Travailler avec l'art conceptuel ou l'art de pré-production exige de l'artiste qu'il développe des processus de travail efficaces et reproductibles à l'infini ; cela garantit une unité visuelle dans les actifs produits.

 

Après avoir participé à plusieurs projets de conception de jeux en créant des concepts de personnages (veuillez visiter mon portfolio pour voir les exemples), j'ai synthétisé mon processus de peinture numérique dans la séquence d'étapes suivante.

 

Le résultat est un style simple mais efficace. Il met en évidence les volumes importants du design, ainsi que des suggestions de couleurs et de matériaux.

 

Dans ce tutoriel, j'utiliserai Clip Studio Paint de Celsys :

Ceci (ci-dessus) est ce que vous rencontrerez en matière d'art conceptuel pour la production : plusieurs designs approuvés qui nécessitent un traitement de couleur, de lumière et d'ombre.

 

Au fil des années à faire ce type de travail, j'ai découvert que la meilleure chose à faire est de travailler par lots et d'utiliser une séquence d'étapes qui, à chaque étape terminée, l'œuvre peut être livrée au client afin qu'il puisse commencer à l'utiliser en production dès que possible.

En commençant par le dessin au trait, la première étape consiste à rendre toutes les zones blanches transparentes - cela arrive souvent lorsque vous travaillez avec des dessins scannés sur papier.

Un dessin scanné qui doit être préparé pour la coloration

Dans Clip Studio Paint, vous pouvez convertir les zones claires/blanches en transparence en utilisant la fonction : ÉDITION - CONVERTIR LA LUMINOSITÉ EN OPACOTÉ.

Le dessin au trait est corrigé. Vous pouvez maintenant peindre les couleurs sur le calque ci-dessous.

La première étape pour commencer le processus de rendu est de créer des couleurs de base PLATES.

Il existe de nombreuses méthodes pour travailler avec des sélections sur CSP ; la plus rapide est d'utiliser l'outil BAGUETTE MAGIQUE pour sélectionner la zone extérieure du dessin, puis d'INVERSER et de REMPLIR.

 

**IMPORTANT : à ce stade, réduisez l'opacité du dessin au trait autant que possible ; rendez-le suffisamment visible pour que vous puissiez juger les formes et les volumes.

Commencer avec un léger dessin au trait aide à obtenir un aspect rendu/pictural.

Je sais que ce n'est pas 'amusant' mais habituez-vous à avoir (du moins, essayez) une gestion de calques impeccable dans votre fichier.

Cela vous fera gagner beaucoup de temps lors des sélections dans les étapes suivantes.

 

Ici, je crée un calque pour chaque partie du personnage qui a un Matériau/Couleur différent.

 

Notez également comment la couleur déborde sous les lignes. Cette méthode est plus rapide que de colorier le dessin au trait une fois que tout le rendu est terminé.

ASTUCE : vous pouvez CTRL+CLIC sur le calque pour créer automatiquement une sélection.

Les couleurs sont importantes, mais les VALEURS le sont encore plus.

Dès que vous avez terminé d'ajouter les couleurs de base, faites ce qui suit.

 

Créez un nouveau calque au-dessus de tout ; remplissez-le de noir ; changez le mode de fusion en Couleur.

 

Vous verrez ce qui suit :

Remarquez comment les valeurs sont un peu déséquilibrées : les taches sombres sur la peau sont beaucoup trop foncées. On voit à peine les flèches sur son dos et l'image manque d'un 'point d'intérêt'.

 

Gardant cela à l'esprit ; ajustez la composition des valeurs de votre image en utilisant les Niveaux, les Courbes ou en ajustant la propriété Valeur dans le réglage Teinte Saturation.

Voici une image équilibrée : le point focal est plus clair, le visage/l'œil du personnage.

La deuxième étape concerne le processus d'éclairage :

Créez un nouveau calque et remplissez-le de Blanc/Gris. Travailler les lumières avec une seule couleur est plus facile pour le cerveau.

 

Le premier passage d'éclairage doit être le plus simple possible.

Pensez en état binaire : Éclairé ou Non éclairé ; 1 ou 0.

 

Dans l'image ci-dessous, vous pouvez voir comment j'imagine la lumière venant d'en haut et, chaque forme qui n'est pas totalement face à la lumière, je l'ombre avec ma Couleur d'Ombre.

 

Vous pouvez choisir n'importe quelle couleur pour vos ombres ; mais un violet désaturé semble bien fonctionner si vous voulez une image bien équilibrée (Lumière chaude vs Ombre froide).

 

Évitez d'utiliser les gris et noirs purs pour les ombres.

Lumière ou Ombre, Éclairé ou Non éclairé - à ce stade, supprimez la complexité des demi-teintes.

Beaucoup peut être réalisé avec seulement deux tons (clair et foncé) ; voici une astuce pour le 'design' des formes de vos ombres :

 

Évitez de couper la forme au milieu (sphère de gauche) ; c'est ennuyeux et cela ajoute automatiquement trop d'ombre à la forme.

Voyez dans l'exemple (sphère de droite) comment il serait préférable de laisser plus de lumière pour représenter la rondeur de la sphère. Le design de l'ombre est également plus agréable/dynamique.

 

Notez que le contraire fonctionne aussi : si vous voulez une scène sombre, privilégiez les formes d'ombre.

Dans le deuxième passage d'éclairage, vous créerez les ombres d'occlusion - ce sont les zones où la lumière ne peut pas atteindre. Pensez aux trous, crevasses, au contact entre deux formes, aux plis...

 

Effectuez ce passage sur un calque séparé afin de pouvoir ajuster facilement l'opacité. J'ai utilisé l'aérographe pour créer un dégradé doux.

À ce stade, vous devriez pouvoir désactiver le dessin au trait et voir les formes se lire.

Dans ce troisième passage d'éclairage, vous pouvez combiner les deux passages : lumière directe et occlusion ambiante.

J'aime ajouter le calque d'occlusion ambiante par-dessus le calque d'éclairage direct en utilisant l'effet Multiplier. En réduisant l'opacité à environ 50%, je m'assure que l'effet n'est pas trop fort.

Deux passages d'éclairage combinés. Utilisez l'opacité du calque pour ajuster l'effet.

À ce stade, le design a déjà une sensation sculpturale qui est très utile pour un modeleur 3D par exemple.

Mais nous pouvons pousser ce rendu plus loin, en estompant certains bords et transitions.

 

**IMPORTANT : peignez dans les demi-teintes ; n'ajoutez pas de complexité aux zones d'ombre. Choisissez la couleur de l'ombre et peignez les zones claires - et non l'inverse.

 

Lorsque vous peignez les demi-teintes (transition entre la lumière et l'ombre), prenez en considération le type de bord que vous pouvez utiliser pour représenter la forme :

 

Il existe des bords DOUX et des bords DURS ;

 

Un bord doux (sphère de gauche) est un dégradé qui montre la forme 's'éloignant' de la lumière.

Un bord dur (sphère de droite) se produit généralement lorsqu'un objet bloque le passage de la lumière, créant une ombre portée.

Ce bord est plus dur plus il est proche de la forme qui projette une ombre et s'adoucit progressivement.

Pour peindre les bords doux, j'utilise l'aérographe. Les bords durs, je les peins avec un pinceau rond par défaut.

À ce stade, vous pouvez également peindre une certaine variété sur la forme ; les textures sont plus visibles dans la zone des demi-teintes ; dans l'exemple ci-dessous, j'ai rapidement gribouillé quelques lignes pour 'rompre' la surface unie de la peau.

 

La troisième étape de cette technique consiste à combiner les couleurs plates avec l'éclairage.

Ici, vous apprendrez une astuce très intéressante :

 

La méthode courante pour combiner ces calques est de placer le calque/groupe d'éclairage au-dessus du calque de couleurs plates/de base et d'utiliser le mode de mélange Multiplier.

 

Mais voici le résultat :

 

Calque d'éclairage AU-DESSUS du calque de couleurs plates ; résultat sombre et boueux.

Pour réintégrer les couleurs au mélange sans perdre la forme, vous pouvez faire ce qui suit :

 

• Créez une copie des calques de couleurs plates/de base.

• Ajoutez-la en haut de la pile de calques.

• Changez le mode de fusion de ce calque en Lumière vive.

 

Voir dans l'image ci-dessous ma pile de calques.

Voyez comment les couleurs sont plus Vives *tandis que* l'éclairage reste lisible.

Pour pousser l'éclairage/la couleur plus loin, vous pouvez répéter le processus et ajouter un autre calque en mode Lumière vive pour éclaircir/saturer un peu plus l'image.

 

Voici le résultat sans ajustement :

Le résultat devrait être beaucoup trop fort ;

Maintenant, vous pouvez créer un MASQUE sur ce calque, le remplir avec une couleur transparente (masquer) et peindre dans le masque pour révéler les reflets.

 

Cela semble plus difficile que ça ne l'est. Ce que cette technique fait, c'est d'éliminer le facteur de décision de votre esprit "à quoi devraient ressembler les couleurs de mes lumières/ombres ?" -

Voyez comment j'utilise la technique pour faire ressortir les reflets et les accents des formes (tête, par exemple).

Oh. Important. Si vous présentez des personnages, VEUILLEZ ajouter un plan de sol à l'aide d'une ombre.

 

Cela aide à 'ancrer' le design sur la page.

 

Nous approchons de la fin.

Vous pouvez accentuer davantage les textures et les reflets de certaines surfaces en utilisant un pinceau rond à bord dur.

 

Quelques taches sur la peau pour montrer sa rugosité ou un long reflet brillant sur la corne/les yeux pour montrer que c'est une surface lisse.

 

IMPORTANT : n'ajoutez pas trop de reflets à l'image. Cela briserait l'illusion d'une lumière douce et diffuse.

En matière de reflets, moins vous en utilisez, plus le résultat est efficace.

Enfin, et ce n'est pas le moins important, voici une autre astuce :

 

Créez une copie de l'image entière (sans l'arrière-plan) en utilisant l'option FUSIONNER LE VISIBLE VERS UN NOUVEAU CALQUE.

 

Utilisez le filtre FILTRE-FLOU-FLOU GAUSSIEN pour simuler un effet de flou artistique...

Maintenant, utilisez un MASQUE pour masquer et repeindre dans l'image floue ; avec cette technique, vous pouvez simuler un effet de profondeur de champ en laissant certaines parties de l'image nettes (celles proches du champ de vision de la caméra, par exemple).

 

Voir le résultat final ci-dessous :

C'est un effet subtil mais il ajoute une couche de réalisme au rendu.

C'est tout.

 

Cela semble 'compliqué' maintenant parce que c'est peut-être la première fois que vous voyez cette explication détaillée, mais je suis sûr que dès que vous la mettrez en PRATIQUE, vous verrez que les étapes peuvent être appliquées très rapidement et de manière logique.

 

MERCI beaucoup d'avoir lu et n'oubliez pas de consulter mon Site/Portfolio pour plus d'exemples de cette technique appliquée dans divers projets de Game Design sur lesquels j'ai travaillé.

 

Chaque image de mon Portfolio a été réalisée avec Clip Studio Paint.

 

 

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