Bonjour et bienvenue à un autre tutoriel ! Cette fois, je vais me concentrer sur quelques-unes des façons de gérer et d'optimiser la coloration de vos bandes dessinées ou webtoons. Je couvrirai des sujets qui traitent à la fois des aspects théoriques et techniques. Ce dernier point – comme d'habitude – se concentrera sur les outils disponibles dans Clip Studio Paint. Commençons !

 

Si vous souhaitez voir une version vidéo de ce tutoriel, vous la trouverez ici :

Astuce n°1 : Planifiez les palettes de couleurs de vos personnages

Nous partons de zéro – avec la conception de vos personnages ! Une chose dont chaque histoire visuelle bénéficie est d'avoir des designs de personnages avec des palettes de couleurs bien pensées. Celles-ci peuvent aider à rendre les designs de personnages facilement reconnaissables.

 

J'ai défini quatre lignes directrices pour la planification des palettes de couleurs de vos personnages : Contraste, Clarté, Cohésion et Contexte. Elles fonctionnent toutes ensemble et doivent être considérées de manière holistique.

 

CONTRASTE - Vous voudrez que les couleurs principales de votre design soient facilement distinctes les unes des autres. Par exemple, si je devais donner à mon personnage Dodger une chemise plus proche de la couleur de sa fourrure et un pantalon plus proche de la couleur de sa chemise, alors son design deviendrait à la fois moins lisible et moins mémorable.

De même, il est logique de toujours choisir des couleurs contrastées pour les parties individuelles d'un personnage qui sont situées les unes à côté des autres. Dans cet exemple, j'ai donné aux chaussures de Dodger la même couleur que son pantalon. Cela se fond un peu, même avec le lineart séparant clairement ces éléments.

 

Cela ne signifie pas que vous ne pouvez pas utiliser de couleurs pastel ou désaturées dans vos designs. Mais encore une fois, le contraste et les valeurs entre chaque couleur sont importants. Voici une version pastel rapide de Dodger pour illustrer mon propos. Faites particulièrement attention à la façon dont la distinction entre le vert et le bleu est claire dans la palette de couleurs à côté des personnages.

CLARTÉ - Un autre mot que vous pourriez utiliser pour cette ligne directrice serait la simplicité. Regardons Dottie, un personnage composé de plus de couleurs que Dodger.

Le fait est que les plus grandes formes de son design sont toujours limitées à trois couleurs. Toute forme où les autres couleurs apparaissent est visuellement plus petite. J'ai également essayé de réutiliser les couleurs là où c'est logique. Par exemple, les bords foncés de sa chemise sont de la même couleur que ses chaussures. Son foulard est de la même couleur que les parties froissées de son pantalon. De plus, aucune de ces couleurs bonus n'est complètement opposée aux trois couleurs principales. Il y a des nuances de violet plus foncées et plus vives. Et même l'orange et le beige désaturés ressemblent à des variations de cet orange de base.

 

Voici un exemple de design qui n'aurait PAS de clarté :

Bien que les cheveux verts ou les chaussures roses puissent être mémorables en eux-mêmes, le design global du personnage ne l'est pas, car il est confus à regarder. Il y a trop de couleurs qui essaient d'attirer votre attention et elles ne s'harmonisent pas vraiment de manière facilement lisible. Je tiens à préciser – il n'est pas faux d'utiliser beaucoup de couleurs dans votre design ! Mais il est important de s'assurer que les couleurs principales du design d'un personnage sont claires et qu'il y a un sentiment de cohésion.

 

Par exemple, essayons d'utiliser toutes les couleurs de l'arc-en-ciel sur Dottie, mais ordonnons-les réellement dans l'ordre de l'arc-en-ciel, et simplifions un peu les choses. Cela a déjà meilleure allure, et j'espère que cela servira d'exemple rapide de la façon dont vous pouvez créer des personnages colorés tout en conservant une clarté visuelle.

Avant de passer à la prochaine directive, je tiens à mentionner un effet secondaire agréable du choix d'une quantité limitée de couleurs pour vos personnages, en particulier vos personnages principaux. Gardez à l'esprit que dans une bande dessinée, vous dessinerez et colorierez ces personnages encore et encore ! Moins vous utiliserez de couleurs pendant ce processus, plus ce sera rapide ! Croyez-moi, vous vous remercierez d'avoir gardé les choses simples.

 

 

COHÉSION - C'est un point similaire à la clarté. Si vous prévoyez de faire une bande dessinée qui montre des personnages dans une variété de tenues différentes, il peut être judicieux d'essayer de penser à une palette de couleurs étendue pour eux. Le fait est que la plupart des gens ne s'habillent pas toujours avec une ou deux couleurs spécifiques. Cependant, il y a généralement des couleurs que les gens évitent généralement et je vous suggérerais d'essayer de penser à ce que ce serait pour vos personnages.

Par exemple, voici mon personnage Sammy. Vous la verrez porter des couleurs girly comme le rose et le bleu layette, ainsi que des noirs et des gris. Cependant, il est très peu probable que vous trouviez quoi que ce soit allant de l'orange au vert vif dans sa garde-robe. Cela seul en fait également un joli contraste visuel avec le design de Dodger.

 

Ce qui m'amène à ma dernière directive...

 

 

 

CONTEXTE - Pour illustrer cette directive, examinons cette palette de couleurs simplifiée d'un personnage.

Quelqu'un pourrait être capable de deviner quel personnage ces taches de couleur sont censées représenter. Mais les interprétations pourraient varier.

Cependant, gardez à l'esprit que tout personnage existera toujours dans un contexte partagé – d'autres personnages ou peut-être même leur environnement. Alors essayons de faire cela ici.

Maintenant que nous avons ce contexte partagé, il n'y a plus d'ambiguïté ! À condition que vous soyez déjà familier avec les personnages, il est clair quels personnages les couleurs de cet exemple sont censées représenter - même si je ne tiens absolument pas compte de la forme et des proportions de ces designs.

Ainsi, lorsque vous définissez une palette de couleurs pour un seul personnage, assurez-vous de toujours garder le contexte général à l'esprit. Posez-vous des questions comme : « Les différents personnages sont-ils suffisamment distinguables les uns des autres ? », « Ces personnages devraient-ils avoir une palette similaire pour communiquer le fait qu'ils sont liés les uns aux autres ? » ou « Dois-je travailler avec des palettes opposées pour communiquer une certaine narration ? »

Astuce n°2 : Utilisez les menus Jeu de couleurs et Sous-vue

Faisons une pause dans la théorie et passons au côté technique ! Maintenant que vous avez une palette de couleurs choisie pour votre personnage, il est temps de la rendre facilement accessible pour vous-même lors de la création de vos pages de bande dessinée. Je fais cela avec deux fonctionnalités spécifiques de Clip Studio Paint : les menus Jeu de couleurs et Sous-vue.

 

Nous allons d'abord examiner le menu JEU DE COULEURS ! Si vous ne l'avez pas activé dans votre espace de travail actuel, allez simplement dans « Fenêtre > Jeu de couleurs » pour l'activer.

 

Les principaux composants de cette fenêtre sont un bouton déroulant, qui peut contenir une liste de divers jeux de couleurs, et la liste réelle des couleurs au sein de ce jeu.

Votre fenêtre peut avoir un aspect légèrement différent, car vous pouvez sélectionner différentes façons d'afficher les couleurs. Vous pouvez les choisir en cliquant sur la petite icône de barre de menu en haut à gauche et en allant à l'option « Affichage ».

Dans mon exemple, j'utilise « Liste moyenne ». Je trouve cela utile car je peux taper le nom de chaque couleur. C'est particulièrement utile si certaines couleurs sont similaires et difficiles à distinguer au début.

 

Pour ajouter une nouvelle couleur, sélectionnez d'abord la couleur dans votre roue chromatique, puis appuyez sur la petite icône Goutte de peinture +. La couleur sera ajoutée à votre Jeu de couleurs actuellement sélectionné. Vous pouvez maintenant la réorganiser, la renommer ou la supprimer.

 

Il est judicieux de créer un Jeu de couleurs pour chaque personnage récurrent de votre bande dessinée ! Vous pouvez le faire en cliquant sur la petite icône de clé en haut, ce qui ouvre cette fenêtre :

Si vous cliquez sur « Ajouter de nouveaux paramètres », vous obtiendrez un Jeu de couleurs modèle rempli de couleurs « vides ». Je préfère personnellement ne pas les avoir, alors je les ai supprimées et j'ai plutôt dupliqué des jeux de couleurs existants, en les retravaillant ensuite.

 

 

Ensuite, nous allons examiner le menu SOUS-VUE ! Si vous ne l'avez pas activé, vous pouvez le trouver sous « Fenêtre > Sous-vue ».

Ici, vous pouvez charger des images de référence à partir desquelles vous pouvez choisir des couleurs. C'est utile si vous avez créé une feuille de référence de votre personnage de bande dessinée, ou même si vous voulez simplement charger des pages précédentes où des personnages secondaires apparaissent et qui n'ont pas de feuilles de référence. Pour charger une image, cliquez simplement sur l'icône de dossier en bas et sélectionnez toutes les images de référence que vous pourriez vouloir.

 

Vous pouvez en sélectionner plusieurs à la fois, puis les parcourir. Si vous avez terminé avec une référence, vous pouvez la « supprimer ». Ne vous inquiétez pas, cela ne fait que la supprimer du menu Sous-vue. Cela ne supprime pas le fichier réel.

 

Vous pouvez également zoomer et dézoomer, vous déplacer dans l'image, ou même faire pivoter et miroiter des images. Personnellement, j'aime avoir l'option « Passer à la pipette automatiquement » sélectionnée. C'est l'icône en bas à droite au-dessus de l'icône « Supprimer ». Bien que je doive maintenant maintenir la barre d'espace pour me déplacer dans l'image actuellement chargée, cela me permet également de prélever immédiatement n'importe quelle couleur en cliquant simplement, sans utiliser de raccourcis supplémentaires. C'est un compromis équitable pour moi !

Astuce n°3 : Connaître les avantages du Pot de peinture

Passons à une autre astuce technique. Une fois que nous avons notre palette de couleurs, nous ne voulons pas perdre beaucoup de temps à essayer de colorer les personnages. Heureusement, la version de l'outil pot de peinture de Clip Studio Paint possède un tas de fonctionnalités uniques qui nous aident à y parvenir.

Pour commencer, notons la distinction entre les deux sous-outils - « Référence uniquement au calque d'édition » et « Référence aux autres calques ». Leurs noms sont assez explicites. Puisque nous voulons conserver de la flexibilité dans l'édition de notre lineart, nous allons créer un nouveau calque pour colorer notre œuvre sous le calque de lineart. Cela signifie que nous devrons utiliser la version « Référence aux autres calques » du Pot de peinture si nous voulons colorer le lineart.

 

L'option « Référence uniquement au calque d'édition » sera-t-elle jamais utile ? Bien sûr ! Personnellement, j'aime l'utiliser si je travaille avec des illustrations sans lignes sur un seul calque. Parfois, je l'utiliserai même pour ajuster les couleurs finales d'une pièce sans lignes.

 

Mais examinons les propriétés de l'outil. Celles-ci sont presque les mêmes pour les deux variations de l'outil.

Premièrement, « Appliquer uniquement aux pixels connectés ». Lorsque l'option est active, le pot de peinture fonctionne comme vous en avez l'habitude. Il va remplir la zone sur laquelle vous cliquez actuellement, comme la tête de Dodger.

Cependant, lorsque l'option est désactivée, l'outil recherchera TOUTES les autres occurrences de cette couleur particulière sur laquelle vous venez de cliquer sur le calque actuellement actif – et il les remplira également.

C'est un outil très puissant que j'active et désactive souvent. J'ai tendance à le désactiver après avoir coloré un personnage avec sa palette de base, mais ensuite je veux utiliser une palette ajustée – par exemple pour représenter les personnages dans un décor nocturne. Cela rend les ajustements très pratiques et rapides.

« Fermer l'écart » est une option très importante et vous devrez peut-être l'ajuster en cours de route, en fonction de l'œuvre que vous essayez de colorer.

Comme vous pouvez le voir dans l'exemple, une valeur de sensibilité élevée peut détecter des lacunes là où il n'y en a pas. Cependant, si votre lineart est d'un style lâche et insouciant, avoir ce même réglage peut être très précieux et vous épargner la peine de devoir fermer manuellement les lacunes avant de pouvoir utiliser l'outil de remplissage.

Ensuite, « Marge de couleur ». Cette option détermine la sensibilité de détection d'une « nouvelle » couleur. Lorsque vous travaillez avec des couleurs simples et plates, comme je le fais dans ma bande dessinée, il est logique de laisser cette valeur à un niveau bas, comme 3. Cependant, lorsque vous recolorez quelque chose qui a déjà de l'ombrage intégré, vous pourriez vouloir expérimenter avec des valeurs plus élevées pour gagner du temps.

Ensuite, « Mise à l'échelle de la zone ». C'est une autre fonctionnalité merveilleuse et étonnante que l'outil Pot de peinture n'est pas garanti d'avoir dans d'autres logiciels. Je l'ai presque TOUJOURS activée lors de la coloration de lineart. Ce n'est que lorsque je recolore des éléments que je la désactive.

 

Alors, que fait-elle ? Désactivons-la et colorons le visage de Dodger ici. Maintenant, zoomez.

Remarquez-vous le bord gris étrange autour du nez de Dodger ? C'est parce que le logiciel détecte les pixels anti-crénelés du lineart et ne remplit l'espace que jusqu'à eux. Ce qui laisse ces pixels transparents à superposer sur le fond vide. Avant d'utiliser Clip Studio Paint, je peignais manuellement sur les bords du lineart pour corriger cela. Mais avec la « Mise à l'échelle de la zone » activée, ce problème est résolu automatiquement !

Si nous baissons l'opacité du calque de lineart, nous pouvons voir l'effet de cette option illustré très clairement :

 

 

Maintenant, vous avez peut-être remarqué que vous pouvez sélectionner différentes valeurs pour la « Mise à l'échelle de la zone », ainsi que différents « Modes de mise à l'échelle », et vous vous demandez peut-être lequel choisir.

 

La valeur de la « Mise à l'échelle de la zone » dépendra de la résolution de l'image avec laquelle vous travaillez, ainsi que de la taille de la zone que vous essayez de remplir. Si la valeur est trop élevée, la couleur risque de s'étendre même au-delà du lineart lui-même.

 

Le « Mode de mise à l'échelle » qui fonctionne le mieux sera déterminé par votre style artistique ou le type de dessin. J'utilise généralement l'option « Rond », mais je vous encourage à simplement expérimenter et à trouver ce qui vous convient le mieux !

 

 

Ensuite, nous avons l'option de déterminer quels calques sont référencés lors de l'utilisation de l'outil de remplissage. Désactiver cette option revient essentiellement à utiliser le sous-outil « Référence uniquement au calque d'édition ». Quant à l'option à choisir, je la laisse toujours sur « Tous les calques ».

 

Cependant, vous pourriez également limiter les options en utilisant soit les Calques de référence, les Calques sélectionnés ou les Calques partageant le même dossier que votre calque actuellement actif. Je peux voir l'utilité de ces options si vous avez plusieurs linearts superposés actifs (comme le lineart d'un arrière-plan et d'un personnage) mais que vous ne voulez remplir que des linearts spécifiques sans d'abord masquer d'autres linearts.

 

 

« Remplir jusqu'au tracé vectoriel » est une option que j'utilise rarement. Théoriquement, elle peut vous éviter d'avoir à choisir une valeur pour l'option « Mise à l'échelle de la zone » en remplissant automatiquement la couleur jusqu'au milieu d'un tracé vectoriel. Pour que cela fonctionne, vous devez avoir dessiné votre lineart avec un calque vectoriel, ce que je recommande.

 

Le problème pour moi avec cette option est qu'elle est beaucoup plus exigeante quant à ce qu'est une forme fermée. Il est très probable que vous deviez définir l'option « Fermer l'écart » à la valeur la plus élevée possible pour qu'elle remplisse une forme qui apparaîtrait normalement fermée. Un lineart légèrement ouvert est complètement hors de question avec cette option.

 

 

« Opacité » détermine simplement la transparence de la couleur avec laquelle vous remplissez un espace.

 

« Anti-crénelage » donne une forme lisse à votre remplissage de couleur. Je vous recommande de toujours laisser cette option activée, sauf si vous essayez d'obtenir un aspect pixélisé.

Enfin, maintenant que nous avons examiné toutes les options de l'outil de remplissage, je veux aborder une fonctionnalité qui est aussi un gain de temps immense. Vous pouvez remplir des éléments simplement en cliquant et en faisant glisser. Lorsque vous avez le lineart de quelque chose comme le bord du pull de Dottie ici, c'est absolument révolutionnaire.

Cliquez simplement, faites glisser votre curseur sur toute la section à remplir, puis relâchez. Dans d'autres logiciels, vous auriez dû cliquer individuellement sur chaque carré. Pour moi, c'est l'une des raisons pour lesquelles Clip Studio Paint est devenu si essentiel à mon processus de création de bandes dessinées !

Astuce n°4 : Commencez par une « Esquisse couleur »

Passons à nouveau à la théorie ; et passons également des personnages aux arrière-plans.

 

Lorsque je colore une nouvelle scène dont je ne suis pas sûr des couleurs que je veux, j'aime créer une « Esquisse couleur ». Je le fais en créant un seul calque pour la couleur, puis en bloquant lentement la couleur avec de gros pinceaux. J'utilise de gros pinceaux pour ne pas être tenté de travailler les détails. Lorsque je crée une Esquisse couleur, je veux me concentrer sur l'ambiance générale d'une scène et en déterminer une palette de couleurs. Si je commence à penser aux détails, il est difficile d'atteindre cet objectif.

Une fois que j'ai posé les couleurs de base, je passe souvent à l'ajustement avec des outils comme la courbe de tonalité, ou les curseurs de teinte et de saturation (tous disponibles sous « Édition > Correction tonale »). J'expérimente et je bidouille simplement jusqu'à ce que j'aie à peu près ce que je recherche.

 

Parfois, je charge aussi des images de référence dans le menu Sous-vue et je les utilise comme inspiration.

 

Une fois que j'ai obtenu des couleurs qui correspondent à l'ambiance que je recherche, je peux commencer à finaliser les choses. Personnellement, j'aime recommencer « à neuf ». Cela signifie que j'enregistre l'esquisse couleur en tant que fichier jpg séparé, je la charge dans le menu Sous-vue, puis je choisis des couleurs spécifiques à partir de celle-ci pour remplir proprement le lineart. Après cela, je commence à ajouter des ombres, des effets de lumière et autres.

 

Une chose à garder à l'esprit lors de la réalisation d'esquisses couleur est que je vous recommanderais de les faire pour les plans d'établissement - des panneaux qui montrent l'environnement de la manière la plus claire possible. Prenez l'exemple du panneau de cette section. Dans ma bande dessinée, il y avait quelques panneaux dans la même scène qui apparaissaient même avant ce panneau. Cependant, ce panneau-ci montrait l'environnement général et les conditions d'éclairage de la manière la plus claire et la plus complète.

 

C'est pourquoi j'ai décidé de commencer par colorer ce panneau en premier. Maintenant que j'ai les couleurs de base déterminées, je peux me référer à ce panneau terminé dans d'autres panneaux qui représentent moins l'environnement.

 

L'avantage de cela est que vous êtes en mesure de visualiser la scène de manière holistique. Si vous deviez commencer par choisir les couleurs dans un gros plan des personnages, vous pourriez avoir du mal à conserver ces couleurs une fois que vous aurez dessiné davantage de la scène plus tard. Il est donc toujours judicieux de définir d'abord la scène.

Astuce n°5 : Transmettre des émotions avec les couleurs

Nous enchaînons directement sur cette astuce à partir de la précédente. Car l'avantage d'avoir un aspect spécifique pour une scène est que vous pouvez toujours vous écarter de ces couleurs pour obtenir un effet surprenant ou émotionnel. J'aime faire cela pour les réactions extrêmes des personnages. Voici un exemple.

 

Dans le plan d'établissement de cette scène, j'ai configuré la cuisine pour avoir une tonalité bleu sarcelle vive.

Puis, plus tard, je la romps souvent, comme ici par exemple :

En colorant cet arrière-plan d'une couleur entièrement différente, la réaction de Dodger semble beaucoup plus extrême et émotionnelle. De même, en utilisant une version plus sombre de la palette de couleurs de base de la scène, je ramène immédiatement le panneau en bas à gauche à la réalité et je rends également la situation sérieuse et menaçante.

 

Un bel effet secondaire de cette approche est que vous rendrez votre bande dessinée plus intéressante et variée à regarder, même si une scène peut se dérouler au même endroit pendant plusieurs pages.

Astuce n°6 : Colorez le lineart pour créer de la profondeur

Une chose que j'aime faire pour rendre mes bandes dessinées claires est d'utiliser une couleur de lineart différente sur mes personnages que sur mes arrière-plans. Cela garantit que même s'il y a des arrière-plans complexes et détaillés, ils ne distrairont pas les lecteurs du centre de l'action – qui sont généralement les personnages.

Bien sûr, si un personnage interagit avec quelque chose en arrière-plan, je ne le colorerai pas différemment. Pensez-y comme à l'objectif d'un appareil photo, mais au lieu que les choses soient floues, elles deviennent d'une couleur plus claire plus l'élément est éloigné.

 

Voyons comment y parvenir d'un point de vue technique. Pour colorer le lineart d'un calque entier dans Clip Studio Paint, allez dans la fenêtre Propriétés du calque et sélectionnez l'option Couleur du calque. Maintenant, vous pouvez cliquer sur le grand champ de couleur qui s'est ouvert sous l'option pour choisir une couleur. Alternativement, vous pouvez choisir une couleur en utilisant d'autres méthodes (telles que les menus Jeu de couleurs ou Sous-vue) puis cliquer sur l'icône « Pot de peinture » pour la définir comme Couleur du calque actuelle.

Si vous voulez choisir une couleur différente pour des parties spécifiques du lineart, j'aime le faire en créant un nouveau calque au-dessus du calque de lineart et en l'écrêtant au calque inférieur. Cela signifie que tout ce que je dessine n'apparaîtra nulle part où il n'y a pas déjà un dessin sur le calque inférieur.

Parfois, j'utilise plusieurs calques écrêtés pendant ce processus. J'ai tendance à le faire si je colorie tout le lineart, avec diverses sections que je pourrais vouloir ajuster en couleur pendant le processus de réglage fin. Avoir des calques individuels par section permet de gérer les choses, car je peux verrouiller la transparence de chaque calque et ensuite faire facilement des ajustements.

Une autre façon de colorer le lineart est de sélectionner des parties spécifiques du lineart avec l'outil Objet. Cela ne fonctionnera que si vous utilisez des Calques vectoriels. Pour commencer, cliquez sur un seul tracé vectoriel. Vous pouvez maintenant ajouter d'autres éléments à votre sélection en maintenant la touche « Maj » enfoncée pendant que vous cliquez sur d'autres tracés. Alternativement, vous pouvez cliquer et faire glisser pour sélectionner plusieurs tracés vectoriels à la fois. Vous devrez peut-être activer cette option au préalable. Vous la trouverez dans la fenêtre Propriétés de l'outil, sous le menu déroulant « Opération de la partie transparente » et en cochant l'option « Sélectionner la zone par glisser-déposer ». Vous pouvez sélectionner des tracés entiers ou des points de contrôle individuels.

Une fois que vous avez sélectionné le lineart que vous souhaitez colorer, vous pouvez maintenant sélectionner une nouvelle « Couleur principale » dans la fenêtre Propriétés de l'outil.

 

Personnellement, je trouve cette méthode plus fastidieuse que la précédente, mais dans certains cas, elle peut être utile et nous faire gagner du temps. Par exemple, imaginons que nous dessinions un motif en croisillons pour les vêtements d'un personnage. Nous décidons plus tard que nous voulons les lignes horizontales bleues et les lignes verticales rouges. Si nous devions peindre ces lignes manuellement, cela pourrait prendre beaucoup de temps. Cependant, avec l'outil objet, nous pouvons rapidement sélectionner toutes les lignes horizontales, puis les couper et les coller sur un nouveau calque. Nous pouvons maintenant utiliser l'option Couleur du calque pour les colorer.

Astuce n°7 : Utilisez l'ombrage avec parcimonie

Ma dernière astuce est accompagnée d'une énorme mise en garde « LE RENDEMENT PEUT VARIER ». Vous pourriez viser un look détaillé, élaboré ou réaliste dans votre bande dessinée. Dans ce cas, ce n'est peut-être pas une astuce très pertinente ! Cependant, si vous avez une bande dessinée similaire à la mienne qui présente un style visuel lumineux et cartoon, vous pouvez gagner beaucoup de temps en décidant de ne pas tout ombrager. De plus, si vous n'utilisez pas l'ombrage tout le temps, il peut alors être un outil beaucoup plus puissant pour communiquer certaines choses dans votre bande dessinée.

 

J'utilise généralement l'ombrage pour transmettre quatre choses différentes : Profondeur, Contact, Intensité et Éclairage spécifique.

Examinons-les en détail.

Premièrement, TRANSMETTRE LA PROFONDEUR. Par exemple, je pourrais avoir un personnage au premier plan et un autre personnage au loin. Pour accentuer ce sentiment de distance et de profondeur, j'ai tendance à donner de l'ombrage au personnage du premier plan pour le distinguer visuellement de l'autre personnage.

Deuxièmement, TRANSMETTRE LE CONTACT. Si je veux communiquer le fait qu'un personnage est ancré à un endroit, touche un objet ou quoi que ce soit de ce genre, je peux utiliser l'ombrage pour le faire. Cela peut être aussi simple qu'une ombre portée sur le sol, ou une ombre projetée par un objet qui est poussé contre un personnage.

Troisièmement, TRANSMETTRE L'INTENSITÉ. Étant donné que ma bande dessinée n'est généralement pas ombrée, le fait d'avoir soudainement de l'ombrage peut faire ressortir certaines scènes. Cela peut donner aux scènes dramatiques un sentiment encore plus dramatique. De même, si votre bande dessinée est principalement ombrée, vous pourriez obtenir la même chose en n'ayant soudainement AUCUN ombrage.

Quatrièmement, TRANSMETTRE UN ÉCLAIRAGE SPÉCIFIQUE. Parfois, je pourrais vouloir transmettre la présence d'une source de lumière spécifique dans une scène, comme, par exemple, une lampe de poche. Dans ces cas, j'utilise généralement l'ombrage sur toute une scène, sur plusieurs panneaux, comme vous pouvez le voir dans cet exemple. Faites attention à la façon dont j'utilise maintenant un manque d'ombrage pour distinguer le panneau « dramatique ».

La Fin

Voilà ! J'espère que ces astuces vous ont aidé à découvrir de nouvelles façons de concevoir la couleur dans votre bande dessinée, ou vous ont appris de nouvelles méthodes à utiliser dans Clip Studio Paint. Si vous avez des questions sur les sujets que j'ai abordés dans cette vidéo, n'hésitez pas à laisser un commentaire ! Je suis toujours ravi d'aider.

 

De plus, si vous avez apprécié l'art de ce tutoriel, pourquoi ne pas jeter un coup d'œil à ma bande dessinée ? :)