introduction

Salut à tous, c'est encore Figmenter, avec un autre didacticiel de longue durée Clip Studio Paint sur la façon de peindre une fille d'aspect vampire arborant la mode gothique dans une pièce qui a des éléments architecturaux gothiques.

 

Dans ce didacticiel, je vais décrire mon flux de travail lorsque je crée des pièces picturales comme celle que vous voyez ici. Partant de:

 

1. composition et concept

2. résolution de problèmes préliminaires à l'aide du dessin au trait

3. peindre et appliquer des coups de pinceau sur la pièce,

4. et enfin ajouter un post-traitement pour finaliser la pièce

 

Si vous voulez voir le processus réel enregistré, regardez la vidéo!

Flux de travail

Mon flux de travail n'est pas un pipeline standard. Une grande partie est adaptée d'un des styles récents de Dave Rapoza lors de la réalisation de ses œuvres picturales. J'ai juste ajouté des choses ici et là pour aider les débutants qui n'ont pas encore maîtrisé l'anatomie, la perspective, la composition et la théorie des couleurs.

 

La raison pour laquelle je travaille de cette façon est que je veux aborder chaque aspect du portrait un par un au lieu de le faire en une seule fois.

Partie 1 - Recherche et études

La première chose que je commence à faire chaque fois que je suis sur le point de commencer à créer une pièce est de jeter un œil sur le sujet et d'essayer de le décomposer dans ma compréhension.

 

Il est très difficile de commencer sans rien en tête et une toile blanche vierge. Je suggère donc de faire des recherches à l'aide d'outils gratuits comme Google, Pinterest et Wikipedia pour élargir vos connaissances et votre bibliothèque visuelle pour votre thème et votre sujet.

 

Organisez les visuels et les notes dans un outil gratuit comme PureRef. PureRef est un outil très soigné pour organiser la référence visuelle et je le recommande vivement. Vous pouvez également les stocker dans un fichier Clip Studio séparé pour examen.

À titre d'exemple, sur cette pièce, je voulais peindre une femme vampire et ajouter tous les éléments gothiques que je peux entasser dans la pièce.

 

Dans mes recherches, j'ai découvert que les éléments gothiques peuvent en fait être deux choses!

 

Architecture gothique ou mode gothique.

 

 

Pour l'architecture gothique, j'ai pris un certain temps pour identifier les éléments qui définissent le style gothique. Ensuite, je les décompose en structures que je peux comprendre. Je peux donc les utiliser comme éléments de composition dans la pièce.

 

Les intérieurs d'architecture gothique comportent les éléments suivants:

 

1. Arcades et arcs pointus

2. Vitraux (grands vitraux)

3. Hauts plafonds

4. Motifs ornés

 

Les extérieurs gothiques ont:

 

1. Contreforts volants

2. Gargouilles

3. Structures pointues

4. Motifs ornés

 

Cependant, nous ne sommes intéressés que par les parties intérieures, j'ai donc pris des notes et des références de ce que je pense être utile pour créer notre composition. Quels sont les arcs pointus, les hauts plafonds, les dessins / colonnes ornés et les vitraux.

 

Pour la mode gothique. Ce processus de recherche m'a en fait fait réaliser que la mode gothique n'a rien à voir avec l'architecture gothique ou la période où l'architecture gothique était prédominante. La mode gothique est en fait l'aboutissement d'un style de garde-robe victorien ou élisabéthain désuet marqué de traits sombres et mystérieux.

 

La plupart des vêtements de style victorien se composent de corsets, de lignes de décolleté basses appelées col Bertha, de robes élégantes et de jupes à froufrous pour n'en nommer que quelques-uns.

Partie 2 - Idéation, vignette et esquisse

Dans mon processus de vignette, je balaie simplement avec un aérographe doux pour créer d'abord de grandes formes en niveaux de gris. Après avoir étudié les éléments que je voulais intégrer, j'avais déjà une composition en tête. J'ai eu l'idée d'encadrer la jeune fille vêtue de vêtements de style gothique dans un plan montrant un intérieur de style gothique, en utilisant les vitraux comme éléments d'encadrement pour attirer les yeux du spectateur vers son visage.

 

Et en utilisant la valeur et le contraste de température de couleur pour attirer votre regard vers son visage et le haut du torse.

 

Ici, j'essaie d'utiliser un vitrail circulaire pour encadrer le personnage, et à l'aide d'un pinceau à air doux, et uniquement en niveaux de gris, je commence à essayer de façonner l'ambiance générale et l'apparence des éléments d'arrière-plan. À ce stade, je n'ajoute pas vraiment de détails.

 

De simples indices d'éléments qui composent l'architecture gothique en arrière-plan suffisent. C'est pourquoi j'ai tendance à faire beaucoup de zoom arrière pour vérifier la vignette de la pièce en général. Une bonne vignette peut aller très loin en termes de composition.

À ce stade, j'applique également un calque de balance des couleurs et de correction des tons pour ajuster la couleur et les valeurs générales du calque. J'expérimente juste avec les couleurs à ce stade. Et les calques de correction de Clip Studio Paint aident beaucoup à cet égard.

Je peux continuer à travailler sur les niveaux de gris, appliquer des couleurs, changer les couleurs et les niveaux, très généreusement avec ces outils.

 

Une fois que je suis satisfait de l'arrière-plan de la vignette de couleur rugueuse, je peux utiliser librement le modèle de Clip Studio Paint pour créer la pose du personnage pour le cadrage.

 

Bien que je connaisse ma juste part de l'anatomie. Et je peux esquisser le sujet à main levée, j'utilise le modèle 3D de Clip pour que je n'ai pas à me soucier de la composition, de la proportion, de la perspective et du positionnement de la main. Puisque je devrai aussi me concentrer sur ses vêtements, ses expressions faciales et le dessin au trait.

Une fois l'anatomie et la pose générale en place, je peux tester la silhouette du personnage en appliquant une couche d'écrêtage noire sur le dessus. Vérifier en permanence si la silhouette de votre personnage a une bonne lecture, vous assurera que vous obtenez une bonne pose lisible pour votre personnage. C'est pourquoi je passe beaucoup de temps avec ce modèle 3D articulé.

Vous deviendrez de mieux en mieux pour dessiner des silhouettes générales et poser au fil du temps tout en continuant à le faire, mais pour vos premiers essais, il est très utile de pouvoir entrer et d'avoir un moyen rapide de faire des essais et des erreurs. Le mannequin 3D de Clip Studio Paint vous permet de vous concentrer sur une chose à la fois.

 

Vous pouvez vous concentrer sur la conception de la silhouette de votre personnage en peignant des détails noirs qui changent la forme générale sur un calque différent à expérimenter.

 

Et ce qui est bien dans l'utilisation du modèle 3D, c'est qu'il est totalement non destructif. Vous pouvez entrer et modifier les proportions à tout moment et conserver la pose que vous avez déjà établie.

Partie 3 - Itération et clarification des formulaires

Et je répète le processus de clarification des formes autant de fois que nécessaire, voire d'aller faire une peinture très grossière des valeurs pour m'aider à mieux comprendre le sens de la pièce par la suite.

Bien que j'aie une image de la pièce finale dans ma tête, c'est toujours boueux, et j'ai vraiment besoin d'utiliser le dessin au trait ici pour continuer à itérer sur les formes que j'ai besoin de voir afin de commencer à ajouter l'éclairage et la couleur de base. Et comme vous pouvez le voir ici, je change de visage, de robe et de cheveux plusieurs fois avant d'être complètement convaincu d'avoir résolu tous les problèmes dans les formes pour que la pièce ait un sens pour moi.

 

Et je répète le processus de clarification des formes autant de fois que nécessaire, voire d'aller faire une peinture très grossière des valeurs pour m'aider à mieux comprendre le sens de la pièce par la suite.

 

Une fois que je suis complètement convaincu d'avoir déjà compris tous les formulaires en fonction de ce que j'ai à l'écran, je passe au travail au trait final.

Partie 4 - Finalisation du dessin au trait

Une fois que je suis complètement satisfait des formes que j'ai établies, je pose le dessin au trait qui sera la base de la peinture.

 

Certains diront que faire du dessin au trait n'est plus nécessaire lors de la réalisation d'une œuvre picturale. Et ils auraient raison dans une certaine mesure.

 

Cependant, je fais cette partie pour aborder 2 choses.

 

1. J'utilise les lignes pour créer des bords pour les couleurs de base.

2. J'utilise une option de mélange de couches multiples qui aidera à choisir les ombres pour le pinceau final plus tard.

3. De plus, cela m'aide simplement à mieux comprendre la pièce, car je peindrai plus tard.

 

À ce stade, j'ai déjà l'intention d'ajouter plus de motifs ornés et de texture dans le tissu des vêtements pour lui donner un aspect plus gothique et victorien, et c'est là que je pense que le dessin au trait n'est pas nécessaire car ils ne définissent pas la forme, et sera trop petit pour être utilisé comme base pour l'outil de remplissage. Il est également possible que cela gâche le reste de la pièce lorsque je commence à mélanger plus tard.

Partie 5 - Blocage des appartements et de l'éclairage

Une fois le dessin au trait terminé, je commence à poser les plats de couleur sur des calques séparés sous le calque lineart final. Je règle normalement le calque lineart pour qu'il se multiplie.

 

Il n'y a pas de règle absolue ici. Assurez-vous simplement que la pile de couches a du sens pour vous et facilite la peinture dans l'éclairage et l'ombre plus tard.

 

Pour ma part, je suis particulier avec l'ordre des choses réelles dans la vraie vie.

 

J'ai tendance à superposer des vêtements sur la peau et d'autres éléments comme le corset, les lacets, etc. des vêtements sur le dessus.

 

Après avoir fait les couches de couleur plates initiales, je reviens en arrière et ajuste l'arrière-plan en vue d'éclairer la scène.

 

J'aurai besoin de faire en sorte que l'arrière-plan et le sujet ressemblent à une scène pour commencer à ajouter l'illusion de la forme via l'éclairage.

 

Je me suis également assuré que le verre qu'elle tient a une couleur de base semi-translucide, de sorte que la peinture dessus via un masque d'écrêtage soit plus facile.

 

Une fois que toutes les couleurs de base ont été remplies, je commence à ajouter des calques avec des masques d'écrêtage à l'aide de la macro intégrée. Un dossier de détourage pour chaque couche de couleur de base.

 

Je commence alors à sélectionner des couleurs avec des changements de teinte et de valeur pour définir les ombres et les reflets de chacun des éléments sur elle. Je prends également quelques couleurs du fond.

 

Pour l'éclairage. J'ai l'intention de la frapper avec la lumière de tous les côtés. Une couleur chaude du haut, des couleurs fraîches derrière elle et sur ses côtés.

 

Je garderai les formes et l'éclairage à l'esprit lors de l'ajout d'ombres et de surbrillances sur chaque calque de couleur de base jusqu'à ce que je sois convaincu que les formes ont été définies. Ne pas trop se soucier de la couleur / des valeurs à ce stade.

 

Je vais ensuite unifier et effectuer des ajustements à l'aide de diverses méthodes, telles que l'ajout d'une couche de lumière douce sur la peinture, l'ajout de couches de correction de l'équilibre des couleurs et l'ajout de la correction des tons.

 

Comme je peins et mélange les éléments d'éclairage et d'ombre. Je garde à l'esprit les sources lumineuses que j'ai déjà établies plus tôt. Gardez à l'esprit qu'il y aura des ombres portées, des ombres de forme, ainsi que divers reflets le long des bords où il y a un éclairage de jante.

 

Je peins également des tons chair sur les manches pour créer l'illusion d'être semi-transparent.

 

Et en ajoutant des tons chauds là où je pense qu'ils devraient être.

 

J'utilise également la brosse douce avec des couches de lumière douce pour ajouter légèrement une variation de teinte sur chaque surface. Comme sur certaines parties de sa peau exposée, j'ajouterai des couleurs plus chaudes tout en ajoutant des couleurs plus froides dans certaines zones.

 

J'ai aussi tendance à passer des fonctionnalités les plus importantes aux fonctionnalités les plus nuancées et moins visibles. Cela garantit que si je devais manquer d'allumer un élément, ce serait moins susceptible d'être remarqué.

Partie 6 - Peinture et pinceau

Une fois, je suis totalement satisfait des couleurs que je vois sur la fille de la pièce. Je vais tout copier dans un nouveau calque plat, et commencer à choisir les couleurs et à utiliser ce pinceau pour aquarelle pour ajouter le pinceau dans les zones qui en ont besoin. Ma priorité principale à ce stade sont deux choses:

1. Ajoutez plus de détails si nécessaire et ajoutez les ornements / motifs ornés à ses vêtements.

 

2. Essayez de supprimer tout ce qui indique à distance le travail au trait effectué.

 

Ce que je fais ici, c'est simplement choisir une couleur, un pinceau et un mélange. Parfois, j'ai tendance à ajouter une autre couleur, si nécessaire.

 

Chaque fois que j'ajoute un détail qui est un matériau différent de l'endroit où il est placé, comme les détails sur les manches et la jupe, je l'ajouterais dans une autre couche car il gagnerait à être dans une nouvelle couche car la lumière se comportera différemment en frappant ces surfaces.

 

Le processus de peinture est assez fastidieux, mais je le trouve satisfaisant et enrichissant. Et comme les couleurs sont presque toutes déjà établies, vous pouvez faire la peinture tout en écoutant d'autres tutoriels ou des présentations Ted tout en peignant sans trop vous inquiéter.

Le pinceau que j'utilise pour faire le processus de peinture est le stylo エ ッ ジ 鉛筆 de l'ensemble sur le lien ci-dessous.

Partie 7 - Peindre l'arrière-plan

Tout comme le personnage, j'utilise le dessin au trait pour clarifier les formes de l'arrière-plan. En utilisant la règle de symétrie au centre, je commence à utiliser le tapotement pour créer des lignes droites pour esquisser les formes, en gardant à l'esprit le design gothique d'origine.

Et puisque nous avons déjà établi les couleurs et les valeurs des murs généraux et des fenêtres de l'arrière-plan, j'utilise le croquis comme un simple guide pour peindre et définir encore plus les éléments de l'arrière-plan. Il suffit de choisir les couleurs et de peindre avec le pinceau dur / doux, avec la symétrie toujours en place au début, puis de laisser tomber la symétrie plus tard lorsque je vais faire plus de détails.

 

À ce stade, je n'utilise que des aérographes durs et doux, car je sais que je veux que le public se concentre davantage sur le personnage. et que l'arrière-plan n'est là que pour renforcer le thème et le décor. Je ne veux pas que cela nuise au personnage. Par conséquent, je n'ajouterai pas plus de détails dont je pense qu'il a besoin.

 

J'ajoute un éclairage intérieur chaleureux via la brosse douce. C'est un indice du même éclairage qui affecte notre personnage. Mais cela affecte moins l'arrière-plan car nous établissons que la lumière est plus éloignée des murs et plus proche de notre personnage.

Les vitraux gothiques peuvent être à la main, mais nous utiliserons les règles et les outils de transformation de Clip Studio Paint pour nous aider à les créer plus rapidement.

 

Je commence avec l'outil de symétrie au centre. Ensuite, configurez des règles spéciales (Lignes parallèles dans la liste déroulante), pour les lignes verticales d'abord, puis créez l'arc pointu, suivi d'une règle spéciale de lignes parallèles pour les composants horizontaux.

J'ai ensuite appuyé sur Ctrl + T pour un outil de transformation gratuit et maintenez la touche Ctrl enfoncée pour déplacer les poignées pour créer une perspective

Le vitrail est réalisé à l'aide de l'outil ellipse et du dessin sur une règle symétrique à 8 radiales. Ensuite, ajoutez une bordure ronde à l'aide du même outil ellipse sans la symétrie radiale à 8 directions. Ensuite, appliquez la même technique de transformation de perspective que pour les autres fenêtres.

Partie 8 - Ajout de post-effets et de calques de correction à un excellent effet

En utilisant des couches de correction, des couches de lumière douce avec opacité, je vais essayer de faire ressortir la pièce avec un peu de contraste, mais aussi d'ajouter plus de cohérence à la couleur globale et aux valeurs de la pièce.

 

C'est là que vous me verrez commencer à zoomer davantage sur la pièce et faire attention à la pièce dans son ensemble.

 

J'utilise généralement les couches de correction suivantes dans cette phase.

 

1. L'équilibre des couleurs à l'ensemble de la pièce ajoute plus de cohérence à l'ensemble de la pièce

2. Réglage de la valeur de saturation de la teinte, de la tonalité et du niveau de différentes couches pour aider à vendre la pièce.