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Este video ofrece un resumen MUY rápido de las cosas descritas en este artículo. Está destinado a ser más entretenido, mientras que este artículo es (con suerte) más informativo.

Introducción

Hola a todos, soy Linco aquí con mi primer tutorial de Clip Studio Paint. Hoy vamos a aprender algunas técnicas para pintar flores.

 

Las flores y las plantas pueden ser un tema muy difícil de dibujar porque es muy fácil perderse en una gran cantidad de patrones repetitivos y formas complejas. ¡No te preocupes! Es muy común perderse y no estar seguro de hacia dónde se dirige cuando dibuja algo, especialmente plantas y flores. En este tutorial, presentaré formas de estudiar el dibujo de flores y plantas, conocimiento útil de la estructura de muchas flores y plantas, y algunos consejos específicamente en Clip Studio Paint para ayudar en el dibujo digital de flores y plantas.

 

¡Vamos!

Resumen de las lecciones aprendidas de los estudios de plantas

En este tutorial de TIPS, repaso tres estudios que hice para aprender más sobre cómo dibujar plantas y flores. Cada estudio recopiló nueva información, aquí, al principio, resumiré lo que aprendí en forma de consejos aplicables para dibujar y pintar flores. Para aquellos que estén interesados, lea más sobre cómo cada estudio informó mi práctica.

 

1. Muchas flores y plantas son delicadas, para dibujar o pintar estas flores utilice las curvas S y C.

 

2. Pintar flores y plantas tiene mucho que ver con las gradaciones. Muchas flores cambian de color desde el interior hasta los bordes de sus pétalos. Incluso las hojas tienen gradaciones sutiles, y diferentes áreas de una planta (generalmente cerca de la parte inferior) pueden verse más viejas y tener un toque diferente, generalmente amarillo.

 

3. Relacionado con el último punto, muchas flores tienen pétalos translúcidos que "captan la luz" creando bordes casi blancos. Las gradaciones suelen variar desde un valor más oscuro en el centro hasta un valor más claro cerca de los bordes.

 

4. ¡Las hojas de color verde oscuro como fondo para contrastar las flores generalmente brillantes y vibrantes hacen que las flores resalten! No tiene que ser hojas en particular, pero son una elección de fondo muy natural.

 

5. Preste atención no solo a la forma de las plantas y flores, sino también al espacio negativo, los espacios entre las plantas o el espacio entre los pétalos, los espacios entre las ramas de un árbol. Centrarse en estos espacios negativos puede hacer que el diseño de su pintura sea más creíble y también puede hacer que pintar y dibujar sea mucho más fácil.

 

Te animo a que realices tus propios estudios de plantas y flores, o cualquier tema que te interese. Emprende con el objetivo de observar y aprender todo sobre tu tema. Puede usar herramientas tradicionales como la acuarela, o incluso ser portátil con una tableta o iPad usando la aplicación Clip Studio Paint.

 

Si quieres ver mis estudios de plantas y flores, ¡continúa! De lo contrario, para ver estos consejos en acción, consulte la sección Ejemplo ilustrado (peonías).

 

Estudiar plantas y flores

Una de las posibles razones por las que algunas personas se desaniman de dibujar plantas y flores es porque eligen temas muy difíciles para estudiar de inmediato. Es extremadamente difícil, por ejemplo, estudiar los detalles de un bosque. Diferentes tipos de árboles se superponen, las ramas se cruzan, toda una cacofonía de formas complejas que llevará a muchos a simplemente recurrir a la frustración, pintar o dibujar trazos al azar, o usar algunas técnicas para un atajo y llamarlo un día.

 

¡No me malinterpretes! Creo que los atajos y la simplificación son muy útiles a la hora de pintar. Pero para mí, cuando estudio un tema, el objetivo es aprender sobre él. Me propuse aprender sobre las formas y el arreglo de valores de flores y plantas, cosas a las que puedo estar muy atento durante mis estudios y creo que me ayudarán a convertirme en un artista mejor y más intencional.

 

Si quieres estudiar las formas de plantas y flores, empieza con algo mucho más sencillo y ¡aprenderás muchas cosas! Permítanme compartir con ustedes algunas cosas que he aprendido de algunos estudios.

Este es un estudio rápido que hice de una planta de hojas grandes de aspecto divertido que vi en un jardín botánico. Hecho en Clip Studio Paint con la herramienta predeterminada "Lápiz más claro" y la herramienta predeterminada "Borrador amasado".

 

Pensé en lo que me hizo sentir que esta planta emitía una especie de vibra tonta. En cuanto a A, el contorno de la hoja principal, está formado por muchas curvas en forma de S y C unidas, formando un contorno muy parecido a una ondulación. Creo que esto ayudó en cómo expresé la planta y también es un evento en el punto C, la hoja más pequeña.

 

El sombreado en el punto B se utilizó para tratar de dar el efecto de que el contorno de la hoja no es lo único que se mueve hacia adelante y hacia atrás, sino también que hay secciones de la hoja en la sombra, lo que sugiere que la hoja también se mueve hacia y desde el espectador.

 

Otra cosa que aprendí de este estudio es que, las curvas en forma de S y C se usan a menudo para describir plantas y flores, muy rara vez se usan líneas rectas. Las curvas en forma de S y C dan una sensación de delicadeza. Esto también es evidente en el tallo en el punto D, a pesar de que en la vida real el tallo es más recto, exageré la curva aquí con la idea de darle más peso o rebote a la hoja superior.

 

Entonces, si queremos dibujar flores y plantas que se sientan frágiles, delicadas, temporales, asegúrese de usar muchas curvas S y C. Por otro lado, si estuvieras tratando de representar la corteza de un árbol áspera, ese sería un momento perfecto para utilizar líneas rectas irregulares.

Este segundo estudio es de un pequeño grupo de flores que brotan del suelo en un centro botánico local, nuevamente realizado con las herramientas "Lighter Pencil" y "Kneaded Eraser" en Clip Studio Paint.

 

Estas flores capturaron mi interés debido a la gran cantidad de superposición, creando una estructura piramidal. El punto A señala la parte superior de una de estas estructuras. Algo que fue muy reconocible al estudiar esto es que para muchas flores, el centro de la flor se gradúa hacia afuera en un color diferente cerca de los bordes. No hice este estudio en color, sin embargo, para esta flor en particular, el centro era de un magenta más oscuro en comparación con los bordes de color rosa claro. Muchas flores captan la luz "con los bordes de sus pétalos translúcidos, haciéndolos más claros por fuera. Al aumentar el tamaño de la herramienta Lápiz más claro, simplemente punteé el centro en el Punto A y otras flores para mostrar esta gradación.

 

El punto B muestra una sombra proyectada desde un pétalo en una capa superior a una capa inferior, ayudó a definir la forma de este racimo de flores, en la vida real esto no parecía demasiado oscuro, quizás porque los pétalos estaban transmitiendo algo de luz. Por último, el punto C muestra una hoja, noto que tener las flores que generalmente son brillantes en contraste con las hojas de color verde oscuro y otro follaje realmente hace que las flores estallen.

Este estudio final muestra un método para tratar de estudiar flores, plantas y árboles con formas más complejas. Una buena idea es dibujar el sujeto en silueta, olvidándose de la profundidad del sujeto y enfocándose en cambio en las formas. Puede evaluar su estudio viendo si el sujeto todavía es reconocible con solo una silueta rellena ... En mi estudio, no creo que esto pase como tan reconocible.

 

Al hacer siluetas, es importante no solo mirar lo que se rellenó, sino también lo que quedó fuera. Esto puede ayudar enormemente en el dibujo de plantas y flores para obtener formas que se sientan seguras y diseñadas a propósito. En el punto B, miré el espacio entre las dos ramas y, en su lugar, dibujé mi forma con la herramienta "Borrador duro".

 

Esto se hizo en Clip Studio Paint con las herramientas "G-Pen" y "Fill Bucket". Estaba tratando de dibujar la silueta de un árbol con hojas de naranja, al estar rodeado de árboles verdes, se destacó. Aunque prefiero los otros dos estudios anteriores, me gusta cómo capturé las ramas, como en el Punto A, a medida que el árbol se ramifica, el grosor disminuye lentamente. Me siento bien con las ramas para este estudio, y menos con los manojos de hojas. Pero como aprendí algo de este estudio, ¡lo considero un éxito!

 

Ejemplo ilustrado (peonías)

Empiezo mi dibujo con la silueta de la flor. La silueta es importante porque puede dar tanto carácter a lo que estás dibujando, define las formas en la planta o flor. Por ejemplo, ¿es una planta espinosa, tiene pétalos más redondos, pétalos triangulares? Son cosas que se pueden identificar simplemente por la silueta. Para las peonías, esta silueta tiene pétalos redondos, algunos que flotan como la tela de un vestido.

 

¡En la imagen de abajo, puedes ver que la silueta era muy áspera!

El verde oscuro para la silueta de la flor ayudará a que "resalte", ya que proporcionará contraste una vez que comencemos a pintar en esta flor rosa claro.

 

Si tiene curiosidad acerca de los materiales utilizados, simplemente usé un G-Pen en un rojo oscuro relativamente profundo para el contorno, y el 'Pincel plano de pintura al óleo' proporcionado por Clip Studio Paint.

Antes de comenzar, si tiene curiosidad acerca de mi estructura de capas, aquí está. No es algo que tengas que seguir estrictamente, pero me resultó conveniente.

 

 

R: Empecé con la silueta de la peonese, esta fue mi primera capa.

 

B: Estas dos capas son donde pinto en la flor. La capa inferior es solo una base blanca, rellené la silueta de blanco con la herramienta 'Cubo de pintura', luego la capa superior simplemente se recorta a la capa base blanca, para no estropear accidentalmente la silueta diseñada intencionalmente. La siguiente imagen muestra los pasos para esto.

 

C: Por último, esta es mi capa de fondo, la pinté en un contorno verde para recordarme a mí mismo pintar en hojas después.

 

Utilice la configuración que mejor se adapte a sus necesidades, algunos prefieren muchas capas, ¡algunos prefieren solo una! Mi única recomendación es NO crear una capa para cada pétalo. Cerca del final, fusioné todas las capas juntas de todos modos para hacer los toques finales.

Aquí hay algunas instrucciones básicas para configurar una capa de máscara recortada.

 

Realice la operación Primero, complete su silueta en otra capa con la herramienta de llenado de cubeta usando 'Referir otras capas'. Está coloreada en rosa solo para la visibilidad, sin embargo, esta capa en realidad se llenó de blanco.

 

Otra forma es usar la herramienta de varita mágica en la capa de silueta, invertir la selección y completarla en una nueva capa.

 

Después de tener una capa con un color base, realice la operación B en azul. Cree una capa en la parte superior y haga clic en el icono que dice 'Recortar a la capa inferior' Siempre que dibuje en esta capa azul, solo será visible si se superpone con la capa rellena de abajo.

¡Ahora estamos listos para pintar!

Para crear una flor más realista, las gradaciones de color deben colocarse con cuidado para dar forma a los pétalos y dar profundidad a la pintura. Recuerde de la sección de estudio, que muchas flores captan la luz en sus pétalos y, por lo tanto, se gradúan de oscuro a claro, del centro al exterior. Para el peonés, los colores rojos fríos profundos más saturados se encuentran en las grietas de los pétalos, que se transforman maravillosamente en un rosa claro y un blanco. Con las herramientas digitales de Clip Studio Paint, te mostraré algunos métodos que te ayudarán con la gradación de colores para los pétalos de una planta. En esta pintura, utilicé una combinación de todos ellos, siéntete libre de probar cada uno de ellos y usar los que te resulten más atractivos.

 

Técnica 1: Técnica de pincel degradado

En la pintura tradicional, una de las formas agradables de crear estas gradaciones es una mezcla incompleta en un pincel plano. Un extremo del pincel se carga con un color y el otro extremo se carga con otro color.

 

En el siguiente gif, demuestro esto con acuarela.

¡Mostraré una forma en Clip Studio Paint para cambiar cualquiera de sus pinceles favoritos en algo que imite esta técnica tradicional!

 

Elija uno de sus pinceles favoritos y duplique la herramienta haciendo clic derecho en la herramienta duplicar.

 

Dupliqué el "Pincel plano de pintura al óleo" integrado de Clip Studio Paint y lo renombré "Pincel plano de pintura al óleo (incompleto)"

 

Vaya a la configuración de la subherramienta y vaya a la pestaña "Inicio y finalización"

1. Inicio y finalización: cambie a "Fusionar con subcolor".

2. Cómo especificar: cambie a "Por porcentaje"

3. Seleccione la casilla de verificación Comenzando: cambie a 100.0

4. Deseleccione la casilla de verificación Inicio y finalización por velocidad.

 

Por último, vaya a la pestaña "Tinta"

1. Mezclar con subcolor: cambie el control deslizante a 100.0

 

Ahora, cuando use su pincel, comenzará con su color principal seleccionado y el final de cada trazo se graduará a su color secundario. En mi dibujo, utilicé algunos de estos trazos con un rojo frío saturado y un rosa claro para definir algunos pétalos.

 

¡A continuación se muestra un gif que muestra los tipos de pinceladas que su pincel recién creado debería crear ahora!

(Al final también utilizo la herramienta 'Acuarela transparente' para mezclar algunos bordes)

Técnica 2: Uso de los activos de Clip Studio Paint (pinceles de acuarela)

Algunos pinceles en la pintura de clip studio están diseñados para replicar las características de los pinceles de acuarela del mundo real. Estos pinceles son útiles para pintar flores, al agregar trazos adicionales sobre los existentes, las áreas se vuelven más oscuras y saturadas. Aquí hay un enlace al pincel que usé para esta pintura, que se encuentra en los recursos de pintura de clip studio creados por usuarios de la comunidad.

 

Este pincel fue especialmente útil para mí para agregar esos rojos fríos muy profundos en el medio de la flor de peonía. Al agregar trazos de pincel encima de los trazos de pincel, se produjeron bordes interesantes y el color "resaltó" en lugar de volverse muy confuso, algo en lo que personalmente tengo la mala costumbre de caer.

 

¡Darle una oportunidad! Si este pincel no es de su agrado, también hay muchos otros pinceles interesantes en la página de recursos de Clip Studio Paint, ¡vale la pena explorar y experimentar!

Técnica 3: Uso de mezcla / aerógrafo u otros pinceles para mezclar

La forma más conocida de crear gradaciones en la pintura es probablemente utilizando un aerógrafo o una herramienta de mezcla, esto descompone los bordes duros en otros más suaves. El pincel "Acuarela transparente" que viene con Clip Studio Paint también es una buena herramienta para esto. Es posible que muchos lectores ya estén familiarizados con esto, simplemente use la herramienta de selección de color en un borde cercano y aerógrafo o mezcle los bordes duros para crear gradaciones de color.

 

Nota: tenga cuidado con el uso excesivo del aerógrafo, que le da a la pintura un aspecto distintivo y confuso.

Rompiendo el proceso

A partir de la silueta que creamos, simplemente comencé a pintar, a divertirme con ella y a usar las técnicas mencionadas anteriormente. La clave aquí es enfocar no demasiado un pétalo a la vez, como mencionamos anteriormente. En cambio, trabajé en agregar algunos rojos fríos profundos saturados para definir algunas grietas como se puede ver en el centro de las dos flores.

 

1. El centro de estas flores tiene la mayor cantidad de color, así que comencé por ahí.

2. Empecé a definir algunos bordes duros para hendiduras y pétalos. Nada es definitivo, pero recién estamos comenzando, verá que muchas de estas formas cambian en todo momento.

 

Para algunos, incluido yo mismo, creo que puede ser intimidante tener blanco en la página, un lienzo en blanco con tantas posibilidades. Intento bajar un poco de color lo más rápido posible, metiéndome en el flujo de la pintura. Así que reúna algo de valor, deje esas pinceladas y mantenga la mentalidad de que siempre está en una etapa de bloqueo en la que puede regresar y cambiar las cosas si eso es lo que quiere hacer.

 

 

Trabajé en una flor a la vez, desafortunadamente, perdí todas las imágenes de cuando trabajé en la peonía florecida de la izquierda. Sin embargo, me acerqué a todas las flores de la misma manera, así que echemos un vistazo a cómo abordé la peonía superior derecha en plena floración.

 

Comparando esta imagen con la anterior, ya cambié esta peonía, encubriendo mi trabajo anterior. Utilicé el pincel plano de pintura al óleo creado (incompleto) para definir algunos pétalos (técnica n. ° 1). Configuré el color primario en un rojo frío profundamente saturado y el color secundario en un rosa muy claro. Realmente me gusta comenzar con este pincel, ya que me ayuda a ver gradaciones muy rápidamente con un solo trazo de pincel.

En el proceso de pintar esta peonía superior derecha, aquí hay algunos momentos clave en el proceso.

 

1. Después de la puesta inicial, defino algunas áreas rojas frías profundas en el centro de la flor, recordé mirar la estructura de valores. De los estudios, recuerde que muchas flores se gradúan de valores más oscuros en el centro a valores más claros cerca de los bordes. Para la peonía, los colores más saturados también están presentes en las grietas de la flor, y hay grietas mucho más profundas que no son golpeadas por la luz cerca del centro de la flor.

 

2. Aquí hay otro paso importante cerca del principio, observe los contornos blancos que comienzan a dibujarse. Estos se hicieron con la herramienta 'G-Pen' en un color casi blanco. Hablamos mucho sobre los métodos de gradación, ¡pero las flores también tienen bordes duros! Definí mis bordes más duros con la herramienta 'G-Pen'. Están coloreadas de blanco a medida que los pétalos captan la luz, otro aspecto de las flores que aprendimos en la sección de estudio.

 

3. Empiezo a traer rojos más saturados y oscuros en las grietas. Continuamente presiono el rango de valores para esta flor.

 

Tenga en cuenta que después de definir los bordes blancos de los pétalos en el paso anterior, también defino algunos bordes rojos duros justo al lado. Esto es para dar profundidad a esos pétalos, justo después del final de un pétalo debe haber una grieta. En la imagen de abajo, señalo esto en el punto A, compare este punto entre los dos momentos uno al lado del otro.

 

 

4-7. Estos pasos son las etapas de refinamiento y pueden llevar una cantidad de tiempo variable. Poco a poco trabajo en la flor, la estructura básica ahora está aquí, así que repito mis técnicas para construir detalles más intrincados. Continúo agregando más y más grietas de rojo profundo y frío y refino estas formas. Continúo definiendo nuevos pétalos con las líneas blancas del 'G-Pen' y gradúo estos pétalos de un valor más oscuro a un valor más claro cerca de los bordes usando técnicas (1-3) pero principalmente 3.

 

Si compara el momento 4 y 7, verá el ejemplo más obvio de este proceso de gradación para definir un pétalo. La comparación de los puntos A y B en la imagen de abajo muestra cómo se graduaron estos pétalos usando una variedad de pinceladas.

 

 

¡Ahora hemos terminado con la peonía de floración media!

 

Las mismas técnicas y pasos se emplearon nuevamente para la peonía completamente florecida de la izquierda y la peonía que comienza a florecer en la parte inferior derecha.

Ajustes y técnicas de enmascaramiento de capas

Una tendencia para mí es que cuando pinto es que los valores y colores a menudo siento que se apagan. Esto también ocurre naturalmente en los medios tradicionales, por ejemplo, con las acuarelas el color se apaga a medida que el pigmento se seca y debe volver a pintarse.

 

Después de pintar las flores, utilicé las técnicas de "Corrección tonal" y "Máscara de capa" de Clip Studio Paint para aportar más contraste y finalizar la pintura de flores.

 

A continuación se muestra A y B, ¡la diferencia es muy clara en lo que podemos lograr a través de las técnicas de corrección tonal y máscara de capa! Aprendamos a hacer esto.

Para comenzar, comience por duplicar la capa con su pintura.

 

1. Haga clic derecho en la capa, seleccione duplicar

Asegúrese de estar en la capa recién duplicada y diríjase a la barra de menú

 

2. Vaya a 'Editar' -> 'Corrección tonal (D)' -> 'Brillo / Contraste'

 

3. Ajuste los controles deslizantes para que se adapten a sus necesidades. Para mí, como pensaba que mis colores estaban confusos y la flor en su conjunto era demasiado clara, disminuí el brillo y aumenté el contraste. Marque y desmarque la casilla 'Vista previa' para resaltar las diferencias.

 

4. Haga clic en 'Aceptar' para aplicar los cambios.

A menudo, un ajuste general de la corrección tonal, ya sea brillo / saturación o cualquier otro filtro, tendrá aspectos que le gusten, pero algunas áreas pueden estar exageradas.

 

La imagen resultante de este ajuste de 'Brillo / Contraste' se muestra a continuación, me gustaron ciertos aspectos del cambio, pero otras áreas que sentí fueron exageradas.

La corrección tonal logró resaltar el contraste que quería, sin embargo, áreas como el punto A estaban exageradas. ¡Aquí, se ve rojo sangre y un poco aterrador!

 

Además, hay demasiado contraste cerca de los bordes de las flores, lo que hace que la imagen general parezca poco natural. Cerca de los bordes prefiero mi pintura original antes que la corrección tonal. ¿Cómo puedo conservar lo mejor de ambos mundos?

 

La máscara de capa se puede utilizar para atenuar los efectos de los filtros / correcciones tonales.

 

Para crear una máscara de capa:

 

1. Seleccione la capa con las correcciones tonales. Haga clic en 'Crear máscara de capa'.

 

2. Para recuperar la pintura original en ciertas áreas, asegúrese de que está pintando en la máscara de capa.

 

3. Usé la herramienta "Borrador suave" para borrar áreas de la corrección tonal y revelar mi pintura original. Sin embargo, puede borrar áreas con cualquier borrador o pincel ajustado a un color negro. Vuelva a pintar la corrección tonal con cualquier pincel ajustado a un color blanco. ¡Siéntete libre de experimentar con lo que te funcione mejor!

 

4. Verifique la miniatura para asegurarse de que está realizando cambios en la máscara de capa y no en la capa real. Recuerde, las áreas de marcas negras donde está revelando la pintura original debajo.

Después de someter las correcciones tonales, ¡la pintura de las flores está completa! Antes de pasar al fondo, descansaré aquí y desglosaré algunas diferencias en las tres flores que fueron pintadas.

Aquí hay un diagrama etiquetado para resaltar algunas áreas de importancia.

 

1. La peonía superior derecha está en proceso de florecer completamente.

Observe cómo en el punto B, el rojo intenso se presenta en forma de una línea delgada. Esto ayuda a indicar la estructura de los pétalos y la dirección de esta flor. Los pétalos aquí están mirando hacia la derecha, quizás apartados debido a la gran peonía completamente florecida a la izquierda. Contraste esto para acercarse al centro de esta peonía, como en el punto A, los indicios de color rojo frío saturado están más agrupados y más grandes.

 

2. La flor inferior derecha muestra una peonía en las etapas iniciales de la floración. Aquí, utilicé la técnica del aerógrafo para obtener una gradación muy suave en la parte inferior de la flor en el punto C. Definí algunos bordes duros con una herramienta "G-Pen" casi blanca, esta zona inferior de la peonía es mucho más oscura que la área superior, ya que la fuente de luz es desde arriba. Creo que lo que le da vida a esta peonía son los dos pétalos en el punto C, lo suficientemente separados como para que se den espacio para respirar, estos dos pétalos individuales, en mi opinión, unen la flor inferior derecha y ayudan al espectador a darle sentido a la imagen. En particular, ayuda a mostrar que las otras líneas blancas indican los bordes de los pétalos cerrados de esta peonía.

 

3. La peonía completamente florecida fue definitivamente la más difícil.

Las capas de pétalos eran grandes y complejas. Tenga en cuenta que en D, utilicé la herramienta 'Acuarela transparente' para mezclar la transición entre el rosa y el rojo para definir estos pétalos (Técnica n. ° 3). Comparativamente, cerca del centro en E, existe un montón de bordes duros con hendiduras y bordes de pétalos, usé muchos pinceles de acuarela aquí repetidamente para oscurecer los bordes y obtener un color rojo frío profundo muy saturado (Técnica # 2).

Fondo / Hojas

Depende del artista si solo quiere pintar las flores sin fondo. En ocasiones, puede ser preferible un fondo blanco puro o un fondo de color sólido.

 

En esta sección, les mostraré cómo agregué en un fondo de hojas para acompañar a la peonía. Decidí agregar el fondo porque si recuerdas las ideas que aprendí de mis estudios, ¡tener hojas o follaje como fondo realmente hace que las flores vibrantes resalten!

 

El truco es que las flores deben seguir siendo el foco de la imagen en la mayoría de los casos, por lo que mi objetivo era agregar un fondo que realza las flores pero que también sea sutil.

 

Para empezar a dibujar los fondos, utilicé el contorno ya verde que recortaba la peonía. Me expandí hacia afuera desde aquí, pintando con pinceladas que disminuyen para representar el lado oscuro de algunas hojas.

 

Quería mantener las áreas que rodean la peonía de un color más oscuro para contrastar con los bordes blancos de los pétalos. Esto se hizo muy rápido ya que solo quería deshacerme del blanco en la página y luego refinar los detalles.

El relleno del fondo se hizo rápido y con grandes pinceladas, observe qué tan grandes son las pinceladas en estas etapas iniciales (momento 1-4).

 

Rápidamente llené los bordes del lienzo, observe el punto A y el punto B del borde del extremo izquierdo en las imágenes 3 y 4. Quería poner algunos amarillos verdosos más claros ya que la luz también golpeará las hojas, como al lado del punto A Sin embargo, quiero mantener los bordes del lienzo más oscuros para mantener el enfoque del espectador hacia el centro de la imagen. Entonces, en el momento 4, pinté en los puntos A y B un verde más oscuro.

Mi idea inicial fue pintar todo el lienzo y rellenarlo con hojas y follaje oscuro. Sin embargo, a la mitad del 'momento 4' cambié de opinión.

 

Está bien cambiar de opinión y experimentar con lo que sea que estés pintando, ¡incluso si el proceso es tarde! Para mí, no me gustó la idea de un fondo completamente lleno porque sentí que no podía hacerlo interesante. En cambio, comencé a borrar con varios pinceles blancos y la herramienta 'Borrador amasado'.

Finalmente, después de mucha experimentación, decidí que iría con una silueta del lado derecho de las flores con algunas hojas que sobresalían, estas se muestran en el punto A, y se refinan entre el momento 7 y 8.

 

También agregué una pequeña rama en el punto B en el momento 8. Teniendo en cuenta que la luz viene de arriba, usé un rojo marrón y un rojo muy oscuro para mostrar un lado de luz y sombra.

 

Por último, fue solo en esta etapa que comencé a refinar el fondo verde abstracto en forma de algunas hojas. En el punto C, comencé a dibujar algunas hojas que puedes comenzar a ver tomar forma si comparas el momento 7 y el momento 8.

Si intentas definir las hojas individuales de inmediato para el fondo, es común terminar abrumado, frustrado y sintiéndote perdido, esto definitivamente me pasa a mí.

Finalmente, aquí está el fondo terminado. Las hojas de la izquierda se refinaron con algunas líneas usando un pincel de acuarela (Técnica # 2) para indicar patrones en cada hoja. La silueta en el lado derecho también se refinó y nuevamente, el borde inferior e izquierdo se oscurecieron para mantener el enfoque hacia las flores.

 

Si define algunas hojas, el espectador puede completar la resolución con los trazos de pincel menos refinados. Recuerde que las hojas no son el enfoque central de la pintura (al menos no para esta pintura) al comprender el enfoque de su pintura, puede elegir intencionalmente qué cosas simplificar.

¡Estaría bien parar aquí, y mirando hacia atrás quizás lo hubiera hecho! Pero durante el proceso, las hojas verdes no me parecieron bien y me sentí muy decepcionado en el fondo ...

Obtener una nueva apariencia rápida: curvas de tono, toques finales, máscaras de capa (nuevamente)

A menudo, en el medio de una pintura o, a veces, cerca del final, la inspiración puede disminuir ya que ha estado mirando la misma imagen durante mucho tiempo. A menudo es útil simplemente obtener una nueva apariencia en una pintura para ver qué es posible y potencialmente inspirar algo.

 

Me sentí así durante el final de esta pintura, las hojas verdes en el fondo no me gustaron particularmente, así que usé Tone Curves para tratar de inspirarme.

 

"Curvas de tono" es otra opción de "Corrección tonal (D)" al igual que la función "Brillo / Contraste" que se describió al pintar la flor peonesa. En cambio, la curva de tono le permite ajustar los colores de la capa seleccionada, cambiando la cantidad de expresión de los rojos, azules y verdes.

 

¡El proceso para hacer una 'curva de tono' es muy similar a aplicar la corrección de 'brillo / saturación'! Dado que mi problema era con el fondo, e hice el fondo en una capa separada, comencé duplicando la capa de fondo y dirigiéndome al menú.

 

1. Duplique la capa a la que desea aplicar la curva de tono.

2. Dirígete a 'Editar' -> 'Corrección tonal (D)' -> 'Curva de tono ...'

 

3. Aparece un cuadro de diálogo para la curva de tono, ajuste los niveles de tono y realice un seguimiento de los cambios marcando 'Vista previa'.

4. Presione 'Aceptar' para aplicar la curva de tono.

Punto A: este menú desplegable en la ventana de la curva de tono le permite cambiar entre las curvas Roja, Azul y Verde.

 

Punto B: haga clic en el gráfico para crear nuevos puntos. Mueva los puntos creados para cambiar la curva, los niveles de entrada en el eje horizontal se asignarán a los niveles de salida en el eje vertical.

Aquí está el resultado de la curva de tono, al igual que la corrección tonal de 'Brillo / Contraste', hubo áreas que realmente me gustaron como los toques de magenta en las hojas en la parte superior izquierda, el cambio de color de fondo; pero hubo áreas que fueron exageradas. Estas áreas se suavizaron y borraron con el uso de una máscara de capa. Consulte 'Ajustes y técnicas de máscara de capa' para obtener una revisión sobre cómo usar una máscara de capa.

 

Esto me ayudó a estar satisfecho con el fondo, las hojas verdes, aunque complementaban las peonías rosadas / rojas, sentí que distraían la imagen. ¡El fondo magenta fue un beneficio inesperado que decidí conservar! Me gustó cómo ayudó a definir los bordes de la peonía superior derecha.

 

En esta pintura, la curva de tono se utilizó para finalizar la pintura. Muchas veces, me encuentro usándolo en medio del proceso de pintura para inspirarme en nuevos caminos que la imagen podría tomar. Obtener una perspectiva fresca con diferentes tonos ayuda a generar nuevas ideas, pero también se pueden usar otros filtros y correcciones para ayudar a inspirar y orientar a un artista digital. ¡Te animo a experimentar con todas las herramientas disponibles!

Gracias

Gracias por tomarse el tiempo de leer este artículo de CONSEJOS. En el proceso de investigación, estudios, creación de piezas y redacción de este proyecto, he aprendido muchísimo. No solo aprendí a pintar flores y plantas, sino también a ser un mejor artista en general al expresar lo que me funcionó y lo que no.

 

Espero que hayas salido de este artículo tanto como yo al escribirlo. Sal y huele algunas flores (¡y tal vez dibuja algunas también!)

 

• Linco