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Cette vidéo donne un aperçu TRÈS rapide des éléments décrits dans cet article. Elle est destinée à être plus divertissante, tandis que cet article est (espérons-le) plus informatif.

Introduction

Bonjour à tous, c'est Linco pour mon premier tutoriel Clip Studio Paint. Aujourd'hui, nous allons apprendre quelques techniques pour peindre des fleurs.

 

Les fleurs et les plantes peuvent être un sujet très difficile à dessiner car il est si facile de se perdre dans un grand nombre de motifs répétitifs et de formes complexes. Ne vous inquiétez pas ! Il est extrêmement courant de se perdre et de ne pas savoir où l'on va quand on dessine quoi que ce soit – les plantes et les fleurs en particulier. Dans ce tutoriel, je présenterai des méthodes pour étudier le dessin de fleurs et de plantes, des connaissances utiles sur la structure de nombreuses fleurs et plantes, et quelques astuces spécifiques à Clip Studio Paint pour faciliter le dessin numérique de fleurs et de plantes.

 

C'est parti !

Résumé des leçons tirées des études de plantes

Dans ce tutoriel TIPS, je présente trois études que j'ai réalisées pour en apprendre davantage sur la façon de dessiner des plantes et des fleurs. Chaque étude a fourni de nouvelles informations, et au début de cet article, je résumerai ce que j'ai appris sous forme de conseils applicables pour le dessin et la peinture de fleurs. Pour ceux qui sont intéressés, lisez la suite pour savoir comment chaque étude a enrichi ma pratique.

 

1. De nombreuses fleurs et plantes sont délicates ; pour dessiner ou peindre ces fleurs, utilisez des courbes en S et en C.

 

2. Peindre des fleurs et des plantes, c'est beaucoup une question de dégradés. De nombreuses fleurs changent de couleur de l'intérieur vers le bord de leurs pétales. Même les feuilles présentent de subtils dégradés, et différentes zones d'une plante (généralement près de la base) peuvent paraître plus âgées et avoir une teinte différente, généralement jaune.

 

3. En lien avec le point précédent, de nombreuses fleurs ont des pétales translucides qui « captent la lumière », créant des bords presque blancs. Les dégradés vont généralement d'une valeur plus sombre au centre à une valeur plus claire près des bords.

 

4. Des feuilles vert foncé en arrière-plan pour contraster avec les fleurs généralement vives et éclatantes font ressortir les fleurs ! Il ne s'agit pas nécessairement de feuilles, mais c'est un choix d'arrière-plan très naturel.

 

5. Portez attention non seulement à la forme des plantes et des fleurs, mais aussi à l'espace négatif, aux interstices entre les plantes, ou à l'espace entre les pétales, aux interstices entre les branches d'un arbre. Se concentrer sur ces espaces négatifs peut rendre le design de votre peinture plus crédible, et cela peut aussi rendre la peinture et le dessin beaucoup plus faciles.

 

Je vous encourage à faire vos propres études de plantes et de fleurs, ou de tout sujet qui vous intéresse. Fixez-vous pour objectif d'observer et d'apprendre tout sur votre sujet. Vous pouvez utiliser des outils traditionnels comme l'aquarelle, ou même être mobile avec une tablette ou un iPad en utilisant l'application Clip Studio Paint.

 

Si vous voulez voir mes études de plantes et de fleurs, continuez ! Sinon, pour voir ces conseils en action, consultez la section Exemple illustré (Pivoines).

 

Étudier les plantes et les fleurs

L'une des raisons potentielles pour lesquelles certaines personnes se découragent de dessiner des plantes et des fleurs est qu'elles choisissent d'emblée des sujets très difficiles à étudier. Il est extrêmement difficile, par exemple, d'étudier les détails d'une forêt. Différents types d'arbres se chevauchent, les branches s'entrecroisent, toute une cacophonie de formes complexes qui amènera beaucoup de gens à simplement se frustrer, à peindre ou à dessiner des traits aléatoires, ou à utiliser des techniques de raccourci et à en rester là.

 

Ne vous méprenez pas ! Je pense que les raccourcis et la simplification sont très utiles en peinture. Mais pour moi, lorsque j'étudie un sujet, l'objectif est d'apprendre à son sujet. Je me suis donné pour objectif d'apprendre les formes et l'agencement des valeurs des fleurs et des plantes, des choses auxquelles je peux être très attentif pendant mes études et qui, je crois, m'aideront à devenir un artiste meilleur et plus intentionnel.

 

Si vous voulez étudier les formes des plantes et des fleurs, commencez par quelque chose de beaucoup plus simple et vous apprendrez beaucoup de choses ! Permettez-moi de partager avec vous quelques-unes des choses que j'ai apprises lors de mes études.

Voici une étude rapide que j'ai réalisée sur une plante à grandes feuilles d'apparence amusante que j'ai vue dans un jardin botanique. Réalisée dans Clip Studio Paint avec l'outil par défaut "Crayon plus clair" noir et l'outil par défaut "Gomme mie de pain".

 

J'ai réfléchi à ce qui me faisait sentir que cette plante dégageait une sorte d'ambiance loufoque. En regardant le contour principal de la feuille (A), il est composé de nombreuses courbes en S et en C jointes, créant un contour très "ondulant". Je pense que cela a aidé à l'expression de la plante, et c'est également évident au point C, la plus petite feuille.

 

L'ombrage au point B a été utilisé pour essayer de donner l'effet que le contour de la feuille n'est pas la seule chose qui ondule, mais aussi qu'il y a des sections de la feuille dans l'ombre, suggérant que la feuille ondule également vers et loin du spectateur.

 

Une autre chose que j'ai apprise de cette étude est que les courbes en S et en C sont souvent utilisées pour décrire les plantes et les fleurs, et que les lignes droites sont très rarement utilisées. Les courbes en S et en C donnent une impression de délicatesse. C'est également évident au niveau de la tige au point D ; bien que dans la réalité, la tige soit plus droite, j'ai exagéré la courbure ici avec l'idée de donner plus de poids ou de rebond à la feuille supérieure.

 

Donc, si nous voulons dessiner des fleurs et des plantes qui semblent fragiles, délicates, éphémères, assurez-vous d'utiliser de nombreuses courbes en S et en C. En revanche, si vous essayiez de représenter une écorce d'arbre rugueuse, ce serait le moment idéal pour utiliser des lignes droites dentelées.

Cette deuxième étude porte sur un petit groupe de fleurs poussant du sol dans un centre botanique local, toujours réalisée avec les outils "Crayon plus clair" et "Gomme mie de pain" de Clip Studio Paint.

 

Ces fleurs ont attiré mon attention en raison de leur grand nombre de chevauchements, créant une structure pyramidale. Le point A indique le sommet de l'une de ces structures. Ce qui était très reconnaissable en étudiant cela, c'est que pour de nombreuses fleurs, le centre de la fleur dégrade vers l'extérieur en une couleur différente près des bords. Je n'ai pas fait cette étude en couleur, mais pour cette fleur particulière, le centre était un magenta foncé et profond comparé aux bords rose clair. De nombreuses fleurs "captent la lumière" avec les bords de leurs pétales translucides, ce qui les rend plus claires à l'extérieur. En augmentant la taille de l'outil Crayon plus clair, j'ai simplement pointillé le centre au point A et d'autres fleurs pour montrer cette gradation.

 

Le point B montre une ombre portée d'un pétale d'une couche supérieure sur une couche inférieure ; cela a aidé à définir la forme de cette grappe de fleurs. En réalité, cela ne semblait pas trop sombre, peut-être parce que les pétales transmettaient un peu de lumière. Enfin, le point C montre une feuille ; je remarque que le contraste des fleurs, généralement lumineuses, avec des feuilles vert foncé et autre feuillage fait vraiment ressortir les fleurs.

Cette dernière étude présente une méthode pour tenter d'étudier les fleurs, les plantes et les arbres aux formes plus complexes. Une bonne idée est de dessiner le sujet en silhouette, en oubliant la profondeur du sujet pour se concentrer plutôt sur les formes. Vous pouvez évaluer votre étude en voyant si le sujet est toujours reconnaissable avec seulement une silhouette remplie... Dans mon étude, je ne pense pas que ce serait si reconnaissable.

 

Lors de la réalisation de silhouettes, il est important de regarder non seulement ce qui est rempli, mais aussi ce qui est laissé de côté. Cela peut énormément aider dans le dessin de plantes et de fleurs pour obtenir des formes qui semblent sûres et intentionnellement conçues. Au point B, j'ai regardé l'espace entre les deux branches et j'ai dessiné ma forme avec l'outil "Gomme dure" à la place.

 

Cela a été réalisé dans Clip Studio Paint avec les outils "G-Pen" et "Pot de peinture". J'essayais de silhouetter un arbre aux feuilles oranges, qui se démarquait car il était entouré d'arbres verts. Bien que je préfère les deux autres études ci-dessus, j'aime la façon dont j'ai capturé les branches, comme au point A, où l'épaisseur de l'arbre diminue lentement à mesure que les branches s'étendent. Je suis satisfait des branches pour cette étude, et moins des bouquets de feuilles. Mais comme j'ai appris quelque chose de cette étude, je la considère comme un succès !

Exemple illustré (Pivoines)

Je commence mon dessin par une silhouette de la fleur. La silhouette est importante car elle peut donner beaucoup de caractère à ce que vous dessinez, elle définit les formes de la plante ou de la fleur. Par exemple, est-ce une plante épineuse, a-t-elle des pétales plus ronds, des pétales triangulaires ? Ce sont des choses qui peuvent être identifiées simplement à partir de la silhouette. Pour les pivoines, cette silhouette a des pétales ronds, certains flottant comme le tissu d'une robe.

 

Dans l'image ci-dessous, vous pouvez voir que la silhouette était très grossière !

Le vert foncé pour silhouetter la fleur l'aidera à "ressortir" car il fournira un contraste une fois que nous commencerons à peindre cette fleur rose clair.

 

Si vous êtes curieux des matériaux utilisés, j'ai simplement utilisé un G-Pen réglé sur un rouge foncé relativement profond pour le contour, et le 'Pinceau plat pour peinture à l'huile' fourni par Clip Studio Paint.

Avant de commencer, si vous êtes curieux de connaître ma structure de calques, la voici. Ce n'est pas quelque chose que vous devez suivre strictement, mais cela m'a été pratique.

 

 

A : J'ai commencé par la silhouette de la pivoine, c'était mon premier calque.

 

B : Ces deux calques sont ceux où je peins la fleur. Le calque inférieur est juste une base blanche, j'ai rempli la silhouette en blanc avec l'outil 'Pot de peinture', puis le calque supérieur est simplement écrêté sur le calque de base blanc, de sorte que je ne gâche pas accidentellement la silhouette intentionnellement conçue. L'image suivante montre les étapes pour cela.

 

C : Enfin, c'est mon calque d'arrière-plan, j'ai peint un contour vert pour me rappeler de peindre les feuilles après.

 

Utilisez la configuration qui vous convient le mieux, certains préfèrent plusieurs calques, d'autres un seul ! Ma seule recommandation est de NE PAS créer un calque pour chaque pétale. Vers la fin, j'ai fusionné tous les calques de toute façon pour faire les dernières retouches.

Voici quelques instructions de base pour configurer un calque de masque écrêté.

 

Effectuez d'abord l'opération A, remplissez votre silhouette sur un autre calque avec l'outil pot de peinture en utilisant 'Référence aux autres calques'. Il est coloré en rose juste pour la visibilité, mais ce calque était en fait rempli en blanc.

 

Une autre façon consiste à utiliser l'outil baguette magique sur le calque de silhouette, à inverser la sélection et à la remplir sur un nouveau calque.

 

Une fois que vous avez un calque avec une couleur de base, effectuez l'opération B en bleu. Créez un calque au-dessus et cliquez sur l'icône qui dit 'Écrêter sur le calque inférieur'. Chaque fois que vous dessinez sur ce calque bleu, il ne sera visible que s'il chevauche le calque rempli en dessous !

Maintenant, nous sommes prêts à peindre !

Pour créer une fleur plus réaliste, les dégradés de couleurs doivent être placés avec soin pour modeler les pétales et donner de la profondeur à la peinture. Rappelez-vous de la section d'étude, que de nombreuses fleurs captent la lumière dans leurs pétales et se dégradent ainsi du foncé au clair, du centre vers l'extérieur. Pour la pivoine, les couleurs rouge froid profond les plus saturées se trouvent dans les creux des pétales, qui passent magnifiquement à un rose clair et blanc. Avec les outils numériques de Clip Studio Paint, je vais vous montrer quelques méthodes pour vous aider à dégrader les couleurs des pétales d'une plante. Dans cette peinture, j'ai utilisé une combinaison de toutes, n'hésitez pas à les tester toutes et à utiliser celles qui vous plaisent le plus.

 

Technique 1 : Technique du pinceau dégradé

En peinture traditionnelle, l'une des bonnes manières de créer ces dégradés est d'utiliser un mélange incomplet sur un pinceau plat. Une extrémité du pinceau est chargée d'une couleur et l'autre extrémité est chargée d'une autre couleur.

 

Dans le gif ci-dessous, je le démontre avec de l'aquarelle.

Je vais vous montrer une façon, dans Clip Studio Paint, de transformer n'importe lequel de vos pinceaux préférés en quelque chose qui imite cette technique traditionnelle !

 

Choisissez l'un de vos pinceaux préférés et dupliquez l'outil en faisant un clic droit et en sélectionnant "Dupliquer l'outil".

 

J'ai dupliqué le "Pinceau plat à peinture à l'huile" intégré de Clip Studio Paint et l'ai renommé "Pinceau plat à peinture à l'huile (Incomplet)"

 

Allez dans les paramètres de sous-outil, puis dans l'onglet "Début et fin"

1. Début et fin : Changez en "Mélanger avec la couleur secondaire"

2. Comment spécifier : Changez en "Par pourcentage"

3. Cochez la case Début : changez en 100.0

4. Décochez la case Début et fin par vitesse.

 

Enfin, allez dans l'onglet "Encre"

1. Mélanger avec la couleur secondaire : déplacez le curseur à 100.0

 

Maintenant, lorsque vous utiliserez votre pinceau, il commencera avec votre couleur principale sélectionnée, et la fin de chaque trait se dégradera vers votre couleur secondaire. Dans mon dessin, j'ai utilisé quelques-uns de ces traits avec un rouge froid saturé et un rose clair pour définir quelques pétales.

 

Ci-dessous un gif montrant les types de coups de pinceau que votre pinceau nouvellement créé devrait maintenant produire !

(À la toute fin, j'utilise également l'outil 'Aquarelle transparente' pour estomper certains bords)

Technique 2 : Utilisation des ressources de Clip Studio Paint (Pinceaux d'aquarelle)

Certains pinceaux de Clip Studio Paint sont conçus pour reproduire les caractéristiques des véritables pinceaux d'aquarelle. Ces pinceaux sont utiles pour la peinture de fleurs ; en ajoutant des coups supplémentaires par-dessus ceux existants, les zones deviennent plus sombres et plus saturées. Voici un lien vers le pinceau que j'ai utilisé pour cette peinture, trouvé dans les ressources de Clip Studio Paint créées par les utilisateurs de la communauté.

 

Ce pinceau m'a été particulièrement utile pour ajouter ces rouges froids très profonds au centre de la fleur de pivoine. En superposant les coups de pinceau, des bords intéressants ont été produits, et la couleur a "éclaté" au lieu de devenir très confuse, ce qui est une mauvaise habitude dans laquelle je tombe personnellement.

 

Essayez ! Si ce pinceau ne vous plaît pas, il existe également de nombreux autres pinceaux intéressants sur la page des ressources de Clip Studio Paint ; cela vaut la peine de prendre le temps d'explorer et d'expérimenter !

Technique 3 : Utilisation de l'outil Mélange/Aérographe ou d'autres pinceaux de mélange

La manière la plus connue de créer des dégradés en peinture est probablement d'utiliser un aérographe ou un outil de mélange, cela transforme les bords durs en bords plus doux. Le pinceau 'Aquarelle transparente' fourni avec Clip Studio Paint est également un bon outil pour cela. De nombreux lecteurs sont peut-être déjà familiers avec cette technique : il suffit d'utiliser l'outil pipette sur un bord proche et d'aérograffer ou d'estomper les bords durs pour créer des dégradés de couleur.

 

Note : Faites attention à ne pas utiliser excessivement l'aérographe, ce qui donne à une peinture un aspect distinctif et brouillé.

Décomposition du processus

À partir de la silhouette que nous avons créée, j'ai simplement commencé à peindre, en m'amusant et en utilisant les techniques mentionnées ci-dessus. La clé ici est de ne pas se concentrer trop sur un pétale à la fois, comme nous l'avons mentionné précédemment. Au lieu de cela, j'ai travaillé à ajouter des rouges froids profonds saturés pour définir quelques creux comme vous pouvez le voir au centre des deux fleurs.

 

1. Le centre de ces fleurs contient le plus de couleur, j'ai donc commencé par là.

2. J'ai commencé à définir des bords durs pour les creux et les pétales. Rien n'est encore définitif, nous ne faisons que commencer, vous verrez beaucoup de ces formes changer tout au long du processus.

 

Pour certains, moi y compris, je pense qu'il peut être intimidant d'avoir juste du blanc sur la page, une toile blanche avec tant de possibilités. J'essaie de poser de la couleur aussi vite que possible, pour entrer dans le flux de la peinture. Alors, rassemblez votre courage, posez ces coups de pinceau, et gardez la mentalité que vous êtes toujours dans une phase de blocage où vous pouvez revenir en arrière et changer les choses si c'est ce que vous voulez faire.

 

 

J'ai travaillé sur une fleur à la fois, malheureusement, j'ai perdu toutes les séquences lorsque j'ai travaillé sur la pivoine épanouie à gauche. Cependant, j'ai abordé toutes les fleurs de la même manière, alors regardons comment j'ai traité la pivoine en haut à droite en pleine floraison.

 

En comparant cette image à la précédente, j'ai déjà modifié cette pivoine, en recouvrant mon travail précédent. J'ai utilisé le pinceau plat à peinture à l'huile (incomplet) créé pour définir quelques pétales (Technique #1). J'ai réglé la couleur primaire sur un rouge froid profondément saturé et la couleur secondaire sur un rose très clair. J'aime beaucoup commencer avec ce pinceau car il m'aide à voir les dégradés très rapidement avec un seul coup de pinceau.

Dans le processus de peinture de cette pivoine en haut à droite, voici quelques moments clés du processus.

 

1. Après la première ébauche, je définis quelques zones de rouge froid profond au centre de la fleur, en me rappelant de regarder la structure des valeurs. D'après les études, rappelez-vous que de nombreuses fleurs se dégradent des valeurs plus sombres au centre aux valeurs plus claires près des bords. Pour la pivoine, les couleurs les plus saturées sont également présentes dans les creux de la fleur, et il y a des creux beaucoup plus profonds non touchés par la lumière près du centre de la fleur.

 

2. Voici une autre étape importante près du début, remarquez les contours blancs qui commencent à être dessinés. Ceux-ci ont été réalisés avec l'outil 'G-Pen' réglé sur une couleur presque blanche. Nous avons beaucoup parlé des méthodes de dégradés, mais les fleurs ont aussi des bords nets ! J'ai défini mes bords les plus nets avec l'outil 'G-Pen'. Ils sont colorés en blanc car les pétales captent la lumière, un autre aspect des fleurs que nous avons appris dans la section d'étude.

 

3. Je commence à introduire des rouges plus saturés et plus foncés dans les creux. Je pousse continuellement la gamme de valeurs pour cette fleur.

 

Notez qu'après avoir défini les bords blancs des pétales à l'étape précédente, je définis également des bords rouges nets juste à côté. C'est pour donner de la profondeur à ces pétales ; juste après la fin d'un pétale, il devrait y avoir un creux. Dans l'image ci-dessous, je le signale au point A, comparez ce point entre les deux moments côte à côte.

 

 

4-7. Ces étapes sont les phases de raffinement et peuvent prendre plus ou moins de temps. Je travaille lentement sur la fleur, la structure de base est maintenant là, je répète donc mes techniques pour construire des détails plus complexes. Je continue d'ajouter de plus en plus de creux de rouge froid profond et d'affiner ces formes. Je continue de définir de nouveaux pétales avec les lignes blanches du 'G-Pen' et de dégrader ces pétales d'une valeur plus sombre à une valeur plus claire près des bords en utilisant les techniques (1-3) mais principalement la 3.

 

En comparant les moments 4 et 7, vous verrez l'exemple le plus évident de ce processus de dégradé pour définir un pétale. La comparaison des points A et B dans l'image ci-dessous montre comment ces pétales ont été dégradés en utilisant une variété de coups de pinceau.

 

 

Nous avons maintenant terminé la pivoine en pleine floraison !

 

Les mêmes techniques et étapes ont été utilisées pour la pivoine entièrement épanouie à gauche et la pivoine commençant à fleurir en bas à droite.

Réglages et techniques de masquage de calque

Une tendance chez moi, lorsque je peins, est que les valeurs et les couleurs me semblent souvent s'atténuer. Cela se produit aussi naturellement dans les médias traditionnels, par exemple, avec les aquarelles, la couleur s'estompe à mesure que le pigment sèche et doit être repeinte.

 

Après avoir peint les fleurs, j'ai utilisé les techniques de "Correction tonale" et de "Masque de calque" de Clip Studio Paint pour apporter plus de contraste et finaliser la peinture de la fleur.

 

Ci-dessous, les images A et B alternent, la différence est très claire quant à ce que nous pouvons accomplir grâce aux techniques de correction tonale et de masque de calque ! Apprenons comment faire.

Pour commencer, dupliquez le calque contenant votre peinture.

 

1. Cliquez avec le bouton droit sur le calque, sélectionnez "Dupliquer"

Assurez-vous d'être sur le calque nouvellement dupliqué et allez dans la barre de menu.

 

2. Allez dans 'Édition' -> 'Correction tonale (D)' -> 'Luminosité/Contraste'

 

3. Ajustez les curseurs selon vos besoins. Pour ma part, comme je trouvais mes couleurs confuses et la fleur dans son ensemble trop claire, j'ai diminué la luminosité et augmenté le contraste. Cochez et décochez la case 'Aperçu' pour mettre en évidence les différences.

 

4. Cliquez sur 'OK' pour appliquer les modifications.

Souvent, un ajustement global de la correction tonale, qu'il s'agisse de la luminosité/saturation ou de tout autre filtre, aura des aspects que vous appréciez, mais certaines zones peuvent être exagérées.

 

L'image résultante de cet ajustement 'Luminosité/Contraste' est montrée ci-dessous, j'ai aimé certains aspects du changement, mais d'autres zones m'ont semblé exagérées.

La correction tonale a réussi à faire ressortir le contraste que je souhaitais, cependant, des zones comme le point A étaient exagérées. Ici, ça a l'air rouge sang et un peu effrayant !

 

De plus, il y a trop de contraste près des bords des fleurs, ce qui rend l'image globale peu naturelle. Près des bords, je préfère ma peinture originale avant la correction tonale. Comment puis-je garder le meilleur des deux mondes ?

 

Le masque de calque peut être utilisé pour atténuer les effets des filtres / corrections tonales.

 

Pour créer un masque de calque :

 

1. Sélectionnez le calque avec les corrections tonales. Cliquez sur 'Créer un masque de calque'.

 

2. Pour ramener la peinture originale dans certaines zones, assurez-vous de peindre sur le masque de calque.

 

3. J'ai utilisé l'outil "Gomme douce" pour effacer des zones de la correction tonale et révéler ma peinture originale. Cependant, vous pouvez effacer des zones avec n'importe quelle gomme ou pinceau réglé sur une couleur noire. Peignez de nouveau la correction tonale avec n'importe quel pinceau réglé sur une couleur blanche. N'hésitez pas à expérimenter ce qui fonctionne le mieux pour vous !

 

4. Vérifiez la vignette pour vous assurer que vous apportez des modifications au masque de calque et non au calque réel. Rappelez-vous, le noir marque les zones où vous révélez la peinture originale en dessous.

Après avoir atténué les corrections tonales, la peinture des fleurs est maintenant terminée ! Avant de passer à l'arrière-plan, je vais faire une pause ici et décomposer quelques différences entre les trois fleurs qui ont été peintes.

Voici un diagramme légendé pour mettre en évidence certaines zones importantes.

 

1. La pivoine en haut à droite est en train de s'épanouir pleinement.

Remarquez comment au point B, le rouge profond apparaît sous la forme d'une ligne fine. Cela aide à indiquer la structure des pétales et la direction de cette fleur. Les pétales ici sont orientés vers la droite, peut-être poussés sur le côté en raison de la grande pivoine entièrement épanouie à gauche. Comparez cela à la zone plus proche du centre de cette pivoine, comme au point A, où les touches de couleur rouge froid saturé sont plus regroupées et plus grandes.

 

2. La fleur en bas à droite montre une pivoine aux premiers stades de la floraison. Ici, j'ai utilisé la technique de l'aérographe pour obtenir un dégradé très doux à la base de la fleur au point C. J'ai défini quelques bords nets avec un outil "G-Pen" presque blanc, cette zone inférieure de la pivoine est beaucoup plus sombre que la zone supérieure, car la source de lumière vient d'en haut. Ce qui donne vie à cette pivoine, je pense, ce sont les deux pétales au point C, suffisamment séparés pour se donner de l'espace pour respirer, ces deux pétales individuels, à mon avis, unifient la fleur en bas à droite et aident le spectateur à comprendre l'image. En particulier, cela aide à montrer que les autres lignes blanches indiquent les bords des pétales fermés pour cette pivoine.

 

3. La pivoine entièrement épanouie a été sans aucun doute la plus difficile.

Les couches de pétales étaient grandes et complexes. Notez qu'en D, j'ai utilisé l'outil 'Aquarelle transparente' pour estomper la transition entre le rose et le rouge afin de définir ces pétales (Technique #3). Comparativement, près du centre en E, il y a un ensemble de bords nets avec des creux et des bords de pétales, j'ai utilisé beaucoup de pinceaux d'aquarelle ici à plusieurs reprises pour assombrir les bords et obtenir une couleur rouge froid profond très saturée (Technique #2).

Fond/Feuilles

Il appartient à l'artiste de peindre ou non les fleurs sans arrière-plan. Un arrière-plan blanc pur ou un arrière-plan de couleur unie peut parfois être préférable.

 

Dans cette section, je vais vous montrer comment j'ai ajouté un arrière-plan de feuilles pour accompagner la pivoine. J'ai décidé d'ajouter l'arrière-plan car si vous vous souvenez des idées que j'ai tirées de mes études - avoir des feuilles ou du feuillage en arrière-plan fait vraiment ressortir les fleurs vibrantes !

 

L'astuce est que les fleurs doivent rester le centre d'intérêt de l'image dans la plupart des cas, donc mon objectif était d'ajouter un arrière-plan qui mette en valeur les fleurs tout en restant subtil.

 

Pour commencer à dessiner les arrière-plans, j'ai utilisé le contour vert qui silhouettait déjà la pivoine. J'ai étendu à partir de là, peignant des coups de pinceau qui s'estompent pour représenter le côté sombre de certaines feuilles.

 

Je voulais garder les zones juste autour de la pivoine d'une couleur plus foncée pour contraster avec les bords blancs des pétales. Cela a été fait très rapidement car je voulais juste me débarrasser du blanc sur la page, et puis affiner les détails plus tard.

Le remplissage de l'arrière-plan a été fait rapidement et avec de grands coups de pinceau, regardez la taille des coups de pinceau dans ces premières étapes (moment 1-4).

 

J'ai rapidement rempli jusqu'aux bords de la toile, notez le bord extrême gauche au point A et le point B sur les images 3 et 4. Je voulais ajouter des verts-jaunes plus clairs car la lumière frappera aussi les feuilles, comme à côté du point A. Cependant, je voulais garder les bords de la toile plus foncés, pour maintenir l'attention du spectateur vers le centre de l'image. Ainsi, au moment 4, j'ai peint les points A et B d'un vert plus foncé.

Mon idée initiale était de peindre toute la toile et de la remplir de feuilles et de feuillage sombre. Cependant, à mi-chemin après le 'moment 4', j'ai changé d'avis.

 

Il est normal de changer d'avis et d'expérimenter avec ce que vous peignez, même s'il est tard dans le processus ! Pour ma part, je n'aimais pas l'idée d'un arrière-plan entièrement rempli car j'avais l'impression de ne pas pouvoir le rendre intéressant. Au lieu de cela, j'ai commencé à effacer avec divers pinceaux blancs et l'outil 'Gomme mie de pain'.

Enfin, après de nombreuses expérimentations, j'ai décidé de silhouetter le côté droit des fleurs avec quelques feuilles qui dépassaient, celles-ci sont montrées au point A, et sont affinées entre les moments 7 et 8.

 

J'ai également ajouté une petite branche au point B au moment 8. Gardant à l'esprit que la lumière vient d'en haut, j'ai utilisé un rouge marron et un rouge très foncé pour montrer un côté clair et un côté ombré.

 

Enfin, ce n'est qu'à ce stade que j'ai commencé à affiner l'arrière-plan vert abstrait en forme de feuilles. Au point C, j'ai commencé à dessiner des feuilles que vous pouvez commencer à voir prendre forme si vous comparez le moment 7 et le moment 8.

Si vous essayez de définir des feuilles individuelles tout de suite pour l'arrière-plan, il est courant de se sentir dépassé, frustré et perdu, cela m'arrive souvent.

Enfin, voici l'arrière-plan terminé. Les feuilles à gauche ont été affinées avec quelques lignes à l'aide d'un pinceau aquarelle (Technique #2) pour indiquer des motifs sur chaque feuille. La silhouette du côté droit a également été affinée et, encore une fois, le bas et le bord gauche ont été assombris pour maintenir la mise au point sur les fleurs.

 

Si vous définissez quelques feuilles, le spectateur peut compléter le reste avec les coups de pinceau moins raffinés. N'oubliez pas que les feuilles ne sont pas le point central de la peinture (du moins pas pour cette peinture) ; en comprenant le point focal de votre peinture, vous pouvez choisir intentionnellement les éléments à simplifier.

Il aurait été possible de s'arrêter ici, et avec le recul, je l'aurais peut-être fait ! Mais pendant le processus, les feuilles vertes ne me semblaient pas correctes et j'étais très déçu par l'arrière-plan...

Obtenir un nouveau look rapide - Courbes de tonalité, Touches finales, Masques de calque (encore)

Souvent, au milieu d'une peinture ou parfois vers la fin, l'inspiration peut s'éteindre à force de regarder la même image pendant longtemps. Il est souvent utile d'avoir un nouveau regard sur une peinture pour voir ce qui est possible et potentiellement inspirer.

 

Je me suis senti comme ça vers la toute fin de cette peinture, je n'aimais pas particulièrement les feuilles vertes en arrière-plan, alors j'ai utilisé les courbes de tonalité pour essayer de trouver de l'inspiration.

 

"Courbes de tonalité" est une autre option de "Correction tonale (D)", tout comme la fonction "Luminosité/Contraste" qui a été décrite lors de la peinture de la fleur de pivoine. La courbe de tonalité vous permet d'ajuster les couleurs du calque sélectionné, en modifiant la quantité d'expression pour les rouges, les bleus et les verts.

 

Le processus pour réaliser une 'courbe de tonalité' est très similaire à l'application d'une correction de 'luminosité/saturation' ! Puisque mon problème concernait l'arrière-plan, et que j'ai réalisé l'arrière-plan sur un calque séparé, j'ai commencé par dupliquer le calque d'arrière-plan et je me suis dirigé vers le menu.

 

1. Dupliquez le calque auquel vous voulez appliquer la courbe de tonalité.

2. Allez dans 'Édition' -> 'Correction tonale (D)' -> 'Courbe de tonalité...'

 

3. Une boîte de dialogue pour la courbe de tonalité apparaît, ajustez les niveaux de tonalité et suivez les changements en cochant 'Aperçu'.

4. Cliquez sur 'OK' pour appliquer la courbe de tonalité.

Point A : Ce menu déroulant dans la fenêtre des courbes de tonalité vous permet de basculer entre les courbes Rouge, Bleu et Vert.

 

Point B : Cliquez sur le graphique pour créer de nouveaux points. Déplacez les points créés pour modifier la courbe ; les niveaux d'entrée sur l'axe horizontal seront mappés aux niveaux de sortie sur l'axe vertical.

Voici le résultat de la courbe de tonalité ; tout comme la correction tonale 'Luminosité/Contraste', il y avait des zones que j'aimais beaucoup, comme les touches de magenta dans les feuilles en haut à gauche, le changement de couleur de l'arrière-plan ; mais il y avait des zones qui étaient exagérées. Ces zones ont été adoucies et effacées à l'aide d'un masque de calque. Reportez-vous à la section 'Réglages et techniques de masquage de calque' pour revoir comment utiliser un masque de calque.

 

Cela m'a aidé à être satisfait de l'arrière-plan ; bien que les feuilles vertes complimentaient les pivoines rosées/rouges, je trouvais qu'elles distrayaient l'image. L'arrière-plan magenta a été un avantage inattendu que j'ai décidé de conserver ! J'ai aimé la façon dont il a aidé à définir les bords de la pivoine en haut à droite.

 

Dans cette peinture, la courbe de tonalité a été utilisée pour finaliser l'œuvre. Souvent, je me retrouve à l'utiliser au milieu du processus de peinture pour trouver de l'inspiration pour de nouvelles directions que l'image pourrait prendre. Obtenir une nouvelle perspective avec différentes tonalités aide à générer de nouvelles idées, mais d'autres filtres et corrections peuvent également être utilisés pour inspirer et orienter un artiste numérique. Je vous encourage à expérimenter tous les outils disponibles !

Merci

Merci d'avoir pris le temps de lire cet article TIPS. Au cours de la recherche, des études, de la création des pièces et de la rédaction de ce projet, j'ai énormément appris. Non seulement j'ai appris à peindre des fleurs et des plantes, mais aussi à devenir un meilleur artiste en général en exprimant ce qui a fonctionné pour moi et ce qui n'a pas fonctionné.

 

J'espère que vous avez tiré autant de cet article que j'ai pris plaisir à l'écrire. Allez-y, sentez des fleurs (et dessinez-en quelques-unes aussi !)

 

• Linco