Vidéo

Salut tout le monde.

Voici une vidéo dans laquelle je parle beaucoup de décors et je divague un peu aussi.

Donc, fondamentalement, la meilleure façon de faire ressortir votre personnage de l'arrière-plan est de créer un contraste !

 

Passons rapidement en revue quelques-uns des plus importants que vous pouvez utiliser.

 

Se brouiller

Le flou de l'arrière-plan donne un effet similaire à celui obtenu lorsque vous regardez un objet spécifique et, par conséquent, tout ce qui l'entoure semble flou.

 

Je sais que cela n'en a pas l'air, mais le contraste est également très présent dans cette méthode, car il crée un contraste plutôt focalisé vs non focalisé, dans lequel l'élément focalisé (même s'il est en arrière-plan plutôt qu'au premier plan) aura toujours l'attention.

 

La bonne chose à ce sujet, c'est qu'il est très simple à utiliser et que vous pouvez en avoir un grand contrôle.

 

 

1- Vous devez vous assurer que votre arrière-plan se trouve dans un calque différent.

 

2-Vous pouvez peindre votre propre arrière-plan, vous pouvez utiliser une photographie ou vous pouvez simplement mettre des formes à l'arrière qui suggèrent des objets comme des bâtiments ou des arbres.

 

3-Ensuite, vous allez à

 

Filtre -> Effet -> Flou

Il existe de nombreuses options à partir de ce point.

 

Flou et Flou fort vous donneront une quantité prédéterminée de flou dans votre calque. Cela peut être empilé, vous pouvez donc répéter le processus plusieurs fois.

 

Vous devrez l'expérimenter et déterminer si tout cela fonctionne pour vous, car comme vous pouvez le voir dans l'exemple suivant, cela peut sembler très subtil, en fonction de la qualité de l'image et d'autres facteurs.

 

La capture d'écran qui montre le menu de flou, a évidemment beaucoup moins de pixels et il y a aussi du texte (à mon avis, le texte est l'une des choses qui brouillent le plus facilement), alors voici une comparaison sur l'apparence de ces effets.

 

(Donc, pour référence, l'illustration originale est de 3657x3657px/300 dpi, tandis que la capture d'écran est de 514x275px/72dpi)

 

Ensuite, dans la vidéo, j'utilise Gaussian Blur, et c'est celui que je recommande si vous souhaitez avoir plus de contrôle sur l'effet de flou.

 

Vous n'avez qu'à déplacer le pointeur vers le niveau de force que vous aimez le plus ou qui fonctionne le mieux pour votre dessin.

 

Encore une fois, cela peut être empilé et cela peut être très subtil ou vraiment agressif selon l'œuvre d'art sur laquelle vous travaillez.

En fait, pour les deux prochaines options, Motion et Radial Blur, le menu est assez similaire, c'est juste différent dans la façon dont il applique le flou, puisque Motion et Radial vous permettent de lui donner une certaine direction.

 

Motion émule, comme son nom l'indique, le mouvement et vous pouvez en contrôler la direction.

Alors que le flou radial s'applique littéralement en suivant un rayon, il a donc une sorte d'aspect final circulaire.

Comme vous pouvez le voir, il vous permet de contrôler la force et la direction, mais il vous permet également de placer le centre du cercle où vous le souhaitez.

Voici donc le résultat final avec chaque filtre dans le même dessin.

Enfin, vous pouvez obtenir de l'aide de l'outil de fusion pour flouter certaines parties de l'arrière-plan plus que d'autres !

La brume

La brume est l'une de mes façons préférées de créer un contraste avec l'arrière-plan et votre personnage, car elle peut être très subtile et s'intègre très bien, en particulier s'il s'agit de peintures réalistes ou semi-réalistes qui ont un arrière-plan vraiment complexe.

 

 

(merde à ma peinture inachevée)

Pour cela, nous voulons prendre de la couleur en arrière-plan ou une couleur neutre/insaturée et peindre derrière notre personnage, très doucement.

 

Vous devez appliquer lentement des couches et des couches de peinture et accorder une attention particulière aux éléments à l'arrière.

Ici, nous devons avoir à l'esprit la distance des éléments de la peinture. Plus ils sont éloignés du spectateur, moins ils seront visibles puisque les particules d'air seront plus denses.

 

Donc, avant de vous lancer dans la peinture, vous pouvez commencer par déterminer votre arrière-plan, votre plan intermédiaire et votre premier plan.

Voici donc quelques pinceaux en nuage et doux que j'ai trouvés et qui pourraient vous être très utiles pour cela. N'oubliez pas que même si vous avez un pinceau nuage, vous devrez peut-être éditer avec l'aérographe, mélanger, effacer et adoucir la brume.

 

Les pinceaux de nuages sont généralement très agressifs dans leur forme et nous ne voulons pas avoir de nuages littéraux en arrière-plan pour cela.

 

 

Un grand bravo également à ces créateurs pour le partage de leurs pinceaux !

Contraste par couleur

Ceci est très flexible en fonction de votre style et de votre palette de couleurs habituelle, mais voici quelques astuces qui pourraient être utiles et un tas de théorie des couleurs.

---------Couleurs saturées/non saturées-----------

 

 

En termes simples, les couleurs saturées sont des versions pures de la couleur sélectionnée, elles sont lumineuses et très pigmentées, tandis que les teintes désaturées ont tendance à aller vers le gris, elles ont donc un aspect assez opaque et terne.

Vous pouvez penser que la moitié du carré de couleur est désaturée tandis que l'autre moitié est saturée.

 

De plus, la saturation se réfère uniquement à la quantité de gris dans la couleur, pas à la luminosité de la couleur.

 

La luminosité concerne la lumière ou l'obscurité. Vous pouvez donc avoir par exemple une teinte rouge foncé très saturée ou un rouge clair insaturé, selon de quel côté du carré de couleur vous vous trouvez.

Ainsi, pour toutes ces applications de contraste de couleurs, vous peignez votre arrière-plan avec une couleur très vive et un caractère doux et terne, ou inversement.

 

Alors que peindre votre personnage avec des couleurs vives en fera le projecteur du dessin presque 100% du temps, quand c'est l'inverse, cela crée un effet étrange.

 

Ainsi, lorsqu'une couleur saturée brillante prédomine ou s'il y en a beaucoup mélangées, cela fatigue un peu les yeux. Donc, si vous placez votre personnage dans des couleurs non saturées, le spectateur cherchera cet endroit pour reposer ses yeux de toutes les couleurs qui l'entourent.

 

 

-------------Monochrome contre coloré ---------

 

Cela suit à peu près le même principe que précédemment.

 

Je suppose que j'ajouterais seulement que monochrome signifie que vous pouvez utiliser tout le carré de couleur, puisque vous travaillez toujours avec la même teinte. Ainsi, vous pouvez ajouter autant de luminosité ou de saturation à l'élément monochrome de votre dessin.

 

Et dans l'autre sens aussi, l'élément coloré ne signifie pas qu'il doit être saturé.

----------Des couleurs complémentaires -----------------

 

 

Les couleurs complémentaires sont celles placées de l'autre côté de la roue chromatique. Nous avons tendance à simplifier en trois groupes : rouge et vert, jaune et violet, bleu et orange.

 

Cela peut bien sûr changer en fonction de la complexité de la roue chromatique, mais de manière générale, on a tendance à parler de couleurs complémentaires en n'utilisant que les couleurs primaires et secondaires.

 

 

 

Ainsi, comme les autres échantillons, vous colorez soit le fond, soit le personnage dans une couleur et sa complémentaire.

 

 

Encore une fois, vous pouvez utiliser tout le carré de couleur et ajuster la saturation et la luminosité de vos couleurs, mais aussi, vous pouvez ajouter quelques autres teintes, il vous suffit de vous assurer que la couleur prédominante en arrière-plan ou le caractère sont les tons complémentaires .

 

 

 

 

Aussi, noir et blanc ! Ils ne sont pas complémentaires, mais ils sont opposés et ils vont bien ensemble.

--------Couleurs chaudes et froides------

 

Celui-ci est également simple, et cela signifie que la plupart de votre personnage ou de votre arrière-plan doit être peint dans des tons froids ou chauds.

 

Comme dans la section complémentaire, cela ne signifie pas que vous devez peindre tout votre personnage d'un certain ton, mais seulement la majorité de celui-ci. Tous mes exemples sont très exagérés, mais vous pouvez les atténuer un peu.

En fait, si votre personnage est censé être intégré à l'arrière-plan, vous devrez peut-être beaucoup l'atténuer, car cela peut isoler le personnage très facilement et donner l'impression qu'il n'appartient pas à l'arrière-plan.

Contraste par la lumière

En règle générale, c'est assez simple : vous avez soit un fond sombre et un caractère clair, soit un fond clair et un caractère sombre.

 

C'est un exemple très grossier, mais il est plus facile d'apprécier la différence d'échelle de gris.

 

 

Les choses importantes à garder à l'esprit pour cela sont :

 

-Si les ombres sont suffisamment denses, l'élément dans les ombres perdra des détails.

-Tu peux être vraiment intense avec ça. Habituellement, plus le contraste est fort ici, plus le dessin finit par être frappant.

 

 

 

Dans cet échantillon coloré, vous pouvez voir que notre personnage, dans un fond clair, a perdu quelques détails dans le visage, et que ça va, puisqu'ils sont censés ressembler à une silhouette avec une forte lumière derrière eux.

La dernière chose à garder à l'esprit est que la lumière peut être aveuglante, il est donc très courant d'utiliser la lumière pour effacer les détails de l'arrière-plan, un peu comme la brume.

 

Habituellement, pour cette illustration, le personnage reste dans sa palette de couleurs normale ou dans des tons légèrement plus sombres, mais ce serait tout, alors que l'arrière-plan est fortement éclairé.

 

Dans ces échantillons, j'ai juste légèrement ajusté la luminosité de cette peinture et je l'ai terminée avec une couche de multiplication ou une couche d'esquive de lueur/couleur, mais elle a encore besoin de quelques ajustements, donc je vous recommande de faire d'abord quelques vignettes de valeur et de lumière de votre dessiner avant de le peindre, de cette façon, vous saurez exactement où appliquer la lumière et vous n'aurez pas besoin de faire autant d'ajustements que cet exemple en a besoin.

Vous pouvez également mélanger un peu cela et placer votre personnage partiellement à la lumière.

 

Ainsi, même si la moitié de leur corps est dans l'ombre, ils seront toujours la vedette du dessin et attireront les yeux des spectateurs.

C'est vraiment intéressant, car le contraste sera plus élevé et il interagira directement avec votre spectateur, puisque vous pouvez diriger la façon dont leurs yeux explorent le dessin, en les faisant commencer à la lumière, étant le point de contraste le plus fort, et aller lentement vers les parties les plus sombres jusqu'à ce qu'il n'y ait plus rien de visible.

 

Dans cet exemple, j'ai juste augmenté les ombres du personnage à l'aide d'un calque de multiplication et de l'aérographe, car cette peinture suivait déjà un peu cette règle.

Et si votre personnage a des couleurs sombres sur un fond sombre ?

 

Une autre astuce courante consiste à créer de fins rayons de lumière derrière le personnage, ou peut-être comme si la lumière s'attrapait sur les particules d'air, pour lesquelles nous pouvons utiliser la méthode The Mist d'avant.

 

Je parle beaucoup de cela dans la vidéo, mais cela est fréquemment utilisé dans le splash art.

Ces échantillons sont très subtils, mais vous pouvez rendre la lumière très forte en arrière-plan, car cela dépend du style et de votre intention pour la pièce.

 

Les rayons de lumière sont appliqués directement à l'aérographe ou au pinceau doux dans une faible opacité, il suffit de tracer les lignes et de laisser les coups de pinceau s'empiler les uns sur les autres.

 

(De plus, j'ai décidé d'utiliser un pinceau nuage ici, pour la méthode de la brume, mais je ne l'ai pas complètement mélangé. Alors voyez-vous comment les nuages sont à peu près distinguables et même gênants? Mélanger les formes par les contours aiderait à éviter cette!)

Contraste par texture

Ainsi, soit votre personnage a une texture visible, soit votre arrière-plan en a une.

 

C'est très stylistique et cela peut sembler plutôt cool mais peut aussi être délicat.

Donc, la première chose à garder à l'esprit, c'est que nous allons également compter les motifs, les hachures et les coups de pinceau comme texture !

 

Deuxièmement, il est généralement plus facile de placer beaucoup de texture en arrière-plan, car vous pouvez abuser de certains éléments qui ont déjà une texture, comme les nuages ou les buissons. Comme je l'utilise dans cet exemple.

Troisièmement, les pinceaux et les motifs sont vos amis ! N'oubliez pas que vous n'êtes pas obligé de peindre chaque feuille ou texture, mais vous pouvez également obtenir de l'aide de pinceaux.

Je vous recommande donc fortement de commencer une belle collection de pinceaux et d'y investir si possible.

 

Par exemple, tous les éléments fortement en arrière-plan dans le dessin ci-dessus sont en quelque sorte créés à l'aide de pinceaux.

 

Alors que notre ami le renard fait surtout des coups de pinceaux. (aussi, criez au contraste par des couleurs chaudes et froides!)

Alors oui, les coups de pinceau sont vraiment puissants pour ce style, dans le croquis ci-dessus, j'essaie d'utiliser moins de texture dans le personnage que l'arrière-plan, car cela peut être utile si vous souhaitez utiliser des motifs ou de la texture dans les deux éléments. Assurez-vous simplement que l'un domine l'autre, et vous pouvez également utiliser l'aide d'autres types de contraste.

N'oubliez pas que vous pouvez également utiliser l'outil de fusion pour créer des coups de pinceau et en fait le

Painterly blender est une merveille absolue pour cela. Évitez simplement de trop mélanger l'élément censé avoir une texture.

 

 

Si vous souhaitez voir des exemples intéressants de peintures texturées, recherchez les anciens peintres traditionnels. En particulier, les artistes impressionnistes. -J'en parle pendant des heures dans la vidéo mais ils sont vraiment bons et une grande source d'inspiration si vous souhaitez essayer ce style !)

Qualité de la ligne

C'est pour un style très spécifique, et tout est question de dessin au trait.

 

 

Donc, aussi simple que cela puisse paraître, en rendant simplement votre dessin au trait un peu plus épais dans le contour de votre personnage, il le fera ressortir tout de suite.

Dans cette même ligne, il existe une autre astuce couramment utilisée dans l'industrie de la bande dessinée et du manga, dans laquelle ils placeraient une ligne blanche autour du personnage qui doit être mis en évidence.

 

Ceci est spécialement utilisé si l'arrière-plan est complexe et détaillé.

Cela peut être vraiment subtil d'une manière "à peine là", presque comme essayer de se fondre (mon arrière-plan ici n'a pas beaucoup de détails, cependant) ou cela peut être vraiment explosif et saturé, tout dépend de votre style et choix esthétiques, mais cela aidera certainement à faire ressortir votre personnage.

Remarques finales

Voici donc quelques éléments que je considère comme importants à ajouter, mais je ne savais pas où les placer.

 

-Premièrement, vous pouvez utiliser une ou plusieurs de ces méthodes en même temps, il n'y a pas de règle stricte pour cela donc utilisez autant de méthodes que vous le souhaitez en même temps. D'habitude ils se boostent ! (Comme le montrent les nombreux exemples de la section texture)

 

 

-Deuxièmement, dans beaucoup d'entre eux, spécialement en ce qui concerne la couleur et la texture, vous n'avez pas à faire tout le personnage ou l'arrière-plan, parfois même une petite touche suffit.

 

-Troisièmement, le contraste est le mot clé. Il existe de nombreuses façons d'appliquer le contraste, et celles que j'ai énumérées ici ne sont que quelques-unes, mais il y a aussi la forme, la position et la taille. Je ne pensais tout simplement pas que ceux-ci seraient aussi pertinents que ceux que nous avons vus auparavant, mais ils peuvent certainement aider en tant qu'éléments de soutien dans votre composition générale !

-----------------------------------------EDIT : J'ai ajouté les informations et quelques échantillons supplémentaires ici. Juste pour compléter la vidéo.