Realistische Porträtmalerei

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Intro

In dieser Lektion wird erklärt, wie ich ein Porträt male, wie ich nachdenklich bin, ein bisschen Maltheorie und einige Tipps und Tricks, die ich dabei gelernt habe. Ich nähere mich meinen digitalen Gemälden sehr ähnlich, wie ich mit traditionellen Medien malen würde. Das Ziel für mich ist es, die Gesamtfarben, -werte und -platzierungen sofort zu ermitteln, damit ich weniger Zeit für spätere Korrekturen aufwenden muss.

Fliessbandarbeit

Ich benutze gerne einen Pinsel mit ein bisschen Textur für meine Linien, für dieses Bild habe ich den Design-Bleistiftpinsel in Clip Studio verwendet. Ich behandle meine Linien als Grundlage für mein Malen, also füge ich oft Hinweise auf die Schatten und Ebenen in meine Linien ein, um Form im Gesicht zu bilden.

Während ich arbeite, drehe ich mein Bild oft um, um sicherzustellen, dass alles ausgeglichen aussieht. Dies kann in Clip Studio über Ansicht> Drehen / Invertieren> Horizontal spiegeln oder durch Einrichten einer Verknüpfung erfolgen.

Blockieren in Farbe

Der nächste Schritt für mich ist, die Gesamtfarben, die ich in meinem Bild verwenden werde, zu blockieren. An dieser Stelle male ich unter der Linie und verwende die Linien als grobe Richtlinie dafür, wohin alles gehen soll.

Zuerst male ich in einer flachen Grundfarbe und schneide alle nachfolgenden Schichten mit dem Ebenenausschnitt auf die flache. In Clip Studio können Sie eine Ebene ausschneiden, indem Sie eine neue Ebene auswählen und Ebene> Ebeneneinstellungen> In darunter liegende Ebene ausschneiden oder indem Sie die Tastenkombination Strg + Alt + G verwenden, um sie in die darunter liegende Ebene ausschneiden. Dadurch wird sichergestellt, dass sich meine Pinselstriche zu Beginn des Malvorgangs im vorgesehenen Bereich befinden und ich weniger Zeit für das spätere Aufräumen aufwenden muss. Für etwas Einfaches wie ein Porträt beginne ich gerne damit, dass ich die Figur, die Linien und den Hintergrund voneinander trenne.

Normalerweise wähle ich einen Mittelton für meine Grundfarbe, was ich mit der Haut gemacht habe. Da ich dunkleres Haar male, werde ich sofort den dunklen Ton festlegen. Dies liegt daran, dass das Haar hauptsächlich in Glanzlichter und Schatten zerlegt wird. Beim Malen von Haaren stelle ich mir vor, dass sie in größeren Formen zusammengefasst sind und nicht als einzelne Strähnen.

Als Nächstes verwende ich große Pinselstriche, um Farbbereiche zu blockieren. Für dieses Gemälde habe ich den Aquarellpinsel in Clip Studio verwendet. Ich habe diesen Pinsel ausgewählt, weil er eine malerische Qualität hat und ich mit weniger Druck sowohl harte Kanten als auch weichere Kanten und Übergänge erzielen kann. Ich behalte mein Bild in diesem Stadium locker und werde keines der kleinen Details bemalen.

Linien verlieren

Sobald ich mit den Farben und Werten insgesamt zufrieden bin, ist es Zeit für mich, das Bild genauer zu betrachten. An diesem Punkt bin ich bereit zu malen und die Linien loszuwerden. Bevor ich dies tue, verstecke ich meine Linienebene, um sicherzustellen, dass die Farben unabhängig von den dunkleren Linien funktionieren. Ich werde zu diesem Zeitpunkt auch keine Ebenen mehr ausschneiden, damit ich ohne Einschränkung frei malen kann.

Im dritten Bild habe ich meine Linien in einer gebrannten Siena-Farbe gestaltet und alle Teile gelöscht, die ich nicht benötige. Ich habe einige Linien um die Augen, Ohren, Mundwinkel und die Stirnfarbe herum gelassen, da ich mich in diesen Bereichen immer noch darauf verlasse, um Informationen zu übermitteln.

Ein bisschen über Farbe

Wenn ein Motiv mit einer kühlen Lichtquelle beleuchtet wird, sind die Schatten im Allgemeinen wärmer. Das Gegenteil ist der Fall. Wenn das Licht warm ist, sind die Schatten normalerweise kühler. Für dieses Bild habe ich eine kühle Lichtquelle gewählt, daher habe ich für das Licht hauptsächlich entsättigte Grautöne und für die Schatten gesättigte warme Töne verwendet. In den Schatten mit nach oben gerichteten Ebenen, wie im Schatten auf der Stirn, ist die Temperatur etwas kühler. Daher habe ich eine entsättigtere Farbe gewählt, mit der der Bereich gemalt werden soll.

Es gibt keine festgelegte Palette oder Farbe, die in einem Gemälde verwendet werden muss, es geht nur um die Beziehung einer Farbe zu der Farbe daneben. Im obigen Bild habe ich Farbmuster von der Figur in meinem Gemälde genommen, A ist vom warmen Schatten auf dem Gesicht meiner Figur und B ist von einem coolen Highlight. Weder auf dem Gemälde noch unter den anderen Farbfeldern aus ähnlichen Bereichen sieht sie fehl am Platz aus, sie sind beide ein Teil ihrer Haut, befinden sich jedoch fast am entgegengesetzten Ende des Sättigungsspektrums.

Wenn ich die Sättigung auf diese Weise beibehalten habe, kann ich sie in bestimmten Bereichen verschieben, um das Bild naturgetreuer zu gestalten. Zum Beispiel habe ich eine gesättigte Farbe in ihren Wangen, Ohren und Lippen verwendet, um auf die Kapillaren unter der Haut hinzuweisen, die ihr einen rosafarbenen Schimmer verleihen.

Rendering & Kanten

Wenn ich alle meine Farben und Werte festgelegt habe und mit dem Aussehen des Gemäldes insgesamt zufrieden bin, ist es Zeit für mich, das endgültige Rendern durchzuführen. In dieser Phase wird das Bild hauptsächlich detaillierter und aufpoliert und es werden alle unordentlichen Stellen repariert. Ich werde zum jetzigen Zeitpunkt nichts Wichtiges an dem Bild ändern.

Ich versuche, beim Malen über Kanten nachzudenken, aber bei diesem Gemälde habe ich viele harte Kanten erhalten, und es fehlte an diesem weicheren malerischen Gefühl. An diesem Punkt nahm ich eine Airbrush und ging über die Bereiche, in denen ich weicher sein wollte. Ich habe dies mit dem dichten Aquarellpinsel in Clip Studio gemacht, wobei die Härte vollständig verringert wurde.

Im Allgemeinen werden weichere Kanten in Bereichen angezeigt, in denen der Wert nahe beieinander liegt oder Bereiche außerhalb des Fokus liegen, und schärfere Kanten werden angezeigt, in denen kontrastierende Werte zusammenkommen, oder in Bereichen, in denen der Fokus erstellt werden soll. Sie können zum Beispiel sehen, dass zwischen ihren Haaren und dem Schatten des Hintergrunds fast keine Definition besteht. Beim Malen eines Porträts bewahre ich im Allgemeinen die schärfsten Kanten für die Augen, Teile der Augenbrauen und Lippen, Glanzlichter und Schlagschatten auf.

Endgültige Anpassungen

Wenn ich mit dem Malen fertig bin, ziehe ich normalerweise eine unscharfe Maske auf, um meinem Gemälde den letzten kleinen Schubs zu geben. Ich mache das, indem ich mein Bild auf eine Ebene reduziere und eine unscharfe Maske mit Filter> Scharfzeichnen> Unscharfe Maske auswähle und alle Bereiche ausradiere, in denen ich die Weichheit bewahren möchte. Sie können meine Maskeneinstellungen oben sehen, obwohl die Einstellung von der Bildgröße abhängt. Wenn Sie kleiner arbeiten, sollten die Einstellungen niedriger sein und umgekehrt.

Alles erledigt

Realistisches Malen erfordert viel Übung und ich lerne und lerne ständig neue Dinge. Studien aus dem Leben wie Malen im Freien und Zeichnen im Leben sind großartige Möglichkeiten, um Ihre realistischen Malfähigkeiten zu üben. Fröhliches Malen!

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