Egal, ob Sie ein einfaches Porträt oder eine Actionszene zeichnen oder einfach nur einen coolen Charakter haben möchten, Sie müssen mit der Pose beginnen.

 

Posen sind einer der grundlegenden Schritte beim Erstellen eines Stücks und das Lernen, wie man sie effektiv einsetzt, kann Ihre Herangehensweise drastisch ändern.

 

In diesem Artikel werden wir einige starke Tipps und Tricks durchgehen, die jedem helfen können, die perfekte Pose besser zu erreichen.

1. Körperstruktur

Damit eine Pose funktioniert, brauchst du einen guten Körper, mit dem du arbeiten kannst.

 

Aus Referenzen zu lernen ist eine der besten Möglichkeiten, nicht nur die Genauigkeit Ihres Charakters zu verbessern, sondern auch Ihre Fähigkeiten mit der menschlichen Figur im Allgemeinen zu verbessern.

 

Die Verwendung eigener Fotos, Live-Modelle oder sogar Fotos aus dem Internet kann das Stück als Ganzes drastisch verbessern und den Ton angeben.

 

Natürlich kann jeder ohne Referenz zeichnen, und einige entscheiden sich auch dafür, 3D-Modelle zu verwenden, wie die in Clip Studio Paint bereitgestellten. Das Erlernen der Grundlagen, auch wenn es sich nur um die Oberfläche handelt, wird jedoch immer die größte Verbesserung bringen.

2. Rahmen der Szene

Worauf sollten Sie den Schwerpunkt Ihres Stückes legen?

 

Framing hilft Ihnen bei der Entscheidung, welche Art von Betonung Sie wünschen, und wie groß oder klein Sie dieses Framing machen, ändert das, was die Leute sehen.

 

Wenn Sie das gesamte Porträt von Kopf bis Fuß in einer Szene behalten, dann ist der gesamte Charakter und möglicherweise ein Hintergrund wichtig. Wenn Sie nur die Taille nach oben ziehen, liegt der Fokus mehr auf Kleidung, Haut, Haaren usw.

 

Wo Sie Ihre Linie zeichnen, hängt von dem Rahmen ab, den Sie ihr geben möchten.

 

Es ist wichtig für einen Künstler zu entscheiden, wie viel er zeigen möchte, und zu lernen, es gut zu machen, kann bei anderen Wegen wie Comics und Graphic Novels hilfreich sein.

3. Perspektiven

Die Perspektive ändert das Aussehen Ihrer Pose stark, je nachdem, wie viel Sie möchten.

 

Die 1-Punkt-Perspektive ist, als würden Sie eine flache Wüstenstraße mit leerem Himmel hinunterschauen. Zur Mitte hin gibt es nur 1 Fluchtpunkt. Ihre klassischen Porträts vor flachen Hintergründen können damit gut funktionieren.

 

Die 2-Punkt-Perspektive fügt einen weiteren Fluchtpunkt hinzu, wobei beide Punkte in Richtung der Kanten liegen. Diese Perspektive eignet sich gut für weitläufige Szenen wie Landschaften und hilft sehr bei Bereichen wie Städten, Wäldern und Kleinstädten.

 

Die 3-Punkt-Perspektive fügt den dritten Punkt hinzu, der uns jetzt Höhenänderungen ermöglicht und gleichzeitig die Perspektive behält. Diese Perspektive zieht uns ins Auge und ist noch intensiver. Wenn Sie große Innenräume gestalten oder viele Objekte die Szene füllen möchten, die in den Hintergrund treten, ist dies die beste Wahl.

 

Die Auswahl der Perspektive, die Sie vor dem Zeichnen verwenden möchten, ist der beste Weg, um die Teile konsistent zu halten, aber Sie können dies definitiv später tun, wenn Sie möchten.

4. Das Fisheye-Objektiv

Für alle, die noch mehr sehen möchten, ist das Fisheye-Objektiv das perfekte Werkzeug.

 

Die Fisheye-Perspektive ist eine 3-Punkt-Perspektive, die noch weiter geht, indem die Bilder an den Rändern kugelförmig verzerrt werden. Diese Änderung führt dazu, dass Bilder zum Rand hin drastisch verzerrt werden, sodass mehr Informationen zum Preis einer kreisförmigen Biegung an allen Objekten angezeigt werden können.

 

Ideal, um sich auf ein Hauptelement eines Stücks zu konzentrieren und gleichzeitig mehr Informationen zu behalten. Kann verwendet werden, um Hände, Arme, Beine und Füße für einen persönlicheren Look zu präsentieren.

 

Dies ist die schwierigste Art von Perspektive, mit der man arbeiten kann. Überlegen Sie also wirklich, ob Sie sie verwenden möchten und wie viel Komplexität sie haben soll.

5. Die Umgebung des Charakters

Ein weiterer wichtiger Aspekt der Pose ist, wo diese Pose eingesetzt wird, die Umgebung.

 

Von einem einfachen Hintergrund mit Farbverlauf wie bei einem Fotoshooting bis hin zu einem vollständig vorhandenen Standort wie der Innenstadt einer Stadt kann die Einstellung der Umgebung dazu beitragen, dass sich eine Pose für den Betrachter angemessener anfühlt.

 

Angenommen, Sie haben einen Charakter, der kurz davor steht, einen tödlichen Schlag zu versetzen, vielleicht könnte ein Sturm mit Blitzen die Spannung erhöhen. Vielleicht ist Ihr Charakter nur faulenzen und chillen, ein gemütliches Schlafzimmer mit warmen Farben kann dazu beitragen, dass sich alles leicht luftig anfühlt.

 

Dies ist einer der Aspekte, auf die sich einige Illustratoren nicht konzentrieren. Wenn Sie also eine gute Umgebung schaffen, können Sie sich von der Masse abheben.

6. Die Beleuchtung einer Szene

Jetzt haben Sie die Szene vor sich, aber wie sieht es mit der Beleuchtung aus?

 

Wo Sie Ihre Lichtquelle bestimmen und wie die Materialien auf dieses Licht reagieren, ist einer der wichtigsten Bestandteile eines jeden Stücks.

 

Wenn Sie eine Figur haben, die in der Stadt unten brütet, möchten Sie wahrscheinlich nicht, dass es ein heller Tag mit kaum Schatten ist.

 

Bevor Sie also zu weit gehen, planen Sie die Beleuchtung und probieren Sie verschiedene Ebenen und Platzierungen dieses Lichts aus.

Abschluss

Kombinieren Sie all diese Elemente zusammen und ich kann wetten, dass Sie als Künstler noch stärker werden.

 

Ich hoffe, dass Ihnen diese Tipps gefallen haben und Sie sie in Ihrer Praxis anwenden können.

 

Ich wünsche Ihnen einen schönen Tag und bleiben Sie kreativ!