Ein umfassender Leitfaden von Manny Guevarra

Einführung

Wollten Sie schon immer eine epische Fantasy-Szene erschaffen, die auf den ersten Blick eine ganze Geschichte erzählt? Einen epischen Hintergrund für Ihre Illustration, Ihren Comic oder Ihre Animation zu erstellen, ist viel einfacher, als Sie vielleicht denken!

Für dieses Tutorial wollte ich die Szene aus meinem oben gezeigten animierten Musikvideo als dynamischere Illustration neu erschaffen, die eine klarere Geschichte erzählt, selbst ohne Musik oder Animation. Wir werden den Hintergrund der entstandenen Fantasy-Illustration aufschlüsseln und diese Informationen nutzen, um eine fantastische Welt für Ihre Charaktere zum Erkunden zu malen!

Alle Charaktere und Schauplätze in diesem Tutorial stammen aus meiner Webcomic-Serie EARTHEATERS! Bei Interesse können Sie sie unten lesen!

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Fantasy-Elemente

Zunächst wollen wir einige Elemente untersuchen, die Sie in Ihre Illustration aufnehmen können und die Ihrem Publikum sofort eine Fantasy-Umgebung signalisieren. Einige lustige Fantasy-Elemente zum Ausprobieren sind:

 

MEGAFLORA 🌸

 

Megaflora sind riesige Pflanzen. Beispiele aus dem wirklichen Leben für Megaflora sind Mammutbaumwälder, und tatsächlich fühlt es sich magisch an, unter ihnen zu stehen. Um dieses magische Gefühl einzufangen, versuchen Sie, die Perspektive von Pflanzen, die Sie hier auf der Erde finden könnten, zu verändern. In Fantasy-Werken können Sie ein Objekt, das normalerweise in Ihre Handfläche passen würde, in etwas Gigantisches verwandeln, das Ihre Charaktere zwergenhaft erscheinen lässt!

Dies funktioniert nicht nur gut bei Blumen, sondern auch bei anderen Pflanzen und Pilzen wie Bäumen und Pilzen – die Möglichkeiten sind endlos!

MEGAFAUNA UND MYTHISCHE KREATUREN 🐉

 

Wie Megaflora sind auch Megafauna riesig – aber dieses Mal sprechen wir über unsere tierischen Freunde! Der Begriff „Megafauna“ bezieht sich typischerweise auf große Landtiere, die über eine Tonne (1.000 Kilogramm/2.205 Pfund) wiegen. Beispiele aus dem wirklichen Leben für Megafauna sind Giraffen, Elefanten und Flusspferde.

 

Das Hinzufügen von Megafauna kann Ihrer Illustration sofort Anmut, Majestät und Launenhaftigkeit verleihen – besonders wenn es sich um eine Art handelt, die Sie hier auf der Erde nicht finden. Bonuspunkte gibt es für magische Kreaturen wie unseren schuppigen Freund unten!

STRUKTUREN UND RUINEN 🏛

 

Das Hinzufügen von prächtigen Strukturen – oder den Ruinen gefallener – die über Ihren Charakteren thronen, kann ein überwältigendes Gefühl der Ehrfurcht erzeugen und stillschweigend eine Geschichte über die Menschen und Kreaturen erzählen, die Ihre Welt bewohnen.

HIMMELSKÖRPER 🌙

 

Das Hinzufügen von Himmelskörpern wie übergroßen Planeten, verschiedenen Monden und glitzernden Sternen am Horizont verleiht Ihrer Illustration nicht nur Schönheit; sie helfen, Ihre Geschichte in einer magischen neuen Welt zu verankern – einem fremden Planeten, einem alternativen Reich oder einer anderen fantastischen Umgebung!

▶ TIPP: Denken Sie daran, dass unser Ziel hier ist, eine Geschichte auf den ersten Blick zu erzählen. Bevor Sie mit dem Zeichnen beginnen, überlegen Sie, welche Geschichte Sie erzählen möchten – die Bedeutung hinter diesen fantastischen Elementen und Ihrer gesamten Umgebung. Wer ist Ihr Charakter? Wonach suchen sie? Wo suchen sie? Werden sie ihr Schicksal erfüllen und ihre Aufgabe abschließen?

 

Werden sie leben, um die Geschichte zu erzählen?

Komposition 101: Die Drittel-Regel

Als Nächstes tauchen wir in das Zeichnen unseres Werks ein! Hier sind einige Kompositionstipps, die Sie beachten sollten – beginnend mit der Drittel-Regel, die uns helfen wird, unsere(n) Charakter(e) und die Hintergrundelemente, nach denen sie suchen werden, am Horizont zu platzieren.

 

DRITTEL-REGEL 1️⃣2️⃣3️⃣

 

Die Drittel-Regel ist ein Prinzip der Fotografie, das auf Illustrationen angewendet werden kann, um Gleichgewicht und Storytelling in unseren Kompositionen zu schaffen. Sie besagt, dass, wenn eine Leinwand in Drittel aufgeteilt wird, unser Motiv und andere wichtige Elemente unserer Komposition entlang des Schnittpunkts dieser Drittel platziert werden sollten.

▶ TIPP: Sie können die Funktionen [Raster] und [Lineal] in Clip Studio Paint verwenden, um Ihre Leinwand in Quadranten aufzuteilen! Um die Linealleiste anzuzeigen, drücken Sie einfach (Strg + R) auf Ihrer Tastatur oder wählen Sie im Menü [Ansicht] > [Linealleiste]. Um das Raster zu öffnen, wählen Sie einfach im Menü [Ansicht] > [Raster]:

Sie können den Startpunkt, die Breite, Höhe, den Abstand und die Anzahl der Unterteilungen für jedes Werkzeug über das Menü [Ansicht] > [Raster-/Linealeinstellungen] umschalten:

 

Im Falle unserer Fantasy-Illustration sind unsere Subjekte die Charaktere, die in die fantastische Welt blicken, die wir für sie aufbauen werden. Verwenden wir die Drittel-Regel, um unseren Zuschauern mitzuteilen, dass unsere Charaktere sich darauf vorbereiten, sich in diese Welt zu wagen.

 

Wir möchten unsere Charaktere nicht am Rand oder in der Mitte der Leinwand platzieren, da die Komposition unnatürlich wirken würde. Platzieren Sie stattdessen Ihr Subjekt entlang eines der Schnittpunkte und achten Sie darauf, negativen Raum in die Richtung zu lassen, in die sie blicken, um zukünftige Bewegung zu ihrem Ziel zu implizieren. (Im nächsten Abschnitt werden wir führende Linien verwenden, um dieses Gefühl der Bewegung zu verstärken.)

Als Nächstes platzieren wir unsere Hintergrundelemente entlang dieser Linien, um die Aufmerksamkeit auf sie zu lenken. Die beiden prominenten Fantasy-Elemente, die ich für meine Illustration gewählt habe, waren Megafauna und Megaflora. Die riesige Lotusblume ist der Brennpunkt des Hintergrunds, da sie das ultimative Ziel meines Motivs ist. Um die Aufmerksamkeit auf sie zu lenken, habe ich sie etwas links von der Mitte und entlang der obersten Linie platziert – direkt den Blicken meiner Charaktere folgend.

Damit haben wir die erste Iteration unserer groben Skizze! Wie Sie sehen, beginnen wir, unsere Geschichte allein durch die grundlegende Komposition zu erzählen: Ein Drache und seine Reiter überblicken die Länder vor ihnen und bereiten sich auf einen Flug zum riesigen Lotus in der Ferne vor!

Komposition 101: Führende Linien

Ein weiterer Kompositionstrick, den wir verwenden können, um das implizierte Gefühl der Bewegung zum Ziel unserer Charaktere zu verstärken, ist, die Komposition mit führenden Linien zu rahmen.

 

FÜHRENDE LINIEN 📈

 

Führende Linien sind ein weiteres Prinzip der Fotografie. Es sind Linien, die durch die Formensprache Ihrer Komposition gebildet werden und die Augen des Betrachters auf eine Reise „durch“ Ihre Zeichnung führen und sie auf ein gewünschtes Motiv lenken.

Neben der Rahmung unserer Komposition kann das Hinzufügen zielgerichteter führender Linien die statische Natur einer sonst ziellosen Formensprache in eine flüssige Dynamik verwandeln. Um sicherzustellen, dass diese Linien in einem kohärenten Fluss zusammenwirken, achten Sie darauf, sie im Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund hinzuzufügen. Dies wird helfen, diese drei Bereiche miteinander zu verbinden. (Wir werden in den folgenden Abschnitten auch mehr über die drei sprechen!)

Hier habe ich weitere Drachen hinzugefügt, die auf das Ziel im Brennpunkt zufliegen; der Flug zum riesigen Lotus ist eine Rettungsmission für die darin gefangenen Charaktere, und unsere Drachenreiter haben Verstärkung mitgebracht. Das Hinzufügen dieser Motive sorgt nicht nur für Klarheit, sondern verstärkt auch die implizierte Bewegung des Werkes und hilft, einen Teil des negativen Raums zwischen unseren Motiven im Vordergrund und der Horizontlinie zu füllen.

Komposition 101: Vermeiden Sie Verschmelzungen

Wenn Sie Charaktere oder andere Elemente in späteren Iterationen Ihrer Skizze hinzufügen, achten Sie darauf, Ihre ursprüngliche Komposition nicht zu überladen; lassen Sie genügend Raum, um sicherzustellen, dass der Weg vor jedem Charakter frei ist.

Achten Sie außerdem auf Verschmelzungen – und vermeiden Sie sie, wenn Sie können!

 

VERSCHMELZUNGEN ❌

 

Eine Verschmelzung tritt auf, wenn zwei Objekte in einer Komposition zu „verschmelzen“ scheinen. Beachten Sie zum Beispiel, wie die Umrisse der Drachen und Berge unten miteinander zu verschmelzen scheinen:

Dies sieht nicht nur ungeschickt aus, sondern eliminiert auch einen Teil der Tiefe, die wir erzeugen könnten, wenn wir die beiden überlappen würden, um das dreidimensionale Gefühl des Werkes weiter zu verstärken. Wenn Sie Charaktere oder Schlüsselsubjekte in einer Komposition platzieren, versuchen Sie entweder (a) sie zu überlappen oder (b) sie von bestehenden Linien zu trennen.

Dies im Hinterkopf behaltend, zeigt die Skizze auf der rechten Seite eine viel bessere Platzierung für unsere Freunde:

Formensprache

Ein weiteres wichtiges Konzept, das Sie beim Skizzieren Ihres Werkes beachten sollten, ist die Formensprache.

 

FORMENSPRACHE 🔺🟡🟦

 

Formensprache ist die Verwendung vertrauter Formen wie Dreiecke, Kreise und Quadrate, um Bedeutung zu kommunizieren. Werfen wir zum Beispiel einen weiteren Blick auf diese frühere Illustration, die eine Territoriumsgrenze zwischen menschlichen und drakonischen Ländern in meinem Webcomic EARTHEATERS darstellt:

Bemerken Sie Unterschiede zwischen den beiden Seiten der Illustration?

 

Obwohl die Klippen gleich hoch sind, wirkt die linke Seite steiler und unheilvoller; sie ist nicht nur dunkler, sondern auch in ihrer Geometrie reiner und entbehrt der großen Drakonischen Schnitzereien auf der rechten Seite. Tatsächlich ist alles auf der „menschlichen“ Seite der Illustration starr und geometrisch – von der Klippe bis zum von Menschen gebauten Aquädukt, der menschlichen Figur auf dem Hügel und sogar den Baumstämmen.

Umgekehrt ist die „Drakonische“ Seite der Illustration mit einer Formensprache gefüllt, die eine organische Krümmung aufweist, die oft in der Natur zu finden ist. Darüber hinaus haben die Formen alle eine lose Verbindung, die von der gekrümmten Silhouette des überfliegenden Drakons, durch die Klippenschnitzerei und dann den Hang hinunter fließt – alles parallel zum Wasserfall, der in der Mitte fließt, anstatt ihn wie das von Menschen gebaute Aquädukt zu halbieren.

Die Kombination dieser gegenübergestellten Formen schafft ein Gleichgewicht im Werk und erzählt die Geschichte zweier kriegerischer Stämme, die Harmonie suchen:

Da das Fantasy-Genre typischerweise in der freien Natur spielt, werden Sie viel Laub und andere natürliche Elemente sehen. Beim Malen dieser Formen ist es am besten, die oben diskutierte organische, geschwungene Formensprache zu verwenden, die aus Kreisen, Spiralen und den dazu tangentialen Linien besteht.

 

Tatsächlich folgen die meisten Muster in der Natur dem unten dargestellten „Goldenen Schnitt“ oder der „Fibonacci-Folge“ – von den Spiralen der Nautilus-Muscheln über die Flugmuster von Greifvögeln bis hin zu den Armen von Spiralgalaxien:

 

▶ TIPP: Wenn Sie ein Element hervorheben möchten, versuchen Sie, eine schärfere Formensprache zu verwenden, wie z.B. die dreieckige Form des Berges unten. Wenn Sie etwas zuverlässig und robust erscheinen lassen möchten, versuchen Sie, eine rechteckige Formensprache zu verwenden, wie z.B. die Klippe im Vordergrund. Wenn Sie möchten, dass etwas sich einfügt und unaufdringlich und zugänglich wirkt, versuchen Sie, eine kreisförmige Formensprache zu verwenden, wie z.B. den Hügel im Mittelgrund:

Und damit haben wir eine solide Komposition für unsere epische Fantasy-Illustration, die es uns ermöglicht, eine Geschichte auf den ersten Blick zu erzählen! Jetzt fangen wir an zu malen!

Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund

Wie Sie sehen, haben wir begonnen, unser Werk in drei allgemeine Abschnitte zu unterteilen. Diese Abschnitte sind der Vordergrund, der Mittelgrund und der Hintergrund:

Der Vordergrund ist der Bereich unserer Komposition, der der „Kamera“ am nächsten liegt und typischerweise unser Motiv enthält. Der Hintergrund ist am weitesten von der Kamera entfernt, und der Mittelgrund ist der Bereich dazwischen. Um diese Bereiche zu trennen, werden wir mit kontrastierenden Werten malen wollen.

 

WERT 💡

 

Wert ist die relative „Helligkeit“ oder „Dunkelheit“ einer Farbe. In Clip Studio können Sie den Wert jeder Ebene einfach überprüfen, indem Sie unter der Registerkarte [Ebeneneigenschaften] zu [Expressionsfarbe] navigieren.

Wählen Sie als Nächstes das folgende Dropdown-Menü und ändern Sie die Eigenschaft von [Farbe] > [Grau]. Dadurch wird die gesamte Ebene in Graustufen umgewandelt. Diese praktische Ebeneneigenschaft kann jederzeit zwischen [Grau] > [Farbe] umgeschaltet werden.

Versuchen Sie beim Malen, kontrastierende Werte zu verwenden, um Ihren Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund zu unterscheiden. Es kann Abschnitte geben, die ähnliche Werte wie andere annehmen, aber das Beibehalten eines relativ einheitlichen Gesamtwerts jedes Bereichs hilft, diese Bereiche zu unterteilen und trägt zum dreidimensionalen Gefühl des Werkes bei.

Malen Sie Ihren Vordergrund mit einem dunkleren Farbton und bewegen Sie sich zu helleren Tönen, wenn Sie sich den entferntesten Objekten im Hintergrund nähern – oder, in einigen Fällen, können Sie es umgekehrt machen, wenn der Hintergrund weiter von Ihrer Lichtquelle entfernt ist:

Der Schlüssel hier ist die Lichtquelle. In unserer aktuellen Illustration wäre es viel sinnvoller, dass eine weite, offene Bergkette von der Sonne beleuchtet wird und unsere Motive vom Laub der Bäume beschattet werden, die Schatten von hinter der Kamera werfen:

▶ TIPP: Viele Künstler malen zunächst ausschließlich in Graustufen und fügen später im Malprozess Farbe hinzu. Wenn Sie sich zuerst auf das Festlegen von Werten konzentrieren möchten, bevor Sie sich um die Farbe kümmern, versuchen Sie diesen Trick!

Farbpaletten

Die Farben, die Sie in Ihrer Illustration verwenden, können die gesamte Stimmung der Szene, die Sie darstellen möchten, stark beeinflussen. Zum Beispiel können helle Blau- und Violetttöne eine ätherische, traumhafte Illustration erzeugen. Vielleicht begibt sich Ihr Charakter in ein schwebendes Königreich, das am Himmel schwebt und von zarten Wolken umgeben ist.

Die oben gezeigten Blautöne liegen auf dem Farbkreis näher an Violett als an Grün. Im Gegensatz dazu liegen die folgenden Blautöne näher an Grün, um verschiedene Türkistöne zu erzeugen. Ein solches Farbschema wäre passend für Unterwasserszenen mit versunkenen Schlössern und mysteriösen Meeresbewohnern:

Rot- und Gelbtöne wirken typischerweise etwas gewagter und können Gefahr darstellen. Vielleicht bereitet sich Ihr Charakter darauf vor, den zerklüfteten und tückischen Pfad zu einem großen Vulkan zu bezwingen!

Einige der oben genannten Farben können auch als „Erdtöne“ betrachtet werden. Die Natur ist mächtig und furchteinflößend, kann aber auch beruhigend und nährend sein. Die Kombination von Grün mit Cremetönen und Rosatönen kann ebenfalls eine warme und schöne Szene schaffen:

Für diese Illustration habe ich mehrere dieser Paletten kombiniert:

Wenn Sie Ihre gewünschte Farbpalette ausgewählt haben, können Sie sie in Clip Studio unter dem unten abgebildeten Menü [Farbset] speichern:

Wenn Sie das Menü [Farbset] nicht sehen, navigieren Sie zum Menü [Fenster] in der obersten Symbolleiste und wählen Sie [Farbset] aus dem Dropdown-Menü:

Um Ihrem [Farbset] Farben hinzuzufügen, klicken Sie einfach mit der rechten Maustaste auf ein beliebiges Quadrat und wählen Sie [Farbe ersetzen]. Sie können dann jede Farbfläche durch einfaches Klicken auswählen; das [Pipette]-Werkzeug erscheint automatisch, wenn Sie darüber schweben.

Pinsel

Ein weiteres hilfreiches Merkmal in Clip Studio Paint ist die große Auswahl an Pinseln, Stempeln und 3D-Modellen, die es bietet, um den Malprozess zu optimieren und den künstlerischen Arbeitsablauf zu verbessern.

Unten sind drei der hilfreichsten Pinsel aufgeführt, die in dieser Illustration verwendet wurden – allesamt Standardpinsel von Clip Studio Paint!

Für diese Illustration habe ich den mittleren Pinsel zum Malen von Bergen im Mittelgrund und Hintergrund verwendet und die Stempel mit verschiedenen Farben geschichtet, um einen üppigen Waldlook entlang der Bergrücken zu erzeugen:

Wenn Sie etwas Neues ausprobieren möchten, bietet der Clip Studio Assets Store Tausende von Pinseln, Stiften, 3D-Modellen, Mustern und anderen Assets zum Download an – viele davon kostenlos! Andere Assets können mit Clip Studio GOLD oder Clippy-Punkten gekauft werden, die kostenlos durch Events oder durch das Hochladen eigener Materialien verdient werden können.

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Um ein gewünschtes Asset in Clip Studio Paint zu installieren, klicken Sie einfach auf die Schaltfläche „Download“ oben rechts in der Asset-Liste; dies startet automatisch den Download- und Installationsprozess des Assets.

 

Sie können dann auf dieses Material über das Menü [Material] > Ordner [Downloads] zugreifen, wo Sie es in ein Unterwerkzeug Ihrer Wahl ziehen und ablegen können. (Wenn Sie Ihr heruntergeladenes Asset nicht sehen, versuchen Sie, die App neu zu starten!)

Feinschliff

Und nun zum Feinschliff!

 

Wie oben erwähnt, hat der Pinsel [Verlaufende Farbkante Aquarell] eine wolkenartige Textur. Dieser Pinsel ist nicht nur nützlich, um tatsächliche Wolken zu malen, sondern auch, um Nebel zu erzeugen, um Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund mit etwas namens atmosphärischer Perspektive weiter zu trennen.

ATMOSPHÄRISCHE PERSPEKTIVE ⛅

 

Beim Betrachten von Fotografien – oder auch einfach beim Betrachten der Natur mit eigenen Augen – werden Sie vielleicht bemerken, dass weit entfernte Elemente wie ferne Gebirgszüge schwieriger zu erkennen sind, je weiter sie vom Blickpunkt der Kamera entfernt sind. Dies liegt an Bestandteilen in der Atmosphäre wie Staub, Regen, Dunst und Nebel, die unsere Sicht trüben, wenn sie sich mit der Entfernung summieren, wodurch die sogenannte atmosphärische Perspektive entsteht.

 

Um diesen Effekt in unserer Illustration zu imitieren, können wir Elemente wie Nebel, Dunst oder regnerischen Nebel zwischen den Ebenen platzieren, wie unten gezeigt:

Um den Pinsel [Verlaufende Farbkante Aquarell] zu verwenden, navigieren Sie zum Werkzeug [Pinsel] > Unterwerkzeug [Aquarell] und wählen Sie ihn aus. Sie können das Menü des Werkzeugs [Pinsel] auch aufrufen, indem Sie einmal (B) auf Ihrer Tastatur drücken.

Mit dem Pinsel [Verlaufende Farbkante Aquarell] wählte ich für den Nebel in dieser Illustration hochgesättigte, entsättigte Blautöne:

Dann malte ich auf einer undurchsichtigen Ebene im Modus [Normal], um den Nebel zwischen den Berggipfeln und Wäldern zu erzeugen. Dieser Effekt funktioniert auch gut im Ebenenmodus [Bildschirm]!

▶ TIPP: Während des gesamten Malprozesses können Sie auch jeden Pinsel als Radiergummi verwenden, indem Sie (X) auf Ihrer Tastatur drücken oder die transparente Pinseloption unten links an Ihrem Farbrad auswählen, wie unten gezeigt:

Beachten Sie auch, dass Objekte in der Ferne aufgrund des Effekts der atmosphärischen Perspektive nicht nur heller, sondern auch farblich entsättigter erscheinen können.

▶ TIPP: Sie können die Sättigung – sowie den Farbton und die Leuchtkraft – einer Auswahl jederzeit anpassen, indem Sie (Strg + U) auf Ihrer Tastatur drücken, um den Farbton-/Sättigungs-/Leuchtkraft-Schieberegler aufzurufen. Wenn Sie eine beschneidbare Anpassungsebene erstellen möchten, die ein- und ausgeschaltet werden kann, navigieren Sie einfach zum Menü [Ebene] > [Neue Korrekturebene (J)] > [Farbton/Sättigung/Leuchtkraft].

Fazit

Und das war's! ✨

 

Ich hoffe, diese Tipps waren hilfreich für Sie. Wenn ja, hinterlassen Sie bitte ein „❤“ und lassen Sie mich wissen, welcher Tipp am hilfreichsten war! Schauen Sie sich auch gerne meine anderen Tutorials in dieser Serie an. Und wenn Sie am Ende eine epische Fantasy-Illustration erstellen, taggen Sie mich in den sozialen Medien unter @mannygart, damit ich sie sehen kann! Vielen Dank fürs Lesen!