Ce tutoriel se concentrera sur les portraits semi-réalistes. La première moitié explorera brièvement l'anatomie du visage, et la seconde moitié sera un guide étape par étape montrant comment peindre un portrait.

1: Comprendre le visage humain

1.1: Angles et processus d'esquisse

Nous examinerons les angles les plus courants: une vue directe, une vue ¾ et une vue latérale. Commencez par marquer le haut de la tête et du menton. Dessinez un cercle - cela vous aidera à établir la forme du visage. Tracez une ligne verticale qui marque le milieu du visage. Dessinez des lignes directrices pour vous aider à déterminer où le nez, les yeux et les lèvres seront positionnés.

CONSEIL: retournez constamment votre dessin horizontalement pendant le dessin. Lorsqu'il est retourné, vous remarquerez des erreurs que vous n'aviez pas remarquées auparavant, en particulier des erreurs de proportion.

1.11: L'angle direct

L'angle direct fournit une base pour les traits du visage. Connaître bien la vue directe facilite le dessin d'autres angles.

 

À environ ¾ du visage se trouve les yeux. Le bas du nez est légèrement en dessous de la mi-course. Généralement, la distance entre les lèvres et le menton est la même que la distance entre la lèvre supérieure et le nez. Bien sûr, il existe des directives générales. Chacun a des visages différents, donc ces règles ne s'appliquent pas toujours à 100%.

 

1.12: ¾ Angle

Lorsque le visage tourne, une moitié du visage est plus visible que l'autre. La ligne verticale ne divise pas le visage en deux mais est plutôt dans un rapport de 3: 1. Sur un côté plus visible, les yeux, le nez et les lèvres semblent plus gros / plus longs. Sur le côté opposé, remarquez comment l'angle des entités devient plus raide, comme indiqué par la ligne rouge. Vous pouvez visualiser cela par le diagramme suivant:

Lorsque le cube tourne vers la droite, l'angle devient plus raide.

Bien sûr, le visage humain n'est pas un plan plat. Il n'est pas plat partout mais présente plutôt une courbure, comme le montre le diagramme suivant.

 

Vers les bords, la courbure change. Ainsi, moins de lumière est reçue car ce côté commence à faire face à la source lumineuse. C'est ce qu'on appelle l'ombre de la forme - comme une ombre qui survient en raison de la forme de l'objet. C'est pourquoi notre front reçoit plus de lumière que la plupart des parties du visage. Cependant, à l'approche des tempes, il y a un changement de courbure et moins de lumière est reçue. Cela s'applique également au cou et à la mâchoire. Lorsque vous dessinez et peignez le visage humain, n'oubliez jamais qu'il s'agit d'un objet 3D.

1.13: Profil latéral

Le profil latéral révèle des détails sur le visage qui ne sont pas aussi évidents dans le point de vue de l'angle direct. Par exemple, la forme de la mâchoire, de l'oreille, la courbure du nez et la profondeur des paupières et du menton. De face, il est difficile de dire si quelqu'un a un nez bulbeux (c'est-à-dire qu'il a plus de graisse stockée sur le bout du nez), mais de côté, c'est assez apparent.

1.2: Capturer les proportions

Les portraits semi-réalistes sont moins exigeants que les portraits réalistes. Ce sur quoi vous voulez vous concentrer, c'est la forme des entités et leur position / taille les unes par rapport aux autres. Les yeux sont-ils éloignés? Les lèvres inférieures sont-elles grandes par rapport aux lèvres supérieures? Vous souhaitez répondre à ces questions dans votre croquis. Vous n'avez pas besoin d'être extrêmement précis pendant ce processus, mais vous voulez que votre croquis ressemble à votre produit final.

 

Vous avez cependant la liberté d'omettre certains détails. Pour certaines personnes, les oreilles ne sont pas considérées comme d'une grande importance, elles ne reçoivent donc pas beaucoup de détails. De même, le philtrum n'est généralement pas significatif et peut être ignoré sans conséquence. Ce que vous décidez de faire dépend entièrement de vos préférences!

1.21: Les yeux

Les yeux sont les traits du visage les plus distincts. Vous ne pourrez peut-être pas reconnaître quelqu'un uniquement à ses lèvres, mais vous le pourrez peut-être si on vous montre ses yeux. Les yeux se présentent sous de nombreuses formes et couleurs.

 

Considérer…

Les yeux sont-ils tournés vers le haut ou baissés?

Sont-ils éloignés ou rapprochés?

Sont-ils ronds? En forme d'amande? Étroit? Large?

Quel type de paupière votre sujet a-t-il?

 

CONSEIL: Lorsque vous dessinez les yeux, ne dessinez pas un œil puis l'autre. Dessinez-les tous les deux étape par étape, de cette façon ils deviendront plus symétriques.

1.22: Le nez

Le nez pourrait également être considéré comme une caractéristique faciale assez distincte. Comme les yeux, ils se présentent sous de nombreuses formes et tailles:

Considérer…

Le nez est-il bulbeux (ce qui signifie qu'il y a plus de graisse stockée sur le bout du nez)?

Le pont du nez est-il haut? Faible?

Le nez est-il défini ou plat?

Les narines sont-elles petites ou grandes par rapport au bout du nez?

Les narines sont-elles hautes ou basses par rapport au bout du nez?

Le nez est-il retourné? Retourné? Quelque part entre les deux?

 

1.23: Les lèvres

Considérer:

Quel est le rapport des lèvres supérieur-inférieur?

Les lèvres sont-elles charnues ou fines?

Quelle est la forme de l’arc de Cupidon?

La bouche se courbe-t-elle vers le haut ou vers le bas?

Les lèvres sont-elles courtes ou longues?

 

1.3: Assembler le tout

Avec ces choses considérées, j'ai créé une esquisse d'un portrait. N'insistez pas trop sur les petits détails. Vous pouvez affiner votre esquisse dans le processus lineart.

 

Créez un nouveau calque intitulé «Lineart» et placez-le sur votre calque d'esquisse. Dans le calque d'esquisse, réduisez l'opacité à 20-40% pour pouvoir tracer.

 

CONSEIL: sous la propriété du calque, changez la couleur du dessin au trait en rouge foncé, saturé, violet ou marron (ce qui est le plus proche de votre teint). Les couleurs se fondent mieux avec le lineart, ce qui rend la pièce plus réaliste.

2: Le processus de peinture

2.1: Coloration

Faire un portrait de semi-réalisme va au-delà de l'utilisation de proportions similaires. La coloration joue un rôle important pour donner vie à votre art!

 

La première chose que je fais est de changer l'arrière-plan en une nuance de gris plus foncée. Lorsque vous utilisez un fond blanc pur, notre perception de la couleur est légèrement déformée et nous avons tendance à rendre les couleurs trop claires. Si vous prévoyez de créer un arrière-plan détaillé, je vous recommande de le faire à ce stade en créant un calque sous votre calque de portrait. L'environnement peut avoir un impact et / ou interagir avec votre portrait, il est donc important de le garder à l'esprit! Pour faciliter le suivi du didacticiel, j'ai omis l'arrière-plan jusqu'à la fin du processus.

 

2.11: La peau

Créez un nouveau calque et placez-le sous votre croquis et / ou votre calque lineart. Ce sera le calque utilisé pour la coloration. CSP a un outil pratique qui vous permet de colorier sans sortir du lineart. Cliquez sur l'outil de sélection automatique (W) et sélectionnez faire référence à toutes les couches. Réglez la marge de couleur sur 0 et cliquez sur l'arrière-plan. CSP sélectionnera automatiquement l'arrière-plan pour vous. Maintenant, appuyez sur Ctrl + I. Cela inversera la zone sélectionnée de sorte que seul le portrait soit sélectionné. Allez sur votre calque de couleur et appuyez sur "Créer un masque de calque".

Ajoutez vos couleurs de base dans le calque de couleur.

Avant d'aller plus loin, il est important de noter que vous pouvez utiliser une variété de combinaisons de couleurs pour créer différents effets visuels. J'ai pris l'image finale et je suis allé dans Édition> Corrections tonales> Courbe de tonalité et / ou Teinte / Saturation / Valeur. Bien entendu, il est préférable d’utiliser ces couleurs pour votre calque de base au début plutôt qu’à la fin. Je vous recommande de jouer avec ces paramètres après avoir terminé une peinture. Cela vous aidera à comprendre la composition des couleurs, à prendre des risques et peut-être à vous inspirer.

S'il y a un éclairage perceptible, je vais commencer par cela tout de suite. Pour les ombres qui ressortent particulièrement, utilisez une couche de multiplication. Pour un éclairage vif, vous pouvez utiliser une couche de lumière dure ou d'esquive lueur. Si l'éclairage est coloré, utilisez un calque de superposition.

Pour ce tutoriel, je n'ajouterai pas d'effets d'éclairage avant la fin pour montrer à quoi ressemble le visage sous un éclairage commun. Cependant, il est recommandé d'envisager d'ajouter des effets d'éclairage au début.

 

Je commence à peindre dans l'ombre avec un grand aérographe doux d'une dureté maximale. Il est important de ne pas l'utiliser avec une dureté minimale, car si vous le faites, le produit final est très flou et délavé. Commencer avec de gros pinceaux est également utile. Travailler avec des traits plus larges au début est crucial pour gagner du temps.

 

Vous remarquerez que le milieu du visage est plus rougeâtre, alors que le front et le menton utilisent des tons moins saturés. Le dessous des yeux est presque bleuâtre en raison de la minceur de la peau.

 

Pour faire les ombres, créez un calque de multiplication au-dessus de votre calque de base. Sélectionnez la couleur de base de la peau et décalez la teinte sur la roue chromatique afin qu'elle soit un peu plus froide (plus proche du bleu). Vous voulez généralement changer les teintes au fur et à mesure que vous colorez, car c'est plus vrai. Ne faites que de légers changements - tout changement radical peut changer complètement la couleur! Les régions plus sombres sont affichées ici:

 

Vous remarquerez que certaines ombres sont un peu plus sombres que d'autres, comme l'ombre sous le menton. Pour ces zones, appliquez plus de pression et / ou sélectionnez une couleur plus foncée. Vous pouvez également utiliser le calque de multiplication pour créer du blush. Choisissez simplement une couleur claire dans la zone orange-rouge.

 

CONSEIL: si vos ombres sont trop sombres, réduisez l'opacité du calque.

 

CONSEIL: ne vous inquiétez pas trop du mélange. L'ajout des couleurs de base est un processus différent du mélange.

 

Sur votre couche de base, commencez à ajouter les régions plus claires, telles que le front, les joues, les pommettes, le menton, la bouche et le bout du nez. Décalez la teinte pour que la couleur soit un peu plus jaune. Augmentez la valeur et diminuez la saturation. Évitez d'utiliser une couleur blanche pure. Vous remarquerez peut-être que certains reflets sont «plus blancs» que d'autres, comme le bout du nez.

 

2.12: Les lèvres

Plus vous êtes proche de la ligne de la bouche, plus elle est sombre. Les bords de la lèvre supérieure ont également tendance à être plus foncés. Une ombre portée est créée au bas de la lèvre.

Le milieu de la lèvre inférieure est le plus léger, car c'est la partie la plus charnue de la lèvre et reçoit ainsi plus de lumière. J'ajoute des couleurs avec une teinte orangée pour rehausser la profondeur. Enfin, je mélange les couleurs et j'ajoute les reflets. Selon que le sujet porte ou non du rouge à lèvres / brillant, l'ombrage des lèvres sera probablement différent. Par exemple, des reflets très brillants et durs sont créés lorsque le brillant à lèvres est porté.

 

Remarquez comment les bords de la lèvre inférieure s'estompent progressivement. Utilisez l'outil pipette sur la peau environnante et aérographe légèrement sur les bords. De plus, les bords de la lèvre supérieure et les coins de la bouche sont plus clairs que la zone environnante. Ajoutez une ombre portée sur le coin des lèvres.

2:13: Les yeux

Je commence par assombrir les cils de l'œil. Assurez-vous cependant de colorer d'abord la peau autour de l'œil. Pour les portraits semi-réalistes, il n'est pas nécessaire de dessiner de nombreux cils. Juste quelques-uns, c'est bien. Je commence ensuite à ajouter dans les régions les plus sombres des blancs des yeux et de l'iris en utilisant des tons plus saturés et plus chauds. Les ombres sont projetées par la paupière supérieure, rendant les bords des yeux blancs sombres. Pour l'iris, utilisez de légères variations de teinte, de saturation et de valeur pour les rendre plus vifs.

Après avoir mélangé les couleurs, j'ajoute la pupille et les reflets. Les blancs des yeux sont un peu réfléchissants, vous y trouverez donc des reflets. Ensuite, je peins dans les petits détails tels que la paupière inférieure et le canal lacrymal.

2.14: Cheveux

Pour les cheveux, j'utilise un pinceau à l'huile. Je peins dans des ombres chaudes puis les reflets. Au fur et à mesure que je continue, je change la taille du pinceau et les traits de peinture d'épaisseur différente pour donner une impression de profondeur. Je n'aime pas ça quand les cheveux sont un dégradé lisse, donc je ne mélange que partiellement les couleurs.

2.2: Touches de finition et modes de fusion

Les modes de fusion sont importants pour faire ressortir le contraste et rendre un portrait plus intéressant. J'aime que mes œuvres soient colorées, alors je crée un calque de superposition et je choisis des rouges saturés, des roses, des violets, des oranges et des jaunes. Les teintes plus chaudes vont généralement là où se trouvent les ombres. Je les intègre également lors de la transition de l'obscurité à la lumière (par exemple les joues). Bien que subtile, elle rend l'œuvre d'art éclatante et plus vivante. J'aime aussi souligner les points forts; par conséquent, j'incorpore une couche d'esquive lueur pour les faire ressortir.

ASTUCE: vous pouvez copier-coller un calque de mode de fusion pour amplifier ses effets.

 

Je termine en nettoyant les erreurs désordonnées et en ajoutant de petits détails, tels que l'ombre portée des vêtements et les mèches de cheveux lâches. À ce stade, j'ai ajouté des effets d'éclairage pour rendre la composition visuelle plus dynamique. J'ai également continué à ajouter des couleurs saturées pour mettre en valeur la pièce en ajoutant du contraste de couleur. Même des couleurs telles que le vert peuvent se fondre dans une peinture principalement rouge-orange. Si cela est fait correctement, l'œuvre d'art est beaucoup plus puissante. Des couleurs analogues sont recommandées car elles sont plus faciles à mélanger.

 

2.3: Arrière-plans

Les artistes ne peignent pas toujours dans un arrière-plan détaillé. Si vous manquez de temps, un simple dégradé fonctionnera. Choisissez une couleur qui, selon vous, convient au portrait. Pour celui-ci, je choisis l'orange et je crée un dégradé avec. Si vous n'utilisez qu'une couleur plate comme arrière-plan, cela semble étrange car le sujet est réaliste.

Cependant, si vous avez le temps, peindre un arrière-plan détaillé peut facilement rendre votre portrait plus accrocheur et attrayant, je le recommande donc.

Un moyen très simple d'améliorer votre composition visuelle est de brouiller l'arrière-plan. Vous voudrez peut-être copier-coller une couche d'arrière-plan de sauvegarde au cas où vous changeriez d'avis. Sur votre calque d'arrière-plan de sauvegarde, appuyez sur Ctrl + A, puis accédez à Filtre> Flou> Flou gaussien. Expérimentez avec les valeurs et voyez à quel point vous voulez que votre flou soit fort. Nos yeux sont attirés automatiquement sur la partie la plus nette du tableau: le sujet. Bien que l'objectif principal de la peinture soit le sujet, l'arrière-plan renforce la composition artistique, il est donc recommandé de faire un certain effort.

Et voila! Le produit final.

Fermeture

Si vous voulez continuer à vous améliorer, observez les visages autour de vous. Soyez plus conscient des traits du visage des gens et de l'éclairage qui vous entoure. Nous sommes tellement habitués à voir des visages humains que nous ne remarquons pas les petits détails. Mais vraiment, la seule recette du succès est de continuer à pratiquer.

 

Merci d'avoir lu mon tutoriel. J'espère que vous avez appris quelque chose d'utile!