Introduction

Bonjour ! Je m'appelle Hira Karmachela et ceci est mon premier article pour la série de tutoriels vidéo YouTube. À cette occasion, je partagerai mon expérience de dessin de fleurs en utilisant Clip Studio Paint. J'avais l'habitude de travailler sur des illustrations nécessitant des images de fleurs et de plantes. Clip Studio Paint est le meilleur logiciel qui, selon moi, m'aide vraiment dans mon travail.

 

J'espère que cet article sera un conseil intéressant pour ceux d'entre vous qui cherchent des moyens de dessiner des fleurs en utilisant CSP. De plus, j'ai réalisé un tutoriel vidéo pour cet article qui est complet avec une voix off expliquant étape par étape le dessin de fleurs. Alors, veuillez regarder la vidéo ci-dessous ou lire cet article en entier.

À propos de l'illustration botanique

Plus précisément, dans ce tutoriel, je dessinerai des fleurs en tant qu'illustration botanique. Pour votre information, l'illustration botanique est un art qui représente la forme, la couleur et les détails des espèces végétales (fleurs incluses). La technique souvent utilisée pour l'illustration botanique est l'aquarelle. Elles doivent être scientifiquement exactes. Mais, je vais simplifier et seulement montrer le côté artistique.

 

 

Croquis et Construction

La première étape est le croquis et la construction efficace pour dessiner des fleurs. Mais, avant cela, veuillez ouvrir CSP et créer un nouveau fichier. J'ai créé un nouveau fichier pour l'illustration avec un format de papier A4 et une résolution de 300 dpi.

Pour le croquis, j'utilise habituellement l'outil crayon. Vous pouvez choisir entre les types "Crayon réel" ou "Crayon de conception". J'utilise généralement les deux car en plus de produire une texture très similaire au crayon original, il est également très facile d'ajuster sa pression sur la toile.

Pour les paramètres, je reviendrai aux paramètres par défaut afin que nous utilisions les mêmes réglages.

 

Astuce : J'utilise habituellement le rouge et le bleu pour le croquis. Cela sera très utile pour le travail de l'étape suivante.

 

Maintenant, nous commençons à dessiner. Je pense que la chose la plus facile à dessiner d'une fleur est la tige. Nous devons juste faire des lignes naturelles, ne soyez pas trop droit ou trop courbé, faites-le aussi naturel que possible. Le rouge pour les lignes régulières et le bleu pour les lignes d'ombrage.

Généralement, une tige pousse avec ou sans branches. La base / le bas de la tige est généralement plus large en diamètre que l'extrémité / le haut. Les tiges peuvent se ramifier et faire pousser d'autres tiges pour développer des épines, des feuilles ou des fleurs. La partie qui relie ces branches à la tige est appelée un nœud.

 

Maintenant, nous esquissons la feuille, il existe différentes formes de feuilles. À cette occasion, je ne ferai que la forme de feuille la plus courante. En termes simples, nous pouvons créer une forme de feuille avec deux lignes courbes se faisant face, plus une ligne courbe au milieu qui la divise. À des fins visuelles, dessinez au moins des parties de feuilles comme le limbe, la nervure centrale et la nervure.

 

 

Après la tige et la feuille, il est temps de dessiner des croquis et la construction de la fleur. Il existe différents types de fleurs avec des formes différentes et uniques. Dans ce tutoriel, je n'expliquerai que les principes de base du dessin de fleurs en général. Visuellement, la fleur doit au moins être composée d'un bouton, de pétales, de sépales et d'une tige.

 

Pour dessiner un bouton, j'ai réalisé une construction en forme de triangle ou de cône où la base a un diamètre plus grand que le sommet / l'extrémité. Ensuite, nous couvrons les boutons de pétales. Dans ce cas, essayez de faire des lignes naturelles et n'ayez pas peur de faire des lignes qui ne sont pas mesurables.

 

Une fois le bouton recouvert de pétales, complétez ensuite la fleur avec des sépales qui sont une forme d'enveloppe florale avant l'éclosion de la fleur. Le sépale ressemble à une feuille et sera directement connecté à la tige.

 

 

Calque vectoriel pour le Line Art

Nous avons terminé le croquis, et j'ai préparé un croquis pour cette illustration botanique. En substance, veuillez esquisser une fleur qui a l'air naturelle et je recommande de consulter des références photographiques ou des objets réels dans la nature.

 

L'étape suivante consiste à réaliser un line art, c'est-à-dire à tracer une ligne solide à l'aide de l'outil stylo en traçant les lignes sélectionnées dans le croquis qui a été réalisé. Auparavant, j'expliquerai d'abord les fonctionnalités sélectionnées que j'utilise à l'étape du line art.

 

La fonctionnalité que j'apprécie le plus dans CSP est le Calque vectoriel, l'avez-vous essayé ? Le Calque vectoriel fonctionne avec un algorithme mathématique au lieu de pixels. Lorsque nous dessinons une ligne dans le calque vectoriel, elle sera dessinée sous forme de pixels, comme le contenu du Calque de trame. Ainsi, nos visuels ne verront pas la différence.

 

Mais sur le calque vectoriel, les lignes dessinées seront formées par des courbes vectorielles. Le Calque vectoriel créera des points/nœuds qui composent la courbe et dessinera ensuite des pixels au-dessus. Ainsi, nous pouvons ajuster l'échelle des points, les déplacer et les modifier sans changer la résolution de l'image, car la courbe sera recalculée et redessinée chaque fois que nous effectuons une modification.

 

Pour créer un calque vectoriel, veuillez aller dans le menu Calque > Nouveau calque > Calque vectoriel. Une boîte de dialogue apparaîtra pour nommer le calque. Habituellement, je le nomme "contour", puis je clique sur OK, et un nouveau calque apparaîtra dans le panneau Calques avec une marque spéciale.

 

Une autre chose que nous devons préparer pour le line art est l'outil stylo. J'utilise le type "Plume G" en ce qui concerne le caractère de la ligne et la texture résultante. Veuillez cliquer sur le bouton de réinitialisation pour restaurer les paramètres par défaut.

 

Astuce : J'active la fonction "Aimant vectoriel" qui conditionne les nœuds de la courbe à s'aimanter lorsqu'ils sont proches les uns des autres. Cela rend la ligne plus lisse même si elle n'est pas faite d'un seul trait.

 

Dans la section "Taille du pinceau", j'ai réglé la taille sur "3.0" afin que les lignes résultantes ne soient ni trop épaisses ni trop fines, car à l'étape suivante, nous appliquerons la technique de l'aquarelle.

 

Maintenant, veuillez tracer les lignes sélectionnées dans le croquis avec les lignes noires solides sur le calque "contour". Vous pouvez régler l'opacité du calque de croquis à 50 % pour réduire sa visibilité afin qu'il soit pratique de tracer.

 

 

N'hésitez pas lors du traçage, même s'il y a des lignes qui se croisent, car en utilisant le calque vectoriel, il sera très facile à modifier. Si vous avez des lignes qui se croisent, elles peuvent être facilement supprimées à l'aide de l'outil gomme de type "Vectoriel" et veuillez activer la fonction "Gomme vectorielle" et sélectionner le réglage "Effacer jusqu'à l'intersection".

 

Couleur de base

Une fois tous les croquis tracés avec des lignes noires solides, l'étape suivante consiste à colorer les zones avec une couleur de base. J'ai délibérément changé la couleur du papier pour qu'elle contraste avec la coloration que nous appliquerons aux fleurs.

 

 

Nous devons spécifier les couleurs qui seront utilisées comme couleurs de base pour certaines parties de l'image. Pour simplifier le processus, j'ai créé un calque pour stocker les couleurs que j'utiliserai comme couleur de base.

 

Pour choisir la couleur du calque de palette que nous avons créé, nous pouvons utiliser l'outil pipette puis sélectionner (cliquer) sur la couleur dont nous avons besoin.

 

Ensuite, nous allons bloquer la couleur dans les zones de l'image de la fleur en utilisant l'outil de remplissage de type "Référence aux autres calques". Ce paramètre conditionne les lignes des autres calques qui composent les zones à être prises en compte afin qu'aucune couleur ne se propage librement.

 

Remplissez toute la surface de la zone qui doit être colorée et assurez-vous qu'aucun petit trou n'est manqué, car cela affectera la coloration à l'étape suivante. Ci-dessous se trouve le résultat du blocage des couleurs à l'aide de la couleur de base.

 

Couleur d'ombre

Une fois toutes les zones de l'image de l'objet entièrement bloquées avec la couleur de base, l'étape suivante consiste à appliquer une couleur d'ombre. En termes simples, la couleur d'ombre est la couleur des ombres qui affectent l'objet. La couleur d'ombre est obtenue par le mélange de la couleur de base et du noir.

 

Pour créer une couleur d'ombre, préparez un nouveau calque nommé "ombre" au-dessus du calque "base". Ensuite, faites du calque "ombre" un masque d'écrêtage en allant dans le menu Calque > Paramètres de calque > Écrêter sur le calque inférieur. Ensuite, changez l'opacité du calque "ombre" à 50 %.

 

Comment déterminez-vous l'emplacement des ombres ? Nous devons déterminer d'où vient la lumière et où elle touche l'objet. J'ai décidé que la lumière venait du haut à droite, de sorte que les ombres seraient sur le côté gauche de l'objet. Les ombres s'étendront davantage dans la zone couverte par d'autres parties de l'objet.

 

Ci-dessous se trouve le résultat de l'application des ombres à l'objet.

 

Couleur de fusion

L'étape suivante consiste à mélanger les couleurs existantes ainsi que les couleurs de ton, qui sont la couleur de base, certaines étant additionnées de noir (ombre) et d'autres de blanc (teinte). Pour appliquer la couleur de mélange, j'utilise un outil pinceau de type "Aquarelle à bords coulants". Ce type de pinceau balayera les bords du champ de couleur avec de l'eau afin que les couleurs se mélangent les unes aux autres.

 

Appliquez les pinceaux sur le calque "ombre" pour balayer les couleurs d'ombre qui ont été créées afin que les couleurs se fondent avec les couleurs du calque "base". Vous pouvez utiliser d'autres couleurs et d'autres types de pinceaux pour cette technique de fusion des couleurs.

 

N'oubliez pas que le calque "ombre" a une opacité de 50 %, de sorte que la couleur la plus épaisse ne vaudra que la moitié. Cela signifie que vous ne verrez pas de noir sur la toile si l'opacité n'est que de 50 %. Par conséquent, pour conserver la couleur d'ombre existante sans modifier l'opacité définie, j'avais l'habitude de faire ceci.

 

Astuce : Créez un nouveau calque au-dessus du calque "ombre". Ensuite, sélectionnez le nouveau calque et allez dans le menu Calque > Fusionner avec le calque inférieur. Le nouveau calque rejoindra alors le calque "ombre" avec une opacité de 100 %.

 

Coloration des lignes

Jusqu'à présent, les images n'avaient pas l'air réalistes. Cela est dû à la présence de lignes de couleur unie dans le line art. Avant de continuer à appliquer la couleur de mélange, nous pouvons changer la couleur des lignes avec les couleurs qui les entourent. Ainsi, il n'y a pas de ligne sur l'objet.

 

Les étapes : créez un nouveau calque au-dessus du calque "contour" puis faites-en un masque d'écrêtage. Nommez le nouveau calque "teinte". Assurez-vous que le calque est sélectionné, puis utilisez l'outil pinceau pour colorer les lignes de l'objet avec la couleur environnante appropriée.

 

Continuez à appliquer des couleurs de mélange à l'objet tout en estompant la présence des lignes.

 

Touche finale

L'étape finale consiste à ajouter une touche de réflexion lumineuse sur l'objet et à appliquer quelques ajustements tels que la luminosité et le contraste des couleurs. Vous pouvez créer un nouveau calque nommé "reflet". Ensuite, faites de ce nouveau calque un masque d'écrêtage pour appliquer une couleur blanc vif à certaines parties de l'objet. Après cela, les images peuvent être enregistrées et exportées aux formats d'image requis.

 

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