Composition
La composition est simplement une technique pour organiser ou placer l'objet afin de mettre en valeur notre art et d'améliorer la lisibilité.
Il existe de nombreux facteurs pour favoriser une meilleure composition.
Et ici, je veux partager au moins les techniques que j'utilise habituellement.
la composition est une première étape essentielle. Il est recommandé d’utiliser une simple vignette en niveaux de gris. Cela peut vous aider à visualiser et à planifier la composition globale de votre œuvre sans vous perdre dans les détails.
Point focal
Déterminez le sujet que vous souhaitez mettre en valeur ou qui sera votre objectif principal (généralement le personnage principal). Il peut y avoir plusieurs points focaux dans la composition.
Votre point focal doit être facile à comprendre, afin que votre public ne soit pas confus.
Règle de tiers
La règle du tiers est une ligne directrice qui divise la toile ou l'image en deux lignes horizontales et deux lignes verticales, créant neuf sections de taille égale. Ceci est utilisé pour organiser la composition de sujets dans les arts visuels ainsi que dans la photographie et le cinéma ou la cinématographie.
Pour l'utiliser, vous pouvez placer un objet sur la ligne d'intersection ou à l'intérieur de la boîte.
Ligne directrice (flux)
Comme son nom l’indique, une ligne directrice est utilisée pour diriger nos yeux vers le point central d’une œuvre d’art. Les artistes utilisent généralement une ligne, une ligne courbe, une forme triangulaire et plus encore.
Voici quelques exemples:
En utilisant la perspective (perspective à 1 point), mon plan était que je voulais attirer les yeux des gens sur le personnage au milieu.
Vous pouvez créer une perspective dans CSP en utilisant Couche > Règle/Frame > Créer une règle de perspective, puis choisissez la perspective souhaitée.
Profondeur / Distance
En utilisant Profondeur, vous pouvez manipuler et visualiser la Ligne principale vers votre point focal principal ou votre personnage.
Pour créer cette illusion, vous devez connaître les bases. Voici comment :
La profondeur affecte la taille
Plus l'objet est éloigné de la caméra ou des yeux, plus il est petit et vice versa.
ça vous semble familier ? ouais! son point de vue.
Le sujet que vous aimez 😂
Comme indiqué ci-dessous, l'image de droite est plus chaotique que l'image de gauche en raison du manque de mise au point et de variation de taille.
La profondeur affecte la couleur et le contraste
Plus l'objet est proche de la caméra, plus il est sombre et vice versa, plus l'objet est éloigné de la caméra, plus l'objet est clair.
En utilisant la variété de taille et de valeur, vous pouvez indiquer à votre public ce qui est le premier ou le plus important et ce qui est le dernier ou le moins important.
Étude comparative
Le côté gauche est meilleur que l'image de droite, car il présente moins de variation de taille et moins de contraste en valeur, ce qui rend l'image confuse.
Comme vous pouvez le voir, le personnage le plus proche de la caméra apparaît plus grand, tandis que celui qui est le plus éloigné apparaît plus petit, et dans cette pièce, je veux dire à mon public que le personnage ne fonctionne pas en parallèle et que l'œuvre d'art semble donc crédible.
Contraste
le contraste peut également vous aider à utiliser la profondeur. en utilisant différentes valeurs, vous pouvez guider le spectateur et créer l’illusion de différentes profondeurs.
Pensez comme si vous utilisiez la technique Multiplan
Si vous ne savez pas ce qu'est le multiplan, c'est essentiellement une technique de caméra utilisée pour créer une illusion de profondeur en superposant une image sur une autre et elle est utilisée dans de vieux dessins animés comme Disney ou Old CG.
la clé pour faire une bonne illustration est de penser/décider du Premier plan – Milieu – Arrière-plan.
si votre point focal au milieu du plan ressemble à l'image ci-dessus, vous pouvez utiliser l'effet de flou pour le premier plan pour tromper votre public afin qu'il puisse se concentrer davantage sur le personnage.
Jouez avec des tirs et des anges
Avec différents types de prises de vue, les artistes peuvent mettre en valeur différents sentiments dans leurs œuvres afin d'obtenir l'ambiance qu'ils souhaitent transmettre en fonction du thème initial.
Super gros-plan
Utilisé pour afficher tous les détails de l'objet. Utilisez souvent sur les traits du visage comme les yeux et montrez une émotion limitée.
Fermer
Utilisé pour montrer toute l'émotion du personnage, vous pouvez utiliser cette photo si vous souhaitez montrer toute l'expression faciale ou l'émotion de votre personnage.
Gros plan moyen
Identique au gros plan mais avec un plan plus lointain mais pas si éloigné comme moyen et peut montrer le geste de l'épaule, à peu près depuis Chest-up .
Coup moyen
Un plan moyen montré à peu près à partir de la taille et le geste de la main peuvent également aider à souligner l'émotion et l'arrière-plan peut également être plus visible.
Plan moyen large ou Cowboy Shot
Une photo qui peut montrer le moment dur à cuire de votre personnage, car cette photo peut être utilisée pour montrer davantage le geste/la pose et l'arrière-plan peut également être plus utile pour ajouter de l'ambiance.
Ces plans commencent à partir de cuisse vers le haut et si vous abaissez un peu, vous pouvez obtenir un plan moyen large qui commence à partir de genoux levés.
De plein fouet
Affiche les caractéristiques complètes du personnage (Full Body), peut être utilisé si vous créez ou présentez une conception de personnage. Ce type peut être utilisé pour comparer la taille et la hauteur.
L’arrière-plan peut également paraître plus large et ajouter davantage d’éléments à l’ambiance ou au sentiment général de l’illustration.
Il existe également Wide Long Shot qui montrait une zone environnante (arrière-plan) plus large que le plan long.
Angle
Les prises de vue Low et High peuvent être utilisées pour ajouter une sensation plus dynamique à votre œuvre d'art. Cependant, c'est également plus difficile si vous ne comprenez pas les perspectives et les raccourcis tels que la perspective des points 2 et 3. Donc, si vous rencontrez des difficultés, il est préférable de les apprendre d’abord pour ne pas être frustré.
Par contre la prise de vue au niveau des yeux est vraiment conviviale pour les débutants car peu de perspective ou plus neutre.
Donnez de l'espace dans votre art
En donnant de l'espace à votre travail, vous pouvez mettre en valeur votre point focal et vous pouvez également donner de l'émotion et de l'ambiance à votre travail. Et pourquoi ? Dans ce cas, c’est parce que nos yeux sont naturellement amenés à se concentrer en premier sur la ligne de démarcation.
Vous pouvez utiliser la formule 8:2, 7:3 ou 9:1, il existe également la formule 50:50 utilisée pour ajouter une sensation d'équilibre à chaque œuvre .
Vous pouvez jouer avec un format d'image tel que 16:9 (courant utilisé) ou une taille cinématographique de 1,85:1 et 2,39:1. pour donner à votre art un sentiment différent
Vous pouvez jouer avec n’importe quel angle de ligne de démarcation, pas seulement avec la ligne horizontale.
Comment étudier et mieux s'améliorer
eh bien, c'est en fait que vous savez déjà ou avez entendu auparavant, c'est Apprendre des autres, c'est-à-dire utiliser une référence.
vous pouvez regarder un film puis essayer de recréer la composition que vous aimez, essayez d'abord une composition simple, ou trouvez l'artiste que vous aimez puis 1O1 étudiez avec.
Ou vous pouvez également utiliser le site Web appelé :
Ce site Web vous propose des captures d'écran de différentes scènes du film.
Et si l’on y prête bien attention, les fondamentaux dont nous avons parlé plus tôt se retrouvent réellement dans les scènes du film.
La meilleure pratique est la suivante : Étudier est important, mais il est également crucial d’utiliser vos études (connaissances) en pratique ».
J'espère que cela aidera votre art à mieux s'améliorer, n'arrêtez pas d'apprendre !!.
Bonne journée~.
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