura". Estaba tratando de siluetear un árbol con hojas naranjas, que destacaba al estar rodeado de árboles verdes. Aunque prefiero los otros dos estudios anteriores, me gusta cómo capturé las ramas, como en el punto A, ya que a medida que el árbol se ramifica, el grosor disminuye lentamente. Las ramas para este estudio me parecen bien, y menos los paquetes de hojas. Pero como aprendí algo de este estudio, ¡lo considero un éxito!

 

Ejemplo Ilustrado (Peonías)

Comienzo mi dibujo con una silueta de la flor. La silueta es importante porque puede dar mucho carácter a lo que estás dibujando, define las formas en la planta o flor. Por ejemplo, ¿es una planta espinosa, tiene pétalos más redondos, pétalos triangulares? Estas son cosas que se pueden identificar simplemente a partir de la silueta. Para las peonías, esta silueta tiene pétalos redondos, algunos que flotan como la tela de un vestido.

 

En la imagen de abajo, ¡puedes ver que la silueta era muy tosca!

El verde oscuro para siluetear la flor ayudará a que "resalte" ya que proporcionará contraste una vez que empecemos a pintar esta flor de color rosa claro.

 

Si tienes curiosidad sobre los materiales utilizados, simplemente usé una Plumilla G configurada en un rojo oscuro relativamente profundo para el contorno, y el 'Pincel plano de óleo' proporcionado por Clip Studio Paint.

Antes de empezar, si tienes curiosidad sobre mi estructura de capas, aquí la tienes. No es algo que debas seguir estrictamente, pero me resultó conveniente.

 

 

A: Empecé con la silueta de la peonía, esta fue mi primera capa.

 

B: Estas dos capas son donde pinto la flor. La capa inferior es solo una base blanca, rellené la silueta de blanco con la herramienta 'Bote de pintura', luego la capa superior está simplemente acoplada a la capa base blanca, para no estropear accidentalmente la silueta diseñada intencionalmente. La siguiente imagen muestra los pasos para esto.

 

C: Por último, esta es mi capa de fondo, pinté un contorno verde para recordarme a mí mismo que debía pintar las hojas después.

 

Usa la configuración que mejor te funcione, ¡algunos prefieren muchas capas, algunos prefieren solo una! Mi única recomendación es NO crear una capa para cada pétalo. Cerca del final, fusioné todas las capas de todos modos para hacer los retoques finales.

Aquí hay algunas instrucciones básicas para configurar una capa de máscara de recorte.

 

Realiza primero la operación A, rellena tu silueta en otra capa con la herramienta Bote de pintura usando 'Referenciar otras capas', está coloreado en rosa solo para visibilidad, sin embargo, esta capa en realidad estaba rellena de blanco.

 

Otra forma es usar la herramienta Varita mágica en la capa de silueta, invertir la selección y rellenar eso en una nueva capa.

 

Después de tener una capa con un color base, realiza la operación B en azul. Crea una capa encima y haz clic en el icono que dice 'Recortar a la capa inferior'. Siempre que dibujes en esta capa azul, ¡solo será visible si se superpone con la capa rellenada de abajo!

¡Ahora estamos listos para pintar!

Para crear una flor más realista, las gradaciones de color deben colocarse cuidadosamente para dar forma a los pétalos y profundidad a la pintura. Recuerda de la sección de estudio que muchas flores captan la luz en sus pétalos y, por lo tanto, se gradúan de oscuro a claro, del centro hacia afuera. Para la peonía, los colores rojos fríos más saturados se encuentran en las hendiduras de los pétalos, que transicionan hermosamente a un rosa claro y blanco. Con las herramientas digitales de Clip Studio Paint, te mostraré algunos métodos que te ayudarán a graduar los colores de los pétalos de una planta. En esta pintura, utilicé una combinación de todos ellos; siéntete libre de probar cada uno y usar los que te resulten más atractivos.

 

Técnica 1: Técnica del Pincel Degradado

En la pintura tradicional, una de las buenas maneras de crear estas gradaciones es una mezcla incompleta en un pincel plano. Un extremo del pincel se carga con un color y el otro extremo se carga con otro color.

 

En el siguiente gif, demuestro esto con acuarela.

¡Te mostraré una forma en Clip Studio Paint de convertir cualquiera de tus pinceles favoritos en algo que imite esta técnica tradicional!

 

Elige uno de tus pinceles favoritos y duplica la herramienta haciendo clic derecho en duplicar herramienta.

 

Dupliqué el "Pincel plano de óleo" incorporado de Clip Studio Paint y lo renombré "Pincel plano de óleo (incompleto)"

 

Ve a la configuración de subherramientas y selecciona la pestaña “Inicio y fin”

1. Inicio y fin: Cambia a “Mezclar con subcolor”

2. Cómo especificar: Cambia a “Por porcentaje”

3. Selecciona la casilla de verificación Inicio: cambia a 100.0

4. Desmarca la casilla de verificación Inicio y fin por velocidad.

 

Por último, ve a la pestaña “Tinta”

1. Mezclar con subcolor: cambia el deslizador a 100.0

 

Ahora, cuando uses tu pincel, comenzará con el color principal seleccionado, y el final de cada trazo se degradará a tu color secundario. En mi dibujo, usé algunos de estos trazos con un rojo frío saturado y un rosa claro para definir algunos pétalos.

 

¡A continuación se muestra un gif que muestra los tipos de pinceladas que tu pincel recién creado debería generar ahora!

(Al final también uso la herramienta 'Acuarela transparente' para difuminar algunos bordes)

Técnica 2: Uso de los Materiales de Clip Studio Paint (Pinceles de Acuarela)

Algunos pinceles en Clip Studio Paint están diseñados para replicar características de los pinceles de acuarela del mundo real. Estos pinceles son útiles para pintar flores, ya que al añadir trazos adicionales sobre los existentes, las áreas se vuelven más oscuras y saturadas. Aquí hay un enlace al pincel que usé para esta pintura, que se encuentra en los materiales de Clip Studio Paint creados por los usuarios de la comunidad.

 

Este pincel fue especialmente útil para mí para añadir esos rojos fríos muy profundos en el centro de la flor de peonía. Al añadir pinceladas sobre pinceladas, se produjeron bordes interesantes, y el color "resaltó" en lugar de volverse muy confuso, lo cual es algo en lo que personalmente tengo la mala costumbre de caer.

 

¡Pruébalo! Si este pincel no es de tu agrado, también hay muchos otros pinceles interesantes en la página de materiales de Clip Studio Paint, ¡vale la pena dedicar un tiempo a explorar y experimentar!

Técnica 3: Uso del Pincel de Mezcla/Aerógrafo u Otros Pinceles para Mezclar

La forma más conocida de crear gradaciones en la pintura es probablemente utilizando un aerógrafo o una herramienta de mezcla; esto descompone los bordes duros en otros más suaves. El pincel 'Acuarela transparente' que viene con Clip Studio Paint también es una buena herramienta para esto. Muchos lectores ya pueden estar familiarizados con esto; simplemente usa la herramienta cuentagotas en un borde cercano y aerografía o difumina los bordes duros para crear gradaciones de color.

 

Nota: Ten cuidado con el uso excesivo del aerógrafo, que le da a una pintura un aspecto distintivo y borroso.

Desglosando el Proceso

A partir de la silueta que creamos, simplemente comencé a pintar, divirtiéndome y utilizando las técnicas mencionadas anteriormente. La clave aquí es no centrarse demasiado en un pétalo a la vez, como mencionamos antes. En cambio, trabajé añadiendo algunos rojos fríos saturados y profundos para definir algunas hendiduras, como se puede ver en el centro de las dos flores.

 

1. El centro de estas flores tiene la mayor cantidad de color, así que comencé por ahí.

2. Comencé a definir algunos bordes duros para las hendiduras y los pétalos. Nada es definitivo todavía, apenas estamos empezando, verás que muchas de estas formas cambian a lo largo del proceso.

 

Para algunos, incluyéndome a mí, creo que puede ser intimidante tener solo blanco en la página, un lienzo en blanco con tantas posibilidades. Intento aplicar algo de color lo más rápido posible, entrando en el flujo de la pintura. Así que reúne valor, aplica esas pinceladas y mantén la mentalidad de que siempre estás en una etapa de bloqueo donde puedes volver y cambiar las cosas si eso es lo que quieres hacer.

 

 

Trabajé en una flor a la vez, desafortunadamente, perdí todo el metraje de cuando trabajé en la peonía florecida de la izquierda. Sin embargo, abordé todas las flores de la misma manera, así que echemos un vistazo a cómo abordé la peonía superior derecha en plena floración.

 

Comparando esta imagen con la anterior, ya cambié esta peonía, cubriendo mi trabajo anterior. Usé el Pincel Plano de Óleo (Incompleto) creado para definir algunos pétalos (Técnica #1). Establecí el color primario en un rojo frío profundamente saturado y el color secundario en un rosa muy claro. Realmente me gusta empezar con este pincel, ya que me ayuda a ver las gradaciones muy rápidamente con una sola pincelada.

En el proceso de pintar esta peonía superior derecha, aquí hay algunos momentos clave del proceso.

 

1. Después de la capa inicial, defino algunas áreas de color rojo frío profundo en el centro de la flor, recordé observar la estructura de valores. De los estudios, recuerda que muchas flores se gradúan de valores más oscuros en el centro a valores más claros cerca de los bordes. Para la peonía, los colores más saturados también están presentes en las hendiduras de la flor, y hay hendiduras mucho más profundas que no reciben la luz cerca del centro de la flor.

 

2. Aquí hay otro paso importante cerca del principio, observa los contornos blancos que comienzan a dibujarse. Estos se hicieron con la herramienta 'Plumilla G' configurada en un color casi blanco. Hablamos mucho sobre métodos para las gradaciones, ¡pero las flores también tienen bordes duros! Definí mis bordes más duros con la herramienta 'Plumilla G'. Están coloreados de blanco ya que los pétalos captan la luz, otro aspecto de las flores que aprendimos en la sección de estudio.

 

3. Comienzo a introducir rojos más saturados y oscuros en las hendiduras. Continuamente empujo el rango de valores para esta flor.

 

Ten en cuenta que después de definir los bordes blancos de los pétalos en el paso anterior, también defino algunos bordes rojos duros justo al lado. Esto es para dar profundidad a esos pétalos; justo después del final de un pétalo debería haber una hendidura. En la imagen de abajo, lo señalo en el punto A, compara este punto entre los dos momentos uno al lado del otro.

 

 

4-7. Estos pasos son las etapas de refinamiento y pueden tomar una cantidad variable de tiempo. Lentamente trabajo en la flor, la estructura básica ya está aquí, así que repito mis técnicas para construir detalles más intrincados. Continúo agregando más y más hendiduras de rojo frío intenso y refino estas formas. Continúo definiendo nuevos pétalos con las líneas blancas de la 'Plumilla G' y degradando estos pétalos de un valor más oscuro a uno más claro cerca de los bordes utilizando las técnicas (1-3) pero principalmente la 3.

 

Si comparas el momento 4 y el 7, verás el ejemplo más obvio de este proceso de gradación para definir un pétalo. Comparar los puntos A y B en la imagen de abajo muestra cómo se degradaron estos pétalos utilizando una variedad de pinceladas.

 

 

¡Ahora hemos terminado la peonía en plena floración!

 

Las mismas técnicas y pasos se emplearon de nuevo para la peonía completamente florecida de la izquierda y la peonía que empieza a florecer de la parte inferior derecha.

Ajustes y Técnicas de Máscara de Capa

Una tendencia mía al pintar es que los valores y colores a menudo siento que se apagan. Esto también ocurre de forma natural en los medios tradicionales, por ejemplo, con las acuarelas el color se apaga a medida que el pigmento se seca y hay que volver a pintar.

 

Después de pintar las flores, utilicé las técnicas de "Corrección Tonal" y "Máscara de Capa" de Clip Studio Paint para aportar más contraste y finalizar la pintura floral.

 

A continuación se muestra la comparación entre A y B; ¡la diferencia es muy clara en lo que podemos lograr a través de las técnicas de Corrección Tonal y Máscara de Capa! Aprendamos cómo hacerlo.

Para empezar, duplica la capa con tu pintura.

 

1. Haz clic derecho en la capa, selecciona duplicar

Asegúrate de estar en la capa recién duplicada y dirígete a la barra de menú.

 

2. Ve a 'Editar' -> 'Corrección Tonal(D)' -> 'Brillo/Contraste'

 

3. Ajusta los deslizadores según tus necesidades. En mi caso, como pensaba que mis colores estaban turbios y la flor en general demasiado clara, disminuí el brillo y aumenté el contraste. Marca y desmarca la casilla 'Previsualizar' para resaltar las diferencias.

 

4. Haz clic en 'OK' para aplicar los cambios.

A menudo, un ajuste general de la corrección tonal, ya sea brillo/saturación o cualquier otro filtro, tendrá aspectos que te gusten, pero algunas áreas pueden estar exageradas.

 

La imagen resultante de este ajuste de 'Brillo/Contraste' se muestra a continuación; me gustaron ciertos aspectos del cambio, pero otras áreas sentí que estaban exageradas.

La corrección tonal logró resaltar el contraste que deseaba, sin embargo, áreas como el punto A estaban exageradas. ¡Aquí, parece de un rojo sangre y un poco espeluznante!

 

Además, hay demasiado contraste cerca de los bordes de las flores, lo que hace que la imagen general parezca antinatural. Cerca de los bordes, prefiero mi pintura original antes de la corrección tonal. ¿Cómo puedo conservar lo mejor de ambos mundos?

 

La máscara de capa se puede utilizar para atenuar los efectos de los filtros/correcciones tonales.

 

Para crear una máscara de capa:

 

1. Selecciona la capa con las correcciones tonales. Haz clic en 'Crear máscara de capa'.

 

2. Para recuperar la pintura original en ciertas áreas, asegúrate de estar pintando en la Máscara de capa.

 

3. Utilicé la herramienta "Borrador suave" para borrar áreas de la corrección tonal y revelar mi pintura original. Sin embargo, puedes borrar áreas con cualquier borrador o pincel configurado en color negro. Vuelve a pintar la corrección tonal con cualquier pincel configurado en color blanco. ¡Siéntete libre de experimentar con lo que mejor te funcione!

 

4. Comprueba la miniatura para asegurarte de que estás realizando cambios en la máscara de capa y no en la capa real. Recuerda, el negro marca las áreas donde estás revelando la pintura original debajo.

Después de atenuar las correcciones tonales, ¡la pintura de las flores ya está completa! Antes de pasar al fondo, haré una pausa aquí y desglosaré algunas diferencias en las tres flores que se pintaron.

Aquí hay un diagrama etiquetado para resaltar algunas áreas importantes.

 

1. La peonía superior derecha está en proceso de florecer completamente.

Observa cómo en el punto B, el rojo intenso se presenta en forma de una línea fina. Esto ayuda a indicar la estructura de los pétalos y la dirección de esta flor. Los pétalos aquí están orientados hacia la derecha, quizás apartados debido a la gran peonía completamente florecida de la izquierda. Contrástalo con la parte más cercana al centro de esta peonía, como en el punto A, donde los toques de color rojo frío saturado están más agrupados y son más grandes.

 

2. La flor inferior derecha muestra una peonía en las etapas iniciales de floración. Aquí, utilicé la técnica del aerógrafo para obtener una gradación muy suave en la parte inferior de la flor en el punto C. Definí algunos bordes duros con una herramienta "Plumilla G" casi blanca; esta área inferior de la peonía es mucho más oscura que el área superior, ya que la fuente de luz proviene de arriba. Lo que le da vida a esta peonía, creo, son los dos pétalos en el punto C, separados lo suficiente como para darse espacio para respirar; estos dos pétalos individuales, en mi opinión, unen la flor inferior derecha y ayudan al espectador a comprender la imagen. En particular, ayuda a mostrar que las otras líneas blancas indican los bordes de los pétalos cerrados de esta peonía.

 

3. La peonía completamente florecida fue definitivamente la más difícil.

Las capas de pétalos eran grandes y complejas. Ten en cuenta que en D, utilicé la herramienta 'Acuarela transparente' para difuminar la transición entre rosa y rojo para definir estos pétalos (Técnica #3). Comparativamente, cerca del centro en E, existe un montón de bordes duros con hendiduras y bordes de pétalos; aquí utilicé muchos pinceles de acuarela repetidamente para oscurecer los bordes y obtener un color rojo frío profundo muy saturado (Técnica #2).

Fondo/Hojas

Depende del artista si quiere pintar solo las flores sin fondo. Un fondo blanco puro o un fondo de color sólido a veces puede ser preferible.

 

En esta sección, te mostraré cómo agregué un fondo de hojas para acompañar la peonía. Decidí añadir el fondo porque, si recuerdas las ideas que aprendí de mis estudios, ¡tener hojas o follaje como fondo realmente hace que las flores vibrantes resalten!

 

El truco es que las flores sigan siendo el foco de la imagen en la mayoría de los casos, así que mi objetivo era añadir un fondo que realzara las flores pero que también fuera sutil.

 

Para comenzar a dibujar los fondos, utilicé el contorno verde ya existente que silueteaba la peonía. A partir de ahí, me expandí hacia afuera, pintando pinceladas que se afinan para representar el lado oscuro de algunas hojas.

 

Quería mantener las áreas que rodeaban la peonía con un color más oscuro para contrastar con los bordes blancos de los pétalos. Esto se hizo muy rápidamente, ya que quería simplemente eliminar el blanco de la página y luego refinar los detalles más tarde.

El relleno del fondo se hizo rápido y con grandes pinceladas; fíjate en el tamaño de las pinceladas en estas etapas iniciales (momento 1-4).

 

Rellené rápidamente hasta los bordes del lienzo, observa el punto A del borde izquierdo y el punto B en las imágenes 3 y 4. Quería incluir algunos verdes amarillentos más claros ya que la luz también incidirá en las hojas, como al lado del punto A. Sin embargo, quiero mantener los bordes del lienzo más oscuros para mantener el enfoque del espectador hacia el centro de la imagen. Así que en el momento 4, pinté los puntos A y B de un verde más oscuro.

Mi idea inicial era pintar todo el lienzo y llenarlo de hojas y follaje oscuro. Sin embargo, a mitad de camino, después del 'momento 4', cambié de opinión.

 

¡Está bien cambiar de opinión y experimentar con lo que estés pintando, incluso si es tarde en el proceso! A mí, no me gustó la idea de un fondo completamente relleno porque sentí que no podía hacerlo interesante. En su lugar, comencé a borrar con varios pinceles blancos y la herramienta 'Borrador maleable'.

Finalmente, después de mucha experimentación, decidí siluetear el lado derecho de las flores con algunas hojas que sobresalían, estas se muestran en el punto A y se refinan entre el momento 7 y el 8.

 

También agregué una pequeña rama en el punto B en el momento 8. Teniendo en cuenta que la luz viene de arriba, usé un rojo parduzco y un rojo muy oscuro para mostrar un lado claro y uno sombrío.

 

Por último, fue solo en esta etapa que comencé a refinar el fondo verde abstracto en forma de algunas hojas. En el punto C, comencé a dibujar algunas hojas que puedes empezar a ver tomar forma si comparas el momento 7 y el momento 8.

Si intentas definir hojas individuales de inmediato para el fondo, es común terminar abrumado, frustrado y perdido, esto definitivamente me pasa a mí.

Finalmente, aquí está el fondo terminado. Las hojas de la izquierda fueron refinadas con algunas líneas usando un pincel de acuarela (Técnica #2) para indicar patrones en cada hoja. La silueta del lado derecho también fue refinada y, nuevamente, el borde inferior y el izquierdo se oscurecieron para mantener el enfoque hacia las flores.

 

Si defines unas pocas hojas, el espectador puede rellenar el resto con las pinceladas menos refinadas. Recuerda que las hojas no son el foco central de la pintura (al menos no para esta pintura); al entender el foco de tu pintura, puedes elegir intencionalmente qué cosas simplificar.

¡Estaría bien parar aquí, y mirando hacia atrás quizás lo habría hecho! Pero durante el proceso, las hojas verdes no me parecían correctas y me sentía muy decepcionado con el fondo...

Obteniendo un Nuevo Aspecto Rápido - Curvas de Tono, Retoques Finales, Máscaras de Capa (de nuevo)

A menudo, en medio de una pintura o a veces cerca del final, la inspiración puede disminuir ya que has estado mirando la misma imagen durante mucho tiempo. A menudo es útil simplemente obtener una nueva perspectiva de una pintura para ver qué es posible y potencialmente inspirar algo de creatividad.

 

Me sentí así al final de esta pintura, no me gustaban las hojas verdes del fondo, así que usé las Curvas de Tono para intentar obtener algo de inspiración.

 

"Curvas de Tono" es otra opción de "Corrección Tonal(D)" al igual que la función "Brillo/Contraste" que se describió al pintar la flor de peonía. La curva de tono, en cambio, te permite ajustar los colores de la capa seleccionada, cambiando la cantidad de expresión para rojos, azules y verdes.

 

¡El proceso para hacer una 'curva de tono' es muy similar a aplicar la corrección de 'brillo/saturación'! Como mi problema era con el fondo, y el fondo lo hice en una capa separada, comencé duplicando la capa de fondo y dirigiéndome al menú.

 

1. Duplica la capa a la que quieres aplicar la curva de tono.

2. Dirígete a 'Editar' -> 'Corrección Tonal(D)' -> 'Curva de Tono...'

 

3. Aparece un cuadro de diálogo para la curva de tono, ajusta los niveles de tono y rastrea los cambios marcando 'Previsualizar'.

4. Haz clic en 'OK' para aplicar la Curva de Tono.

Punto A: Este menú desplegable en la ventana de la curva de tono te permite cambiar entre las curvas de Rojo, Azul y Verde.

 

Punto B: Haz clic en el gráfico para crear nuevos puntos. Mueve los puntos creados para cambiar la curva; los niveles de entrada en el eje horizontal se mapearán a los niveles de salida en el eje vertical.

Aquí está el resultado de la curva de tono; al igual que con la corrección tonal de 'Brillo/Contraste', hubo áreas que realmente me gustaron, como los toques de magenta en las hojas de la parte superior izquierda, el cambio en el color de fondo; pero hubo áreas que estaban exageradas. Estas áreas se suavizaron y se borraron con el uso de una máscara de capa. Consulta 'Ajustes y Técnicas de Máscara de Capa' para repasar cómo usar una máscara de capa.

 

Esto me ayudó a quedar satisfecho con el fondo; las hojas verdes, aunque complementaban las peonías rosadas/rojas, sentí que distraían la imagen. ¡El fondo magenta fue un beneficio inesperado que decidí mantener! Me gustó cómo ayudó a definir los bordes de la peonía superior derecha.

 

En esta pintura, la curva de tono se usó para finalizar la pintura. A menudo, me encuentro usándola en medio del proceso de pintura para obtener inspiración para nuevos caminos que la imagen podría tomar. Obtener una nueva perspectiva con diferentes tonos ayuda a generar nuevas ideas, pero otros filtros y correcciones también pueden usarse para inspirar y dar dirección a un artista digital. ¡Te animo a experimentar con todas las herramientas disponibles!

Gracias

Gracias por tomarte el tiempo de leer este artículo de CONSEJOS. En el proceso de investigación, estudios, creación de piezas y redacción de este proyecto, he aprendido una cantidad inmensa. No solo aprendí a pintar flores y plantas, sino también a ser un mejor artista en general al expresar lo que me funcionó y lo que no.

 

Espero que hayas sacado tanto de este artículo como yo al escribirlo. ¡Sal ahí y huele algunas flores (y quizás dibuja algunas también!)

 

• Linco