Présentation et Matériaux :

Bonjour à tous, bienvenue. J'espère que vous allez tous à merveille, je suis Arondoly (nunFalco) et dans ce tutoriel, je vais vous partager mon processus de création d'un personnage que je développe pour l'une de mes histoires, j'espère que ce tutoriel vous sera utile.

 

Voici mon Brush Set Basique que j'ai utilisé pour cette pièce :

À propos du personnage : Qui est-il ?

 

Son nom est Neffka Loran et c'est un personnage d'une des histoires que j'écris. Quand je donne un nom à un personnage, j'ai l'impression qu'une partie de sa personnalité s'y reflète. Quand j'essaie de créer quelque chose à partir de zéro, je cherche à donner un titre pour que ce titre stimule mon imagination, car créer à partir de zéro peut être un monde infini, alors nous essayons de délimiter certains points pour pouvoir donner forme à notre idée.

Ce personnage est quelqu'un avec beaucoup de "grâce" qui se déplace peut-être comme une danseuse pendant qu'elle est en combat. J'ai créé une chanson il y a quelque temps appelée "Dancer" avec l'idée d'une de ses scènes de combat, essayant de raconter musicalement une petite histoire... peut-être que l'écouter pourrait vous aider à mieux percevoir mon idée.

 

Neffka est une humaine qui, avec son partenaire, devient une voyageuse interstellaire et, avec ses capacités magiques et technologiques, protège d'autres êtres des invasions. Ceci n'est qu'un bref résumé de qui elle est, nous pourrions essayer d'approfondir, mais pour cette fois, nous en resterons là.

Line art

Pour commencer, nous utiliserons un calque vectoriel. La différence entre un "calque de pixellisation" et un "calque vectoriel" est qu'en dessinant avec la plume, nous pourrons modifier les lignes comme s'il s'agissait d'un vecteur, ce qui nous permet de modifier tout ce que nous dessinons sans perdre en qualité et de manière plus facile.

 

Comme pinceau, j'utilise la Plume : G Réelle.

Pour modifier la ligne, nous pouvons aller dans la correction de ligne, ce qui nous permettra de modifier l'emplacement de chaque point et nous aurons également accès à plusieurs fonctions qui peuvent nous aider à perfectionner notre ligne, mais je ne vais pas approfondir ce sujet car il n'a pas été nécessaire de l'utiliser, mais je pense que c'est une fonction que nous devons connaître. Dans mon cas, je ne fais que m'habituer à son utilisation et je l'utilise donc rarement.

Je dois dire que si vous voulez devenir un véritable créateur de personnages, je vous recommande d'étudier beaucoup l'anatomie humaine, car c'est sur ses principes que se base la création de la fantaisie, déformant notre réalité au point que nous le souhaitons, mais si nous ne connaissons pas les bases, il nous sera difficile d'exploiter ce domaine. Je vous recommande également de dessiner en vous basant sur de nombreuses références (photos, images de vos artistes préférés, etc.) avant d'essayer de le faire à partir de l'imagination, car je considère que nous avons d'abord besoin de références dans notre mémoire pour pouvoir créer une posture à partir de rien.

 

Pour créer un personnage de combat, je pense que nous devons créer une posture dynamique qui évoque le mouvement et montre l'habileté qu'aurait un personnage de combat.

 

Voici mon processus en gardant cette idée à l'esprit :

Ce fut mon premier croquis où je pense que notre pose suit cette direction de mouvement.

En suivant une courbe comme celle-ci, je sens que le corps fait percevoir une énergie de mouvement qui n'est peut-être pas tout à fait claire, si elle se déplace d'un saut ou si elle est debout sur le sol dans cette posture, mais en l'aidant avec les bras, j'essaie de faire en sorte que l'on puisse distinguer un peu de mouvement. Quoi qu'il en soit, nous essaierons de rendre cela plus clair en ajoutant quelques détails plus tard.

 

Mon idée est qu'elle saute vers notre gauche.

Suite à mon premier croquis, je crée un calque au-dessus et dessine avec une couleur plus intense. N'oubliez pas que vous pouvez baisser l'opacité du calque que vous utilisez comme référence pour pouvoir différencier un trait de l'autre.

Dans ce prochain croquis, j'essaierai de lui donner un peu plus de forme, alors cette fois j'essaierai de placer le costume et un peu plus de détails.

J'ai répété ce processus jusqu'à obtenir une base légèrement mieux détaillée. Je n'étais pas sûr de vouloir un line art parfait car j'avais en tête qu'au final je ne voulais pas de line art, mais seulement qu'il serve de référence.

Remplissage

L'étape suivante a été de remplir de couleur avec des calques de pixellisation, en créant un calque pour chaque partie qui, selon moi, nécessitait sa propre couleur. J'ai commencé par le faire en niveaux de gris pour ensuite le colorer avec l'outil d'équilibre des couleurs.

 

J'ai utilisé mon pinceau "Hard Round" pour ne pas avoir de modifications de couleur à chaque coup de pinceau et simplement remplir.

D'abord, la peau

Ensuite, les vêtements

Et ensuite les cheveux, les objets et la "magie" dans sa main.

Lumière et ombre

L'étape suivante consisterait à ajouter des ombres et des lumières pour donner une plus grande sensation de volume. Malheureusement, je ne maîtrise pas encore ce sujet, alors tout au long de la peinture, je modifie les détails qui me semblent nécessaires. Je vois beaucoup d'artistes être très précis lorsqu'ils font cela étape par étape, mais je pense que c'est une question d'expérience, donc souvent les étapes se combinent... au final, nous essayons d'éliminer le line art, alors nous créons les détails qui nous semblent les plus importants pour donner forme à ce que nous cherchons.

 

Nous allons créer des calques de pixellisation un calque au-dessus de nos calques de couleur/remplissage et nous allons "Ajuster au calque inférieur". Cela nous permet de ne pas sortir des pixels que nous avons déjà placés. Nous pourrions également utiliser le verrouillage de pixels, mais dans ce cas, j'ai préféré l'utiliser ainsi car je devais encore apporter quelques modifications à notre tracé de base, et cela nous permet également de modifier le type de calque et son opacité, nous donnant plus d'options.

L'étude de la lumière et de l'ombre pour donner du volume peut beaucoup nous aider à comprendre quelle partie ombrer et quelle partie ne pas ombrer. Dans ce cas, nous utilisons seulement quelques ombres simples pour donner l'impression que notre corps a du volume. Si vous avez des difficultés avec cela, je vous recommande de faire des études avec des figures de base comme des cubes, des sphères, etc.

À l'étape suivante, j'ai désactivé le line art et, avec le guide que nous avons, nous nous sommes concentrés sur la façon de donner à tous ces détails la forme correcte et de voir le volume que nous recherchons. Lorsque nous retirons le line art, nous remarquons plus de détails, nous pouvons donc les affiner à notre guise.

Avant :

Après :

Colorisation

Nous combinerons les calques pour affecter également nos lumières et nos ombres. À partir de là, si nous devons continuer à modifier, nous utiliserons l'outil "Verrouiller les pixels" pour tous les détails que nous souhaitons ajouter.

J'ai maintenant sélectionné mon calque "PEAU" pour donner de la couleur à la peau en utilisant l'outil de correction tonale "Équilibre des Couleurs". Je vous recommande d'expérimenter pour trouver le résultat que vous recherchez. Je voulais une palette de couleurs entre les roses et les bleus, alors j'ai cherché un teint légèrement rosé.

J'ai également utilisé l'outil Teinte/Saturation pour ajuster légèrement notre luminosité et notre saturation, car si vous coloriez directement, la Teinte peut sembler très saturée et vous pourriez vouloir un peu plus de blanc (luminosité).

J'ai fait cela avec tous les calques jusqu'à obtenir ce résultat.

Comme les niveaux que j'utilisais étaient très subtils et que je cherchais un peu plus de contraste entre les ombres et les lumières, j'ai utilisé l'outil de correction tonale "Correction des niveaux". Cet outil nous aide à créer plus de contraste entre notre ton le plus clair ou le plus foncé.

Fond

La vérité est qu'un bon arrière-plan peut faire ressortir notre personnage, mais avec l'idée d'utiliser le flou pour notre arrière-plan, je n'ai pas voulu trop le détailler. J'ai donc commencé à esquisser quelques idées.

C'est un petit détail qui fait ressortir davantage notre personnage de l'arrière-plan. J'ai placé un contour rose autour du costume avec cette idée, et aussi en pensant que cela pourrait signifier que le costume émet une sorte de lumière ou d'énergie. Ce costume est une sorte de nano-technologie qui peut se reconstruire et se modeler selon nos désirs. J'ai donc pensé que ce petit détail lui irait bien. Son arme dans son bras droit est comme un boomerang du même type de technologie, elle peut être modifiée pendant le lancer et peut-être même brûler comme un sabre laser de "Star Wars". Dans sa main droite, il y a quelque chose qui ressemble à un sortilège qui ouvre comme le vide... qui est aussi sombre que l'immensité que nous voyons dans l'espace où nous ne voyons "rien". J'aime dire que c'est aussi sombre que le "rien ou le tout".

 

Cette bataille se déroule dans une forêt, alors j'ai placé quelques arbres, des feuilles, de l'herbe et un ciel bleu, mais les ciels s'illuminent d'une teinte différente sur cette planète, alors ils ont fini par être d'une couleur rosée pour avoir une cohérence avec la palette de couleurs que nous avons utilisée jusqu'à présent. Nous le modifierons donc plus tard.

Lumière ambiante

La lumière ambiante est toute la lumière qui vient de notre environnement. Dans cet exemple, le ciel a fini par être un peu rosé, donc notre lumière et notre ombre iront un peu dans ces tons, mais nous avons aussi l'herbe autour, alors j'ai utilisé un peu de cette teinte pour les ombres, qui est la faible lumière qui rebondirait de notre environnement. C'est quelque chose que j'ai appris récemment, alors je cherche à l'appliquer dans mes pièces, mais il reste encore un long chemin à parcourir pour maîtriser le sujet.

 

Nous créons des calques au-dessus de notre personnage et les ajustons pour créer cette ombre. Nous pouvons ainsi changer le mode de calque, que nous avons utilisé en mode "assombrir" dans ce cas, et baisser l'opacité à notre guise. Ainsi, nous atténuons la lumière que notre personnage reçoit. Pour tout cela, nous avons utilisé le pinceau "Soft Round" pour qu'il soit légèrement estompé.

Nous avons atténué l'opacité du calque et modifié un peu la couleur avec l'outil de correction tonale "teinte saturation" et nous avons obtenu ce résultat :

Flou d'arrière-plan

Pour l'arrière-plan, comme je l'ai mentionné, j'ai décidé dès le début que j'utiliserais le filtre "flou gaussien", alors nous avons appliqué ce filtre à notre arrière-plan à environ 86.39. Cela peut varier selon ce que vous recherchez : plus le flou est important, plus votre personnage ressortira, mais l'arrière-plan peut aussi disparaître complètement, et ici nous voulons toujours conserver l'idée que nous sommes dans une forêt.

Résultat

Flou sur le personnage

Nous dupliquerons nos calques du personnage pour les combiner ensuite en un seul calque et nous lui appliquerons le même flou, mais de manière plus subtile, peut-être à 35-40. Vous pouvez également essayer les différents types de filtres pour obtenir d'autres types de résultats intéressants. Nous effacerons cette couche dans la partie où nous voulons de la netteté afin que la couche inférieure montre l'élément complètement normal (net). Dans ce cas, nous verrons Neffka entièrement nette sur son visage et une partie de son torse.

 

Entièrement flouté :

Nous effaçons avec notre pinceau "Soft Round". Si vous le souhaitez, vous pouvez utiliser un masque d'écrêtage pour ne rien perdre et pouvoir supprimer ou ajouter ce dont vous avez besoin. Pour cela, nous sélectionnons simplement notre calque et appuyons sur le bouton "Créer un masque d'écrêtage" et nous verrons un calque devant notre calque, c'est sur celui-ci que nous devons "peindre" pour supprimer ou ajouter ce que nous voulons.

Nous allons d'abord dupliquer notre calque de personnage que nous avons utilisé pour le flou. Ici, nous n'aurons pas besoin du masque d'écrêtage, vous pouvez donc le supprimer. Nous le plaçons en dessous et nous ajouterons, avec le pinceau "Smudge", un peu de lumière pour accentuer le mouvement de notre personnage. Ce pinceau traîne la peinture de la couleur où nous nous plaçons. Ainsi, avec la duplication, j'ai juste dû faire glisser un peu la couleur des bords vers la droite pour que la couleur que nous avons dans chaque partie semble un peu déformée comme floue, cet effet qui est créé lorsque nos yeux voient quelque chose qui bouge très vite.

 

Vous pouvez utiliser la quantité de peinture à 0 pour faire glisser uniquement de la peinture ou ajouter de la peinture pour que ce soit un mélange entre la peinture du pinceau que vous avez choisi et celle de l'arrière-plan où vous utilisez le pinceau.

Dans ce cas, j'ai ajouté un peu d'obscurité aux coins, cet effet que l'on voit parfois au cinéma qui nous donne l'impression de voir à travers les yeux de quelqu'un d'autre, comme si c'était nous qui voyions réellement le personnage, ceci afin que la focalisation soit encore plus dirigée vers le personnage.

Voici notre pièce finale.

J'ai réalisé une pièce alternative en ajoutant une texture que nous avons utilisée en mode multiplier et j'ai baissé l'opacité :

Nous zoomons pour voir notre texture et voici la différence :

Remerciements :

C'est un honneur si vous êtes resté jusqu'à ce point, j'espère que cela vous sera utile pour continuer à apprendre. Je considère que dans cet art, il est nécessaire de voir de nombreux points de vue pour créer notre propre processus créatif. J'ai encore beaucoup à apprendre mais je suis très heureux de partager tout ce que j'apprends avec vous. Merci à tous les lecteurs de cet article, j'espère vous revoir au prochain.