Rendu rapide pour ConceptArt

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Travailler avec le concept art ou l'art de pré-production exige que l'artiste développe des processus de travail efficaces et pouvant être reproduits encore et encore; Cela garantit une unité visuelle dans les actifs produits.

Après avoir participé à plusieurs projets de conception de jeux en créant Concept for Characters (visitez mon portfolio pour voir les exemples), j'ai synthétisé mon processus de peinture numérique dans la séquence suivante.

Le résultat est un style simple mais efficace. Il montre les volumes importants de la conception, ainsi que quelques suggestions de couleurs et de matériaux.

Dans ce tutoriel, j'utiliserai Clip Studio Paint de Celsys:

Voici ce que vous rencontrerez (ci-dessus) en ce qui concerne Concept Art for Production: plusieurs conceptions approuvées nécessitant un traitement couleur, ombre et lumière.

Au cours des années de ce type de travail, j'ai découvert que la meilleure chose à faire est de travailler sur des lots et d'utiliser une séquence d'étapes qui, à chaque étape franchie, peuvent être livrées au client afin qu'il puisse commencer à l'utiliser Production dès que possible.

En commençant par le dessin au trait, la première étape consiste à rendre toutes les zones blanches transparentes - cela se produit souvent lorsque vous travaillez avec des dessins numérisés sur papier.

Un dessin numérisé qui doit être préparé pour la coloration

Dans Clip Studio Paint, vous pouvez convertir les zones lumineuses / blanches en transparence en utilisant la fonction: MODIFIER - CONVERTIR LA LUMINOSITÉ EN OPACITÉ.

Le tracé est corrigé. Vous pouvez maintenant peindre les couleurs sur le calque ci-dessous.

La première étape du processus de rendu consiste à créer des couleurs de base FLAT.
Il existe de nombreuses méthodes de travail avec les sélections sur CSP; Le plus rapide est d'utiliser l'outil MAGIC WAND pour sélectionner la zone extérieure du dessin, puis inverser et remplir.

** IMPORTANT: à ce stade, réduisez autant que possible l'opacité du traçage linéaire; le rendre suffisamment visible pour que vous puissiez juger des formes et des volumes.

Commencer avec un dessin au trait pâle aide à obtenir le rendu rendu / peintre.

Je sais que ce n’est pas «amusant», mais que l’on s’habitue à avoir (du moins, à essayer) une gestion de couche vierge dans votre dossier.
Cela vous fera gagner beaucoup de temps lorsque vous effectuez des sélections dans les étapes suivantes.

Ici, je crée un calque pour chaque partie du personnage ayant un matériau / une couleur différente.

Notez également comment la couleur * saigne * sous les lignes. Cette méthode est plus rapide que Colored the Linework une fois le rendu terminé.

CONSEIL: vous pouvez CTRL + CLIQUER sur le calque pour créer automatiquement une sélection.

Les couleurs sont importantes, mais les VALEURS sont encore plus importantes.
Dès que vous avez fini d'ajouter les couleurs de base, procédez comme suit.

Créez un nouveau calque par-dessus tout; Remplissez-le de noir; Changez le mode de fusion en couleur.

Vous verrez ce qui suit:

Notez que les valeurs sont un peu déséquilibrées: les taches sombres sur la peau sont très sombres. Vous pouvez à peine voir les flèches sur son dos et l’image manque d’un «point d’intérêt».

Dans cet esprit; ajustez la composition des valeurs sur votre image à l'aide de la commande Niveaux, Courbes ou de la propriété Valeur du réglage Saturation teinte.

Voici une image équilibrée: le point focal est plus clair sur le visage / œil du personnage.

La deuxième étape concerne le processus d’éclairage:
Créez un nouveau calque et remplissez-le de blanc / gris. Travailler les lumières avec une seule couleur est plus facile pour le cerveau.

Le premier passage de l'éclairage doit être le plus simple possible.
Pensez dans un état binaire: allumé ou éteint; 1 ou 0.

Dans l'image ci-dessous, vous pouvez voir comment j'imagine la lumière venant du haut et, chaque forme qui ne fait pas totalement face à la lumière, j'ombrise avec ma couleur Shadow Color.

Vous pouvez choisir n'importe quelle couleur pour vos ombres. mais un violet désaturé semble bien fonctionner si vous voulez une image bien équilibrée (Warm Light vs. Cool Shadow).

Évitez d'utiliser les gris et les noirs purs pour les ombres.

Lumière ou ombre, allumé ou éteint - à ce stade, supprimez la complexité des tons moyens.

Beaucoup de choses peuvent être obtenues avec deux tons (clair et foncé) uniquement; Voici un conseil pour «concevoir» les formes de vos ombres:

Évitez de couper la forme au milieu (sphère gauche); c'est ennuyeux et cela ajoute automatiquement trop d'ombre à la forme.
 
Voyez dans l'exemple (sphère droite) comment il devrait être préférable de laisser plus de lumière pour représenter la rondeur de la sphère. La conception de l'ombre est également plus agréable / dynamique.

Notez que le contraire fonctionne également: si vous voulez une scène sombre, donnez la priorité aux formes d'ombres.

Dans le second passage de Lighting, vous créerez les * Ombres d'Occlusion * - des zones où la lumière ne peut pas atteindre. Pensez aux trous, aux crevasses, au contact entre deux formes, aux plis ...

Faites-le passer sur un calque séparé pour pouvoir ajuster facilement l'opacité. J'ai utilisé l'aérographe pour créer un dégradé doux.

À ce stade, vous devriez pouvoir éteindre le dessin et voir la lecture des formulaires.

Dans cette troisième passe de Lighting, vous pouvez combiner les deux passes: lumière directe et occlusion ambiante.
J'aime ajouter la couche d'occlusion ambiante au-dessus de la couche d'éclairage direct en utilisant l'effet Multiplier. Réduire l'opacité à aprox. 50% je m'assure que l'effet n'est pas trop fort.

Deux passes d'éclairage combinées. Utilisez l'opacité du calque pour ajuster l'effet.

À ce stade, la conception a déjà une sensation sculpturale qui est très utile pour un modélisateur 3D, par exemple
Mais nous pouvons pousser ce rendu plus loin, en mélangeant certaines arêtes et transitions.

** IMPORTANT: peignez dans les tons moyens; n’ajoutez pas de complexité aux zones d’ombre. Choisissez la couleur de l'ombre et peignez les zones claires, et non l'inverse.
 

Lorsque vous peignez les demi-tons (transition entre la lumière et l'ombre), prenez en compte le type de bord que vous pouvez utiliser pour créer une forme de portrait:

Il y a des bords souples et des bords durs;

Un bord flou (sphère de gauche) est un dégradé qui montre la forme qui s'éloigne de la lumière.
Un bord dur (sphère droite) se produit généralement lorsqu'un objet bloque le passage de la lumière, créant une ombre portée.
Ce bord est plus dur au plus proche de la forme qui jette une ombre et se ramollit progressivement.

Pour peindre Soft Edges, j'utilise l'aérographe. Les arêtes dures que je peins en utilisant un pinceau rond par défaut.

À ce stade, vous pouvez également peindre une variété sur le formulaire; les textures sont plus visibles sur la zone des demi-tons; Dans l'exemple ci-dessous, j'ai gribouillé quelques lignes pour «casser» la surface lisse de la peau.

La troisième étape de cette technique consiste à associer les couleurs plates à l’éclairage.
Ici, vous apprendrez un truc très cool:

La méthode courante pour combiner ces calques consiste à placer le calque / groupe d'éclairage * au-dessus * du calque de couleurs fond / plat et à utiliser le mode de mélange Multiplier.

Mais voici le résultat:

Couche d'éclairage AU-DESSUS de la couche de coloration plate; résultat sombre et boueux.

Pour rajouter les couleurs au mélange * sans * perdre la forme, vous pouvez procéder comme suit:

- Créez une copie des couches de couleurs plates / de base.
- Ajouter en haut de la pile de calques
- Changez le mode de fusion de ce calque en GLOW DODGE.

Voir dans l'image ci-dessous ma pile de calque.

Voyez comment les couleurs sont plus vives * pendant que * l'éclairage se lit toujours.

Pour pousser plus loin l'éclairage / la couleur, vous pouvez répéter le processus et ajouter un autre calque en mode Glow Edge pour éclaircir / saturer l'image un peu plus.

Voici le résultat sans ajustement:

Le résultat devrait être beaucoup trop fort;
Vous pouvez maintenant créer un MASQUE sur ce calque, le remplir d'une couleur transparente (masquer) et Peindre dans le masque pour afficher les surbrillances.

Cela semble plus difficile que ce n'est. Cette technique supprime le facteur de décision de votre tête: "À quelles couleurs doivent ressembler mes lumières / ombres?" -

Voyez comment j'utilise cette technique pour apporter les points forts et les accents des formes

Oh. Important. Si vous présentez des personnages, VEUILLEZ ajouter un plan au sol en utilisant une ombre.

Cela aide à "mettre à la terre" la conception sur la page.

Nous approchons de la finale.
Vous pouvez pousser plus loin les textures et les reflets de certaines surfaces à l’aide d’un pinceau arrondi et à contour net.

Quelques taches sur la peau pour montrer sa rugosité ou un éclat brillant, longue lueur sur le cor / yeux pour montrer que sa surface est lisse.

IMPORTANT: n’ajoutez pas trop de rehauts à l’image. Cela briserait l'illusion d'une lumière douce et diffuse.

En ce qui concerne les faits saillants, moins vous l’utilisez, plus le résultat est efficace.

Enfin, voici une autre astuce:

Créez une copie de toute l'image (sans l'arrière-plan) à l'aide de l'option FUSIONNER VISIBLE SUR UNE NOUVELLE COUCHE.

Utilisez le filtre FILTER-BLUR-GAUSSIAN BLUR pour simuler un effet de flou. ..

Maintenant, utilisez un MASQUE pour masquer et peindre dans l'image floue; avec cette technique, vous pouvez simuler un effet de profondeur de champ en laissant certaines parties de l'image plus nettes (celle-ci se rapproche du champ de la caméra, par exemple).

Voir le résultat final ci-dessous:

C'est un effet subtil mais cela ajoute une couche de réalisme au rendu.

C'est tout.

Cela semble "compliqué" maintenant parce que c'est peut-être la première fois que vous voyez cette panne, mais je suis sûr que dès que vous utiliserez PRATIQUE, vous verrez que les étapes peuvent être appliquées très rapidement et logiquement.

MERCI beaucoup pour la lecture et n'oubliez pas de consulter mon site / portefeuille pour plus d'exemples d'application de cette technique à divers projets de conception de jeux sur lesquels j'ai travaillé.

** Chaque image de mon portfolio a été réalisée avec Clip Studio Paint. **

 

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