Naoki Yoshibe, un famoso animador, ha aceptado compartir con nosotros en formato entrevista su técnica para hacer una animación en un mes.

Contraste: ¡el secreto del movimiento! Reflexionando en cada fotograma

—Para esta lección avanzada, me gustaría conocer más técnicas que puedan resultarnos útiles. ¿Podrías empezar contándonos cómo has hecho la animación que aparece en el vídeo como introducción?

 

 

 

Mi objetivo principal era expresar suavidad en el movimiento y ternura en la chica. En un principio llegué a trabajar con dos borradores, pero me quedé con el primero porque encajaba mejor con la temática. Además, tenía más dinamismo que el segundo borrador.

▼ Empezando por la izquierda: borrador 1 y borrador 2

 

 

 

—Ya veo... La verdad es que el borrador 1 llama más la atención y destila más vigor.

 

 

 

La estructura de esta animación es la siguiente: la chica aparece viniendo desde el fondo, atraviesa la pantalla en primer plano y, ¡bum!, aterriza. En lugar de mover la cámara, decidí añadir un montón de efectos.

 

Los efectos enriquecen con información el movimiento, por lo que es una técnica que recomiendo encarecidamente a los principiantes. Para esta animación, agregué una nube de humo siguiendo a la chica. Gracias al rápido movimiento del humo se puede apreciar mejor la sensación de velocidad.

 

 

 

—La verdad es que los efectos aportan mucho a la animación.

 

 

 

La parte mala de todo esto es que no hay demasiados trucos que nos ayuden a cortar camino, por lo que es necesario aprender a base de prueba y error (risas). Supongo que la forma más rápida de aprender sería revisando trabajos ya existentes. Observar la naturaleza detenidamente también puede resultar muy útil.

 

En pocas palabras, la animación consiste en conseguir encajar los movimientos de la naturaleza en fotogramas. Por ejemplo, el flash inicial en forma de cruz es una representación estilizada del destello y la halación de las lentes de las cámaras.

Destello y halación: Artefactos visuales generados por refracciones de luz capturadas por el objetivo de la cámara.

 

Por lo tanto, para poder expresar fielmente el movimiento del destello, decidí empezar con un movimiento ágil, para luego reducirlo lentamente. Ya lo mencioné en la lección básica, pero en adición a los efectos, contrastar los movimientos también es un aspecto muy importante en toda animación.

 

Al igual que en estas dos animaciones, he intentado ajustar minuciosamente la velocidad de los distintos movimientos a lo largo de la animación. Como ejemplo, vamos a analizar la parte en la que la chica se acerca a la cámara hasta estar en primer plano.

Me centré en expresar la profundidad existente y la velocidad con la que la chica pasa frente a la cámara.

 

El resultado sería algo similar a lo mostrado en las carreras de Fórmula 1. Si bien la velocidad real no cambia, la velocidad percibida de un automóvil que pasa en primer plano y la velocidad de uno que lo hace en la distancia es diferente. Si el vehículo está lejos, parecerá que se está acercando a ti poco a poco, pero una vez que está frente a ti, la velocidad percibida es mucho mayor.

 

He reproducido esa sensación usando fotogramas de retención y omitiendo algunos fotogramas.

 

 

 

—Entonces, ¿esto sería lo contrario a lo que hiciste con el efecto explosión de la lección básica, donde ya empezaste con un gran impulso inicial?　

 

 

 

Al final, todo depende de en qué prefieras enfocarte. Por ejemplo, fijémonos en la animación que hay desde que el destello termina hasta que la muchacha se acerca a la cámara.

Durante unos instantes, la chica se mueve lentamente, usando dos veces la misma imagen (en otras palabras, su tamaño no cambia demasiado entre fotogramas).

Fotograma: Serie de imágenes necesarias para producir un segundo de animación. En este fragmento de la animación cada imagen se repite una vez.

Sin embargo, a medida que se acerca, la velocidad a la que se usa una imagen distinta se acelera. Este fragmento está hecho a unos, y la silueta de la imagen anterior cambia rápidamente... La parte en la que pasa por delante de la cámara es la que contiene más imágenes.

 

Para hacer esta pieza, comencé animando en cuatros (6 imágenes por segundo). Inserté otro fotograma al entintar, por lo que terminó siendo una animación a doses (12 imágenes por segundo). Una vez que pasa delante de la cámara, voy más allá y animo en unos para dar una mayor impresión de velocidad.

 

 

 

—Interesante. Cuando era principiante, siempre había pensado que las partes más rápidas requerían menos trabajo, ya que apenas suelen durar nada en pantalla... He intentado hacer una animación muy simple. Dime qué te parece:

—Esta animación de 24 imágenes por segundo la dibujé en cuatros, manteniendo al principio el mismo dibujo en las 4 imágenes.

 

Dibujé las viñetas 1 y 2 a seises, conservando ambos dibujos en las 4 imágenes, ya que en este fragmento la manzana está simplemente cayendo. Una vez que la manzana toca el suelo, pasé a animar en doses (fotogramas 3 y 4) para dar mayor movimiento y que se aprecie mejor la transformación. En 5 y 6, animé en unos para resaltar el rebote de la manzana.

 

Dado que los fotogramas 7 y 8 no son tan diferentes, volví a animar en doses. Para las imágenes restantes utilicé el espacio en blanco de la 9.

 

Habiéndolo ahora hecho personalmente, veo lo importante que es ajustar el número de fotogramas en función del movimiento mostrado y la viñeta que se quiere resaltar.

 

 

 

Si cada una de las imágenes hubiese durado lo mismo, la animación no funcionaría en absoluto. Aun a riesgo de repetirme en exceso, contrastar los movimientos resulta crucial.

 

Dado que, en última instancia, los movimientos se pueden mostrar cambiando la silueta, es mejor centrar la mayor parte del esfuerzo en los fragmentos con movimiento dinámico. Y si bien es importante dibujar cada fotograma con cuidado, recomendaría usar distintos timing y expresiones, dejando el contraste para el final.

 

 

 

—¿Hay algún otro aspecto del que quieras hablar a los principiantes?

 

 

 

Es mejor evitar movimientos igualmente espaciados, a no ser que ese sea tu objetivo, claro. Como ejemplo, vamos a ver cómo quedaría esta animación de la chica si volara a intervalos regulares:

Se nota a leguas que el timing no es el correcto. Aun dividiendo un segundo uniformemente, es mejor centrarse en uno de los movimientos. Retener el movimiento y añadir ritmo en ocasiones es mejor que obsesionarse con los detalles y la suavidad.

 

Otro aspecto importante, aunque complicado, es saber mentir en nuestros dibujos. Es importante ser capaz de engañar al espectador con seguridad. Por ejemplo, el fragmento de la animación en el que la chica aterriza miente, ya que la perspectiva dibujada no es estrictamente la correcta. Sin embargo, cuando ves las acciones encadenadas y en continuo movimiento, se percibe de forma natural.

 

Estas mentirijillas también se basan en prueba y error, además de en observar cuidadosamente todo aquello que nos rodea. Explorar los límites y las formas de expresión únicas que nos ofrece la animación no tiene por qué ser malo.

 

 

 

—¿Qué te motivó a buscar este tipo de atrevimiento en tu trabajo?

 

 

 

Las animaciones de Masaaki Yuasa. Mientras las veía, me hacían pensar: "Vaya, así que ese tipo de libertad se permite en la animación". Mis efectos están directamente influenciados por su trabajo. Yoshinori Kanada y el trabajo y los fotogramas clave del director Hiroyuki Imaishi también tienen gran parte de culpa. Los dibujos de Kaneda a veces tienen formas imposibles, pero todos proceden de la observación de la naturaleza y del mundo. He estudiado su trabajo replicando su animación fotograma por fotograma.

No puedo dejar de recomendar a la gente que vea tantas animaciones diferentes como sea posible. Esto les ayudará a darse cuenta de que, en la animación, todo es posible.

 

 

 

—¿Hay algo más que quieras añadir para aquellos que acaban de adentrarse en el mundo de la animación?

 

 

 

Lo más importante es trabajar en animar algo, cualquier cosa. Practicar el propio proceso de creación es muy necesario. Entrena tu imaginación todos los días y, tarde o temprano, harás algo de lo que podrás enorgullecerte de verdad.

Cuanto más practiques, más mejorarás, ¡así que dibuja ya esa línea!

 

 

 

—¡Muchas gracias por tu tiempo!

 

 

 

Ahora que ya conoces la lección básica y avanzada de cómo crear una animación, ¿no quieres animarte a intentarlo?

 

Entrevista a Naoki Yoshibe - ¡Consiga crear una animación en un mes! (Lección básica)

 

Entrevista a Naoki Yoshibe - ¡Consiga crear una animación en un mes! (Extras)

 

 

 

■ Perfil de la artista: Naoki Yoshibe

Antiguo trabajador de Kamikaze Douga Co., Ltd. (2011-2016), actualmente autónomo. Entre sus obras se incluyen varias series de anime, vídeos musicales y vídeos publicitarios. Autoproclamado "Hombre de los GIF garabato", es especialmente conocido en Twitter por sus cortas animaciones GIF.

"Curso de creación de animaciones cortas - Trabajando con Naoki Yoshibe y CLIP STUDIO PAINT PRO/EX"

Autor: Naoki Yoshibe

Editorial: Gijutsu-Hyohron Co., Ltd.

 

▼ Información sobre el libro (solo en japonés)

 

Entrevista cedida por Project BIGSHIP