Bonjour et bonne année à tous !

 

Au cours de l'année écoulée, j'ai créé de nombreux tutoriels utilisant Clip Studio Paint.

Essayez de taper GraceGit dans la barre de recherche, et vous pourrez tous les voir.

 

Cependant, si vous regardez mon Instagram, je crée principalement des œuvres à l'aquarelle car j'aime son mode de fusion ! Or, en parlant de fusion, c'est assez différent avec Clip Studio Paint ou la peinture numérique.

 

Mes astuces vidéo YouTube ci-dessous vous montreront quelques techniques que j'ai apprises sur les modes de fusion dans Clip Studio Paint. Veuillez excuser mon anglais (ce n'est pas ma langue maternelle), c'est pourquoi j'utiliserai simplement des 'textes intégrés à l'image' dans certaines parties de ma vidéo.

 

 

Chapitre 1 : Qu'est-ce qu'un mode de fusion ?

En art visuel, quand on parle de fusion ; notre esprit penserait automatiquement aux couleurs ou au mélange de couleurs. Bien que ce soit également vrai, le mode de fusion en art numérique aurait un terme légèrement différent.

 

Utiliser les types de calques dans différents modes à l'intérieur de Clip Studio Paint serait la réponse parfaite.

[Pour votre information] Clip Studio Officiel a déjà partagé un guide d'utilisation des modes de fusion avec leurs astuces officielles ci-dessous.

 

Cependant, si vous souhaitez savoir comment j'utilise ces connaissances avec mon style artistique personnel de modes de fusion, n'hésitez pas à continuer à lire ce petit tutoriel et j'espère que vous apprécierez le processus. ^.^

 

Tout d'abord, je crée le document ou la toile numérique au format Instagram Reels (1080 x 1920) pixels et 300 de résolution. C'est une toile vierge de taille verticale et vous pouvez tout à fait créer votre propre taille ou vos propres dimensions, mais assurez-vous qu'elle est carrée si possible.

 

Bon alors, commençons notre leçon !

Chapitre 2 : Tracer votre propre photo

En tant qu'artiste, j'utilise souvent des lignes directrices telles que des formes de base, des structures et toutes autres caractéristiques pour commencer la conception d'un personnage. C'est une méthode assez courante dans l'art numérique et les médias traditionnels.

Dans ce tutoriel, je vais sauter les étapes fondamentales et vous montrer comment je capture mon portrait et le transforme en une illustration numérique ou une œuvre stylisée. On pourrait dire que c'est un 'avatar' ou une image de profil pour vos comptes de médias sociaux.

 

AVERTISSEMENT : C'est ma propre photo, il est donc sûr de l'utiliser conformément aux directives d'utilisation de Clip Studio Paint lors de la publication d'un tutoriel. Si vous ne me croyez pas, veuillez d'abord regarder ma vidéo YouTube ^.^

Alors...

 

Tout d'abord, créez un nouveau calque et renommez-le SKETCH\/BROUILLON ou ce que vous voulez.

 

Dans ma vidéo YouTube, j'utilise le Crayon Design ou le Vrai Crayon pour commencer à tracer ma photo, en diminuant l'opacité à 50% sur le calque de ma photo avant de faire le brouillon.

 

En abaissant l'opacité de ma photo, je peux maintenant voir clairement les contours de mon tracé de brouillon sur le calque d'esquisse\/brouillon.

C'est une bonne occasion de partager la manière légale et la plus sûre de visualiser votre propre photo en art stylisé sans l'aide d'images d'« avatars » générées par l'IA.

 

L'art de l'IA circule sur internet, cela ne m'importe pas vraiment car je pense que l'artiste humain a sa propre unicité de notre propre perspective. Cela seul ne peut être remplacé par une diffusion stable, un programme d'apprentissage automatique ou quel que soit son nom.

La seule préoccupation lorsque vous tracez votre photo ou quoi que ce soit d'autre n'est pas seulement la ressemblance, mais surtout la recherche de la meilleure caractéristique ou unicité, comme je l'ai mentionné ci-dessus.

 

Par exemple, la tenue que vous portez, la forme de votre visage, les caractéristiques spéciales comme des joues potelées, de grands yeux, un petit nez, des lèvres pulpeuses ou n'importe quoi d'autre.

Chapitre 3 : Ajout de lignes d'action

Dans la vidéo, je vous montre un peu les lignes d'action et comment vous pouvez remodeler entièrement l'œuvre après le traçage. L'ajout de lignes d'action (les lignes rouges) ajoutera une figure dynamique à votre dessin et voici une explication plus détaillée à ce sujet :

I. Faites des formes simples comme un cercle pour la tête, puis faites-le pivoter un peu.

II. J'ajuste les doigts pour qu'ils paraissent plus mignons avec la pose tenant une tomate.

III. Enfin, le corps doit être plus rond et courbé.

 

Avec 3 ajustements simples, je suis maintenant prête à encrer mon brouillon\/esquisse. Donnez simplement le contour net avec le G-Pen ou n'importe quel stylo que vous préférez sur un nouveau calque au-dessus du brouillon.

 

P.S. : J'ai retiré les doigts à droite (ceux près de la poitrine) parce que je voulais que ce soit propre.

Chapitre 4 : Couleurs plates

Dans ce chapitre, vous allez appliquer des couleurs plates à l'illustration encrée ou au contour d'encre.

 

Créez simplement un nouveau calque, renommez-le 'PLAT'.

 

Il existe de nombreuses façons de colorer après votre contour d'encre, l'une des meilleures fonctionnalités de Clip Studio Paint que vous DEVEZ connaître est : la combinaison Calque de référence + Outil Remplir.

 

Laissez-moi vous expliquer :

La vidéo YouTube vous montre où se trouvent les icônes du calque de référence et j'utilise ici la capture d'écran ci-dessus pour vous montrer exactement l'emplacement, juste au cas où.

Vous devez d'abord choisir le calque ENCRE, cliquer sur l'icône pour le définir comme Calque de référence, puis aller sur votre calque PLAT qui se trouve sous le calque ENCRE pour procéder à la coloration.

Voici maintenant le sous-outil REMPLIR, qui joue un rôle important dans ce chapitre.

 

Après avoir choisi le sous-outil Remplir, choisissez RÉFÉRER À UN AUTRE CALQUE. Assurez-vous que l'icône sur le paramètre Référer à plusieurs est définie sur Calque de référence.

 

Maintenant, vous êtes prêt à faire de la magie !

Mais il pourrait y avoir un léger problème avec certaines zones qui ne sont pas correctement remplies.

Tout ce que vous devez ajuster sera le suivant :

 

Tolérance et mise à l'échelle de la zone

Chapitre 5 : Ombre – Mode de fusion Produit

Nous arrivons enfin au chapitre où l'un des meilleurs modes que j'aie jamais utilisé en dessin numérique : Produit.

 

Je dois admettre qu'il y a beaucoup de modes sur le calque que j'utilise occasionnellement. Par exemple ; Incrustation, Densité Couleur, Ajout (Lumière), Densité Lumière, Écran et Éclaircir, mais chaque fois que je commence une illustration numérique ; je choisis simplement le mode de fusion Produit pour donner les ombres après la couleur plate.

Mais afin d'ajouter les ombres ou de donner une dimension à l'œuvre avec le mode de fusion Produit, je vais partager avec vous mon habitude d'utiliser « Découper sur le calque inférieur ». C'est une fonctionnalité très pratique dans Clip Studio Paint et voici pourquoi :

L'image ci-dessus est un calque, défini sur MULTIPLIER mais sans DÉCOUPER SUR LE CALQUE INFÉRIEUR !

Et l'image ci-dessus est un calque, défini sur MULTIPLIER et avec DÉCOUPER SUR LE CALQUE INFÉRIEUR !

 

Comme vous pouvez le voir, la différence est assez impressionnante ! C'est une couleur ou une ombre qui n'est visible que sur la zone de texte ou de dessin en dessous. Vous n'avez pas à vous soucier que les ombres traversent d'autres zones indésirables si vous utilisez Découper sur le calque inférieur.

 

Pour une explication plus approfondie, j'utilise Découper sur le calque inférieur pour faire des expériences sur mon dessin numérique ci-dessous - ajoutant même un raffinement supplémentaire des couleurs avant d'ajouter les ombres.

Le mode de fusion Produit défini comme ombres sera notre objectif principal ici, cependant vous pouvez également explorer de nombreuses façons de donner des textures comme montré dans la vidéo, puis appliquer des lumières et des ombres sur votre œuvre par différentes sources lumineuses.

 

Puisque le but principal de notre tutoriel sera d'appliquer les modes de fusion à mon œuvre numérique, je m'en tiendrai à deux méthodes personnelles que j'ai utilisées en combinaison avec le mode de fusion Produit.

 

1. Brossage

2. Outil Lasso

 

1. Brossage ou cell shading

 

Ma première méthode est une pratique courante lors de l'utilisation du mode de fusion : Produit.

Après avoir choisi votre couleur préférée (pour moi, un violet) et votre outil favori comme le G-Pen Navet, l'Aquarelle ou n'importe quelle brosse à forme solide, brossez simplement la zone que vous jugez appropriée comme partie d'ombre. Si cela semble trop sombre, vous pouvez toujours modifier l'opacité selon les chiffres qui vous conviennent le mieux ! Personnellement, je me limiterai à 20-50% de l'opacité du calque.

2. Marquer une zone avec l'outil Lasso

 

Une autre méthode pour ajouter la zone d'ombres est d'utiliser l'outil Lasso. Cette méthode fonctionne très bien si vous avez de l'expérience avec les médias traditionnels, des années de pratique avec l'ombrage au crayon traditionnel et une compréhension de la façon dont les formes 3D, les structures et les lumières interagissent entre elles.

Un raccourci rapide pour remplir l'intérieur de la zone sera [Alt + Retour arrière], bien sûr, le moyen le plus rapide est de cliquer sur le bouton là (montré sur l'image ci-dessous).

N'hésitez pas à essayer ces boutons après avoir fait une sélection avec l'outil Lasso. C'est un peu la même chose avec les touches de raccourci qui ont de nombreuses fonctions en soi.

 

Désélectionner (Ctrl + D) et aussi Effacer\/Supprimer (DEL) sont les deux boutons de raccourci que j'utilise le plus.

 

Et voici, du plat on passe à la 'forme 3D' grâce aux ombres avec le mode de fusion MULTIPLIER et une opacité de calque de 50%.

Chapitre 6 : Lumière – Mode de fusion Densité Lumière (Glow Dodge)

Après avoir terminé avec les techniques simples de multiplication pour l'ombre, il est temps de passer aux lumières et d'avoir un autre type de calque.

Créez ou ajoutez simplement un nouveau calque, au-dessus de votre calque d'ombre - renommez-le LUMIÈRE.

 

Je pense que c'est le même processus répété que vous avez déjà très bien compris si vous me suivez depuis le début de ce tutoriel écrit (ou des astuces vidéo).

Ajouter un équilibre des couleurs ou différentes TEINTES de couleurs froides et chaudes est une de mes habitudes pour équilibrer l'illustration numérique globale.

 

• TEINTE JAUNE est mon propre terme pour ajouter une 'lueur' aux cheveux et à certaines parties de l'image (comme le chapeau\/casquette, le tissu, etc.) qui sera toujours sur le côté droit de l'image.

Dans ce chapitre sur le mode de fusion Lumière, notre objectif est d'ajouter des reflets à l'image et de faire ressortir notre illustration.

 

Je commence toujours avec DENSITÉ COULEUR, puis j'essaie de le changer en INCRUSTATION, ou même en DENSITÉ LUMIÈRE, c'est toujours une bonne occasion pour vous de jouer avec le contraste, l'opacité, la densité, ou tout ce qui se trouve dans son propre calque et même avec un pinceau différent.

 

Note : J'utilise l'AÉROGRAPHE DOUX pour donner un contraste aux cheveux et à la casquette.

 

Quant à moi, je compare généralement entre DENSITÉ LUMIÈRE et AJOUT (LUMIÈRE) pour obtenir ce qui convient le mieux à mes modes de fusion pour refléter les cheveux avec leur couleur.

Une fois le brossage terminé, il est temps d'expérimenter le SOUS-OUTIL DE FUSION.

 

Un outil polyvalent ! Comme vous le voyez dans le GIF ci-dessus, utiliser l'EMBOUT DE DOIGT du sous-outil de fusion serait l'outil parfait et efficace pour montrer les coups de cheveux au lieu de simplement les brosser encore et encore avec n'importe quelle brosse que vous aviez en tête.

Après plusieurs minutes de maculage, je constate que les cheveux réfléchissants et brillants sont trop écrasants, je trouve qu'il y a un peu trop de couleurs chaudes là.

 

J'ai donc décidé d'adoucir avec des couleurs froides.

 

Avant de changer l'ambiance de couleurs froides, je pense qu'il est préférable de garder l'autre partie (côté gauche des cheveux) en jaune, j'utilise donc d'abord VERROUILLER CALQUE TRANSPARENT.

Juste après avoir verrouillé les pixels du calque, je pense qu'il est préférable d'utiliser l'AÉROGRAPHE DOUX et la +TEINTE BLEU CLAIR pour le reste des cheveux du côté droit. Maintenant, l'apparence s'améliore.

Parfois, vous avez besoin de voir l'opposé de votre toile, il suffit de cliquer sur l'icône là-bas pour INVERSER LA TOILE HORIZONTALEMENT, puis vous pouvez voir s'il y a quelque chose qui ne va pas ou donner d'autres coups de pinceau avec une meilleure prise en main (car je suis une artiste droitière).

 

Inverser la toile, bien que cela semble courant et que tout le monde ne l'utilise pas, mais pour moi ; c'est l'un de mes plus grands avantages en art numérique !

Remarques finales de GraceGit

Ce fut un plaisir d'être avec tous ceux qui ont lu toutes mes paroles jusqu'à la fin. J'espère que vous apprendrez une ou deux choses grâce à mes conseils écrits et vidéo !

 

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