Lorsque nous voulons concevoir une tenue, il y a plusieurs aspects que nous pouvons envisager d'essayer. Il est important d'explorer les variantes pour trouver le modèle parfait!

Depuis que j'ai étudié la scénographie à l'université, j'ai de l'expérience dans la conception de vêtements et de costumes pour toutes sortes de mises en scène. Voyons quelques ressources que nous pouvons utiliser pour fabriquer tout type de vêtements et accessoires pour nos personnages, même s'ils ne sont pas destinés à une scène!

 

Je vais d'abord parler de quelques considérations générales, puis de quelques lignes directrices pour commencer à concevoir. Gardez à l'esprit que presque tout ce que je dirai plus tard sert également de guide pour la conception de personnages!

 

(Au fait, je remarque également que les photos et dessins qui apparaissent dans ce tutoriel sont ma paternité, ils ne proviennent pas d'internet!)

 

Premières considérations générales

• L'apparence d'un personnage peut être utilisée pour mettre l'accent sur un aspect spécifique du personnage; Par exemple, si un personnage avait une capacité qui dépend de sa tête / visage, ce concept pourrait être soutenu en utilisant des éléments qui élargissent la taille ou l'importance de la tête ... ou peut-être que vous pouvez aussi penser à la couronne des rois, qui les identifie instantanément!

 

• Pensez à la HIÉRARCHIE des éléments que vous incluez dans votre conception. La caractéristique la plus dominante (par la taille, la complexité, la matière, le style, etc.), dépend des goûts et des objectifs de vous-mêmes! Quelle caractéristique voulez-vous être plus perceptible et comment les autres éléments de la tenue peuvent-ils l'accompagner?

Dans cet exemple pour le personnage de La Reine de la Nuit, de l'opéra "La Flûte enchantée" de Wolfgang Mozart, il me fallait tout d'abord montrer de quel personnage il s'agissait clairement (basé sur les concepts "Reine" et "Nuit") ; mais je voulais aussi souligner subtilement son influence et son besoin de contrôle sur sa fille, en associant ce personnage à une immense toile d'araignée.

 

• Pensez aux UTILISATIONS ET OBJECTIFS de la tenue que vous concevez. Qui l'utilise (un employé de bureau, un roi, un animal, quelqu'un de riche, pauvre, maladroit, élégant, etc.)? À quoi l'utilisez-vous (fête, travail, costume, camouflage, défense, magie, etc.)?

 

• Équilibrez les ESPACES remplis avec les espaces vides. Que ce soit en termes de texture, de quantité d'éléments, de tailles, de couleurs.

 

• A moins que nous ne parlions que de mode, il est très difficile de séparer les vêtements du PERSONNAGE qui les porte. Un meilleur résultat est obtenu si le design correspond à la personnalité et au style du personnage! Dans cet exemple, le personnage pourrait-il porter un autre type de vêtement et être toujours le même?

 

Sur le moodboard ou le tableau de référence.

L'idéal et la première chose à faire est d'obtenir toutes les informations que vous pouvez sur le sujet ou l'élément de référence pour la conception. Créez un dossier, un tableau Pinterest, un panneau avec des coupures de magazine ou tout ce dont vous avez besoin pour avoir toutes les références dont vous pourriez avoir besoin en vue. Rassemblez des images de formes de corps ou de vêtements, de textures, de couleurs, de fleurs, de plantes, de personnages…. tout ce qui les aide à définir stylistiquement le design qu'ils vont faire. Faites également de petites études dessinées sur un côté des éléments qui doivent être plus présents ou qui servent à comprendre les formes avant de les appliquer au personnage ou à la position finale. Par exemple:

Cette carte de référence est utilisée pour EXTRAIT les caractéristiques que le plus veulent transmettre à la conception, comme un développement dans le point suivant:

 

À propos des références:

Lorsque vous travaillez avec des références, l'important est d '"EXTRAIT" les principales caractéristiques de ce que nous référençons afin de l'appliquer au design. La prise en compte de ces aspects permet de savoir dans quelle mesure la référence est nécessaire pour que l'autre personne comprenne ce à quoi elle fait référence. Dans de nombreux cas, seule une partie de la chose aide à interpréter la chose dans son ensemble; pour que vous n'ayez pas besoin de tout voir pour savoir qu'il est là ... par exemple, si vous voulez dessiner avec des tigres en tête, leur fourrure caractéristique suffit probablement à associer le personnage à cet animal, sans le besoin pour ajouter plus d'informations. Même la répartition et le ton des couleurs peuvent vous aider à voir la référence!

 

Ces caractéristiques peuvent être très générales, le rôle du créateur de tenues est donc de réaliser des vêtements qui donnent un message clair mais à la fois originaux ou uniques pour ce personnage.

Remarquez dans ces exemples comment les points qui se réfèrent à l'animal d'origine peuvent être réduits et simplifiés.

 

Une façon d'étudier facilement l'équilibre dans une conception est le triangle qui se forme entre l'utilité; Fidélité ou proximité de la référence; et esthétique.

Garder cela à l'esprit nous aide à concevoir en tenant compte de la précision, de la fonctionnalité ou de la fantaisie que nous voulons que la conception soit.

 

Étudions un exemple avec ce schéma triangulaire, qui a «Esthétique» * à l'extrémité supérieure, «Référence» à l'extrémité gauche et «Utilité» à l'extrémité droite. Dans ce cas, le concept de déclenchement sera les armures.

Leur utilité est généralement mesurée par leur invulnérabilité aux attaques, bien que cela dépende également des objectifs de conception. Si l'artiste veut dessiner un combattant furtif, une armure métallique le rendrait bruyant et maladroit, le rendant inutile. Pensez-y avant de concevoir !! À quoi servira cette tenue? Qui l'utilise? Dans quel contexte?

• (Bien sûr, le concept d '"esthétique" est totalement subjectif et culturel. Ces études sont basées sur mon goût et ne sont pas une règle)

 

 

Dans ce cas, la référence est un élément historique. Ainsi, on peut dire que "Proximité de Référence" parle de sa fidélité à l'objet réel et à ses usages. Remarquez comment dans l'exemple de droite, l'armure laisse les parties les plus vulnérables du corps exposées aux attaques!

 

Cependant, la référence ne doit pas nécessairement provenir d'un vêtement ou d'un style existant.

Observons et étudions des exemples avec un animal et un fruit!

 

Tigre:

 

Devise:

 

Dans ces exemples, on peut voir comment la proximité avec la référence prend un sens très différent de l'armure! Lorsque la précision peut devenir un frein pour le personnage, c'est là qu'il faut être le plus attentif pour capter les points importants de la référence et pouvoir les transmettre avec plus de subtilité dans un design moins évident et plus confortable pour le personnage .

 

Tout compte fait

L'équilibre dans un design est très important, même s'il dépend principalement de vos propres goûts et objectifs pour cette tenue. Quand je parle d'équilibre, je veux dire l'équilibre des éléments de conception par taille, quantité, complexité, position et matériau.

 

La taille, la position et la quantité peuvent généralement être vérifiées plus facilement en visualisant le dessin dans une petite taille (pas plus de 5 cm de hauteur), pour voir plus clairement la silhouette et le poids des éléments de la tenue. Dans cet exemple, j'ai essayé de concevoir des tenues basées sur des formes douces et circulaires. Bien sûr, le choix de la mise en valeur dépend de vos goûts ou de vos objectifs!

 

De plus, le même design peut changer complètement en modifiant simplement la taille de ses éléments!

 

Considérez que la partie la plus grande ou la plus détaillée est probablement la plus frappante; bien qu'une partie spécifique puisse également être mise en évidence par contraste, de telle manière que si l'ensemble du costume est très volumineux ou détaillé mais qu'une partie lisse ou non volumineuse est laissée, elle sera vue en premier (et vice versa!) (Voir le exemple de La Reina de The Night ci-dessus, dans sa version à la robe large, la jupe pèse tellement que l'attention va directement à son torse).

 

Je souhaite également souligner l'équilibre entre les matières et le style choisis. Un artiste peut choisir de très nombreux éléments et les mélanger dans une seule tenue, mais cela ne fonctionnera correctement que si ces éléments sont équilibrés dans le design. Trop de mélange crée du désordre et rend la conception difficile à interpréter. Examinons un exemple combinant les éléments stéréotypés des Amérindiens (tels que les ornements de plumes), un kimono japonais traditionnel, une armure européenne et des pièces de robot.

 

 

1) Dans la première esquisse, le plus gros inconvénient est que les éléments ne sont pas intégrés les uns aux autres. De plus, certains sont à peine visibles. Il s'agit alors de réaliser une intégration qui montre tous les éléments que l'on veut montrer.

 

2) Dans le deuxième croquis les éléments sont un peu plus intégrés, j'ai combiné les plumes avec la partie robotique du personnage. À son tour, la partie d'armure peut être facilement combinée avec la partie robotique. Le kimono n'est pas encore totalement intégré.

 

3) Dans ce cas, j'ai minimisé les éléments d'armure tribaux et européens, pour les inclure directement dans la partie robot. Cette simplification et réduction des éléments permet également une meilleure lecture de la figure.

 

Cependant, tous ces éléments que j'utilise sont très difficiles à combiner et il est très vrai que parfois il vaut mieux GARDER LA SIMPLE. Choisir seulement deux éléments fondamentaux, et peut-être un troisième pour les détails, suffit pour réaliser un design original et il ne sera pas si difficile de faire intégrer vos éléments.

Et encore plus IMPORTANT: si un élément ou un ensemble d'éléments du même thème peut être complètement supprimé de votre conception, et que la conception fonctionne bien de la même manière; signifie que ces articles n'étaient PAS REQUIS!

 

Un exemple simple de ceci peut être le concept "Sirena Punk". L'astuce ici était d'adapter l'esthétique Punk à un personnage qui vit sous l'eau. Quels matériaux utiliseriez-vous? Et aussi, dans la partie sirène, quel poisson correspond le mieux à l'esthétique Punk? C'est dans ces types de questions que l'intersection entre la conception des costumes et la conception des personnages est la plus visible.

 

À propos de la couleur

La couleur est l'un des premiers éléments que nous percevons et elle a beaucoup de SIGNIFICATION en elle-même. Lorsqu'ils recherchent des références, il est essentiel qu'ils sélectionnent les couleurs qui représentent le mieux la chose ou le concept qu'ils utilisent comme référence. Gardez toujours à l'esprit que chaque culture a une imagination collective qui donne un sens aux couleurs de manière particulière, et qu'essayer de changer ces règles établies peut être très risqué. Par exemple, si vous vouliez concevoir quelque chose à base de Feu, bien qu'il y ait des incendies de couleurs très différentes (même vertes!), Il est plus probable que cela soit compris plus rapidement si des couleurs orange ou bleuâtres sont utilisées, car nous l'avons déjà concept incorporé avec ces caractéristiques.

Dans ce cas, bien que l'image soit la même, le feu peut être interprété dans celui de gauche mais, en changeant la couleur, celui de droite pourrait être davantage interprété comme du poison.

 

D'autre part, créez une STRUCTURE DE COULEURS qui vous aide à penser à une hiérarchie cohérente de tons. L'idéal est d'assembler des palettes de couleurs réduites et de les établir en fonction de leur dominance.

Trouvez une couleur dominante, une couleur subordonnée et une pour les accents ou les détails. La couleur dominante est celle qui se trouve en plus grande quantité dans une image et «encadre» ou met les autres couleurs en contexte; la couleur subordonnée se retrouve dans une moindre mesure que la couleur dominante mais dans une plus grande mesure que l'accent; l'accent est la couleur qui est en plus petite proportion et qui aide à marquer les points importants ou les détails de l'image, indiquant un itinéraire.

 

Chacune de ces catégories de couleurs peut être composée de plusieurs tons similaires, le truc est qu'ils ne sont pas trop éloignés les uns des autres pour maintenir l'harmonie.

 

Lors de la visualisation des images de référence, choisissez et appliquez les couleurs en fonction de ce schéma. Par exemple:

 

Maintenant que nous savons quoi et comment rechercher des références, voyons comment les utiliser!

 

Des fleurs et des plantes

Ici, le plus important est de prendre en compte la forme des pétales et des feuilles, les textures, les taches et les couleurs. Pensez à faire plusieurs tests pour être en mesure de mieux choisir l'aspect "végétal" que vous souhaitez donner à la tenue, et aussi de considérer quel type de personnage la porte: élégante, féerique, fleuriste? Voyons quelques exemples!

Des animaux

Ici, le plus important est de considérer les éléments qui font d'un certain animal cet animal et non aucune autre similitude. Quelles pièces sont les plus représentatives? Par exemple, si nous voulons dessiner un personnage basé sur un papillon de nuit, le type d'antenne, la texture et l'emplacement de sa «fourrure», la forme et la taille de ses ailes et de ses yeux, seront les éléments les plus représentatifs qui le différencient, par exemple, d'un papillon Rappelez-vous aussi l'exemple du tigre ci-dessus!

À partir de styles existants (modes, styles picturaux, architecture, etc.)

Ici aussi, il est essentiel de noter quelles sont les principales caractéristiques de chaque style ou moment historique ... quelles sont les couleurs utilisées? quel genre de formes? quels thèmes se reflètent dans ce travail?

Par exemple, si vous vouliez baser une tenue sur l'une des peintures emblématiques de Mondrian, vous utiliseriez des lignes droites, des couleurs primaires, une texture lisse ...

 

 

Si vous souhaitez confectionner la tenue pour un moment précis, vous devez étudier très bien la coupe des vêtements, les types de tissus, les accessoires ... L'exemple suivant est un dessin que j'ai réalisé pour l'opéra "La Traviata", basé sur sur le livre d'Alexandre Dumas "La Dame aux Camélias" de 1848. Pour cela j'ai dû très bien étudier les vêtements et les coiffures de cette époque, pour pouvoir représenter fidèlement une jeune femme de la haute société de l'époque, et je également lié à la fleur mentionnée dans le livre (Camellias). Et soyez prudent lorsque vous prenez des références de séries ou de films! plusieurs fois, les licences créatives sont prises en dehors de la précision.

 

De manières simples

Si la conception à partir d'une référence plus définie n'est pas votre truc, vous pouvez commencer directement par essayer des formes géométriques simples. Les combinaisons d'une ou plusieurs de ces formes rendent la tenue qui est rendue simple mais facile à lire, alors qu'il est difficile pour elle de donner lieu à quelque chose de non harmonieux.

 

D'une sensation (pointue, dangereuse, gentille, douce, heureuse, dure, etc.)

Dans ce cas, l'important est d'identifier quelles formes, couleurs et matériaux sont généralement associés à chaque sensation ou caractéristique. Recherchez des références à de vraies personnes ou personnages que vous associez au sentiment que vous voulez que votre design transmette.

 

Par exemple, si vous voulez donner l'impression que le personnage est élégant, en général vous associez cols de fourrure, chapeaux, vêtements formels et bien coupés, propreté, accessoires discrets, etc. Dalmatians), Beth de «Queen's Gambit» (série Netflix), White Diamond (Steven Universe) ou Miranda Priestly (film «Le diable porte Prada»). Dans cette variété de personnages si différents, la question qu'il faut se poser est de savoir quelles sont les caractéristiques qui se répètent dans chacun d'eux et qui véhiculent l'élégance?

 

Dans cet exemple, j'ai également renforcé l'idée d'élégance du personnage avec un cadre ovale, souvent associé à des portraits historiques de personnes de la haute société.

 

À partir d'un personnage existant (description, adaptation à un autre style ou type de corps)

Cette affaire est plus proche de la conception des personnages, mais faites très attention à ne pas voler la conception de quelqu'un d'autre! Respectez les créations des autres! Tant qu'ils sont inspirés par les autres, DONNEZ DU CRÉDIT.

L'idée dans ce cas est de s'inspirer d'un autre personnage et de profiter de ses caractéristiques pour réaliser son propre design en hommage. Il y a différents déclencheurs dans cette section, étudions quelques exemples:

 

A) Sur la base d'une description écrite: dans ce cas, le travail du designer est d'interpréter cette description et de la transmettre dans son style. A titre d'exemple, j'ai des croquis de théâtre du personnage Papageno, de l'opéra "La Flûte enchantée" de Wolfgang Mozart. Ce personnage est décrit comme un homme-oiseau, simple, comique, romantique et aimable.

 

B) Adaptation d'un personnage déjà conçu à un corps, un style ou un temps différent de l'original. Dans ce cas, j'ai utilisé les éléments emblématiques de Sherlock Holmes (le personnage de Sir Arthur Conan Doyle) pour caractériser (c'est-à-dire déguiser ou donner l'apparence) d'une sirène. N'oubliez pas que dans ces cas, le geste et la posture du personnage sont également très importants!

 

C) Adaptation d'un caractère d'une espèce à une autre espèce! Par exemple, lorsque des artistes créent des versions humaines de pokémon, ou même des versions humaines de drapeaux! Dans cet exemple, je vous montre une adaptation des caractéristiques du pokémon Sylveon aux vêtements de la fille.

 

À partir des points que vous souhaitez mettre en évidence à partir de la pose

Malgré tout ce que j'ai dit, souvent mon dessin commence comme une simple posture, puis je dois me concentrer sur le type de vêtement qui l'accompagne le mieux. À ce stade, il est très important d'identifier les éléments de la posture que nous ne voulons pas perdre en se cachant avec la tenue, alors que nous devons considérer quel type de vêtement favoriserait le mieux le sens de la posture ou du mouvement. (J'ai marqué en orange les lignes qui m'intéressaient le plus à maintenir et à renforcer avec des vêtements) Il est très utile de considérer la silhouette, pour que les vêtements ne gênent pas la lecture de la posture.

Si vous regardez de plus près, chaque accessoire de costume respecte la silhouette des lignes que j'ai marquées en orange dans le dessin de base.

 

Partir d'un concept

Le mot «concept» est un peu large, mais je veux dire quand vous prenez une idée concrète et définie pour commencer à concevoir. Une idée qui parle aussi beaucoup du personnage, surtout quand on parle des intérêts et des métiers qu'il a.

Par exemple, le design suivant est créé à partir du concept "Ninja Cat". Ce qui me donne déjà un guide pour le type de vêtements et de compétences que le personnage aura, ainsi que des lignes directrices pour la conception de son corps. Sur cette base, j'ai fait des recherches sur les tenues de ninja traditionnelles et appliqué cela à la conception du personnage que j'avais à l'esprit. De plus, dans ce cas, la tenue complète la forme de votre corps.

 

La meilleure chose dans ces cas est de faire plusieurs croquis qui aident à prendre des décisions. Dans cet autre cas, mon concept initial était «Renard magique dont la tenue a des nœuds et des volants».

 

Je recommande vivement de dessiner le corps du personnage que vous créez comme mannequin pour pouvoir effectuer divers tests de conception de costumes! Ces tests m'ont donné suffisamment de variété pour réaliser un design qui combine plusieurs éléments de différentes propositions et arriver au résultat suivant:

 

À propos du processus de conception

Alors, passons en revue ce que nous avons vu jusqu'à présent et voyons comment et quand appliquer chaque concept. C'est la méthode qui a été la plus utile et la plus efficace pour moi. N'oubliez pas que cela fonctionne également pour la conception des personnages et des créatures en général !! Je vais vous montrer à titre d'exemple du processus complet un de mes travaux pour l'Université.

 

1) Définissez la source d'inspiration (photos, dessins, poses, personnages, etc.). Dans ce cas, le premier point de départ était l'œuvre de l'artiste du XIXe siècle: William Morris. Cet artiste a beaucoup travaillé avec du papier peint et des tissus d'ameublement qui combinaient principalement des fleurs et des fruits. Je voulais incorporer des animaux fantastiques dans cette formule.

 

2) Sélectionnez pour vous les aspects les plus représentatifs ou les plus intéressants de cette référence (formes, couleurs, détails, textures, etc.). Le résultat de mes recherches m'a amené à réaliser ce motif pour tissus, en profitant des taches pour chercher des figures. Cette toile a servi d'inspiration et de base à la conception de la tenue et du personnage.

3) Faites plusieurs petits croquis en combinant les éléments du point précédent de différentes manières. L'idéal est de faire un minimum de 3 versions, d'avoir le choix. Ils peuvent en profiter pour concevoir des personnages très différents, ou des tenues différentes pour le même personnage!

4) Sélectionnez l'esquisse que vous aimez le plus et agrandissez-la; ou choisissez et combinez les éléments que vous préférez parmi les croquis pour en créer un nouveau, plus grand et plus détaillé. Dans ce cas, après avoir sélectionné les éléments que je voulais à partir de la référence d'origine, je me suis concentré sur le dessin de différents types de personnages.

5) Effectuez plusieurs tests de couleurs sur le design que vous avez choisi. J'ai pris mon croquis préféré et j'ai fait des tests de couleur très rapidement, voulant transmettre à la fois nature et mystère, et aussi profiter des couleurs du tissu d'origine (La photo n'est pas de très bonne qualité, mais j'ai utilisé du noir, du vert, encre rouge et violette).

6) Et après tout ça, nous sommes prêts à faire le dessin final, avec les éléments bien définis! J'ai fait deux versions en tant que Concept Art pour le personnage. J'ai déjà abandonné la pose qui rend la forme du vêtement parfaitement visible, et je me suis concentré à montrer les mouvements du personnage lorsqu'il le porte.

• Dessin réalisé à partir d'un croquis complet:

 

 

• Dessin réalisé à partir de la combinaison de croquis:

Outils utiles de Clip Studio pour concevoir et dessiner des tenues.

1) Modèles 3D: n'oubliez pas que c'est disponible! Avant de dessiner la pose finale, qui peut être très déroutante, nous pouvons gagner du temps en concevant les tenues avec des modèles 3D pré-réalisés de Clip Studio. Suivez les étapes numérotées suivantes pour localiser les modèles 3D inclus dans le programme. Pour les intégrer dans le canevas, vous devez cliquer sur le modèle choisi et le faire glisser sur le canevas.

N'oubliez pas également que vous pouvez modifier les formes et les proportions de ces modèles jusqu'à ce qu'ils ressemblent à des personnages fantastiques! Pour effectuer ces modifications, ils doivent sélectionner l'icône «Ajuster la forme du corps et la taille de la figure en 3D en détail» qui apparaît à droite dans la barre d'icônes de modification du modèle 3D.

C'est le mannequin parfait à concevoir sans même se soucier de la posture ou des proportions! Et, bien sûr, il sert également de mannequin pour la position du personnage lui-même ... Si vous avez besoin de plus de détails sur la façon de modifier, d'appliquer et d'enregistrer ces modifications avec plus de précision, vous pouvez le voir beaucoup plus développé dans mon Tutoriel "Fantasy Character Design", disponible sur mon profil Clip Studio!

Vous pouvez obtenir des résultats comme ceux-ci et bien plus extrêmes aussi!:

 

2) Pinceaux préconçus: chaînes, volants, nœuds.

Clip Studio a un grand nombre de ces types de pinceaux déjà intégrés par défaut. Cependant, ces pinceaux ont un aspect rigide et artificiel difficile à intégrer dans un style de dessin plus personnel. Je recommande son utilisation pour pouvoir dessiner plus facilement sans perdre, par exemple, la relation de taille entre un maillon de la chaîne et un autre. Bien sûr, n'oubliez pas que dans Assets, vous pouvez télécharger d'autres types de pinceaux, comme pour faire des fermetures éclair ou des nœuds!

 

3) Motifs pour tissu: Clip Studio a incorporé plusieurs motifs, très utiles pour donner de la variété aux vêtements sans devenir fou de géométrie! Dans Assets, vous obtenez également de nombreux beaux modèles de vêtements! Vous pouvez voir le tutoriel "Brosses à atouts pour le tissu, les arrière-plans et l'aquarelle" disponible dans mon profil pour voir mes packs de motifs préférés! Cependant, ce qui m'intéresse pour le moment, c'est que chaque motif est inséré dans l'image comme un plan lisse, sans rides ni déformations. Je pense qu'accompagner les plis et la position des vêtements avec le motif est important pour donner plus de réalisme et une impression de volume. J'ai récemment découvert un moyen d'aider à atteindre cet objectif! Avec la zone que vous souhaitez modifier sélectionnée, allez dans le menu "Edition" et cherchez l'option "Transformer" puis "Mesh Transform". Cela peut être fait sur toutes les sélections de taille!

Gardez à l'esprit que travailler en sélectionnant des zones plus petites donne plus de contrôle et de réalisme.

• N'oubliez pas que vous pouvez créer vos propres motifs et pinceaux à votre guise!

Merci et contactez:

Et ce sont là quelques (nombreuses) considérations qui peuvent aider à concevoir des tenues plus variées et polyvalentes!

Merci d'avoir lu et j'espère que cela vous a été utile !!

N'hésitez pas à me dire dans les commentaires si cette information si vous avez des critiques ou des suggestions pour m'aider à m'améliorer.

 

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