¡Hola! Soy Jess, y en este tutorial te guiaré a través del proceso de cómo pasé del boceto de mi perra de rescate Dottie a la ilustración final a color, compartiendo algunos consejos y cosas que tengo en cuenta al crear un fondo para realzar a mis personajes.

Pinceles

Para esta ilustración, quería un fuerte énfasis en la iluminación y el ambiente con muchos aspectos difuminados, así que opté por usar algunos pinceles prefabricados de Devin Elle Kurtz, que se pueden encontrar a continuación de forma gratuita o con una donación opcional.

 

También tiene una variedad de otros paquetes de pinceles que definitivamente vale la pena echar un vistazo, o también puedes explorar los recursos de Clip Studio Paint para encontrar cualquiera que se adapte a tus necesidades.

Para añadir detalles más finos (como los detalles de la cara o la luz de contorno en el pelaje) uso un pincel de lápiz texturizado llamado Opaque 1 que se encuentra en el paquete de abajo. Alternativamente, puedes usar un lápiz incluido en Clip Studio Paint; todo se reduce a la preferencia y a cómo te sientan los pinceles.

Para mi boceto inicial utilicé el pincel redondo duro que viene con Clip Studio Paint y me aseguro de que la presión de mi lápiz esté activada para que no sea tan áspero, ya que mantengo mis bocetos bastante sueltos y los uso como guía.

Boceto

Para esta pieza quería ilustrar a una de mis perras de rescate, Dottie, así que mientras bocetaba quería que algunas cosas fueran el foco principal: sus distintivas marcas faciales y manchas en la barriga, sus orejas que se levantan cuando está emocionada y su lengua colgando.

Su pose y el boceto no son de mucha importancia ya que estará parcialmente oculta por plantas y follaje, y el boceto tendrá una opacidad reducida mientras trabajo y luego se ocultará, así que aquí puedo centrarme solo en las formas en lugar de hacer mi boceto o arte lineal perfecto.

Investigación y teoría del color

Para esta ilustración comencé investigando diferentes iluminaciones y ubicaciones que evocan atmósferas, teniendo en cuenta la teoría del color y los diferentes estados de ánimo/sentimientos normalmente atribuidos a cada color y lo que pueden transmitir. Puedes sentirte libre de mapear tus propios atributos a cada lado del círculo cromático, pero aquí tienes algunas ideas que asocio con ellos y que me ayudan a decidir las paletas de colores de mis ilustraciones.

 

Ej:

 

Tonos fríos

• Amenazantes

• Fríos

• Noche/Crepúsculo

• Negativos

• Tristeza

 

Tonos cálidos

• Pasión

• Acogedores

• Sol/Atardecer

• Positivos

• Felicidad

Decidiendo apegarme a una paleta de colores cálidos, elegí un campo de trigo para mi ilustración y que mi iluminación tuviera un aire de atardecer/hora dorada, para poder incorporar tonos dorados cálidos y suavizar las duras manchas negras que tiene mi perra.

Estableciendo un punto focal y planos

Me adelanto un poco, pero abajo hay un bloque de color aproximado para mostrar algunas cosas que tengo en cuenta mientras trabajo: el primer plano (PP, el negro), el plano medio (PM, el gris oscuro) y el fondo (F, el gris claro), además de mantener un ojo en el punto focal de la ilustración, en la que quiero que el fondo realce a mi personaje y atraiga la atención hacia él.

 

A continuación se numeran los lugares hacia donde se dirigirá tu vista en orden, y tus ojos irán instantáneamente al punto de mayor contraste.

Para asegurarme de que sigo estos valores y mantengo mi punto focal claro, creo un mapa de degradado en blanco y negro (que se encuentra en Capa > Nueva capa de corrección > Mapa de degradado) que puedo activar/desactivar para que sea visible/oculto mientras trabajo.

 

Eventualmente, establecer tu PP, PM, F y punto(s) focal(es) se convertirá en algo natural para ti y será algo que tendrás en cuenta de forma subconsciente, pero al tener estas cosas en mente, puedes mejorar instantáneamente tus ilustraciones y evitar que se vean planas, ya que se establecerá una profundidad de campo.

Coloreando al personaje

Tomando mi boceto, bloqueé los píxeles transparentes y pinté un marrón de tono medio para que no fuera un negro áspero, y también bajé la opacidad de la capa y la configuré en multiplicar para poder bloquear fácilmente a mi personaje (usando la herramienta lazo y relleno) como se muestra en el punto 1. Luego, recorté mi capa de boceto a la capa bloqueada. Para el color base, decidí un color topo (ya que mi perra Dottie es blanca y negra) para mantener la calidez de la ilustración y que la luz de contorno fuera llamativa. Mi enfoque principal estará en los dos tercios superiores del personaje, ya que la parte inferior estará cubierta por los elementos del primer plano en el futuro.

 

Para los puntos 2 y 3, tomé mi pincel Opaque 1 y creé una nueva capa, también la recorté a mi capa de forma bloqueada por color, y usando un negro comencé a dibujar algunos detalles de su cara, y para colorear su lengua creé una nueva capa debajo de esta y usé un rosa de tono medio para bloquear su lengua.

 

Creando una nueva capa (una vez más también recortada a mi capa de forma bloqueada) y tomando un amarillo suave, hice un boceto de algunos detalles de pelaje áspero para mostrar dónde incidiría la luz y también para enfatizar su textura de pelaje largo como se muestra en 4. Esto se agregará más adelante cuando hayamos trabajado un poco en el fondo, para que podamos ver qué partes necesitan más resaltado.

Ahora que los detalles más pequeños han sido delineados, podemos pasar a bloquear sus manchas; para esto elegí un marrón muy oscuro. Para suavizar el color oscuro y áspero, creé una nueva capa, la recorté a las demás y, usando un aerógrafo grande y suave que viene con CSP, establecí el modo de capa en 'Color más claro' y pinté suavemente alrededor de los bordes para que luego se integre mejor con el fondo y parezca que pertenece, dando una suavidad al personaje en lugar de mantener la dureza de los colores oscuros.

El fondo

Pinté el fondo de esta ilustración de forma intuitiva durante gran parte del tiempo, pero para reforzar aún más el punto focal (como se detalla en mi foto de bloqueo en escala de grises mostrada arriba), mantuve el PP borroso y la parte más oscura de la ilustración, el PM más nítido mientras pintaba con algunos tonos más brillantes como cremas o amarillos, y para el F comencé usando algunos elementos semi-desenfocados en tonos más oscuros, que se volvieron más claros y borrosos cuanto más se alejaban. Desglosaré las próximas secciones en PP, PM, F para que puedas ver qué pinceles usé y cuál fue mi proceso de pensamiento para cada sección.

Fondo

Para el fondo, quería que la mayor parte estuviera muy borrosa, dándote una idea vaga de lo que hay detrás. Mi enfoque para esta parte es menos en las formas y los pinceles, y más en los colores y en dar la idea de espacio.

 

Elegí que el cielo tuviera un color pastel claro mientras mantenía los aspectos del suelo herbáceo en una paleta de colores dorados más saturados y elevaba esos aspectos bastante para dar la idea de que el campo se extiende, y para que el cielo no tuviera contacto con el personaje, manteniendo así el punto focal.

 

Para el cielo, los árboles y el color base del suelo dorado, elegí pinceles de la sección 'Árboles de Hoja Caduca' del paquete de pinceles de Devin mencionado anteriormente y los desenfoqué (consulta la sección de PP a continuación para los ajustes y detalles), los tallos más oscuros son del pincel 'Wild Plants 1' y están desenfocados, y luego, eligiendo el color del cielo, cambié al pincel 'Wild Flowers 2' y lo dejé sin desenfocar.

Ahora que se ha establecido el fondo base, en lugar de difuminar cada elemento, dejé cada parte sin difuminar y experimenté con diferentes modos de capa. El objetivo de esta parte es dar la mayor variación de color posible y dar la idea de un fondo denso lleno de plantas. No tienes que preocuparte demasiado por que sea perfecto, ya que esta parte inferior estará parcialmente cubierta por los elementos de PM y PP; es solo para que la línea de separación de cada sección (PP, PM, F) se suavice.

Para rellenar esta zona inferior, utilicé algunos de los pinceles de hierba y hierba alta suave, configurando las capas en Añadir, Luz Suave y Superponer para dar una apariencia brillante como si la luz estuviera incidiendo en la hierba, y volví a usar el pincel de flores silvestres con un color rosa para romper los tonos dorados.

Plano medio

Pasando al plano medio, que fue la parte más fácil. Creé una nueva capa, tomé un color marrón oscuro cálido y elegí uno de los pinceles de hierba suave del paquete de Devin y bloqueé un poco de hierba rugosa. El objetivo es cubrir la mayor parte del color claro brillante en la parte inferior del lienzo y darnos más variación de color para que, cuando hagamos nuestros elementos de primer plano, podamos tener diferentes tonos asomándose entre el follaje.

Después de haber bloqueado el marrón, utilicé el pincel de hierba alta para bloquear algo de hierba clara y oscura usando un marrón claro y un marrón de tono medio. Esta es otra sección que en su mayoría estará cubierta, por lo que no tienes que preocuparte de que sea perfecta; es solo para dar la idea de que el personaje está sentado en un campo de hierba alta y crecida.

Alrededor de este punto, también pinté más elementos de luz de contorno en la perra, además de añadir algunos detalles de collar y cambiar la posición de la cola, así que, aunque no es demasiado notorio, contribuye a la sensación de felicidad de la ilustración.

Primer plano

Para el PP utilicé principalmente los pinceles de tallo y plantas silvestres del paquete de pinceles de Devin mencionado anteriormente, y aunque esta sección estará borrosa, aún podrás ver vagamente las formas.

Para el PP seguí dos reglas: 1) cuanto más cerca de mi personaje estaba el elemento, más claro era el tono marrón, y 2) cuanto más lejos de mi personaje estaba el elemento, más borroso lo hacía. Esto ayuda a crear fácilmente una profundidad de campo en tu ilustración y le da un sentido más fuerte de iluminación y ambiente. Para establecer aún más mi punto focal, difuminé muchos de los elementos de esta ilustración mientras mantenía a mi personaje nítido para reforzar esto y atraer la mirada hacia el personaje, haciendo que el fondo se convirtiera en un detalle de apoyo secundario que realzaría y complementaría a mi personaje.

Para el desenfoque utilicé Desenfoque gaussiano (que se encuentra en Filtro > Desenfoque > Desenfoque gaussiano); también quiero que sea bastante notorio, así que me mantengo en números de dos dígitos en la escala de intensidad como se muestra a continuación, pero puedes usar una cantidad menor para un efecto más sutil, todo depende de tus preferencias.

 

El desenfoque de movimiento es otro desenfoque con el que puedes experimentar en tus fondos; puede ser especialmente efectivo para objetos en movimiento como vehículos o animales. ¡Diviértete experimentando!

Añadiendo ruido

Una de las últimas cosas que añado a mis ilustraciones es una capa de filtro de ruido, así que crea una nueva capa y ve al filtro de ruido, que se encuentra en Filtro > Renderizar > Ruido Perlin. Abajo puedes ver mis ajustes; nunca me adhiero a estos ajustes, así que no te preocupes por recordarlos exactamente, ¡experimenta y ve qué funciona para ti! Me encanta un filtro de ruido bastante fuerte para dar una apariencia granulada pronunciada.

 

Después de que estés satisfecho con tus ajustes, haz clic en OK y luego puedes experimentar con los modos de capa; esta vez opté por Superponer con una opacidad del 49%.

Abajo puedes ver una versión con el filtro de ruido y otra sin él. Me encanta añadir un filtro de ruido a mis ilustraciones, ya que le da a tu trabajo una sensación más cinematográfica y fotográfica, ayudando a que no parezca tan digital y plano al añadir algo de grano y textura, mientras que la variación de color en el ruido crea más armonía cromática en tu dibujo.

En lugar de ruido, también puedes experimentar con algunos PNG de textura que también se encuentran en la página de recursos de CSP; aquí tienes algunos a continuación con los que puedes experimentar y usar para explorar las diferentes propiedades de capa que ofrece Clip Studio Paint (aclarar, luz suave y superponer son algunos de mis modos favoritos). ¡Disfruta!

¡Terminado!

¡Tachán! ¡Has terminado!

 

Los modos de fusión, los modos de capa y los pinceles prefabricados pueden ser tus mejores amigos si experimentas y descubres lo que funciona para ti; son una forma fantástica de aprovechar tu tiempo para que puedas concentrarte en la iluminación, el ambiente y el personaje en tu ilustración. ¡Espero que hayas disfrutado siguiéndome, diviértete creando!