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이 영상은 본 기사에서 설명하는 내용을 아주 빠르게 요약해 줍니다. 이 영상은 더 재미있게 만들어졌지만, 본 기사는 (바라건대) 더 유익할 것입니다.

서론

안녕하세요, Linco입니다. 저의 첫 번째 클립 스튜디오 페인트 튜토리얼을 시작합니다. 오늘은 꽃을 그리는 몇 가지 기법을 배워볼 것입니다.

 

꽃과 식물은 방대한 수의 반복적인 패턴과 복잡한 형태에 쉽게 빠져들기 때문에 그리기가 매우 어려운 주제가 될 수 있습니다. 걱정하지 마세요! 무엇이든 그릴 때, 특히 식물과 꽃을 그릴 때 길을 잃거나 어디로 가야 할지 모르는 것은 매우 흔한 일입니다. 이 튜토리얼에서는 꽃과 식물을 그리는 방법을 연구하는 방법, 많은 꽃과 식물의 구조에 대한 유용한 지식, 그리고 디지털로 꽃과 식물을 그리는 데 도움이 되는 클립 스튜디오 페인트의 몇 가지 팁을 제시할 것입니다.

 

시작해 봅시다!

식물 연구를 통해 얻은 교훈 요약

이 TIPS 튜토리얼에서는 식물과 꽃을 그리는 방법에 대해 더 배우기 위해 제가 수행한 세 가지 연구를 살펴봅니다. 각 연구는 새로운 정보를 얻었으며, 여기에서는 꽃을 그리고 채색하는 데 적용할 수 있는 팁의 형태로 제가 배운 내용을 요약할 것입니다. 관심 있는 분들을 위해 각 연구가 제 작업에 어떻게 영향을 미쳤는지 더 자세히 읽어보세요.

 

1. 많은 꽃과 식물은 섬세합니다. 이러한 꽃을 그리거나 채색하려면 S자와 C자 곡선을 활용하세요.

 

2. 꽃과 식물을 그리는 것은 주로 그러데이션에 관한 것입니다. 많은 꽃은 안쪽에서 꽃잎 가장자리로 갈수록 색상이 변합니다. 잎조차도 미묘한 그러데이션을 가지고 있으며, 식물의 다른 부분(보통 아래쪽)은 더 오래되어 보이고 다른, 일반적으로 노란색을 띠는 경우가 있습니다.

 

3. 마지막 요점과 관련하여, 많은 꽃은 빛을 '잡아내는' 반투명한 꽃잎을 가지고 있어 거의 흰색의 가장자리를 만듭니다. 그러데이션은 일반적으로 중앙의 어두운 값에서 가장자리 근처의 밝은 값으로 이루어집니다.

 

4. 일반적으로 밝고 생생한 꽃과 대비되는 어두운 녹색 잎을 배경으로 사용하면 꽃이 돋보입니다! 꼭 잎일 필요는 없지만, 매우 자연스러운 배경 선택입니다.

 

5. 식물과 꽃의 모양뿐만 아니라, 음영 공간, 식물 사이의 간격, 꽃잎 사이의 간격, 나뭇가지 사이의 간격에도 주의를 기울이세요. 이러한 음영 공간에 집중하면 그림의 디자인이 더욱 사실적으로 보이고, 그림을 그리고 채색하는 것이 훨씬 쉬워질 수 있습니다.

 

여러분도 식물과 꽃, 또는 관심 있는 어떤 주제든 스스로 연구해 보시길 권합니다. 대상을 관찰하고 모든 것을 배우는 것을 목표로 삼으세요. 수채화 같은 전통적인 도구를 사용하거나, 태블릿이나 아이패드에 클립 스튜디오 페인트 앱을 사용하여 휴대하며 작업할 수도 있습니다.

 

제 식물과 꽃 연구를 보고 싶으시다면 계속 읽어주세요! 그렇지 않다면, 이 팁들이 실제로 어떻게 적용되는지 보려면 '그림 예시 (모란)' 섹션을 참고하세요.

 

식물과 꽃 연구하기

어떤 사람들이 식물과 꽃 그리기에 낙담하는 한 가지 잠재적인 이유는 처음부터 매우 어려운 대상을 선택하기 때문입니다. 예를 들어, 숲의 세부 사항을 연구하는 것은 극도로 어렵습니다. 다른 종류의 나무들이 겹치고, 가지들이 교차하며, 복잡한 형태의 불협화음이 많은 사람들을 좌절하게 만들고, 무작위적인 획을 그리거나, 지름길 기술을 사용하여 하루를 마감하게 만들 것입니다.

 

오해하지 마세요! 저는 그림을 그릴 때 지름길과 단순화가 매우 유용하다고 생각합니다. 하지만 저에게 있어 대상을 연구할 때의 목표는 그것에 대해 배우는 것입니다. 저는 꽃과 식물의 모양과 값 배열에 대해 배우는 것을 목표로 삼았고, 이것들은 연구하는 동안 제가 매우 주의 깊게 관찰할 수 있는 것들이며, 제가 더 나은, 더 의도적인 예술가가 되는 데 도움이 될 것이라고 믿습니다.

 

식물과 꽃의 형태를 연구하고 싶다면 훨씬 더 간단한 것부터 시작하세요. 그러면 많은 것을 배울 수 있을 것입니다! 제가 몇 가지 연구에서 배운 것들을 여러분과 공유하겠습니다.

이것은 제가 식물원에서 본 재미있게 생긴 큰 잎 식물을 빠르게 연구한 것입니다. 클립 스튜디오 페인트의 기본 검정색 '라이터 연필' 도구와 기본 '떡 지우개' 도구로 작업했습니다.

 

저는 이 식물이 어떤 종류의 우스꽝스러운 느낌을 주었는지 생각해 보았습니다. A 지점의 주 잎의 윤곽을 보면, 많은 S자와 C자 곡선이 연결되어 매우 '흔들리는 듯한' 윤곽을 형성하고 있습니다. 이것이 제가 식물을 표현하는 방식에 도움이 되었다고 생각하며, 더 작은 잎인 C 지점에서도 마찬가지입니다.

 

B 지점의 음영은 잎의 윤곽선만이 흔들리는 것이 아니라, 잎의 그림자 부분도 있어 잎이 보는 사람을 향해 또는 멀어지는 방향으로 흔들리고 있다는 효과를 주려고 사용되었습니다.

 

이 연구에서 제가 배운 또 다른 점은 식물과 꽃을 묘사하는 데 S자와 C자 곡선이 자주 사용되며, 직선은 매우 드물게 사용된다는 것입니다. S자와 C자 곡선은 섬세함을 느끼게 합니다. 이는 D 지점의 줄기에서도 분명하게 나타나는데, 실제로는 줄기가 더 곧지만, 저는 위쪽 잎에 더 많은 무게감이나 탄력을 주기 위해 곡선을 과장했습니다.

 

따라서, 연약하고 섬세하며 일시적인 느낌의 꽃과 식물을 그리고 싶다면 많은 S자와 C자 곡선을 사용하는 것이 좋습니다. 반면에 거친 나무껍질을 묘사하고 싶다면, 들쭉날쭉한 직선을 활용하는 것이 완벽한 시기일 것입니다.

이 두 번째 연구는 지역 식물원에서 땅에서 돋아나는 작은 꽃 무리에 대한 것이며, 역시 클립 스튜디오 페인트의 '라이터 연필'과 '떡 지우개' 도구로 작업했습니다.

 

이 꽃들은 많은 겹침으로 인해 피라미드 같은 구조를 만들었기 때문에 저의 흥미를 끌었습니다. A 지점은 이러한 구조 중 하나가 가장 높은 부분을 나타냅니다. 이것을 연구할 때 매우 분명했던 것은 많은 꽃의 경우 꽃의 중앙이 바깥쪽으로 갈수록 다른 색상으로 그러데이션 된다는 것입니다. 저는 이 연구를 색상으로 하지 않았지만, 이 특정 꽃의 경우 중앙은 밝은 분홍색 가장자리와 비교했을 때 더 깊고 어두운 마젠타색이었습니다. 많은 꽃은 반투명한 꽃잎 가장자리로 '빛을 잡아' 외부를 더 밝게 만듭니다. 라이터 연필 도구의 크기를 늘려, 저는 A 지점과 다른 꽃들의 중앙에 단순히 점을 찍어 이러한 그러데이션을 보여주었습니다.

 

B 지점은 위쪽 층의 꽃잎에서 아래쪽 층으로 드리워진 그림자를 보여줍니다. 이것은 이 꽃 무리의 형태를 정의하는 데 도움이 되었는데, 실제로는 꽃잎이 일부 빛을 투과했기 때문인지 너무 어둡게 보이지는 않았습니다. 마지막으로, C 지점은 잎을 보여주는데, 저는 일반적으로 밝은 꽃들이 짙은 녹색 잎과 다른 나뭇잎과 대비될 때 꽃들이 정말 돋보인다는 것을 알게 되었습니다.

이 마지막 연구는 더 복잡한 형태의 꽃, 식물, 나무를 연구하는 방법을 보여줍니다. 좋은 아이디어는 대상의 깊이를 잊고 대신 형태에 집중하여 대상을 실루엣으로 그리는 것입니다. 채워진 실루엣만으로 대상이 여전히 인식 가능한지 여부를 확인하여 연구를 평가할 수 있습니다... 제 연구에서는 그렇게 인식 가능하다고 생각하지 않습니다.

 

실루엣을 만들 때는 채워진 부분뿐만 아니라 비워진 부분도 살펴보는 것이 중요합니다. 이는 식물과 꽃 그리기에 엄청난 도움이 되어 자신감 있고 의도적으로 디자인된 형태를 얻을 수 있습니다. B 지점에서는 두 가지 사이의 간격을 살펴보았고, 대신 '단단한 지우개' 도구로 제 형태를 그렸습니다.

 

이것은 클립 스튜디오 페인트의 'G-펜'과 '채우기 버킷' 도구로 작업했습니다. 저는 녹색 나무들에 둘러싸인 주황색 잎사귀 나무의 실루엣을 그리려고 했고, 그 나무는 눈에 띄었습니다. 위의 다른 두 연구를 더 선호하지만, A 지점과 같이 나무가 가지를 뻗어나갈수록 두께가 서서히 줄어드는 가지를 포착한 방식은 마음에 듭니다. 이 연구의 가지들은 잘했다고 생각하고, 잎사귀 묶음은 덜 그렇습니다. 하지만 이 연구를 통해 무언가를 배웠으므로 성공이라고 생각합니다!

 

그림 예시 (모란)

저는 꽃의 실루엣으로 그림을 시작합니다. 실루엣은 그림에 많은 특징을 부여하고, 식물이나 꽃의 형태를 정의하기 때문에 중요합니다. 예를 들어, 가시가 있는 식물인지, 더 둥근 꽃잎을 가졌는지, 삼각형 꽃잎을 가졌는지? 이러한 것들은 실루엣만으로도 쉽게 식별할 수 있습니다. 모란의 경우, 이 실루엣은 둥근 꽃잎을 가지고 있으며, 일부는 드레스 천처럼 떠다닙니다.

 

아래 이미지에서 실루엣이 매우 거칠었다는 것을 알 수 있습니다!

어두운 녹색으로 꽃의 실루엣을 만들면, 이 밝은 분홍색 꽃을 채색하기 시작할 때 대비를 제공하여 꽃이 '돋보이게' 될 것입니다.

 

사용된 재료가 궁금하시다면, 저는 윤곽선에 비교적 진한 어두운 빨간색으로 설정된 G-펜과 클립 스튜디오 페인트에서 제공하는 '유화 플랫 브러시'를 사용했습니다.

시작하기 전에, 제 레이어 구조가 궁금하시다면 여기 있습니다. 엄격하게 따를 필요는 없지만, 저에게는 편리했습니다.

 

 

A: 모란의 실루엣으로 시작했는데, 이것이 제 첫 번째 레이어였습니다.

 

B: 이 두 레이어는 꽃을 채색하는 곳입니다. 아래 레이어는 단순히 흰색 바탕이고, '페인트 통' 도구로 실루엣을 흰색으로 채웠습니다. 그 위에 있는 레이어는 흰색 바탕 레이어에 클리핑되어 있어, 의도적으로 디자인된 실루엣을 실수로 망치지 않도록 합니다. 다음 이미지는 이 단계를 보여줍니다.

 

C: 마지막으로, 이것은 제 배경 레이어인데, 나중에 잎을 채색할 것을 상기시키기 위해 녹색 윤곽선을 그렸습니다.

 

자신에게 가장 적합한 설정을 사용하세요. 어떤 사람들은 많은 레이어를 선호하고, 어떤 사람들은 한 개만 선호합니다! 저의 유일한 권장 사항은 각 꽃잎에 대해 레이어를 만들지 않는 것입니다. 결국에는 마지막 손질을 위해 모든 레이어를 합쳤습니다.

여기에 클리핑 마스크 레이어를 설정하는 몇 가지 기본 지침이 있습니다.

 

먼저 A 작업을 수행하고, '다른 레이어 참조'를 사용하여 채우기 통 도구로 다른 레이어에 실루엣을 채웁니다. 가시성을 위해 분홍색으로 채색했지만, 이 레이어는 실제로는 흰색으로 채워져 있었습니다.

 

또 다른 방법은 실루엣 레이어에 마술봉 도구를 사용하고, 선택 영역을 반전시킨 다음 새 레이어에 채우는 것입니다.

 

기본 색상으로 채워진 레이어가 생기면, 파란색으로 B 작업을 수행합니다. 위에 레이어를 만들고, '아래 레이어에 클리핑'이라고 쓰인 아이콘을 클릭합니다. 이 파란색 레이어에 그릴 때마다, 아래 채워진 레이어와 겹칠 때만 보일 것입니다!

이제 그림을 그릴 준비가 되었습니다!

더 사실적인 꽃을 만들기 위해서는 꽃잎의 형태를 만들고 그림에 깊이를 주기 위해 색상 그러데이션을 신중하게 배치해야 합니다. 연구 섹션에서 기억하듯이, 많은 꽃은 꽃잎에서 빛을 받아들이기 때문에 중앙에서 바깥쪽으로 어둡게에서 밝게 그러데이션 됩니다. 모란의 경우, 가장 채도가 높은 깊은 차가운 빨간색은 꽃잎의 틈새에 있으며, 이는 밝은 분홍색과 흰색으로 아름답게 전환됩니다. 클립 스튜디오 페인트의 디지털 도구를 사용하여, 식물 꽃잎의 색상 그러데이션에 도움이 되는 몇 가지 방법을 보여드리겠습니다. 이 그림에서는 모든 방법을 조합하여 사용했습니다. 자유롭게 각 방법을 시도해보고 자신에게 가장 매력적인 방법을 사용해 보세요.

 

기법 1: 그러데이션 브러시 기법

전통 회화에서 이러한 그러데이션을 만드는 좋은 방법 중 하나는 평붓에 불완전하게 색을 혼합하는 것입니다. 브러시 한쪽 끝에는 한 가지 색을, 다른 쪽 끝에는 다른 색을 로드합니다.

 

아래 GIF에서 저는 수채화로 이것을 시연합니다.

클립 스튜디오 페인트에서 여러분이 좋아하는 브러시를 이 전통적인 기법을 모방한 것으로 바꾸는 방법을 보여드리겠습니다!

 

좋아하는 브러시 중 하나를 선택하고 도구를 마우스 오른쪽 버튼으로 클릭하여 복제합니다.

 

저는 클립 스튜디오 페인트에 내장된 '유화 플랫 브러시'를 복제하고 '유화 플랫 브러시 (불완전)'로 이름을 변경했습니다.

 

보조 도구 설정으로 들어가서 '시작 및 끝' 탭으로 이동합니다.

1. 시작 및 끝: '보조 색상과 혼합'으로 변경합니다.

2. 지정 방법: '비율로'로 변경합니다.

3. 체크박스 시작: 100.0으로 변경합니다.

4. 체크박스 속도에 따른 시작 및 끝을 선택 해제합니다.

 

마지막으로, '잉크' 탭으로 이동합니다.

1. 보조 색상과 혼합: 슬라이더를 100.0으로 변경합니다.

 

이제 브러시를 사용하면, 기본 선택 색상으로 시작하고 각 스트로크의 끝 부분은 보조 색상으로 그러데이션될 것입니다. 제 그림에서는 채도가 높은 차가운 빨간색과 밝은 분홍색으로 몇 개의 꽃잎을 정의하기 위해 이러한 스트로크를 몇 번 사용했습니다.

 

아래는 새로 만든 브러시가 이제 만들어야 할 브러시 스트로크의 종류를 보여주는 GIF입니다!

(맨 마지막에는 '투명 수채화' 도구를 사용하여 일부 가장자리를 블렌딩하기도 합니다)

기법 2: 클립 스튜디오 페인트 소재 활용 (수채화 브러시)

클립 스튜디오 페인트의 일부 브러시는 실제 수채화 브러시의 특성을 재현하도록 설계되었습니다. 이 브러시들은 꽃을 그리는 데 유용하며, 기존 스트로크 위에 추가 스트로크를 더함으로써 영역이 더 어둡고 채도가 높아집니다. 다음은 커뮤니티 사용자들이 만든 클립 스튜디오 페인트 소재에서 찾은, 제가 이 그림에 사용한 브러시 링크입니다.

 

이 브러시는 모란꽃 한가운데에 아주 깊은 차가운 빨간색을 추가하는 데 특히 유용했습니다. 붓놀림 위에 붓놀림을 추가함으로써 흥미로운 가장자리가 만들어졌고, 색상이 흐트러지지 않고 '튀어나왔습니다'. 이는 제가 개인적으로 빠지기 쉬운 나쁜 습관이기도 합니다.

 

한번 시도해보세요! 이 브러시가 마음에 들지 않는다면, 클립 스튜디오 페인트의 소재 페이지에는 다른 흥미로운 브러시들도 많이 있으니 시간을 들여 탐색하고 실험해 볼 가치가 있습니다!

기법 3: 블렌드/에어브러시 또는 기타 혼합 브러시 사용하기

회화에서 그러데이션을 만드는 가장 잘 알려진 방법은 아마도 에어브러시나 블렌드 도구를 사용하는 것일 겁니다. 이것은 딱딱한 가장자리를 부드럽게 만들어줍니다. 클립 스튜디오 페인트에 포함된 '투명 수채화' 브러시도 이를 위한 좋은 도구입니다. 많은 독자들이 이미 이것에 익숙할 수 있습니다. 단순히 가까운 가장자리에서 색상 선택 도구를 사용하고 에어브러시 또는 블렌드 도구로 딱딱한 가장자리를 부드럽게 하여 색상 그러데이션을 만듭니다.

 

참고: 에어브러시를 과도하게 사용하면 그림이 독특하고 흐릿한 느낌을 줄 수 있으니 주의하세요.

과정 분석

우리가 만든 실루엣을 바탕으로, 저는 단순히 즐겁게 채색을 시작하며 위에서 언급된 기법들을 사용했습니다. 여기서 중요한 것은 이전에 언급했듯이 한 번에 한 꽃잎에 너무 집중하지 않는 것입니다. 대신, 두 꽃의 중앙에서 볼 수 있듯이 일부 틈새를 정의하기 위해 채도가 높은 깊은 차가운 빨간색을 추가하는 작업을 했습니다.

 

1. 이 꽃들의 중앙에 가장 많은 색이 있으므로, 거기서부터 시작했습니다.

2. 틈새와 꽃잎에 대한 몇 가지 단단한 가장자리를 정의하기 시작했습니다. 아직 아무것도 확정된 것은 없으며 이제 막 시작하는 단계이므로, 이 형태들이 계속해서 변하는 것을 볼 수 있을 것입니다.

 

저를 포함한 어떤 사람들에게는 페이지에 흰색만 있는 것, 즉 수많은 가능성을 가진 흰색 캔버스가 위협적일 수 있다고 생각합니다. 저는 가능한 한 빨리 색을 채워 넣고 그림의 흐름에 들어가려고 노력합니다. 그러니 용기를 내어 붓놀림을 시작하고, 언제든지 돌아와서 원하는 대로 바꿀 수 있는 블록-인 단계에 있다는 마음가짐을 가지세요.

 

 

저는 한 번에 한 꽃씩 작업했는데, 불행히도 왼쪽에 피어있는 모란을 작업할 때의 모든 영상 자료를 잃어버렸습니다. 하지만 모든 꽃에 같은 방식으로 접근했으니, 오른쪽 상단의 한창 피어나는 모란을 어떻게 그렸는지 살펴보겠습니다.

 

이 이미지를 이전 이미지와 비교하면, 저는 이미 이 모란을 바꾸어 이전 작업을 덮었습니다. 생성된 '유화 플랫 브러시 (불완전)'를 사용하여 몇몇 꽃잎을 정의했습니다 (기법 #1). 주 색상은 채도가 높은 차가운 빨간색으로, 보조 색상은 매우 밝은 분홍색으로 설정했습니다. 이 브러시로 시작하는 것을 정말 좋아하는데, 한 번의 붓놀림으로 그러데이션을 매우 빠르게 볼 수 있도록 도와주기 때문입니다.

이 오른쪽 상단 모란을 그리는 과정에서 몇 가지 중요한 순간들을 소개합니다.

 

1. 초벌 채색 후, 꽃의 중앙에 깊은 차가운 빨간색 영역을 정의했습니다. 저는 명암 구조를 살펴보는 것을 기억했습니다. 연구에서 많은 꽃이 중앙의 어두운 값에서 가장자리 근처의 밝은 값으로 그러데이션 된다는 것을 기억하세요. 모란의 경우, 가장 채도가 높은 색상은 꽃의 틈새에도 존재하며, 꽃 중앙 근처에는 빛이 닿지 않는 훨씬 깊은 틈새가 있습니다.

 

2. 여기 시작 부분에 또 다른 중요한 단계가 있습니다. 그려지기 시작하는 흰색 윤곽선에 주목하세요. 이것들은 거의 흰색으로 설정된 'G-펜' 도구로 작업했습니다. 우리는 그러데이션 방법에 대해 많이 이야기했지만, 꽃 또한 단단한 가장자리를 가지고 있습니다! 저는 'G-펜' 도구로 가장 단단한 가장자리들을 정의했습니다. 꽃잎이 빛을 받아들이기 때문에 흰색으로 채색되었는데, 이것은 연구 섹션에서 우리가 배운 꽃의 또 다른 측면입니다.

 

3. 틈새에 더 채도가 높고 어두운 빨간색을 추가하기 시작했습니다. 저는 이 꽃의 명암 범위를 지속적으로 넓혔습니다.

 

이전 단계에서 꽃잎의 흰색 가장자리를 정의한 후, 바로 옆에 단단한 빨간색 가장자리도 정의했다는 점에 유의하세요. 이것은 꽃잎에 깊이감을 주기 위한 것으로, 꽃잎이 끝나는 바로 다음에는 틈새가 있어야 합니다. 아래 이미지에서 A 지점에서 이 점을 지적합니다. 나란히 있는 두 순간 사이의 이 지점을 비교해 보세요.

 

 

4-7. 이 단계들은 다듬는 단계이며, 다양한 시간이 걸릴 수 있습니다. 저는 꽃을 천천히 작업하며, 이제 기본적인 구조가 갖춰졌으므로 더 복잡한 디테일을 만들기 위해 제 기법들을 반복합니다. 저는 깊은 차가운 빨간색의 틈새를 계속 추가하고 이 형태들을 다듬습니다. 'G-펜'의 흰색 선으로 새로운 꽃잎들을 계속 정의하고, 기법 (1-3)을 주로 3번을 사용하여 이 꽃잎들을 가장자리 근처에서 어두운 값에서 밝은 값으로 그러데이션합니다.

 

순간 4와 7을 비교하면 꽃잎을 정의하는 이 그러데이션 과정의 가장 명확한 예시를 볼 수 있을 것입니다. 아래 이미지에서 A와 B 지점을 비교하면 다양한 붓놀림을 사용하여 이 꽃잎들이 어떻게 그러데이션 되었는지 보여줍니다.

 

 

이제 중간 개화 모란이 완성되었습니다!

 

왼쪽의 완전히 피어난 모란과 오른쪽 하단의 막 피기 시작하는 모란에도 동일한 기법과 단계를 다시 적용했습니다.

조정 및 레이어 마스킹 기법

제가 그림을 그릴 때 흔히 겪는 경향은 명도와 색상이 무디게 느껴진다는 것입니다. 이것은 전통적인 매체에서도 자연스럽게 발생합니다. 예를 들어, 수채화의 경우 안료가 마르면서 색상이 바래져 다시 덧칠해야 합니다.

 

꽃을 채색한 후, 저는 클립 스튜디오 페인트의 '톤 보정' 및 '레이어 마스크' 기법을 활용하여 대비를 높이고 꽃 그림을 완성했습니다.

 

아래는 A와 B를 번갈아 보여주는데, 톤 보정 및 레이어 마스크 기법을 통해 무엇을 이룰 수 있는지 그 차이가 매우 분명합니다! 이제 방법을 배워봅시다.

시작하려면 그림이 있는 레이어를 복제합니다.

 

1. 레이어를 마우스 오른쪽 버튼으로 클릭하고 '복제'를 선택합니다.

새로 복제된 레이어에 있는지 확인하고 메뉴 바로 이동합니다.

 

2. '편집' -> '톤 보정(D)' -> '밝기/대비'로 이동합니다.

 

3. 필요에 따라 슬라이더를 조정합니다. 제 경우, 색상이 흐릿하고 꽃 전체가 너무 밝다고 생각했기 때문에 밝기를 줄이고 대비를 높였습니다. '미리 보기' 상자를 체크하고 해제하여 차이점을 확인합니다.

 

4. '확인'을 클릭하여 변경 사항을 적용합니다.

종종 톤 보정에서 오는 전체적인 조정은 밝기/채도 또는 다른 어떤 필터든 마음에 드는 부분이 있을 수 있지만, 일부 영역은 과도하게 처리될 수 있습니다.

 

이 '밝기/대비' 조정으로 얻은 결과 이미지는 아래와 같습니다. 저는 변경 사항의 특정 측면이 마음에 들었지만, 다른 영역은 과도하게 처리되었다고 느꼈습니다.

톤 보정은 제가 원했던 대비를 성공적으로 끌어냈지만, A 지점과 같은 영역은 과도했습니다. 여기서는 피처럼 붉고 좀 무섭게 보입니다!

 

또한, 꽃 가장자리 근처에 너무 많은 대비가 있어 전체 그림이 부자연스러워 보입니다. 가장자리 근처에서는 톤 보정 전의 제 원래 그림을 선호합니다. 어떻게 하면 두 가지 장점을 모두 유지할 수 있을까요?

 

레이어 마스크는 필터/톤 보정의 효과를 완화하는 데 사용할 수 있습니다.

 

레이어 마스크를 만들려면:

 

1. 톤 보정이 적용된 레이어를 선택합니다. '레이어 마스크 만들기'를 클릭합니다.

 

2. 특정 영역에서 원래 그림을 되돌리려면, 레이어 마스크 위에 그림을 그리고 있는지 확인합니다.

 

3. 저는 '소프트 지우개' 도구를 사용하여 톤 보정 영역을 지우고 원래 그림을 드러냈습니다. 하지만 어떤 지우개나 검정색으로 설정된 브러시로도 영역을 지울 수 있습니다. 흰색으로 설정된 어떤 브러시로든 톤 보정을 다시 칠할 수 있습니다. 자신에게 가장 적합한 것을 자유롭게 실험해 보세요!

 

4. 썸네일을 확인하여 실제 레이어가 아닌 레이어 마스크에 변경 사항을 적용하고 있는지 확인합니다. 기억하세요, 검정색은 아래에 있는 원래 그림을 드러내는 영역을 표시합니다.

톤 보정을 완화한 후, 꽃 채색이 이제 완료되었습니다! 배경으로 넘어가기 전에, 여기서 잠시 쉬면서 채색된 세 꽃의 몇 가지 차이점을 분석해 보겠습니다.

다음은 몇 가지 중요한 영역을 강조하는 라벨이 붙은 다이어그램입니다.

 

1. 오른쪽 상단의 모란은 완전히 피어나는 과정에 있습니다.

B 지점에서 깊은 빨간색이 얇은 선 형태로 나타나는 방식에 주목하세요. 이는 꽃잎의 구조와 이 꽃의 방향을 나타내는 데 도움이 됩니다. 여기 꽃잎들은 오른쪽을 향하고 있는데, 아마도 왼쪽에 있는 크게 피어난 모란 때문에 밀려난 것일 수 있습니다. 이를 A 지점과 같이 이 모란의 중심에 더 가까운 부분과 비교해 보세요. 채도가 높은 차가운 빨간색의 흔적이 더 밀집되어 있고 더 커져 있습니다.

 

2. 오른쪽 하단 꽃은 막 피기 시작하는 모란을 보여줍니다. 여기서 저는 에어브러시 기법을 사용하여 C 지점에서 꽃의 하단에 매우 부드러운 그러데이션을 만들었습니다. 거의 흰색의 'G-펜' 도구로 몇몇 단단한 가장자리를 정의했는데, 빛의 출처가 위에서 오기 때문에 이 모란의 아래쪽 영역은 위쪽 영역보다 훨씬 어둡습니다. 이 모란에 생명력을 불어넣는 것은 C 지점의 두 꽃잎이라고 생각합니다. 서로 충분히 떨어져 있어 숨 쉴 공간을 주고, 이 두 개별 꽃잎은 제 생각에 오른쪽 하단 꽃을 한데 모으고 보는 사람이 이미지를 이해하는 데 도움을 줍니다. 특히, 다른 흰색 선들이 이 모란의 닫힌 꽃잎의 가장자리를 나타낸다는 것을 보여주는 데 도움이 됩니다.

 

3. 완전히 피어난 모란은 확실히 가장 어려웠습니다.

꽃잎 층이 크고 복잡했습니다. D 지점에서 '투명 수채화' 도구를 사용하여 분홍색과 빨간색 사이의 전환을 블렌딩하여 이 꽃잎들을 정의했다는 점에 유의하세요 (기법 #3). 상대적으로, E 지점의 중심 근처에는 틈새와 꽃잎의 가장자리를 가진 많은 단단한 가장자리가 존재하는데, 저는 여기에서 수많은 수채화 브러시를 반복적으로 사용하여 가장자리를 어둡게 하고 매우 채도가 높은 깊은 차가운 빨간색을 얻었습니다 (기법 #2).

배경/잎사귀

배경 없이 꽃만 그릴지 여부는 예술가에게 달려 있습니다. 순수한 흰색 배경이나 단색 배경이 때로는 더 선호될 수 있습니다.

 

이 섹션에서는 모란과 어울리도록 잎사귀 배경을 어떻게 추가했는지 보여드리겠습니다. 배경을 추가하기로 결정한 것은 제 연구에서 배운 아이디어를 기억하기 때문입니다 – 잎사귀나 foliage를 배경으로 사용하면 생생한 꽃들이 정말 돋보입니다!

 

핵심은 대부분의 경우 꽃이 여전히 이미지의 초점이 되어야 한다는 것입니다. 그래서 꽃을 돋보이게 하면서도 미묘한 배경을 추가하는 것이 제 목표였습니다.

 

배경 그리기를 시작하기 위해, 저는 이미 모란을 실루엣으로 보여주던 녹색 윤곽선을 사용했습니다. 여기에서 바깥쪽으로 확장하여, 일부 잎의 어두운 면을 나타내기 위해 가늘어지는 붓놀림으로 채색했습니다.

 

저는 모란 주변 영역을 꽃잎의 흰색 가장자리와 대비되도록 더 어두운 색으로 유지하고 싶었습니다. 이것은 페이지의 흰색을 없애고 나중에 세부 사항을 다듬고 싶었기 때문에 매우 빠르게 작업했습니다.

배경 채우기는 빠르고 큰 붓놀림으로 이루어졌습니다. 초기 단계(순간 1-4)에서 붓놀림이 얼마나 큰지 살펴보세요.

 

저는 캔버스 가장자리까지 빠르게 채웠고, 그림 3과 4에서 왼쪽 가장자리 A 지점과 B 지점에 주목하세요. 빛이 잎에도 닿을 것이므로 A 지점 옆과 같이 더 밝은 녹색-노란색을 넣고 싶었습니다. 하지만 저는 캔버스 가장자리를 더 어둡게 유지하여 보는 사람의 시선을 그림의 중앙으로 향하게 하고 싶었습니다. 그래서 순간 4에서 A와 B 지점을 더 어두운 녹색으로 칠했습니다.

제 처음 아이디어는 캔버스 전체를 채색하고 잎사귀와 어두운 foliage로 채우는 것이었습니다. 그러나 '순간 4' 이후 중간에 마음을 바꿨습니다.

 

과정이 늦었더라도 그림을 그리면서 마음을 바꾸고 실험하는 것은 괜찮습니다! 저의 경우, 완전히 채워진 배경이라는 아이디어가 흥미롭게 만들 수 없을 것 같아서 마음에 들지 않았습니다. 대신, 다양한 흰색 브러시와 '떡 지우개' 도구로 지우기 시작했습니다.

수많은 실험 끝에, 저는 꽃의 오른쪽을 튀어나온 일부 잎사귀로 실루엣 처리하기로 결정했습니다. 이들은 A 지점에서 보여지며, 순간 7과 8 사이에 다듬어졌습니다.

 

또한 순간 8의 B 지점에 작은 가지를 추가했습니다. 빛이 위에서 온다는 점을 염두에 두고, 밝은 면과 그림자 면을 보여주기 위해 갈색 빨간색과 매우 어두운 빨간색을 사용했습니다.

 

마지막으로, 이 단계에서야 추상적인 녹색 배경을 일부 잎사귀 형태로 다듬기 시작했습니다. C 지점에서 잎사귀를 그리기 시작했으며, 순간 7과 순간 8을 비교하면 그 형태가 잡혀가는 것을 볼 수 있습니다.

배경에 개별 잎사귀를 바로 정의하려고 하면 압도당하고, 좌절하고, 길을 잃는 경우가 흔합니다. 저에게도 분명히 일어나는 일입니다.

마침내 완성된 배경입니다. 왼쪽의 잎사귀들은 수채화 브러시(기법 #2)를 사용하여 일부 선으로 다듬어져 각 잎사귀의 패턴을 나타냈습니다. 오른쪽의 실루엣도 다듬어졌고, 다시 한 번 아래쪽과 왼쪽 가장자리는 꽃에 초점을 맞추기 위해 어둡게 처리되었습니다.

 

몇몇 잎사귀를 정의하면, 보는 사람은 덜 다듬어진 붓놀림으로 나머지를 채울 수 있습니다. 잎사귀는 그림의 중심 초점이 아니라는 것을 기억하세요(적어도 이 그림에서는). 그림의 초점을 이해함으로써 어떤 것을 단순화할지 의도적으로 선택할 수 있습니다.

여기서 멈춰도 괜찮았을 것이고, 돌이켜보면 아마 그랬을 것입니다! 하지만 작업 과정에서 녹색 잎들이 저에게는 어울리지 않았고, 배경에 매우 실망하고 있었습니다...

빠른 새로운 모습 만들기 - 톤 커브, 마무리 작업, 레이어 마스크 (다시)

종종 그림을 그리는 도중이나 때로는 거의 끝날 무렵, 오랫동안 같은 이미지를 보고 있었기 때문에 영감이 고갈될 수 있습니다. 새로운 가능성을 보고 잠재적인 영감을 얻기 위해 그림에 신선한 시각을 주는 것이 유용할 때가 많습니다.

 

이 그림의 거의 끝에서 저는 이런 느낌을 받았습니다. 배경의 녹색 잎사귀가 특히 마음에 들지 않아, 영감을 얻기 위해 톤 커브를 사용했습니다.

 

'톤 커브'는 모란 꽃을 그릴 때 설명되었던 '밝기/대비' 기능과 마찬가지로 또 다른 '톤 보정(D)' 옵션입니다. 톤 커브는 대신 선택한 레이어의 색상을 조정하여 빨간색, 파란색, 녹색의 표현량을 변경할 수 있습니다.

 

'톤 커브'를 적용하는 과정은 '밝기/채도' 보정을 적용하는 것과 매우 유사합니다! 제 문제가 배경에 있었고, 배경을 별도의 레이어에 작업했기 때문에 배경 레이어를 복제하고 메뉴로 이동하는 것으로 시작했습니다.

 

1. 톤 커브를 적용할 레이어를 복제합니다.

2. '편집' -> '톤 보정(D)' -> '톤 커브...'로 이동합니다.

 

3. 톤 커브 대화 상자가 나타나면 톤 레벨을 조정하고 '미리 보기'를 체크하여 변경 사항을 추적합니다.

4. '확인'을 눌러 톤 커브를 적용합니다.

A 지점: 톤 커브 창의 이 드롭다운 메뉴를 통해 빨간색, 파란색, 녹색 커브를 전환할 수 있습니다.

 

B 지점: 그래프를 클릭하여 새로운 지점을 만듭니다. 생성된 지점을 이동하여 커브를 변경하면, 가로축의 입력 레벨이 세로축의 출력 레벨로 매핑됩니다.

여기 톤 커브의 결과가 있습니다. '밝기/대비' 톤 보정과 마찬가지로, 왼쪽 상단 잎사귀의 마젠타 색상 힌트, 배경 색상 변화 등 정말 마음에 드는 부분이 있었지만, 과도하게 처리된 영역도 있었습니다. 이 영역들은 레이어 마스크를 사용하여 부드럽게 만들고 지워냈습니다. 레이어 마스크 사용법에 대한 복습은 '조정 및 레이어 마스킹 기법'을 참조하세요.

 

이것은 제가 배경에 만족하게 만드는 데 도움이 되었습니다. 녹색 잎사귀는 분홍빛/붉은 모란과 잘 어울렸지만, 그림에 방해가 된다고 느꼈습니다. 마젠타 배경은 예상치 못한 이점이었고, 저는 이것을 유지하기로 결정했습니다! 오른쪽 상단 모란의 가장자리를 정의하는 데 도움이 된 점이 마음에 들었습니다.

 

이 그림에서는 톤 커브가 그림을 완성하는 데 사용되었습니다. 종종 그림 작업 중간에 그림이 취할 수 있는 새로운 경로에 대한 영감을 얻기 위해 톤 커브를 사용하는 저 자신을 발견합니다. 다른 톤으로 신선한 관점을 얻는 것은 새로운 아이디어를 생성하는 데 도움이 되며, 다른 필터와 보정 도구도 디지털 아티스트에게 영감을 주고 방향을 제시하는 데 사용될 수 있습니다. 사용 가능한 모든 도구를 실험해 보시길 권합니다!

감사합니다

이 TIPS 기사를 읽어주셔서 감사합니다. 이 프로젝트의 연구, 학습, 작품 제작 및 글쓰기 과정에서 저는 엄청나게 많은 것을 배웠습니다. 꽃과 식물을 그리는 방법뿐만 아니라, 저에게 무엇이 효과적이었고 무엇이 그렇지 않았는지를 표현함으로써 전반적으로 더 나은 예술가가 되는 방법도 배웠습니다.

 

이 기사를 쓰면서 제가 얻은 만큼 여러분도 많은 것을 얻으셨기를 바랍니다. 나가서 꽃 향기도 맡아보고 (어쩌면 그림도 그려보세요!)

 

• 린코